|
Архитектура Аудит Военная наука Иностранные языки Медицина Металлургия Метрология Образование Политология Производство Психология Стандартизация Технологии |
|
|
Архитектура Аудит Военная наука Иностранные языки Медицина Металлургия Метрология Образование Политология Производство Психология Стандартизация Технологии |
Василий Поленов «Московский дворик» (1878) Картину называют одной из самых солнечных в русской живописи ⇐ ПредыдущаяСтр 4 из 4
Василий Перов «Тройка» («Ученики мастеровые везут воду») (1866) «Ужасающее... отражение русской народной жизни» (А. Н. Бенуа)
1865-1870
Написанные следом картины — «Тройка», «Приезд гувернантки» à , «Сцена на почтовой станции» — показывают тяжёлое, унизительное положение наёмных рабочих. Художник так организовал изображение, что персонажи картин как бы с укором смотрят на зрителя — исследователи отмечали, что это свойство будет характерно для целого ряда портретов, выполненных Перовым.
В семидесятые годы в творчестве Перова особое место заняли житейские бытовые сюжеты. Кроме портретов (Тимашевой, А. Н. Островского, Степанова) на 1-й выставке ТПХВ он показал картины «Охотники на привале» 1871 г., «Рыболов» 1871 г.
< -- М. П. Погодина(опять красный фон, но более темный оттенок уже); портрет московского купца И. С. Камынина.(еще более темный, бордовый фон, ушел от этой идеи)
Портреты с 1875 г принимают более солнечный вид – свет падает ярко, создавая четкие светотени на лицах, фон не темный, а скорее затемненный. (портрет Н.А.Касаткина 1876 г., А.И.Криденер 1876 г) à
И.крамской (1837-1887) Крамской обладал задатками государственного деятеля, которому доступно решение существенных вопросов жизни страны. Как художник и гражданин он остро реагировал на важнейшие явления окружающей действительности, сознательно стремился служить своим искусством родному народу. Для его правдивой, честной и благородной души не было чужого горя. Глубина содержания человеческой личности определялась им тем, насколько человек способен жить интересами народа. Работа над образом положительного героя стала для Крамского основополагающей. Вместе с соратниками по искусству он содействовал утверждению прогрессивных сил страны. Творчество Крамского, заложенные в нем морально-этические ценности помогали формированию духовного облика передовой русской интеллигенции, делали людей внутренне богаче, чутче, воспитывали в них общественную активность. Произведения Крамского не утрачивают своей притягательной силы и для последующих поколений, потому что в основе мировоззрения Крамского лежат любовь и уважение к человеку, к его внутреннему миру, вера в истину, добро и красоту, в неисчерпаемые силы, заключенные в роднике народной жизни.
В 1865 году Марков пригласил его в помощники по расписыванию купола храма Христа Спасителя в Москве. Из-за болезни Маркова, всю главную роспись купола сделал Крамской вместе с Венигом и Кошелевым.
ß Иван Николаевич Крамской создал ряд портретов выдающихся русских писателей, артистов и общественных деятелей (Л.Н.Толстой , 1873 ; И. И. Шишкин , 1873 ; П.М.Третьяков , 1876 ; М.Е. Салтыков Щедрин , 1879 ) портрет С.П.Боткина ( 1880 )
Женские портреты.
На первой передвижной выставке Крамской участвовал большой картиной «Русалки» на сюжет повести Н. В. Гоголя «Майская ночь». Здесь художника привлекла возможность передать языком живописи лунный свет, так поэтически меняющий все вокруг.
Пишет портрет императора Ал 3 – совсем другая стилистика, чем у других портретов – более академично, более сильно. Передача опять-таки глаза в глаза, мощь и душевные мышления героя. Учитель Репина. Философия творчества Ивана Крамского и Василия Перова – предполагает то, что оби они были представителями начавшегося в искусстве реализма, и стремились показать мир таким, какой он есть, откзаавшись один от академических требований к тематикам работ, а другой – от скрытия пороков жизни. Оба показывали не людей – статуй на портретах, не стандартизированность – а живую личность, у которой свои мечтания, стремления, боль и судьба. Очень важно, что они продолжили линию Брюллова – взгляд в глаза зрителю, прямой, строгий, умный. Нет такого, чтобы человек на портрете был исключительно погружен в себя, нет, он изображает и мышление, и общается со зрителем.
Вопрос 11. С. Щедрин в отношении пейзажной живописи Германии и Франции эпохи романтизма.
Если родоначальницей классицизма была Франция, то корни романтической школы в Германии. Там родилась она, и там образовали свои вкусы современные итальянские и французские романтики”. Основным мотивом является идея единства человека и природы.
Искусство романтизма во Франции развивалось особыми путями. Первое, что отличало его от аналогичных движений в других странах, -- это активный наступательный (“революционный”) характер. Поэты, писатели, музыканты, художники отстаивали свои позиции не только созданием новых произведений, но и участием в журнальной, газетной полемике, что исследователями характеризуется как “романтическая битва”. Романтическая живопись во Франции возникает как оппозиция классицистической школе Давида, академическому искусству, именуемому «школой» в целом. Но понимать это нужно шире: это была оппозиция официальной идеологии эпохи реакции, протест против ее мещанской ограниченности. Отсюда и патетический характер романтических произведений, их нервная возбужденность, тяготение к экзотическим мотивам, игра воображения, мечтательность и полное отсутствие активности. Представители «школы», академисты восставали прежде всего против языка романтиков: их возбужденного горячего колорита, их моделировки формы, не той, привычной для «классиков», статуарно-пластической, а построенной на сильных контрастах цветовых пятен; их экспрессивного рисунка, преднамеренно отказавшегося от точности и классицистической отточенности; их смелой, иногда хаотичной композиции, лишенной величавости и незыблемого спокойствия. Автопортрет 1817 Пейзажи С.Ф.Щедрина близки по своей природе общей направленности романтизму О.А.Кипренского. Романтические тенденции у Щедрина не носят самодовлеющего, декларативного характера.
1808 год принес студенту первую, малую серебряную медаль за рисование с натуры. В следующем году за успехи в живописи его наградили уже малой золотой. А в 1812 году Щедрин окончил Академию с присуждением большой золотой медали за полотно «Вид с Петровского острова». Такая награда давала выпускнику право на поездку в Италию для знакомства с богатой натурой и шедеврами классического искусства, так называемого «пенсионерства». Но из-за войны с Наполеоном путешествие пришлось отложить. Только в 1818 году художнику, наконец, удалось выехать в Италию. В Россию он больше не вернется. В 27 лет Щедрин попадает в Рим. Он работает исключительно с натуры, что для того времени было революционным ходом. Художник не просто пишет, он наслаждается живописными видами зеленых долин и лазурного моря. Ему отлично удается передавать эффекты освещения, атмосферу и воздух. Настоящим певцом итальянской природы становится Сильвестр Щедрин. Картины художника хотят приобрести не только русские, но и искушенные местные коллекционеры. После Рима Щедрин отправился в Неаполь. Однако там назревали революционные волнения и оставаться было небезопасно. Живописец вновь поселился в Риме. В 1823 году он создал свою самую известную картину – «Новый Рим. Замок святого Ангела». В том же году истекал срок пенсии Академии художеств, пришло время возвращаться на родину. Но работы Щедрина пользовались таким успехом в Италии, что он решил задержаться здесь. Вновь художник переселяется в Неаполь. В городе он проводит зимы, а в теплое время путешествует по маленьким приморским городам, делая натурные зарисовки. Неизвестно, планировал ли Щедрин вернуться в Россию. Из переписки видно, что судьба Родины и отечественного искусства сильно волновала его, хотя и оставлять Италию он не спешил. Так или иначе, возвратиться ему было не суждено. Художника подкосила тяжелая болезнь, от которой не помогли ни дорогостоящее лечение на курортах, ни шарлатанские снадобья. Сильвестр Феодосиевич Щедрин умер в возрасте 39 лет, в ноябре 1830 года. Становление пейзажа как такового, и романтического в частности, связано в России с именами Щедрина и Айвазовского. До этих мастеров изображение природы считалось изящным салонным жанром и не имело большого веса. Предпочтение отдавалось портретам и историческим полотнам. Природа рассматривалась в основном как фон для размещения модели или военных баталий. Романтическому пейзажу предшествовал сентиментальный, как правило, изображавший умиротворенные пасторали или ностальгические виды загородных усадеб. Романтизм очеловечивал природу, теперь она становится действующим лицом на картине, выражает мысли художника. Любимый сюжет художников-романтиков – море и горы. Щедрин начинал в рамках классицизма, но быстро отошел от него. Его живописные солнечные долины и морские виды в лунном освещении относятся к романтическому жанру.
«Замок святого Ангела» (1823–1825) - самый известный сюжет Щедрина. Строго говоря, это была не картина, а целый цикл из восьми полотен под общим названием. Первая работа имела такой ошеломительный успех, что по многочисленным просьбам Щедрин сделал еще несколько повторений, варьируя освещенность и время суток. Одна из работ находится в Третьяковской галерее.
Щедрин сочетает «интерьерное» пространство самой террасы на первом плане и бескрайние морские дали в глубине. Пластичная «осязаемость» каменных стен террасы, погруженной в глубокую тень, контрастирует с залитым солнечным светом и кажущимся почти нереальным водным и воздушным простором. Обитатели террасы – итальянские простолюдины, охотно позировавшие художнику за небольшую плату, – наслаждаются покоем и негой, разлитыми в окружающей природе. Являясь почитателем гармонии и ясности, художник на протяжении своей короткой и удивительно цельной творческой жизни к подобному мотиву уже не вернется.
Меланхолический оттенок этих работ, возможно, связан и с болезненным состоянием Щедрина в то время. Несмотря на серьезное, прогрессирующее заболевание, художник не терял жизнерадостности и чувства юмора. Его последние письма из Италии были полны надежды на выздоровление и возвращение домой. Но он никогда не вернется в родную страну. Пейзажи С.Ф.Щедрина близки по своей природе общей направленности романтизму О.А.Кипренского. Романтические тенденции у Щедрина не носят самодовлеющего, декларативного характера. И у того и у другого романтизм заключался в лирическом, личном восприятии человека и природы, но не переходящем в восприятие субъективное. Именно у Щедрина отчетливо непосредственное наблюдение натуры. Рыбаки и городская беднота, торговки рыбой, оборванные дети, населяющие пейзажи Щедрина, далеки от экзотического колоритного стаффажа. Они – органическая часть единого образа Италии. Их движения естественны и неторопливы: в самом замедленном ритме их жизни ощущаешь органическую слитность с окружающей природой. В колорите для Щедрина характерно стремление для поэтической выразительности образа – к непосредственности восприятия окружающего мира. Традиционная для русского «пенсионерского» пейзажа познавательность как изображения архитектурной или природной достопримечательности сменяется у него интересом к природе, представляющей неповторимо индивидуальный облик данной местности. Стремясь возможно правдивее передать поэтическую органичность окружающего мира Щедрин добивается все наибольшего осветления палитры. Это первые шаги к пленэрной живописи. По наблюдению одного из исследователей, в творчестве живописца доминирует светотеневая композиция, подчиняющая себе цветовые отношения. Несмотря на тонкую передачу свето-воздушной среды, его ещё нельзя причислить к мастерам пленэра. Реалистические искания Щедрина не остались одинокими. По характеру тематики и творческих тенденций ему довольно близок его младший современник, рано умерший Михаил Лебедев. На рубеже XVIII и XIX веков европейская и, в том числе американская, культура переживали зарождение, совершенно отличного от периода размышлений и философии Просвещения, — этапа Романтизма. Вкрапляясь постепенно из Германии в культуру и искусство Англии, Франции, России и других европейских стран. Романтизм обогащал художественный мир новыми красками, сюжетными линиями и смелостью обнаженной натуры. Название свежего течения родилось из тесного переплетения нескольких значений однозвучных слов разных стран — romantisme (Франция), romance (Испания), romantic (Англия). Впоследствии имя направления укоренилось и дошло до наших дней как romantique — нечто живописно-странное, фантастически-красивое, существующее тольк в книгах, но не в действительности. Романтизм сменяет эпоху Просвещения и совпадает с промышленным переворотом, обозначенным появлением паровой машины, паровоза, парохода, фотографии и фабрично-заводских окраин. Если Просвещение характеризуется культом разума и основанной на его началах цивилизации, то романтизм утверждает культ природы, чувств и естественного в человеке. Именно в эпоху романтизма оформляются феномены туризма, альпинизма и пикника, призванные восстановить единство человека и природы. Востребованным оказывается образ «благородного дикаря», вооруженного «народной мудростью» и не испорченного цивилизацией. То есть романтисты хотели показать необычного человека в необычных обстоятельствах. Одним словом, романтисты противостояли прогрессивной цивилизации. Романтизм в живописи Глубина собственных личных переживаний и мыслей — вот что передают живописцы через свой художественный образ, который сделан с помощью цвета, композиции и акцентов. В различных европейских странах существовали свои особенности в трактовке романтического образа. Всё это связано с философским течением, а также общественно-политической обстановкой, на которое единственным живым откликом было искусство. Не была исключением и живопись. Во Франции романтизм в живописи развивался по иным принципам. Бурная общественная жизнь, а также революционные потрясения проявляются в живописи тяготением живописцев к изображению умопомрачительных и исторических сюжетов, также, с «нервным» возбуждением и патетикой, которые достигались ослепительным цветовым контрастом, некоторой хаотичностью, экспрессией движений, а также стихийностью композиций. Представители: Т.Жерико, Г.И.Фюсли, Э.Делакруа, Ф. Гойя, И.Айвазовского Для передачи страстей художники прибегали к использованию сочных красок, ярких мазков и насыщению картин «спецэффектами».
· · Семейный портрет графов Морковых, 1813, В. А. Тропинин В России бидермейер — это пушкинские времена. Мода бидермейера — мода пушкинских времен. Это редингот, жилет и цилиндр у мужчин, трость, узкие брюки со штрипками. Иногда — фрак. Женщины носили платья с узкой талией, широкими декольте, широкими юбками в форме колокола, шляпки. Вещи были просты, без сложных украшений. · Щедрин интересен что творчество развертывается в эпоху восхождения нового класса; реализм борется с традицией; · самостоятельных поисках приближения к природе, передачи ее с новых сторон, · отходит от завещанных традиционных приемов. · В природе Щедрина не привлекали сенсации - ветры, штормы, грозы. Ясность и гармония духа, внутренняя свобода, счастливое равновесие ума и сердца
|
Последнее изменение этой страницы: 2019-05-05; Просмотров: 341; Нарушение авторского права страницы
В.Перов. (1834-1882)
Учился в Арзамасской художественной школе А. В. Ступина, 1846—1849. Первоначально (еще в отрочестве) работал над церковной живописью («Распятие» (местонахождение неизвестно)) для церкви в соседнем селе Никольское. В этот период Перов написал ряд портретов и жанровых картин: «Нищий, просящий милостыню», à «Деревенская тройка», «Народное гуляние в семик»
В 1852 году Василий Перов приехал в Москву и на следующий год поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. В 1856 году за представленный в Императорскую академию художеств «Портрет Николая Григорьевича Криденера, брата художника" à Перов был отмечен малой серебряной медалью. Эта работа была ещё тесно связана с традициями искусства начала XIX века, носила черты ступинской школы; но уже в последующих работах Перов выступил как новатор. Написанная в 1857 году картина «Приезд станового на следствие» ß принесла художнику большую серебряную медаль. Она обратила на себя внимание публики и критики; в Перове увидели «прямого наследника и продолжателя Федотова»
В 1860 году Академия присудила Перову малую золотую медаль за картину «Первый чин. Сын дьячка, произведенный в коллежские регистраторы», à которая утвердила художника как наследника сатирического жанра 1840-х годов. Получив право участвовать в конкурсе на большую золотую медаль, Перов переехал в Санкт-Петербург. Здесь в 1861 году он написал картины ß «Проповедь в селе» и «Сельский крестный ход на Пасхе»; за первую он получил большую золотую медаль и право поездки в качестве пансионера за границу. За вторую был раскритикован и едва не сослан. Продолжает, однако, критический реализм: в 1862 году Перов написал картину «Чаепитие в Мытищах», à композиция которой была построена на противопоставлении (контрастном сопоставлении) тучного монаха-чревоугодника и хромого слепца, инвалида войны, с мальчиком-поводырем.
В это же время (1862 г) даже пробует себя в портрете: погрудный портрет ß И. М. Прянишникова. 1862. Можно сказать, что он показывает себ\я как мастера, умеющего посмотреть человеку в душу, продолжает работы Брюллова и Кипренского в этом смысле. Видна его особенность: взгляд в глаза зрителю, разговор портрета с ним.
Осенью 1862 года Перов женился, в декабре уехал с женой в пенсионерскую поездку: через Германию (Берлин, Дрезден, Дюссельдорф) в Париж. 1863—1864 - жил и работал в Париже. К этому периоду относятся его картины, изображающие европейские сцены уличной жизни («Продавец статуэток», ß «Савояр», «Шарманщик» à , «Нищие на бульваре», «Музыканты и зеваки», «Тряпичники» à ). Получив от Академии разрешение на досрочное возвращение с продолжением пенсионерства в России, в 1865 он вернулся в Москву, где и прошла вся его дальнейшая жизнь. Перов поселился в доме дяди жены — Ф. Ф. Резанова.
Даже за границей продолжает работы именно в своем жанре реализма. показывая жизнь простых людей, обличая и критикуя людские пороки, бедность, нищету, нужду, тяжелый труд, отчаяние и надежду, и т.д.
Ещё за границей задумал большую картину с сюжетом из монастырской жизни, которая писалась долго и впервые появилась только на посмертной выставке художника в 1882 году. Lля конкурсов МОЛХ и ОПХ жанровые полотна «Проводы покойника» à и «Очередная у бассейна», ß за которые был награждён первыми премиями конкурсов. С этих картин начался новый этап в творчестве художника: от сатирического направления он перешёл к более драматическим сюжетам — об «униженных и оскорблённых». 
В 1868 году Академия художеств продлила на два года пенсионерское содержание Перова сверх полученных им ранее трёх лет. Первая премия на конкурсе МОЛХ была присуждена Перову за картину «Сцена у железной дороги» — характерна добросовестность, с которой художник выписал выражения на лицах мужиков. Начиная с этого года, продолжая разрабатывать бытовые сюжеты, Перов много сил стал отдавать работе над портретами.
Последний кабак у заставы. 1868., Сцена у железной дороги. 1868.
С 1868 г. уходит в портрет, работает много и активно, сумел обозначить новые социально-психологические перспективы; стремился воссоздать на холсте человека не только в его материальной конкретности, но и в неисчерпаемости его духовного мира. За «Портрет В. В. Безсонова» 1869 г. ß он был награждён первой премией МОЛХ; по заказу П. М. Третьякова написал «Портрет писателя А. Ф. Писемского» 1869 г.. ß 
В 1869 году совместно с Мясоедовым, которому принадлежит идея создания Товарищества художественных передвижных выставок (ТПХВ), Перов организовал московскую группу передвижников; в течение семи лет он был членом правления. В 1870 году он получил первую премию ОПХ за картину «Птицелов» 1870г.; за картины «Странник» 1870 г. и «Птицелов» был удостоен Академией художеств звания профессор. Продолжает работать над сатирическим и бытовым жанрами, пишет картины " Накануне девичника" 1870 г., " Приезд институтки" (незаконч) 1870 г, 
1871—1882
Продолжая портретную живопись, в 1871—1872 годах Перов по заказу П. М. Третьякова исполнил ряд портретов русских писателей и учёных: И. С. Тургеневаà 
ß Ф. М. Достоевского , А. Н. Майкова (красный фон, что-то новое для него), В. И. Даля, 
Начинается его дальнейшее шествие как мастера, ищет новые темы, способы, методы. Пробует красный фон, но возвернулся к черному и темному, правдивость портретов, искренность и прямые взгляды нарисованных – зритель верит! 
В 1874 году, на 3-й выставке ТПХВ, были показаны картины «Пластуны под Севастополем» 1874 г., этюд «Киргиз-каторжник». На сюжет романа И. С. Тургенева «Отцы и дети» была написана картина «Старики-родители на могиле сына» 1874 г.. Духовная жизнь и творчество Перова в это время начинают принимать противоречивый, мятущийся характер; в совокупности картин и рисунков художника отмечаются и вариации на темы уже возникавших в его творчестве образов, и вновь открываемые исторические, литературные и религиозные сюжеты. 
Продолжает обличительные картины на те же темы, что он использовал в самом начале пути – обличение религиозных служащих, грехов и пороков. Стиль его живописи чуть чуть начинает двигаться к будущему импрессионизму и т.п, уже дымчатая. К 1878 г появляется религиозная тема: " Христос в Гефсиманском саду" 1878 г, " Снятие с креста." 1878 г. Трагизм своей внутренней жизни этого периода Перов выразил «евангельской» серией и картиной «Никита Пустосвят. Спор о вере».
В 1863 году Академия художеств присудила ему малую золотую медаль за картину «Моисей источает воду из скалы». Потом Бунт 14-ти, уход из Академии. 
В 1863—1868 годах он преподавал в Рисовальной школе Общества поощрения художников. В 1869 году Крамской получил звание академика.
В своем творчестве автор отстаивал принципы реализма. Он полагал, что картины должны не только быть правдоподобными, но и нести моральную и воспитательную смысловую нагрузку. Поэтому его произведения проникнуты особенной драматичностью. В 1867 г он написал свой " Автопортрет", в редком для него овале. Идет по стезе реализма, как и Перов. Однако, если Перов идет по пути сатирического высмеивания и сочувствия людям, то Крамской нет, у него не СОЦИАЛЬНОЙ окраски работы.
Многие портретные работы автора написаны в стилистике жанровых полотен.(Брюллов начал это первым) Изображенные на них люди представлены в действии, поэтому полотна представляют собой сцены из жизни и быта. Такова, например, известная работа художника «Некрасов в период “Последних песен”» 1877–1878 года. В этой картине художник задался целью показать знаменитого поэта за работой в последний период его жизни. Вообще, в творчестве художника большую роль играла тема душевных переживаний человека, его борьбы со смертью или каким-либо потрясением. В работах мастера эта тематика не имела социальной окраски, как в произведениях других живописцев. Он всегда показывал борьбу духа с недугом и наиболее сильно сумел передать эту идею в указанной картине.
Пожалуй, самая известная работа мастера – картина «Незнакомка». Художник сделал акцент на красоте своей модели. Он подчеркнул, что она является городской модницей, и поэтому с особой тщательностью прописал ее внешний вид: богатую шубу, кокетливый головной убор, великолепные украшения и ткани. Показателен тот факт, что задний фон на этом полотне играет второстепенную роль: он представлен в дымке, так как автор все свое внимание концентрирует на элегантной молодой женщине. Особенно любил рисовать портреты художник Иван Крамской. Картины автора отличаются разным настроением. Если женщина на вышеописанной картине изображена в гордой уверенной позе, то модель на полотне «Девушка с распущенной косой», напротив, показана в тяжелую, даже болезненную минуту, когда она, казалось, отрешилась от всего окружающего и целиком погружена в себя. Поэтому ее лицо, в отличие от внешности незнакомки, выражает глубокую сосредоточенную задумчивость, грусть и светлую печаль.
«Неутешное горе» 1884 г. Под впечатлением от личного горя художника, который потерял своего сына. Поэтому в образе женщины, изображенной в траурном платье, угадываются черты жены самого автора. Это полотно отличается от других работ автора той безысходностью, которой она проникнута. В центре полотна изображена женщина средних лет в черном платье. Она стоит рядом с коробкой, полной цветов. Ее горе выражается не в позе, которая довольно естественна и даже свободна, а в глазах и движении руки, которой она прижимает платок ко рту. Данное полотно, пожалуй, одно из самых сильных в творчестве художника и русской живописи вообще. Как и во «Вдовушке» Федотова, здесь скорбно звучит тема человеческого горя. Поразительны лицо и сам образ матери, потерявшей ребенка. Эта женщина, убитая непоправимым несчастьем, существует как бы вне времени, оно кажется остановившимся. Стоит отметить, что в этих трех работах объединяет портрет и бытовую тематику. Это важно, т.к. у него этого раньше не было. 
Иные работы. 
К следующей выставке передвижников Крамской пишет картину «Христос в пустыне» (1872), которая была задумана первой в серии (так и неосуществленной) картин на евангельские сюжеты. Внутренняя борьба человека, погруженного в глубокие раздумья о выборе жизненного пути. Картина «Христос в пустыне» была воспринята современниками как символ человека высокого гражданского долга. Он придал драматическим переживаниям Иисуса Христа глубоко психологическую жизненную интерпретацию (идея героического самопожертвования). Постоянные домашние заботы и работа над заказами не позволяют ему закончить работу над картиной «Хохот» («Христос перед народом»), замысел которой предполагал развитие темы «Христос в пустыне», тему жертвенной судьбы человека.
Позиция вслушивания определяет основную форму “общения” человека с природой и ее изображения. Это величие, тайна или просветленность природы и сознательное состояние наблюдателя. Субъективизм в изображении пейзажа приходит в искусство только с творчеством романтиков, предвещая лирическое раскрытие природы у мастеров 2-ой пол. XIX в.
Биография художника в основном связана с Италией, здесь он создал свои лучшие полотна. В России прошла только молодость живописца. Несмотря на годы, проведенные за границей, художник всегда чувствовал себя русским человеком и живо интересовался судьбой родины. Он появился на свет в феврале 1791 года в семье ректора Академии художеств, Феодосия Федоровича Щедрина. Дядя, Семен Федорович, был профессором Академии и вел свой класс. Стоит ли говорить, что с такими одаренными родственниками судьба мальчика была предрешена.
В петербургских работах чувствуются традиции пейзажа времен классицизма. Отсюда исходил интерес к реальному, определенному виду, к точной детали. Для раннего Щедрина характерны «Вид с Петровского острова в Петербурге», «Вид на Биржу с Дворцовой набережной». Последняя картина говорит о сильном влиянии Ф.Алексеева. Лирическое настроение, буквально принизывающее этот пейзаж, восходит к той сдержанной, но отчетливо ощутимой эмоциональности, которая свойственна некоторым поздним работам Алексеева 1810-х годов, и свидетельствует уже о новых веяниях в эстетике пейзажного жанра.
Многие работы художника так и не попали в Россию, разойдясь по частным итальянским коллекциям. Известно и учтено далеко не все наследие живописца. «Вид Колизея в Риме», «Водопад в Тиволи близ Рима», «Лунная ночь в Неаполе», «Грот Матроманио», «Большая гавань на острове Капри», «Малая гавань в Сорренто». «Вид на Неаполь с дороги Позилиппо» или «Грот с видом на Везувий». 
" Веранда, увитая виноградом" Мотив зеленых беседок и террас был одним из любимых в период зрелого творчества Щедрина. Сам он называл его «Перголата». Пергола по-итальянски – веранда или аллея под крышей, покрытая вьющейся зеленью. В этих картинах художник экспериментировал с правдоподобной передачей световоздушного пространства, добиваясь живости полотна. Самая известная картина на этот сюжет – «Веранда, увитая виноградом» (1828). Жаркий итальянский полдень. Группа людей остановилась отдохнуть в прохладе террасы. Мы не знаем, семья это или случайные попутчики. Видно, что они устали от изнуряющего зноя. Люди здесь не просто статисты, каждая фигура выразительна и неслучайна. Они находятся в единении с природой и дополняют ее, без них картина выглядела бы незавершенной. Благодатная тень чередуется с золотистыми солнечными квадратами, на втором плане синеет море. Глядя на картину, зритель сам попадает в это жаркое итальянское лето.
" Неаполь в лунную ночь" В последний период жизни Сильвестр Щедрин увлекся морскими пейзажами с драматичным освещением. Он написал несколько ночных сюжетов, изображающих море, залитое тревожным лунным сиянием. Один из них находится в Петербурге, это «Неаполь в лунную ночь» (1829). Картину можно условно разделить на три части. Справа темное море с силуэтами лодок. Слева городские постройки и лодочный причал, где греются у огня рыбаки. Венчает картину романтическое небо, затянутое тучами, где в просвете между облаками выглядывает ночное светило. На этом холсте художник решает сложную задачу: объединить в одной композиции холодный лунный свет и теплое пламя пылающего костра. Исследователи творчества Щедрина говорят о том, что его поздние работы значительно уступают более ранним солнечным пейзажам в гармоничности и целостности. Ночь для искусства романтизма - пора, когда природа обнажает свои тайны, когда скрадываются границы миров, пора мистических откровений в природе, приобщения мира реального к миру высшему. Изображая в картине ночной город, художник сочетает два источника освещения – призрачный свет луны, окруженной клубящимися облаками, и яркий красноватый свет пламени костра, разожженного рыбаками на берегу. В картине усиливается острота колористических сочетаний. Контраст теплых и холодных тонов придает особую выразительность темным силуэтам зданий на набережной и замка на горизонте. Перед зрителем предстает уже не лирический, а скорее драматический образ, красота которого вызывает чувство тревоги и смутной печали.
Одним из ответвлений романтизма в живописи является стиль бидермейер. Основная черта бидермейера — идеализм. В живописи преобладают бытовые сценки, а в других жанрах картины носят камерный характер. Живопись стремится найти черты идиллической привлекательности в мире маленького человека. Эта тенденция уходит корнями в особенности национального немецкого быта, в первую очередь бюргерства. Один из наиболее крупных представителей живописи бидермейера, Карл Шпицвег, писал чудаков-обывателей, как их называли в Германии, филистеров, каким он был и сам. Проник бидермейер и в Россию. Его влияние есть в работах русских мастеров, А. Г. Венецианова и В. А. Тропинина. Выражение «русский бидермейер» существует, хотя и звучит нелепо.
Спящий пастушок, 1823—24, А. Г. Венецианов