Жиль в костюме Пьеро.(1720-1721). Антуана Ватто

К артина французского живописца Антуана Ватто «Жиль в костюме Пьеро». Размер картины 185 x 150 см, холст, масло. Тончайшие нюансы человеческих переживаний – иронии, печали, тревоги, меланхолии – раскрываются в его маленьких картинках с изображением одной или нескольких фигур в пейзаже («Лукавница», 1715, Лувр; «Капризница», около 1718, Эрмитаж; «Меццетен», 1717-1719, Нью-Йорк, Метрополитен-музей). Герои этих сцен обижены и застенчивы, неловки, насмешливы, лукавы и кокетливы, часто печальны.

Ироничная отчужденность, которая всегда сквозит в картинах Ватто придает им оттенок ирреального, фантастического и ускользающего миража. Изящество и виртуозная легкость письма, переливчатая гамма карминных, зеленых, сиреневых цветов, многообразие тональных оттенков вторят поэтической игре в чувства, которую воплощают эти образы-характеры. Персонажи Ватто далеки от реальности, словно разыгрывая пантомиму, они изображают безмятежную жизнь в совершенно особом мире на грани театра и реальности, мире, созданном воображением художника. Полон высокой поэзии печальный и добрый образ наивного простака, героя ярмарочного театра Жиля в картине художника «Жиль в костюме Пьеро».

Пьеро – постоянный тип итальянской комедии дель арте, один слуг-шутов. Это – продувной малый, корчащий из себя неуклюжего простака, хитрец, обжора и воришка. Маски на нем нет, но лицо покрыто густым слоем пудры. В пантомиме он часто играет роль соперника Арлекина; является также под именами Бертольдо, Бертолино и Паяццо. Явившись во Францию в пьесах театра итальянской комедии дель арте, Пьеро стал настолько популярен, что выступил действующим лицом в " Дон Жуане" Мольера, а затем самостоятельным героем пьес-пародий, например, " Пьеро-Ромул" Лесажа.

Образ Пьеро был совсем забыт, когда в эпоху реставрации его воскресил в театре Гаспар Дебюро. Тип Пьеро, созданный Дебюро в разных пьесах, был настолько интересен, что ему посвящали статьи Шарль Нодье, Жюль Жанэн, Теофил Готье. Таким образом, из всех действующих лиц итальянской комедии дель арте и пантомимы Пьеро удержался на сцене дольше всех.

Вопрос.11. Рококо

Купание Дианы. 1742. Буше Франсуа.

Буше изобразил девственную богиню-охотницу Диану на берегу прозрачного ручья. Свой колчан со стрелами она небрежно бросила поодаль. На переднем плане зритель видит ее лук и " плоды трудов" - двух подстреленных голубей и зайца. Художник никого не собирался обмануть: в виде богини он изобразил вполне земную девушку. Мифология здесь - только благопристойный повод обратиться к обнаженной женской натуре. Несмотря на то, что Диана всегда считалась богиней суровой, привычной к лишениям охотничьей жизни, Буше не может отказать себе в удовольствии написать ее на фоне роскошных драпировок. Жестом одалиски Диана перебирает нежно-розовыми пухлыми пальчиками нитку жемчуга. Ее тело - тело изнеженной фаворитки какого-нибудь герцога. Сложно представить, чтобы эта изящная красавица могла проводить по нескольку часов в погоне за дичью. Еще труднее вообразить себе, что эта Диана натравит своих псов на несчастного Актеона, случайно увидевшего ее наготу. Скорее уж - раскроет ему навстречу свои объятия. Непринужденные позы богини и нимфы, ее верной служанки, свидетельствуют о мастерстве Буше-рисовалыцика.

Похищение Европы.(1732-34). Буше Франсуа.

Полотно Франсуа Буше, написанное около 1747 года, представляет собой безупречную работу мастера, находящегося в самом расцвете своей славы. Картина отличается потрясающей динамичностью действия и эффектностью композиции. Цветовая палитра произведения решена в мягких розовато-золотистых тонах, типичных для данного жанра живописи.

Зритель видит, как златокудрая Европа окруженная толпой подруг, смеясь, присела на спину лежащего быка. Забавляющиеся, беспечные и веселые девы украшают гирляндами смирное животное, не подозревая, что через несколько мгновений бык унесет Европу по морским волнам на далекий остров Крит.

Аллегорией любви и страсти на этой картине можно считать изображение шаловливых амуров, не только внимательно следящих за происходящим, но и активно участвующих в любовной истории. Кажется стрела, выпущенная одним из розовощеких амуров, достигла своей цели, и шутники с увлечением следят за происходящими по их вине событиями.

Вопрос.5.

Караваджизм — стиль европейской живописи эпохи барокко, появившийся в Риме в конце XVI века. Основоположниками стиля считаются Караваджо и его последователи.

Для караваджизма характерен интерес к точной передаче особенностей натуры, подчёркнутый реализм в изображении предметов. Важная роль уделяется объёму, а именно свету и тени в картине — контрастному освещению фигур, выдвинутых на передний план. Также у произведений этого стиля наблюдается драматическая сила, несмотря на незамысловатость сюжета. Одиночество человека, считается одной из излюбленных тем этого жанра. Со временем воздействие караваджизма стало сказываться на творчестве некоторых представителей искусства барокко, а также академизма.

Картина Вакх Около 1595-1597, Микеланджело Караваджо

Картина представляет собой портрет молодого человека в образе греческого божества Вакха. Одет он, а вернее, полураздет в белые одежды, подпоясанные черным пояском, конец которого Вакх держит в правой руке. Левой рукой он протягивает широкий бокал, полный вина, как бы предлагая зрителю принять участие в пирушке. На столике перед божеством стоит чаша с фруктами и пузатая бутыль с вином.

Вакх здоров и мускулист, щеки его лучатся румянцем здорового, ничем не обремененного человека. Но лицо его пухлое и какое-то женоподобное, во взгляде нет ничего, кроме полупьяного томления, которое неизвестно во что может вылиться – то ли в драку с мифическими собутыльниками, то ли в сон среди столовой утвари. Черные смоляные волосы юноши выглядят как искусственные, что может быть и правдой – существуют упоминания об использовании художником париков.

Вакх сидит на белом покрывале, но оно не загораживает давно не стиранную полосатую подушку – символ некоей нечистоты. Рука юноши, держащая бокал, видимо, давно не мыта, а под ногтями скопилась грязь – она больше похожа на руку какого-нибудь оборванца, нежели на длань античного божества.

Фрукты на столе по большей части годятся только на выброс – они измяты, надкусаны, а кое-какие из них подгнили и подпорчены гусеницами. Лежащий среди них потерявший товарный вид гранат являет собой символ утраты чистоты и невинности.

Мальчик и корзина с фруктами 1593.Микеланджело Караваджо

На полотне величиной 70 на 67 сантиметров художник изобразил портрет юноши, в руках которого корзинка со спелыми свежими фруктами. Парень имеет тёмные, густые, кудрявые волосы. Поза юноши достаточно свободная, он немного сгорбился, оголил плечо. Смотрит он на нас с гордым видом. Рот его слегка приоткрыт.

Корзине с фруктами художник уделил немало времени. В плетёную коричневую корзинку Микеланджело Караваджо поместил грозди винограда, красно-зелёные яблоки, спелый инжир, персики и другие фрукты.

Самыми яркими фруктами являются яблоки, а остальные фрукты художник изобразил в нейтральных тонах, чтобы всё гармонично смотрелось. Ведь если бы Караваджо взял много ярких цветов, наше бы внимание ушло бы только на фрукты, тогда мы позабыли бы про главного героя.

Достоверной информации, кем же являлся этот юноша, нет. Многие считают, что Караваджо просто попросил позировать первого встречного. Вообще, Микеланджело Караваджо знаменит тем, что изображал на своих картинах самых обычных людей из народа.

Большое значение художник уделял цветам и свету. На данной картине сразу понятно, что свет падает с левой стороны. Ведь самые яркие пятна – это левая щека и плечо юноши.

На правой стороне картины, наоборот, падают тени. Фон картины – самая обычная серая стена. Художник специально изобразил парня в обычном помещении, а не на природе. Чтобы фрукты не сливались с природной средой.

Вопрос.12.

Французская живопись 18в.

Живопись имеет богатую и многообразную историю. Этот вид искусства прошёл трудную и долгую дорогу развития и становления. Каждое новое столетие диктовало свои тенденции, концепции и направления. Расцвет живописи произошёл в период XIX-XX веков. Но весомый вклад в этот праздник искусства внесли живописцы XVIII столетия.

Живописное искусство 18 века малоизвестно большой аудитории. Работы тех лет зачастую оставались в тени более знаменитых полотен следующего века. И всё-таки живопись этого периода не должно оставаться без внимания, так как творцы того времени создали жанровый и стилистический фундамент для будущих побед изобразительного искусства.

Живопись XVIII столетия включает в себя такие виды, как барокко, рококо, неоклассицизм, сентиментализм.

Рассмотрим детальней развитие этого искусства в крупных европейских государствах.

Франция XVIII века. В тот период в стране шло бурное развитие художественных школ. Они устраивали выставки, способные составить конкуренцию галереям Лувра.

В портретном искусстве лидирует миниатюрная живопись и пастельное направление. А благодаря шедеврам Леблона, Лепренса и Жанине становится популярной гравюра на меди.

А книжные иллюстрации Гравелло, Кошена и других подобных мастеров популяризуют французскую графику, стремящуюся к стилю рококо.

В картинах художников первой половины XVIII столетия чувствуется влияние итальянской изобразительной школы (" Чума" де Труа, " Эндимион" Ванлоо).

Из ряда французских художников 18 века выделяется имя Антуана Ватто. Это выдающийся французского изобразительного искусства того периода и крупный мастер стиля рококо.

Работы Ватто посвящены аспектам нравственности и развлечениям той эпохи. Они характеризуются тонким художественным исполнением, превосходной красотой ландшафтов, изящной поэтичностью.

Самыми известными картинами этого мастера являются: " Паломничество на остров Киферу", " Жиль", " Праздник любви".

В конце 18 века во французском живописном искусстве начинается эра неоклассицизма. Ее яркий представитель – Жак-Луи Давид (" Клятва горациев", " Смерть Марата" ).

⇐ Предыдущая12

Поделиться: