Основные, наиболее общие этапы учебной деятельности в рисунке

РИСУНОК

ТЕМА №1: Рисунок как основа изобразительного искусства

ВОПРОСЫ:

1. Рисунок – как вид графики. Назначение и функции рисунка.

2. Основные, наиболее общие этапы учебной деятельности в рисунке

3. Изобразительные и выразительные средства рисунка.

Рисунок – как вид графики. Назначение и функции рисунка.

С древнейших времен, основным средством в развитии искусств, графическим средством изображения технологических процессов, проектирования научных изобретений, был линейный, штриховой или точечный рисунок.

Вместе с развитием цивилизации в культуру людей входили Рисунок и Речь, являясь средствами отражения внешнего мира, формируя язык межличностных и межсоциальных отношений, помогая создавать объекты рукотворного мира, развивая формы человеческого творчества. Несомненно, у всех народов рисунок участвовал в создании слов и письменности. Но если слово, письмо, чтение в конце XX в. в какой-то мере доступны каждому человеку, то внешне простые средства рисунка понимают и используют немногие.

В понятие «рисунок» вложены разные трактования и представления, объективные и субъективные оценки его возможностей. Перечисление его многочисленных признаков говорит о сложности предмета, о его глубоких всесторонних связях со всей человеческой культурой, историей развития искусства. Иногда его называют изобразительным языком, понятным без перевода людям разных национальностей. Как и в речи человека, так и в рисунке отражается процесс мышления и общения человека с другими людьми. При этом в рисунке доминирующими могут оказаться в одном случае объективные, рациональные, научные, в другом ‑ субъективные, эмоциональные, эстетические подходы в использовании выразительных средств ‑ точек, линий, тона; изобразительного материала ‑ карандаша, пера, кисти и т.д.

Работы величайших мастеров в истории искусства позволяют проследить историю развития рисунка как средства фиксации мыслей художника, рассказать об особенностях творческого преобразования планируемого художественного образа, выразительных возможностях графического изображения в контексте личностного прочтения каждого мастера.

Основы выразительности современного рисунка заложены в эпоху Древней Греции и, далее, в эпоху Возрождения. Мастера эпохи итальянского Возрождения заложили принципы классического структурно-конструктивного рисунка, который, как они утверждали, лежит в основе изобразительных искусств — живописи, скульптуры и архитектуры и определяется, прежде всего, использованием в мышлении и для изображения основных узловых точек и направляющих линий формы. В дальнейшем эти установки получили развитие при преподавании рисунка в разных странах и коротко сформулированы в тезисе — «рисовать через две точки линиями». Логическая схема и главные требования конструктивного рисунка формируют представления о закономерностях формообразования, ее строении; правилах обозначения в рисунке статики, или динамики; в какой-то степени открывают закономерности распределения светотени на форме и в пространстве. Именно эпоха Возрождения выделяет рисунок как самостоятельный элемент, самодостаточный вид изобразительного искусства

В общей классификации изобразительных видов искусст в – « живопись», «графика», «скульптура», и, отчасти, « архитектура» ‑ рисунок определяется как составная часть графики, вид графики.

Как средство выразительности формы ‑ рисунок графическая основа всех изобразительных искусств , структурная организация любого изображения и графического, и живописного, и скульптурного, и декоративного, выполняет функции организации и обозначения формы в определенном материале искусства, например на бумаге, холсте и др., и далее, в зависимости от вида искусства, изобразительные и выразительные средства рисунка (графит или уголь, линия и штрих), либо продолжают формировать и уточнять изображение формы, что в результате определяет работу как графическую, либо уступают место другим материалам искусства, их выразительным и изобразительным средствам, например: цвет и краски в живописи, цветные стекла витража или мозаики в ДПИ и т.д.,

В рисунке, как виде графики, вопросы поиска формы, фактуры, передачи иллюзии объема, решаются от начала и до конца графическими материалами, не обладающими широким цветовым разнообразием ‑ графитный карандаш, уголь, сангина, соус, тушь и др.. Следовательно, тоновые отношения, тоновый контраст, контраст белого и черного, нюансы серых полутонов – основное выразительное средство и рисунка, и графики как искусства вообще. При этом рисунок может выполнять различные задачи, быть в разной степени самодостаточным и завершённым.

По визуально-техническим характеристикам рисунок ‑ это изображение, выполненное рукой человека на фиксированной поверхности, с помощью графических материалов, а также графических выразительных средств – точки, линии и пятна.

Рисунок различают: по видам; формам; технике; методам и характеру рисования; по назначению; жанрам.

Основные виды художественного рисунка: станковый рисунок, эскиз, набросок зарисовка с натуры, учебный рисунок, штудия; формы: длительный рисунок и краткосрочный; технику определяют изобразительные материалы, основы на которых производится рисунок, мастерство и опыт художника; по методам и характеру рисования – линейный; тоновый ‑ пятновый, штриховой, точечный ‑ предполагающие обозначение тонового разнообразия поверхности предмета.

По назначению различают:

1) станковый рисунок – законченное графическое изображение, выполненное на мольберте на отдельном листе, обладающее идейной ценностью и целостностью образа;

2) подготовительный рисунок ‑ полноценный «картон», обычно, в натуральную величину, на отдельном листе бумаги воплощающий образ для последующего решения в другом материале и на другой основе, например: эскиз декорации к театральной постановке. В учебном рисунке подготовительным можно считать наброски и зарисовки как промежуточное звено для следующего этапа ‑ синтеза всего наработанного материала в более сложной и часто не натурной композиции;

3) вспомогательный рисунок, необходим для фиксации, непосредственно на холсте(в живописи), предположительного образа и последующего их воплощения материалами живописи, фрески, мозаики, витража и т.д. выполняет роль средства для поиска формы, несущей образное наполнение, ‑ образа который, предположительно, ляжет в основу произведения с другими выразительными средствами (краска, пластилин, гипс);

4) учебный рисунок (академический рисунок) – вид рисунка, система обучения, целенаправленная, планируемая изобразительная деятельность, в ходе которой решаются вопросы анализа формы предметного мира, средств реализации образов восприятия и мышления в материальной форме искусства графики.

Основными задачами учебного рисунка являются:

- развитие способности аналитического зрительного восприятия объектов и явлений окружающего мира, формирование навыков сознательного всестороннего анализа и изображения натуры;

- развитие зрительной памяти, наблюдательности, точности глазомера.

- развитие объемно-пространственного мышления и т.д.

Необходимым условием является, обязательно сознательная постановка аналитического видения натуры, а также умение логически последовательно изображать ее на листе бумаги.

Основным методом обучения рисунку является рисование с натуры, при котором в процессе изображения формируются необходимые умения и навыки, развиваются зрительная память и воображение, активизируется процесс эстетического восприятия окружающего, развивается культура восприятия, культура творческой деятельности.

 

Основные, наиболее общие этапы учебной деятельности в рисунке

Система «завесы»

Метод рисования Эпохи Возрождения – школа Леон Баттиста Альберти

 

А. Дюрер. Перспективное рисование

 

 

Леонардо да Винчи. Квадрат древних

ТЕМА №4: РУССКАЯ И СОВЕТСКАЯ ШКОЛА РИСУНКА

ВОПРОСЫ:

1. Русская школа рисунка. История развития рисунка как учебной дисциплины

2. Основные методические принципы преподавания рисунка в Петербуржской академии художеств.

4. Развитие методов советской системы обучения.

1. Русская школа рисунка. История развития рисунка как учебной дисциплины

Интерес к рисованию как к учебной дисциплине на Руси возник очень давно. Уже в XI веке книжная графика и миниатюра (мелкий рисунок от руки, иллюстрирующий содержание текста) достигают высокой степени развития («Остромирово Евангелие», 1056—1057; «Изборник Святослава», 1073, и др.). Почти во всех рукописных книгах рисунками сопровождается текст, особенное значение уделяется заглавным буквам. Все это говорит о том, что вместе с грамотой ученики изучали практику рисунка, который, в свою очередь, помогал вырабатывать каллиграфический почерк. Нет сомнения, что рисование преподавали в монастырских школах, как мужских, так и женских. Для приобретения четкого и уверенного почерка и навыков в рисунке рисовали главным образом пером, инструментом, требующим твердой и уверенной руки. Однако метод обучения рисованию строился главным образом на копировании образцов. Самостоятельного станкового значения рисунок не имел, ему отводилась лишь техническая роль.

Для обеспечения правильной учебной работы составлялись сборники правил и законов изображения. Наиболее древним из сохранившихся до наших дней учебных руководств признается «Иерусалимская рукопись» (1566) под названием «Ерминия», (автор неизвестен). Автор упомянутой «Иерусалимской рукописи» делает ряд отступлений от византийских и греческих канонов, приближая пропорции человеческой фигуры к русскому национальному типу. Он пишет: «Ученик! Когда ты хочешь делать рисунок человека, то сперва раздели место для него на семь ровней, или голов, и первый ровень раздели на четыре части. В первой нарисуй волосы, во второй чело, в третьей нос, в четвертой бороду. Потом возьми половину меры носа и начерти один глаз в ширшей части лица, зрачок же ставь не в середине глаза, но немного поближе к уху; после сего циркулем возьми меру носа и, уставив один конец циркуля в зрачок большого глаза, поведи его на противоположную часть лица, и тут означь другой зрачок, и округли другой глаз в суженной части лица, но сделай его немного круглее и меньше первого глаза, да и немного ниже» (Подробнее см.: Лифшиц М. А. и Рейнгарт Л. Я. Кризис безобразия. М., 1968; Кеменов В. С. Против абстракционизма в спорах о реализме. Л., 1969; Лебедев А. К. К спорам об абстракционизме в искусстве. М., 1970; Коршунов А. М. Теория отражения и творчество. М„ 1971; Ленгинас Шепетис. От жизни — в ничто. М., 1972; Недошивин Г. Н. Теоретические проблемы современного изобразительного искусства. М., 1972; Столович Л. Н. Природа эстетической ценности. М., 1972).

Другая рукопись, составленная иеромонахом и живописцем Дионисием Фурнаграфиотом (1701—1733) под названием «Ерминия, или Наставления в живописном искусстве », в некоторых положениях перекликается с канонами античности и Возрождения; Например, автор «Ерминии...» пишет: «Раздели первую часть (голову.— Н. Р.) на три: лоб, нос и борода, волосы делай сверх меры, длиною соразмерно носу. Пространство между бородою и носом также дели на три части: подбородок — две части, рот — одна, а горло равно носу»

Для изучения особенностей иконописного рисунка, а также для копирования образцов составлялись специальные альбомы-тетради подлинников, которые по существу были методическими пособиями по рисунку в помощь ученикам. Примером такого учебного пособия может служить альбом Антониева-Сийского монастыря, составленный в XVII веке художником монахом Никодимом.

Строгой методики обучения рисованию в иконописных мастерских не было, так как рисунок еще не выделился в самостоятельную учебную дисциплину. Кроме того, не было и обучения рисованию с натуры, а копировальный метод не требовал особой методики работы с учениками.

Впервые рисование как общеобразовательный предмет появляется в начале XVIII века. В этот период на рисование начинают смотреть как на одно из средств, способствующих развитию образного представления и умений, которые можно применить в любой профессии.

В 1715 году рисование было включено в число учебных предметов Морской академии. С 1716 года рисованием стали заниматься учащиеся хирургической школы при Санкт-Петербургском военном госпитале. В 1721 году рисование вводится в число учебных предметов в Карповской школе Феофана Прокоповича. В 1724 году в Российской Академии наук наряду с прочими науками преподавали «знатнейшие художества» и студенты академии, «буде охота есть», могли заниматься рисованием. Постепенно рисование как общеобразовательный предмет вводится все шире: с 1732 года оно преподается в Кадетском корпусе, с 1747 — в гимназии при Академии наук, с 1764 — в Институте благородных девиц при Воскресенском (Смольном) монастыре.

Все эти учебные заведения не ставили своей целью воспитание художников-профессионалов, не стремились приблизить рисование к задачам художественного обучения. Они давали своим воспитанникам только элементарные навыки, чтобы те могли их использовать в самых различных случаях, обучали рисованию в общеобразовательных целях.

В 1735 году был издан на немецком и одновременно на русском языке учебник по рисованию И. Д. Прейслера «Основательные правила, или Краткое руководство к рисовальному художеству». Обучение по системе Прейслера начинается с рисования прямых и кривых линий, геометрических фигур и объемных тел, после чего ученик переходит к рисованию частей человеческого тела, затем головы и, наконец, всей человеческой фигуры.

Как и большинство художников-педагогов, в основу обучения рисунку Прейслер кладет геометрию и рисование с натуры. Геометрия помогает рисовальщику видеть и понимать форму предмета, а при изображении ее на плоскости облегчает процесс построения. При этом применение геометрических фигур должно сочетаться со знанием правил и законов перспективы, а также анатомии.

Следует заметить, что первые учителя-иностранцы просто заставляли своих учеников копировать рисунки из книги Прейслера. Это дало повод историкам искусства назвать метод Прейслера «копировальным». Сам же Прейслер не рекомендует копировать свои рисунки. Наоборот, в двух книгах он говорит о рисовании с натуры, о необходимости изучения анатомии, об использовании этих знаний при рисовании живой модели.

2. Основные методические принципы преподавания рисунка в Петербуржской академии художеств

В 1757 году по инициативе графа И. И. Шувалова в Петербурге была основана «Академия трех знатнейших художеств - живописи, скульптуры и архитектуры», где впервые было серьезно налажено обучение русских художников изобразительному искусству.

Здесь складывается новая методика преподавания и основным учебным предметом в академической системе обучения был рисунок.

В первом Уставе академии И. И. Шувалов писал: «Следовательно, к достижению всего вышеописанного (художественного образования) началом и основанием служить имеет твердое и исправное рисование, без чего упражняющийся в сих благородных художествах желаемого совершенства достигнуть не сможет».

При обучении рисунку большое значение придавалось личному показу. В инструкциях профессорам академии того времени указывалось: обучая рисованию с натуры, учителя академии должны «садиться рядом» с учениками и рисовать ту же модель, чтобы ученики видели процесс построения рисунка.

Большую роль в совершенствовании рисования как учебного предмета сыграл художник и педагог А. П. Лосенко (1737—1773), уделявший много внимания не только практике, но и теории рисунка. Начиная с Лосенко русская академическая школа рисунка получила свое особое направление. Метод преподавания стал основываться на глубоком изучении анатомии человеческой фигуры и законов перспективы.

Во многом способствовал формированию методики преподавания учебного рисунка президент академии, образованнейший человек своего времени А. Н. Оленин, (1763—1843). Понимая, что практика искусства без теории ограничена в своем развитии, А. Н.Оленин проектирует учебник для художников, который всесторонне освещал бы искусство рисунка. Он разработал проспект учебника и предложил В. К. Шебуеву выполнить эту работу. Кроме того, в 1834 году Оленин для «более серьезной подготовки художников решил ввести для учащихся класс анатомии», для преподавания в котором привлек профессора Медико-хирургической академии И. В. Буяльского.

Чтобы повысить качество работ воспитанников на исторические темы, А. Н.Оленин организовал класс манекенов, которых «одевали в римский и греческий костюмы; здесь находились также греческие шлемы и латы, сделанные из латуни, туники ‑ греческая, римская, египетская и много других вещей».

К середине XIX века русская Академия художеств выдвинулась в первый ряд художественных академий Европы. К этому времени в ней была создана последовательная система художественного образования, а также устоявшаяся методика обучения рисунку.

О.А. Кипренский написал портрет своего приемного отца Швальбе, который Неаполитанская академия приняла за работу Рембрандта, а узнав подлинного автора, провозгласила его «русским Ван-Диком»; А. Е. Егоров прославился как «российский Рафаэль» и замечательный педагог рисунка; картина К. П. Брюллова «Последний день Помпеи» получила европейскую известность.

Русская Академия художеств второй половины XVIII—первой половины XIX века была одной из лучших школ рисунка. Она стала и центром методических разработок для всех учебных заведений России. В Академии художеств зарождались новые взгляды на искусство, предлагались и утверждались новые методы преподавания рисования для целой сети учебных заведений. Постановка художественного образования в Академии художеств оказала влияние на развитие методики преподавания рисования не только в специальной художественной школе, но и в общеобразовательной.

Среди лучших русских художников-педагогов, работавших над проблемами учебного рисунка, особое место занимает В. К. Шебуев (1777‑ 1855). Рисовальщик и живописец, Шебуев составляет пособие по пластической анатомии для художников ‑ «Антропометрия», составляет полный курс правил рисования для воспитанников академии. По мнению Шебуева, достигнуть успеха в обучении рисунку можно только при широком использовании наглядных пособий. С этой целью он стал изготовлять из папье-маше анатомические муляжи, или, как их тогда называли, «фонтомы ».

«Полный курс правил рисования для воспитанников Академии, художеств», имел четкую методическую последовательность усложнения учебных задач. Кроме того, Шебуев стремился научно обосновать закономерности строения любой формы. Раскрывая закономерности строения формы гипсовой головы Аполлона, Шебуев показывает в рисунках особенности строения черепа, подчеркивает, как кости черепа обусловливают пластику формы каждой части лица и всей головы.

В 1834 году русский художник-любитель А. П. Caпожников (1795—1855) издал «Курс рисования». Это был первый учебник по рисованию для общеобразовательных учебных заведений, составленный русским художником. Учебник переиздавался затем много раз, последнее его издание — 1889 года. В предисловии к изданию 1879 года читаем: «... цель, с которою учреждены рисовальные классы в большей части учебных заведений, состоит не в том, чтобы сделать из учащихся художников, но в том, чтобы развить в них способность изображать на бумаге видимые предметы понятно и правильно».

В методике преподавания рисования основной задачей являлось приучить учащихся во время рисования мыслить, рассуждать, анализировать. Ценность метода Сапожникова заключается в том, что он основан на рисовании с натуры, не копировании натуры, а анализе формы. Этой цели служила серия моделей из проволоки и картона, которые объясняли строение форм предметов, явления перспективы и законы светотени.

До выхода его книги в общеобразовательных учебных заведениях преобладало копирование. Рисованию с натуры почти не учили.

Сапожников пишет, что лучшим средством помочь ученику правильно строить изображение формы какого-либо предмета является метод ее упрощения в начальной стадии рисования. Вначале ученик должен определить геометрическую основу формы предмета, а затем уже переходить к уточнению. «Одним из таких способов является способ разложения любого из видимых предметов на простейшие геометрические фигуры, каковы треугольники, четырехугольники и тому подобные, — писал Сапожников. — Нет животного, птицы, насекомого, цветка, растения, формы которых в общем, не могли быть окованы сказанными фигурами; нет почти случая, где фигуры эти не послужили бы остовом для описания около последнего подробностей контура данного предмета».

А. П. Сапожников. Проволочные модели головы

Сапожников рекомендует педагогу не столько выправлять рисунок ученика, сколько объяснять его ошибки словесно. Нужно, чтобы ученики, следуя по собственному соображению устным указаниям педагога, могли правильно нарисовать каждую из поставленных перед ними новых моделей. Для достижения этой цели и служат методические модели.

Таким образом, модели у Сапожникова служат для раскрытия закономерностей строения натуры. Они находятся рядом с натурой и помогают увидеть особенности строения формы.

В частой практике свою методику преподавания предложил художник-педагог А. Г. Венецианов (1780‑ 1847) Он предложил метод работы, отличный от академического. Венецианов был убежден, что основой метода обучения рисунку должно быть рисование с натуры с первых шагов обучения. Копирование «образцов» в начальной стадии обучения рисунку Венецианов считал ненужным и даже вредным. «У него была своя особая метода преподавания. Он начинал учение с гипсов и с других предметов, каковы коробочки, яйцо, стул, фуражка, корзинка, находя, что ученик этим способом вместе с линиями привыкнет и к осязанию форм».

В отличие от академической школы, которая призывала при рисовании с натуры «облагораживать» ее по античному образцу, Венецианов утверждал, что художник должен постоянно изучать реальную действительность. Он также считал, что классическая системахудожественного воспитания подавляет, индивидуальность художника.

В 40-е годы XIX века в методах обучения рисунку мало развития. В Академии художеств снижается уровень художественной подготовки, обедняются педагогические инновации. Академическую система художественного образования приобретает односторонний характер, развивается как система идеализированного воспитания, методической основой которой являются античные образцы. Натура, как таковая, не изучалась, все несовершенства фигуры позирующего натурщика рисовальщик обязан был выправлять по античным канонам. Теоретик и историк изобразительного искусства Н. Рамазанов писал: «Правда, что под карандашом и кистью Угрюмова, Лосенко, Егорова и Шебуева рисунок в нашей Академии стал на высокую ступень античного изящества и утонченности, но впоследствии менее даровитые художники довели эту античность в рисунке до крайней сухости и даже одеревенелости; изучение антиков совершенно поглощало изучение красот в живом теле; между рисовальщиком и натурщиком как бы невидимо и постоянно помещался всегда древний Антиной или Геркулес, смотря по возрасту натурщика... Но приезд Брюллова из Италии положил конец идеализациям, по мнению великого живописца, следовало изучать исключительно всю разнообразную прелесть самой натуры».

Русский художник-педагог К. П. Брюлов (1799‑ 1855) считал, что непосредственные жизненные наблюдения, глубокое дознание природы помогут художнику достичь высот реалистического рисунка. От учеников Брюллов требовал, чтобы они в свободное время постоянно рисовали с натуры. Он считал, что, рисуя с натуры, начинающий художник невольно найдет в ней много интересного и, следовательно, обогатит себя как художника. Большое значение Брюллов придавал технике рисунка. «Рисовать надобно уметь прежде, нежели быть художником, потому что рисунок составляет основу искусства; механизм следует развивать от ранних лет, чтобы художник, начав размышлять и чувствовать, передавал свои мысли верно и без всякого затруднения; чтобы карандаш бегал по воле мысли: мысль повернется и карандаш должен повернуться». « Не упускайте ни одного дня, не приучая руку к послушанию. Делайте с карандашом то же, что делают настоящие артисты со смычком, с голосом; тогда только можно сделаться вполне художником».

Необходимо отметить и то новое, что внес Брюллов в методику преподавания рисунка. Прежде всего, это метод индивидуального подхода к ученикам, относиться к своим воспитанникам как к младшим собратьям по искусству. Считал большим недостатком академической системы того времени подавление личности учащихся. «Нельзя давать наставления ученику, основываясь только на приказании и личном авторитете. Художник не машина, он должен уметь мыслить сам». Брюллов приучал самостоятельно преодолевать трудности при рисовании; он не сразу выправлял ошибку в рисунке, а сначала предлагал ученику самому разобраться в ней.

Г. А. Гиппиус в 1844 году издает фундаментальный труд — «Очерки теории рисования как общего учебного предмета». Это был первый капитальный труд по методике обучения рисованию в общеобразовательной школе. Здесь были сконцентрированы все передовые идеи педагогики того времени.

Книга делится на две части — теоретическую и практическую. В теоретической части излагаются основные положения педагогики и изобразительного искусства. В практической части раскрывается методика обучения.

Гиппиус стремится теоретически обосновать каждое положение методики обучения рисунку. По-новому он рассматривает и сам процесс преподавания. Методика, говорит Гиппиус, не должна придерживаться определенного шаблона, разными методами преподавания можно достигнуть хороших результатов. В этом отношении Гиппиус предвосхищает современное понимание методики преподавания как искусства преподавания.

Много ценных методических рекомендаций и советов дает Гиппиус во второй части своей книги — «Первоначальное обучение. А. О наглядности». Методика преподавания должна основываться, по его мнению, не только на данных практической работы, но и на данных науки, прежде всего психологии.

Большое внимание Гиппиус обращает на материалы и оборудование: «Как худым пером невозможно хорошо писать, так точно нельзя хорошо рисовать худым карандашом. Следственно, учитель должен заботиться о хорошем материале; никто более его не чувствует в нем нужды, никому другому недостаток в хорошем материале столь не чувствителен, как учителю. Пусть же он потрудится выбрать оный».

Исследуя историю развития методики преподавания рисования, необходимо несколько слов сказать и о постановке обучения рисунку в общеобразовательных школах России.

В 1804 году школьным уставом рисование вводится во все уездные училища и гимназии.

Из-за недостатка учителей в 1825 году в Москве по инициативе графа С. Г. Строганова основывается Училище технического рисования, где было отделение, готовившее учителей рисования для общеобразовательной школы. В 1843 году Министерство народного просвещения издало циркулярное предложение о замещении не имевших специального художественного образования учителей рисования, черчения и чистописания в уездных училищах учениками школы Строганова. До 1879 года это училище было единственным учебным заведением, которое специально готовило преподавателей рисования.

Со второй половины XIX века вопросам методики преподавания начинают уделять особое внимание не только выдающиеся художники-педагоги, но и рядовые учителя школ.

В 1864 году уставом средних учебных заведений рисование было исключено из числа обязательных предметов. В уставе говорилось, что отказаться от преподавания приходится, с одной стороны, «по недостатку времени», а с другой стороны, «по недостатку хороших учителей».

В связи с этим в 1869 году в Академии художеств был поднят вопрос об устройстве специальных педагогических курсов для подготовки учителей рисования, так как окончившие полный курс и получившие звание художника питомцы Академии художеств в дидактическом отношении были совершенно неподготовленными.

В 1870 году для поощрения и развития художественного образования учреждаются художественные конкурсы для учащихся средних общеобразовательных учебных заведений, с присуждением поощрительных наград. Художественная комиссия не только присуждала награды за присланные рисунки, но и обсуждала вопросы методики преподавания в общеобразовательных классах.

В 1872 году рисование вновь включается в круг учебных предметов реальных и городских училищ. В том же 1872 году были учреждены «Бесплатные воскресные классы рисования для народа». Преподавание в этих классах велось вначале под наблюдением профессора живописи В. П. Верещагина и академика архитектуры И. И. Горностаева, а впоследствии — под наблюдением художника В. П. Шемиота.

С 1903 года право преподавать рисование во всех учебных заведениях имели:

а) окончившие курс Высшего художественного училища при академии со званием художника и имеющие свидетельство об окончании педагогических курсов;

б) окончившие курс Высшего художественного училища со званием художника, но не прошедшие педагогических курсов;

в) окончившие натурный класс Высшего художественного училища со сдачей экзаменов по истории искусств, анатомии и перспективе и прошедшие педагогические курсы;

г) окончившие натурный класс Высшего художественного училища и сдавшие экзамены по истории искусств, анатомии и перспективе, но не прошедшие педагогических курсов;

д) окончившие курс академических художественных училищ в Казани, Одессе и Пензе и окончившие курс центрального Училища технического рисования барона Штиглица в Петербурге и Строгановского училища в Москве;

е) ученики натурного класса Московского училища живописи, ваяния и зодчества.

Свидетельства на право преподавания рисования делились на три разряда, соответственно учебным заведениям: 1) для средних учебных заведений; 2) для низших городских училищ; 3) для начальных училищ.

С целью выработки методов преподавания рисования в общеобразовательных школах была создана специальная комиссия при Академии художеств. В эту комиссию входили выдающиеся художники: Н. Н. Ге, И. Н. Крамской, П. П. Чистяков. Комиссия занималась также составлением программы для средних учебных заведений.

Особенно-значимое влияние на развитие методики преподавания рисования оказал художник-педагог Павел Петрович Чистяков (1832—1919). Его взгляды на цели и задачи искусства и художественной школы начали формироваться в 60-е годы XIX века. Это было время борьбы передовых общественных сил с остатками крепостничества, время борьбы против реакционной идеологии, формирования свободной научной и творческой области инноваций. Академия художеств к этому времени придерживается догматического метода преподавания, традиция копирования гипсовых слепков является ведущей. Академия нуждалась в реформе. Нужны новые формы и методы работы, необходимо было усовершенствовать методику преподавания рисунка, живописи, композиции.

В 1863 году И. Н. Крамской и тринадцать его товарищей демонстративно вышли из Академии художеств, отказавшись писать конкурсные работы на мифологические и религиозные сюжеты, доказывая, что в жизни есть более интересные и прекрасные темы для художника. Они организовали «Артель художников», а впоследствии — «Товарищество передвижных художественных выставок».

Двадцатилетие деятельности Чистякова в качестве адъюнкт-профессора Академии художеств (1872—1892) было основным и плодотворнейшим педагогическим периодом его жизни. В это время он вырабатывал новую методику преподавания, проверял на практике свою педагогическую систему. Однако титулованные идейные враги Чистякова, зная о прекрасных результатах его школы, всячески стремились дискредитировать ее. В Академии художеств Чистякова всячески третировали, старались изолировать от молодежи, лишить возможности вести педагогическую работу (с 1890 по 1912 год Чистяков был заведующим отделением мозаики). Только в советское время стал изучаться архив Чистякова. Советская художественная педагогика сформировалась на использовании основных положений его методики.

Для России конца XIX — начала XX века был характерен повышенный интерес к методике преподавания рисования и в специальных, и в общеобразовательных учебных заведениях. В частности, бурные дискуссии вызвал вопрос о преимуществах «геометрального» и «натурального» методов преподавания.

Борьба между сторонниками этих двух направлений усугубляется еще тем обстоятельством, что в основу ныне действующих официальных программ по графическим искусствам, принятых Министерством Народного Просвещения, положен геометрический метод; требования же, выдвигаемые самой жизнью и новейшей педагогикой, властно взывают к отречению от устарелых форм и вступлению на новый путь.

Давая характеристику данному историческому периоду художественной жизни России, надо отметить, что Академия художеств и многие ее действительные члены были в идейно-политическом отношении индифферентными, неспособными на мужественные гражданские поступки. Письмо с протестом против расстрела участников событий 9 января 1905 года, направленное в Совет Академии, подписали только В. А. Серов и В. Д. Поленов. Серов демонстративно вышел из Академии. Он не желал быть ее членом, так как во главе ее стоит «лицо, имеющее высшее руководство над войсками, пролившими братскую кровь». Назначение Академии, по мнению Серова, — «вносить в жизнь идеи гуманности и высших идеалов», а не стоять в стороне от живой действительности.

Пассивность Академии и ее членов выражалась во всем, - в том числе и в вопросах искусства и методов его преподавания. И. Е. Репин понимал отсталость Академии и в то же время беспочвенность и реакционность формалистического искусства, которое было направлено на уничтожение школы, на отказ от оправдавших себя методов преподавания.

Советская школа рисунка

Педагог в советской художественной школе стал прежде всего репликатором государственной политики образования, перестройки содержания, форм и методов обучения с учетом новых условий всеобщего образования.

12345678910Следующая ⇒

Поделиться: