РАЗДЕЛ 2. ИСТОРИЯ РАЗВИТИЯ МЕТОДОВ ОБУЧЕНИЯ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОМУ ИСКУССТВУ. ПЕДАГОГИЧЕСКИЕ ПРИНЦИПЫ РАЗЛИЧНЫХ ШКОЛ

Тема 3. Зарубежная школа рисунка. Методы обучения рисованию в Древнем мире и Средневековье

•      Система художественного образования в Древнем Египте: использование методических таблиц, соблюдение канонов в изображении организация плоскости.

•      Методы преподавания изобразительного искусства в Древней Греции (Эфесская, Сикионская, Фиванская школы): рисование с натуры как метод обучения рисованию.

•      Методы преподавания рисования в древнем Риме.

•      Рисование в Средние века.

Начало приобретения изобразительных навыков человеком, стремление передать окружающий мир средствами рисунка восходит к глубокой древности. Уже первобытные люди, изображая предметы реального мира, достигали больших успехов. Как передавались изобразительные навыки из поколения в поколение, ответить трудно. Есть основания думать, что усвоение навыков носило характер непосредственного, живого наблюдения и подражания. Когда человек рисовал животных и сцены охоты, заинтересованная молодежь внимательно следила за его увлекательной работой. Возможно, кое-кто тут же начинал подражать ему, а другие позднее повторяли приемы работы. В поздний период варварства обучение изобразительному искусству стало носить более организованный характер. Строго соблюдались известные принципы и приемы изображения. Однако четко разработанных методов обучения еще не было. Настоящее же обучение искусствам, с организацией школ и институтов, возникло только в период цивилизации.

Методы обучения рисованию в Древнем Египте. В рабовладельческую эпоху начинается бурное строительство городов, общественных зданий, дворцов, храмов. Это стало требовать большого количества мастеров и художников: архитекторов-строителей, живописцев, скульпторов, художников-прикладников. Появилась необходимость в создании системы художественного образования, где готовились бы эти кадры. И она была создана. Древние египтяне первыми в истории человеческой культуры положили начало теоретическому обоснованию рисования, впервые создаются специальные художественные школы, с ясной системой обучения, с четкой методикой преподавания рисунка.

Метод и система обучения у всех педагогов были едиными, так как утвержденные каноны предписывали строжайшее соблюдение установленных норм и правил, что было обусловлено особенностями формирования изобразительного искусства Древнего Египта.

Дело в том, что искусство в Древнем Египте имело своей целью утверждение идеи о всевластии фараона. Еще одна отличительная черта: искусство Древнего Египта было составной частью культа заупокойного ритуала. В задачу художника Древнего Египта не входило реальное изображение жизни. Жизнь на земле египтяне рассматривали как временное явление, основное существование начиналось после смерти. В обеспечении достойного уровня загробной жизни искусство играло особую роль, его целью было изобразить все необходимое для загробной жизни.

В этой связи памятники древнеегипетского искусства на протяжении всей своей истории имели, в основном, культовый характер. Культ богов и умерших требовал строгого соблюдения религиозных ритуалов, что в свою очередь повлекло за собой канонизацию художественных образов. В изобразительном искусстве это могли обеспечить только математически выверенные каноны. Была разработана строгая система пропорций, которая явилась основой канона.

В это время сложился особый «египетский стиль» изображения человека на плоскости в строгом соответствии с каноном. Строгое соблюдение фронтальности и симметричности в построении фигуры, торжественное спокойствие позы передавало пребывание в потустороннем мире. Пропорции фигуры человека были математически выверены, каждая из частей тела имела определенный размер, зафиксированный на специальной сетке. Для разработки канона египетские художники-теоретики использовали такую систему пропорционального членения фигуры на части, которая позволяла по части определить целое и по одной части тела определить размер другой. Зная эти правила, художник мог точно нарисовать человеческую фигуру, начиная с любого места.

Был выработан канон стоящего, идущего и сидящего человека. Эталоном измерения пропорций служила длина указательного пальца, вытянутого вдоль бедра, которая делила фигуру на 19 частей плюс головной убор. Все фигуры имели резко очерченный контур: женские окрашивались в красный, мужские в чёрный цвет.

Человеческое лицо передавалось в профиль, глаз изображался в фас, оба плеча также показывались в фас, а ноги опять в профиль, ладони разворачивали тыльной стороной, все пальцы рисовали одной длины. Человеческая фигура как бы сплющивалась: художник отказывается от перспективы и вместо единой точки зрения создаёт множество точек зрения на изображаемый объект. А для того, чтобы показать знатность и положение человека в обществе, его фигуру делали во много раз крупнее фигурок простых людей.

Кроме этого в древнеегипетском изображении не было передачи глубины пространства: изображение строилось рядами, одно над другим. По канону, при передаче пространства на плоскости, то, что находится дальше, помещалось выше.

Канон распространялся на все виды искусства: архитектуру, скульптуру и живопись. Эти особенности «египетского стиля» просуществовали на всём протяжении существования древнеегипетского государства.

Как говорят научные исследования, овладение профессией в Древнем Египте было родовое. По сложившейся традиции, сын обязан был овладеть профессией своего отца. Таким образом, навыки в той или иной профессии передавались из поколения в поколение, от отца к сыну, от деда к внуку. Однако не следует думать, что обучение рисованию носило домашний характер. Отец, работая на строительстве какого-нибудь храма или дворца, водил своего сына в ту школу, которая была организована при этом строительстве.

Ведущей школой древнего царства была Мемфисская придворная школа архитекторов и скульпторов, она являлась Художественным Центром, вокруг нее формировались другие школы. Существовал даже институт, где обучались юноши. Несмотря на то, что в школы принимались избранные лица, система воспитания и обучения была предельно строгой и даже жестокой: за малейшее отступление от предписанных правил, неточное выполнение канона ученика строго наказывали, вплоть до избиения палками.

Ученики в основном рисовали на глиняных досках и на папирусе. Наиболее распространенным и удобным методом обучения рисованию был метод работы на глиняных досках. Методика нанесения изображения строилась следующим образом: на ровную поверхность не очень просохшей глины ученик наносил заостренной палочкой линейное очертание предмета. Если изображение получалось неверное, он снова выравнивал глиняную поверхность и все начинал сначала. Если в рисунке требовались незначительные исправления, то ученик заминал пальцем эту часть изображения и вносил необходимые исправления. Такой метод рисования был очень удобен для ученических работ, он не требовал больших материальных затрат, так как одна и та же доска могла служить для выполнения целого ряда рисунков. При изображении человеческой фигуры глиняную поверхность доски предварительно расчерчивали тонкими линиями на ровные квадраты. Эти клетки служили ученику ориентирами для правильного изображения человеческой фигуры. На папирус рисунок наносился краской с помощью кисти, позднее вошло в употребление тростниковое перо.

При обучении рисунку очень большое внимание уделялось техническим приемам. Обучение технике рисунка шло по двум направлениям. С одной стороны, педагог вырабатывал технику свободного движения кисти руки. Ученик должен был уметь свободно и легко наносить плавные контурные линии на поверхность доски или папируса.

Во-вторых, ученик должен был иметь крепкую и твердую руку, чтобы уверенно выцарапать контур рисунка на стене для фрески, па камне для барельефа и других видов монументальных изображений.

Обучая правилам рисования, учитель постоянно пользовался специальными методическими таблицами, где наглядно раскрывался процесс построения изображения. Эти таблицы он, возможно, рисовал сам либо с помощью своих старших учеников. Постепенно в школе накапливались целые сборники таких таблиц и альбомы рисунков. Эти альбомы образцовых рисунков являлись своеобразными учебниками, которые давали наставления, как ученикам, так и художникам-педагогам.

Подводя итоги, необходимо отметить, что в Древнем Египте возникла и укрепилась художественная школа. Обучение проходило уже не от случая к случаю, а систематически. Метод и система обучения у всех художников-педагогов были едиными, ибо утвержденные каноны предписывали строжайшее соблюдение установившихся норм. Обучение рисованию строилось не на основе изучения натуры, а на заучивании выработанных правил и канонов. Очевидно, обучение в египетской школе в основном требовало только механического навыка.

Памятники египетской культуры дают много ценного и интересного материала для изучения методов обучения изобразительному искусству: росписи на стенах гробниц, дворцов, храмов, на предметах домашнего обихода; рисунки для рельефов, и, наконец, рисунки на папирусах.

Методы преподавания изобразительного искусства в Древней Греции. Значение культуры Древней Греции огромно, она открыла человека-гражданина, провозгласив верховенство его разума и свободы, идеалы демократии и гуманизма. Ее и сейчас называют самой человечной из культур, «золотым веком» человечества. Первостепенное влияние на формирование древнегреческой культуры оказали изменения в социальной структуре общества. На смену родовой общине приходят города-государства, которые называются полисами.

Возникает система демократического самоуправления с правом и обязанностью каждого полноправного гражданина, члена полиса, принимать участие в общественных делах, в управлении полисом, с признанием его личного достоинства, прав и свобод; а также система социокультурных принципов, способствовавших расцвету личности, развитию её творческого потенциала. Демократия - внешнее проявление внутренней свободы греков, она сформировала потребность в культурной, широко мыслящей личности.

 

Античный антропоцентризм - вера в силу и предназначение человека - отличительная черта древнегреческой культуры от других цивилизаций Древнего мира. Именно в Афинах философ Протагор провозглашает знаменитое изречение «человек есть мера всех вещей». Для греков человек - олицетворение всего сущего, прообраз всего созданного и создаваемого; он стал не только преобладающей, но почти единственной темой классического искусства. Мирон, Поликлет, Фидий - величайшие скульпторы этой поры - изображали богов и героев. Их «олимпийское» спокойствие, величественность, состояние духа, лишенное сомнений и волнений, выражают то совершенство, которого человек если и не достиг, то достичь может и должен.

Цель греческого искусства — создание идеала красоты, отражающей физическое и духовное совершенство человека. Его основные характеристики: гармония, уравновешенность, упорядоченность, успокоенность, красота форм, пропорциональность.

Ставя во главу изобразительного искусства образ человека, греческие художники наблюдали и изучали человеческое тело во всех его деталях. Используя традицию построения изображения человеческой фигуры по канонам, греческие художники выдвинули новую проблему в искусстве и удачно решили ее в своих трудах. В 432 году до н. э. в Сикионе скульптор Поликлет написал сочинение «Канон», в котором он впервые зафиксировал мысль о том, что пропорции тела человека подчиняются строгой закономерности, симметрии и с математической точностью определил все параметры совершенного тела. Поликлет установил новые пропорциональные членения человеческой фигуры и впервые в истории изобразительного искусства разрешил проблему «contraposto» — то есть внутреннюю подвижность стоящей фигуры, с упором на одну ногу. Фигура человека стала изображаться очень естественно и жизненно. Для иллюстрации своих теоретических доказательств Поликлет вылепил статую Дорифора — копьеносца, которая служила образцом. Поликлет, как и все древнегреческие художники, всю свою творческую жизнь посвятивший изображению человека, учил начинающих рисовальщиков наблюдать и изучать человеческое тело в подробностях.

В Афинах жил и работал еще один замечательный художник – Полигнот. Как и Поликлет, он еще не знал техники светотени и учил передавать изображения в соответствии с реальностью с помощью линий. Он первым сделал попытку передать настроение изображаемого человека средствами мимики. Полигнот идеально передавал форму человеческого тела, он по-настоящему развил культуру линейного рисунка, научил уважать линию и передавать ею движение и жизнь человеческих фигур.

Аполлодор Афинский стал основателем станковой живописи (впервые начал писать темперой на грунтованных досках), и фактически первооткрывателем скиографии (от греческого skia — тень, grapho — пишу), то есть использования светотени путем смешивания красок и достижения иллюзии объёма и пространства применением тональности в рисунке. Впервые в истории изобразительного искусства Аполлодор начал моделировать форму с помощью света и тени. Таким образом, фигуры приобрели объем, что создавало эффект реалистичности. До Аполлодора художники Греции изображали форму предметов одними линиями, они не представляли себе, как можно иначе изобразить на плоскости форму предметов. По тем временам, это было чудо.

Талантливым учеником Аполлодора был художник Зевксис (420-380 до н.э.), который после многих лет ученичества открыл в Эфесе свою студию. Желая помочь ученикам понять прекрасное в жизни и в искусстве, Зевксис, как и все художники Древней Греции, старался найти и установить идеал и канон красоты на основе изучения натуры. Если Аполлодор открыл светотень и тональность красок, то Зевксис приумножил и развил методику изображения формы предметов средствами светотени и методику станковой живописи.

Вместе с Зевксисом продолжал развивать принципы реалистического искусства другой замечательный художник того времени — Паррасий. Как передают историки, Паррасий пользовался большим авторитетом среди коллег и как художник, и как ученый-теоретик. Он разработал канон пропорций человеческого тела, которым пользовались многие его ученики и последователи; написал специальный трактат о рисунке, в котором особое внимание уделил линии. При обучении рисунку Паррасий требовал, прежде всего, обратить внимание ученика на роль и значение линии как основного средства выражения формы на плоскости.

Греческие художники стремились к реальности изображения, они старались изобразить реальный мир как можно точнее, доходя до иллюзорности. Изображая форму предметов, как это явствует из сведений древних писателей, греческие художники не ограничивались только линейными изображениями, но наглядно и убедительно передавали средствами светотени объем и фактуру предметов. Все это нашло свое отражение и в методике обучения. Натура являлась источником знаний, а, следовательно, в основу метода преподавания было положено рисование с натуры.

Это были принципиально новые положения не только в практике изобразительного искусства, но и в методике его преподавания. Появилась необходимость в совершенно иных методах обучения. Передача формы, объема на плоскости требовала своей теории, своей методики, особых приемов работы.

Греческие художники многое позаимствовали у египтян и в области методики обучения рисунку — например, метод рисования заостренной палочкой по не очень твердой гладкой доске. Правда, глиняную поверхность они заменили восковой, но принцип нанесения изображения на плоскость оставался тот же: при изучении пропорциональных закономерностей строения человеческой фигуры — математический расчет. Однако, знакомясь с методами преподавания искусства в Древнем Египте, греки подошли по-новому к проблеме обучения и воспитания. Они призывали молодых художников внимательно изучать жизнь, находить в ней «прекрасное». Система воспитания античности также выдвинула новый идеал совершенства - гармоничное, всестороннее развитие личности.

К IV веку до н. э. в Греции существовало уже несколько прославленных школ рисунка: сикионская, эфесская и фиванская.

Фиванская школа, основателем которой был Аристид, или Никомах, большое значение придавала «светотеневым эффектам, передаче жизненных ощущений и иллюзии».

Эфесская школа, зачинателем которой считается Эфранор из Коринфа, а по другим источникам — Зевксис, основывалась на «чувственном восприятии природы и на внешней красоте». Эта школа стремилась к иллюзии, но была небезукоризненная в рисунке.

Сикионская школа, основанная Эвпомпом, базировалась на научных данных естествознания и строго придерживалась законов природы. В этой школе требовалась «величайшая точность и строгость рисунка». Сикионская школа оказала большое влияние на методику преподавания рисования и на дальнейшее развитие изобразительного искусства. Эта школа придерживалась научного метода обучения, она стремилась приблизить ученика к природе, научить его чтить закономерности строения природы, воспитывала у ученика любовь к изучению красот природы. В результате всего этого сикионская школа рисунка давала очень высокую профессиональную подготовку молодым художникам. Из сикионской школы вышли такие прославленные художники, как Памфил, Мелантий, Павзий и великий Апеллес.

 

Говоря о сикионской школе, необходимо, прежде всего, сказать об основателе этой школы — Эвпомпе (400— 375 гг. до н. э.). Эвпомп был прекрасным педагогом и очень хорошим живописцем. Он впервые обратил серьезное внимание на научную основу изобразительного искусства, положив рисунок во главу угла своей школы. Отличие этого метода от метода преподавания рисования в других школах состояло в том, что Эвпомп призывал своих учеников изучать природу, изучать закономерности природы на основе науки, главным образом математики.

Наиболее выдающейся личностью сикионской школы и ее фактическим главой был Памфил - ученик и последователь Эвпомпа. Он придавал большое значение рисованию как общеобразовательному предмету и с этой целью содействовал введению рисования во всех греческих школах. Памфил был крупным теоретиком искусства, особенно большое внимание уделял научному обоснованию каждого положения изобразительного искусства. Большой знаток математики, он много работал в области геометрии, т.к. считал, что эта наука помогает развитию пространственного мышления и облегчает процесс построения изображения на плоскости. Чтобы овладеть всеми научно-теоретическими и практическими положениями искусства, требовалось большое количество времени. Поэтому курс обучения у Памфила продолжался 12 лет. За обучение он брал большую плату — один талант (26, 196 кг золота).

Однако самой крупной фигурой сикионской школы, да и всего античного искусства был Апеллес (356—308 гг. до н. э.). Обучение он начинал с технологических и технических процессов. Ученики учились растирать краски, знакомились с техникой работы и основательно изучали рисунок. Рисунок был главным учебным предметом, им занимались ежедневно. У Апеллеса было правило — «ни одного дня без линии». Все основные положения изобразительного искусства Апеллес старался закрепить в своих теоретических трудах, дать им научное обоснование. Как утверждают историки, им было написано несколько томов о правилах искусства. Апеллес был художником широкого диапазона — писал исторические картины, натюрморты и портреты. Особенно часто он изображал Александра Македонского и его полководцев.

Итак, мы видим, что в Сикионской школе был заложен метод научного понимания искусства и вместе с тем научный метод обучения.

Исследуя методы обучения рисованию в Древней Греции, необходимо упомянуть и о технике рисунка. Рисовали в Греции преимущественно на деревянных буковых дощечках и реже — на папирусе. Буковые доски приготовлялись двумя способами: для рисования стилусами — заостренными металлическими или костяными палочками — доски покрывались слоем воска, иногда воск подкрашивался каким-нибудь цветом; для рисования краской и кистью буковая дощечка грунтовалась специальным левкасом (гипсово-клеевой раствор) белого цвета — излюбленный метод работы афинской школы. Такие доски применялись главным образом для ученических работ, для набросков и предварительных эскизов. Рисовальщик металлической или костяной палочкой выцарапывал рисунок (абрис) какой-нибудь фигуры. Если рисунок получался неверный, его заминали пальцем — разравнивали восковую поверхность — и наносили новый. Затем, когда рисунок был надлежащим образом уточнён, художник его перерисовывал на папирус или прямо на стену для фрески, или на керамическую вазу. В качестве рисовальных материалов греческие художники употребляли стилус, уголь, грифель, кисть и земляные краски.

Однако, художественные школы Древней Греции, не следует рассматривать в современном смысле этого слова. Художественная школа древнего мира была частной мастерской — студией, куда прием был очень ограничен. Эти школы напоминают по своему принципу частные мастерские художников Возрождения (боттеги), где ученики являлись помощниками и подмастерьями у своих учителей.

Таким образом, к IV веку до н. э. греческое искусство достигает высокой ступени развития. Художники уже научились передавать на плоскости не только объем (трехмерность) предметов, но и явления перспективы. Более того, они начинают разрабатывать теорию перспективы применительно к задачам изобразительного искусства. Умение греческих художников пользоваться правилами перспективного построения позволяло справляться со сложной задачей изображения в ракурсе. Обучаясь рисованию с натуры, они также изучали и анатомию. Все это говорит о том, что греческие художники создавали свои произведения не на одном только вдохновении, а на основе всестороннего изучения натуры. Именно в Древней Греции был заложен метод научного понимания искусства. Греческие художники-педагоги призывали своих учеников и последователей непосредственно изучать природу, наблюдать ее красоту, указывали, в чем она заключается. По их мнению, красота заключалась в правильной пропорциональной соразмерности частей, совершенным образцом которой является человеческая фигура. Главный принцип софистов гласил: «Человек - мера всех вещей». Это положение легло в основу всего искусства Древней Греции.

Методы преподавания рисования в Древнем Риме. Одной из величайших цивилизаций Древнего мира по праву считается Великая Римская империя. До ее расцвета и долгое время после краха западный мир не знал более могущественного государства, нежели Древний Рим. За короткий промежуток времени эта держава смогла покорить себе огромные территории.

Риму принадлежали все прилегающие к Средиземному морю земли, как в Европе, так и в Азии и в Африке. Культуры разных народов этих территорий оказывали значительное воздействие на развитие древнеримской цивилизации. Используя иноземные достижения во многих областях, римляне применяли их в практических целях. А для культурной истории Рима большое значение имело завоевание греческих городов Южной Италии, ускорившее приобщение римлян к более высокой греческой культуре. Римское искусство, по сути - продолжение греческого, поэтому благодаря преклонению римлян перед греческим искусством в римских копиях сохранилась большая часть творений греческой классики. Однако гуманистическое начало, благородное величие и гармония, составляющие основу греческого искусства, в Риме уступили место тенденциям возвеличить власть императоров, военную мощь империи. Если гений греческого народа - гений художественный, то римский гений - политический, постоянно стремившийся к расширению сфер своего влияния и государственных интересов.

И хотя художественное наследие Древнего Рима значительно по своей ценности для мировой культуры, оно носит иной характер, нежели греческое. Все дело в мировоззрении римлян. Трезвое, рационалистическое восприятие действительности определило практический склад римской цивилизации, практицизм пронизывает все сферы римской культуры.

Если для древних греков главное значение имели нравственные воспитательные задачи искусства, они были более озабочены красотой и ценили ее выше всего, тяготея к мере и гармонии во всем, то для римлян на первый план выступали его утилитарные функции. Для римлянина в гораздо большей степени, чем для грека, искусство являлось одним из средств разумной организации жизни. Художественная фантазия была прозаичнее греческой, их мировосприятие – более практичным и трезвым.

Утилитарность мышления римлян сказалась во всех видах изобразительного искусства. Например, в архитектуре были созданы новые формы соответствующие специфическим потребностям римского жизненного и государственного уклада. Открытие нового строительного материала - бетона - дало новые конструктивные возможности строительства гигантских зданий и сводчатых перекрытий (мосты, акведуки, водопровод), водой акведуков снабжались термы, фонтаны, дома горожан. Римляне, освоив конструкцию арок, сводов, куполов, могли строить большие и помпезные общественные сооружения служившие целям возвеличивания Рима (триумфальные арки, Пантеон, Колизей).

Развитие архитектуры привело к появлению монументальной живописи, которая также имела практическую цель - декорирование жилых домов и общественных зданий. В настенную роспись нередко включались оригиналы великих греческих живописцев или их копии. Римские живописцы переняли у греческих мастеров скульптурную объемность, композиционные приемы, овладели приемами передачи пространственной перспективы, светотеневых эффектов.

В технике рисунка римляне впервые стали употреблять в качестве рисовального материала сангину (красивый красновато-коричневый оттенок) – она более податлива в работе, лучше закреплялась на гладкой поверхности, чем уголь.

В области скульптуры римляне заимствуют обычай у этрусков создавать надгробные маски и портреты на саркофагах умерших, и из этих надгробных масок широко развился римский портрет на основе реалистического отражения облика человека. Римский скульптор не создавал идеализированное изображение в портрете, не создавал обобщенных образов красоты, как было принято у греков, а изображал конкретные личности с подчеркиванием портретного сходства. Мастера демонстрировали превосходное знание строения черепа и лица. Такая анатомическая точность в портрете соответствовала требованию римского заказчика. Это был эстетический идеал того слоя римского общества, для которого «имагинес» (восковые маски предков) был свидетельством значительности рода, членом которого являлся заказчик. С развитием общественной жизни и ростом роли полководца-завоевателя, государственного деятеля в Риме появляется скульптура, представляющая собой почетную статую римлянина закутанного в тогу - «тогатус».

В целом древнеримская цивилизация сформировала особый вид культуры - зрелищно-народную. Встречи триумфаторов, цирковые игры, бои гладиаторов заняли важное место в жизни римлян. Принцип «хлеба и зрелищ» служил весьма эффективным средством укрепления власти и преследовал вполне определенную цель - дать мыслям толпы определенную направленность в пользу существующего режима. Это достигалось великолепием и роскошью празднеств, зрелищ и построек, воздействовавших на воображение и фантазию народных масс.

Таким образом, в культуре Древнего Рима была выработана новая система мышления, в которой торжествовали прагматизм, и рациональность. Искусство использовалось римлянами не для выражения возвышенных чувств и идей, а больше для демонстрации богатства, престижа, статуса.

Идеал воспитания и образования также имел прагматический характер и опирался на понятие пользы, так как получение образования имело цель обеспечить себе удачную военную или политическую карьеру. Школьные предметы представляли собой «свободные искусства» - грамматика, риторика, логика, геометрия, арифметика, музыка и астрономия, т.е. научные дисциплины. Занятия, требующие физических усилий, назывались «механические искусства» - ремёсла. В их числе были также живопись и скульптура. В Древнем Риме считалось, что физический труд менее почётен, чем умственный, и что свободным гражданам таким трудом заниматься недостойно, для этого были рабы. " Мы восхищаемся статуей, но презираем скульптора", - так говорили в античности.

По сути, изобразительное искусство и методы обучения в эпоху расцвета империи приняли прикладной характер, подготавливавший к ремесленной деятельности и не признающийся римской знатью. Поэтому методы подготовки художника в римских школах отличались от системы преподавания изобразительного искусства в студиях греческих мастеров. Греческие художники-педагоги старались разрешить высокие проблемы искусства, они призывали учеников овладевать искусством с помощью науки и осуждали тех художников, которые по-ремесленнически подходили к искусству. В эпоху Римской империи художник-педагог меньше задумывался над высокими проблемами художественного творчества. Его интересовала в основном ремесленно-техническая сторона дела. Римское общество требовало большого количества художников-ремесленников для оформления жилых помещений и общественных зданий, поэтому сроки обучения были короткими, метод обучения рисунку был ненаучный, преобладало копирование образцов, механическое повторение приемов работы древних греков, рисунок стал условным и схематичным.

Римские художники все больше и больше отходили от глубоко продуманных основанных на научных знаниях методов обучения рисунку, которыми пользовались выдающиеся художники-педагоги Греции, не стремились к новым находкам в методике преподавания рисунка с натуры.

Таким образом, можно сделать вывод о том, что римляне не внесли ничего нового в методику и систему преподавания рисования. Они лишь пользовались достижениями греческих художников; более того, много ценных положений методики преподавания рисунка они не сумели сохранить. В целом система художественного  образования Древнего Рима по своей дидактической направленности во многом была сориентирована в первую очередь на практическую значимость получаемых знаний, умений и навыков.

Рисование в Средние века. Средневековье – историческая эпоха, следующая за Древним миром и предшествующая Возрождению, - продолжавшееся почти 10 столетий. Великое переселение народов уничтожило античный мир, Рим был захвачен и разграблен германскими племенами вестготов. Высочайшая культура античной цивилизации была разрушена, утрачены достижения в области наук и искусств. На месте Западной Римской империи возникли, отчасти впитывая элементы её культуры, новые политические образования – «варварские королевства», которым суждено было стать прообразом европейских государств Средневековья и Нового времени.

Но прежде чем культура Средневековья приняла самобытную и яркую форму, она должна была пройти через необходимый этап становления новых идеалов и принципов. Главную роль в этом процессе играло христианство. Христианская церковь - основное, что объединило и сформировало культуру разрозненных королевств Западной Европы на всем протяжении средневековой истории. Теоцентризм (господство религиозного мировоззрения) стал основной чертой в культуре западноевропейского Средневековья. С кризисом культуры античного мира произошло вытеснение светского жизнерадостного мировоззрения искусства античности.

 Религиозное христианское мировоззрение легко заняло господствующие позиции, когда не были известны точные науки и силы природы казались грозным и непонятным явлением; когда средневековый европеец, включая и высшие слои общества, был преимущественно неграмотен. Религия и ее общественный институт - церковь - были могущественной идеологической силой, важнейшим фактором формирования всей средневековой культуры. Церковь всегда понимала силу искусства, его огромное воздействие на массы и относилась к нему как к Священному Писанию для неграмотных, главная задача которого - наставлять в вере, просвещать, иллюстрировать и растолковывать библейские сюжеты.

Средневековый мастер стремился создать грандиозную художественную картину мира в архитектуре, монументальной живописи и скульптуре, украшающей средневековые храмы. Но в самой художественной системе, художественном методе средневекового искусства была заложена предельная условность, символика и аллегоризм образного языка, в жертву которым приносилась правдивая передача красоты физического облика человека. Символ – образный знак, несущий скрытый смысл реальных предметов и явлений. Символическая условность в христианской духовной культуре объясняется тем, что образы духовного мира - образы неизобразимые, подвластные только внутреннему созерцанию, но раскрыть смысл которых можно через символ. Видимая красота осмысливается как символ невидимой, божественной красоты, воплощающейся в «зримых образах». Искусство Средневековья ирреально, оно сложно для понимания и восприятия: для того чтобы понять всю глубину смыслов, заключенных в архитектуре, скульптуре, живописи, нужно быть " посвященным".

Таким образом, в средневековой культуре сформировалось новое понимание искусства - воплотить в художественных образах священное предание, отразить идеальный божественный архетип. Рождается идеал, противоположный идеалу Античности. Если античный художник придавал изображениям богов человеческий облик, создавая свой идеал красоты на основании форм чувственного мира, то мастер средних веков уже не стремится подражать природе, его творчество ограничено определенной иконографической традицией, не позволяющей непосредственно пользоваться образами реального мира. Роль художника заключалась в том, чтобы отразить красоту и значение божественного миропорядка. Главной задачей изобразительного искусства становится создание символического образа духовного мира, а в основе художественного процесса создания этого образа оказывается определённый религиозный канон.

Первенствующее значение приобретает храмовая архитектура, призванная воссоздать на земле образ " небесного Иерусалима". Монументальная и круглая скульптура, напоминающая языческие греческие и римские статуи, уступила место рельефу и прикладным формам, господствующее положение стала занимать живопись. Живопись была представлена главным образом настенными росписями и книжными миниатюрами. Вырабатывается иная система пластического языка изобразительного искусства, выразительных приемов - плоскостное двухмерное изображение, линейность, обобщенность формы, иррационально понятое пространство, напряженность повествования. В трактовке фигур уже отчетливо стремление не к передаче реальных физических черт облика человека, а к созданию его духовного образа.

Огромную роль в становлении средневековой культуры и образования после падения Римской империи играли монастыри. Здесь были библиотеки, хранившие рукописи, школы, где обучались грамоте, иконописные мастерские. Устав, предписывавший членам монастырской общины обязательный ручной труд, чередующийся с божественным чтением, предоставил возможность беспрепятственного развития искусств и ремесел под сенью монастырских стен.

12345678Следующая ⇒

Поделиться: