Художественный мир Г.Климта.

⇐ ПредыдущаяСтр 6 из 7Следующая ⇒

Климт (Klimt) Густав (1862-1918) - австрийский художник, основоположник модерна в австрийской живописи. Главным предметом его живописи было женское тело. Его ранние работы состояли преимущественно из больших фресок для театров и были написаны в натуралистическом стиле. В росписях с изображением аллегорических фигур исполненных Климтом в 1890-1891 на сводах большой лестницы Музея истории искусств в Вене впервые появляются черты, ставшие основными в его творчестве - четкий силуэт и склонность к орнаментализму. После 1898, работы Климта, приобретают более декоративный, символический аспект.

«Золотой период» творчества Климта отмечен позитивной реакцией критики и является самым успешным для Климта. Название периода происходит от позолоты, использованной в многих работах художника, начиная с «Дворца Афины» (1898) и «Юдифи» (1901), но наиболее известной его работой этого периода является «Поцелуй» (1907—1908). Золотой фон и символика, близкая византийской, восходят к мозаикам Венеции и Равенны, увиденным Климтом во время путешествия по Италии.

Климт – лидер Венского авангарда рубежа веков, активный участник сообщества художников-новаторов «Сецессион». Лучшие работы Климта - его более поздние портреты, с их плоскими, незатененными поверхностями, прозрачными, мозаичными цветами и формами, и извилистыми, витиеватыми линиями и образцами. В картинах Климта сочетаются две противоборствующие силы; с одной стороны - это жажда абсолютной свободы в изображении предметов что приводит к игре орнаментальных форм. Эти работы в действительности являются символичными и их надо рассматривать в контексте символизма как выражение недостижимого мира стоящего над временем и реальностью. С другой стороны - это сила восприятия природы, влияние которой смягчает пышность орнаментальности в его картинах. Среди его наиболее восхитительных работ - ряд мозаичных фресок в Pallas Stoclet, богатом частном особняке в Брюсселе.

В 1888 г. Климт получил награду от императора Франца Иосифа — «Золотой Крест» за заслуги в искусстве.

В 1911 году его картина «Жизнь и смерть» получила приз на Всемирной выставке в Риме.

К концу жизни в 1917 году Климт завоевал полное официальное признание, став почетным профессором Венской и Мюнхенской академий.

30. своеобразия стили Тулиз-Латрека СВОЕОБРАЗИЕ ТВОРЧ ТУЛУЗА-ЛАТРЕКА- художник ночного Парижа-кабаре, публичные дома, кафе. Иронический карикатурный стиль, к- й применялся кизображаемым персонажам, преувеличивал недостатки людей. МАНЕРА: эскиз, набросок, моментальный рисунок- это еговпечатление от этой жизни. Приближал живопись к плакату. Ему удалось перенести линиюмодерна, но не для того, чтобы следовать стилю, а потому что- это дух времени.

Творчество П. Пикассо.

История искусства знает не так уж много мастеров, которые при жизни были признаны классиками. В XX в. это, безусловно, Пабло Пикассо. Он родился на юге Испании. Первые уроки живописи он получил от отца - Хосе Руиса, учителя рисования и мастера декоративных росписей. (Пикассо -фамилия матери художника, ранние работы он подписывал Пабло Руис). В четырнадцать лет он поступил в школу изящных искусств в Барселоне, однако вскоре покинул её, разочаровавшись в рутинной академической системе обучения. Затем учился в мадридской Королевской академии художеств Сан-Фернандо, но ушёл и оттуда. Подлинной школой для него стала художественная жизнь Парижа, куда он впервые попал в 1900 г. В это время, на рубеже веков, именно здесь рождалось новое искусство. П. очень скоро выработал собственную манеру изображения. Период с 1901 по 1904 г. критики позже назовут «голубым периодом» творчества П. - по господствующему голубому цвету его картин. Мотивы его произведений того времени необычны для французской живописи, но типичны для испанской традиции. Одиночество, обездоленность, физическое убожество персонажей («Завтрак слепого», «Нищий старик с мальчиком») не заслоняют их человечности, и взволнованно-сочувственное отношение художника к своим героям передаётся зрителю. Главное средство выразительности в работах П. «голубого периода»- линия. Одноцветность картин лишь подчёркивает напряжённую силу замкнутого контура. Среди друзей П.- поэты-авангардисты Гийом Аполлинер, Жан Кокто, Поль Элюар. Он сблизился с художниками молодого поколения и вскоре стал центральной фигурой этого сообщества. Постепенно П. изменил цвета палитры на ало-золотисто-розовые (отсюда и название - «розовый период»), общая грустная тональность картин смягчилась. Главные персонажи «розового периода»- бродячие артисты, циркачи. Их бедный и вольный мир сплочён прочнейшими узами душевного родства, братства, общей судьбы и трудов. В конце «розового периода» у П. появились картины, навеянные античной классикой, - с обнажёнными юношами, ведущими и купающими лошадей с обнажёнными девушками. Здесь нет щемящей жалости, неприкаянности и трагизма. Поэзия античного мифа ещё не раз войдёт в творчество художника, постоянно возвращая его к непреходящим ценностям, к красоте, исполненной достоинства. Мастер обращался и к скульптуре, которую называл «комментарием к живописи», много работал в графике. Он пленился африканской скульптурой, обнаружив в ней наивную чистоту и непосредственность. В 1907 г. в течение очень короткого времени П. написал полотно «Авиньонские девицы», вызвавшее громкий скандал. С этой даты ведётся отсчёт истории кубизма. Позже, в период так называемого аналитического кубизма П. дробил изображение, превращая его в мозаичный узор. П.-кубист расчленяет форму, чтобы прочувствовать и точнее передать составляющую её материю. Но разрушающее начало здесь не главное. Важнее, что из мозаики деталей художник созидает на холсте новую гармонию и новую форму. В третий кубистический период своего творчества -период синтетического кубизма- помимо картин Пикассо создал серию коллажей. Обрывки газет, визитные карточки, табачные обёртки, «вмонтированные» в картины, в его руках становились эффектным художественным средством. Парадоксально и неожиданно сочетал он реальные предметы с красочной поверхностью. В 1917 г. русский театральный и художественный деятель Сергей Дягилев пригласил Пикассо сделать декорации и костюмы к балету «Парад». Премьеру сопровождал скандал. «Оживший кубизм» на сцене шокировал публику. А занавес, на который Пикассо «вывел» излюбленных персонажей «розового периода»- Арлекина, гитариста, жонглёра, маленькую акробатку, а также белого крылатого коня, вызвал недовольство собратьев-художников. Они посчитали это изменой строгим принципам кубизма. Никогда Пикассо не чувствовал себя замкнутым в рамках какого-либо одного течения. Так, в оформлении балета «Парад» проявился его интерес к классическому искусству, а в 20-30-х гг. в творчестве мастера стали заметны сюрреалистические тенденции. Художественная манера, методы и приёмы менялись вне видимой логики и часто сосуществовали одновременно. Мир менялся на глазах, и искусство Пикассо живо отзывалось на события своего времени. Ночью 26 апреля 1937 г. германские самолёты разбомбили Гернику, маленький городок на севере Испании. Погибли две тысячи жителей, были уничтожены памятники старины, архивы. Картина «Герника»- полотно громадных размеров - пронизано насилием, оно источает ужас и боль. Из всего многообразия цветов художник использовал здесь только белый, чёрный и серый. В мозаике фрагментов выделяются фигуры бегущей женщины, раненой лошади, погибшего воина, матери, рыдающей над бездыханным телом малютки... При символичности и иносказательности, при кажущейся незавершенности отдельных деталей картина разрушения выглядит потрясающе достоверно. Спустя несколько лет в Париже во время обыска у Пикассо немецкий генерал, указывая на репродукцию «Герники», спросил: «Это вы сделали? ». Художник ответил: «Нет, это сделали вы! ». Дух разрушения, угроза мировой катастрофы, чутко уловленные художником, вылились в образы фантастических агрессивных чудовищ в серии «Мечты и ложь генерала Франко». Начиная с 1947 г. Пикассо десять лет жил в Валлорисе, городе на юге Франции. Здесь в старой, уже давно не действующей капелле, он расписал стены крипты- небольшого сводчатого коридора под алтарём. В одной композиции представлены персонажи и атрибуты «Войны». Другая изображает «Мир». На стене в конце коридора — солнце с лучами-колосьями. Как признался однажды сам художник, он желал, чтобы люди входили в его «Храм мира» со свечами и шаг за шагом высвечивали из темноты фрагменты росписи. В Валлорисе Пикассо увлёкся искусством керамики. На блюдах, вазах и чашах вновь и вновь появлялись его любимые персонажи — фавны и кентавры, тореадоры и фантастические женщины, быки и голубки. Керамические мастерские в Валлорисе, сохранив «марку» Пикассо, продолжают тиражировать изделия, придуманные художником. Испания и Франция с равным правом называют Пабло Пикассо «своим» мастером. Сам же он стал для современников воплощением понятия «художник XX века».

Театр абсурда

ТЕАТР АБСУРДА - тип современной драмы, основанный на концепции тотального отчуждения человека от физической и социальной среды. Пьесы впервые появились в начале 1950-х г. во Франции, а затем в Западной Европе и США.

Представление об абсурдности удела человеческого во враждебном или безразличном мире впервые развил А.Камю (Миф о Сизифе), испытавший сильное влияние С.Кьеркегора, Ф.Кафки и Ф.М.Достоевского. Корни театра абсурда можно выявить в дадаизме и сюрреализме, а также в эпическом бурлеске А.Жарри Король Убю (1896), в Сосцах Тирезия (1903) Г.Аполлинера, где соединились фарс и водевиль, в пьесах Ф.Ведекинда с иррациональными устремлениями его героев. Театр абсурда впитал также элементы клоунады, мюзик-холла, комедий Ч.Чаплина.

О возникновении новой драмы заговорили после парижских премьер Лысой певицы (The Bald Soprano, 1950) Э.Ионеско и В ожидании Годо (Waiting for Godot, 1953) С.Беккета. В Лысой певице сама певица не появляется, а на сцене находятся две женатые пары, чья непоследовательная, полная клише речь отражает абсурдность мира, в котором язык скорее затрудняет общение, нежели способствует ему. В пьесе Беккета двое бродяг ждут на дороге некоего Годо, который так и не появляется. В трагикомической атмосфере потери и отчуждения эти два антигероя вспоминают бессвязные фрагменты из прошлой жизни, испытывая безотчетное ощущение опасности.

В 1960-е годы Ионеско и Беккет продолжали передавать в своих произведениях чувство отчужденности, сопутствующее современному человеку на протяжении всей его жизни. Среди французских драматургов, чьи пьесы подходят под определение «драмы абсурда», можно назвать Ж.Жене, А.Адамова и Ж.Тардье. Значительный вклад в развитие жанра сделали швейцарские писатели М.Фриш и Ф.Дюрренматт, а также немец Г.Грасс и испанец Ф.Аррабаль.

В Великобритании Х.Пинтер и Н.Ф.Симпсон убедительно передавали в своих пьесах ощущение надвигающегося ужаса, что в целом характерно для поздней драмы абсурда. Особенно это относится к таким пьесам Пинтера, как Лифт (Dumbwaiter), День рождения (The Birthday Party) и Сторож (The Caretaker). В США первым стал работать в этом жанре Эдвард Олби (Песочница – The Sandbox; Американская мечта – The American Dream; Что случилось в зоопарке – The Zoo Story). Впоследствии пьесы в этом духе писали А.Копит и Дж.Гелбер.

33. Особенности худ манеры Гогена ОСОБЕННОСТИ ТВОРЧ ГОГЕНА- в начале творч следует заимпрессионистами, пишет ряд работ: портреты современников, жанровые сцены фр.Предместий. Меняется стиль к-да покидает Францию. Третянский периодтворчества наполняется другой эстетикой, выработанной самим художником, неповторяющий, а продолжающий импрессионизм.На Таити ГОГЕН обнаружил идеал дикарства, его поражали люди, к-е жили природной жизнью, а не соц. Культура, которую они создали былаограниченной, естественной, предельно упрощенной и чувственной. Эту культуруГОГЕН стремился отобразить в своих картинах. Многие его картины содержат двойное название: одно исходитот самого художника, второе- цитата из песни или легенды. ГОГЕН дает зрителю возможность удивиться, восхититьсяобразом, но не обольщаться. Стиль ГОГЕНА: фиксированная объективность, черты эстетики, к-ю он сам стремился понять. Противоестественное сочетание цветовобуславливается другой природой.

34. Особенности ТВ-ва ванн гога Особенности творчества: динамичность, калорит, насыщенность, яркость, декоративность, символичность. Исходил из субъективного прочтенияокружающей его жизни и действительности. Объективный образ соед с эмоционпереживаниями. Техника экспрессивна т.к является субъективной реакциейхудожника на мир. Во всех произведениях он стремился понять внутреннюю сутьвещей. Таккаждый цвет имел в глазах Ван Гога свой определенно-лаконичный смысл, был длянего символом душевного переживания, вызывал у него аналогии. Он не тольколюбил много красочность мира, но и читал в ней слова целого тайного языка. Ноиз всех красок-слов его больше всего чаровали две: желтая и синяя. Желтаямажорная гамма, от нежно-лимонной и до, звонко-оранжевой, была для негосимволом солнца, ржаного колоса, благовестом христианской любви. Он любил ее. ВАН ГОГ- предвестник экспрессионизма. Экспрессионизм- провозглашение субъективного мира художника единойреальностью Винсент Ван Гог родился на юге Голландии. Все мужчины в семье Ван Гогов традиционно были либо священниками, либо торговцами картинами. Поэтому вполне естественно, что не успев закончить школу, Винсент стал служащим фирмы торговавшей картинами, совладельцем которой был его дядя. У В. Были способности к языкам, и когда ему исполнилось 20 лет, его направили на работу в Лондон. Там он провел 2 года ставшими поворотными в его судьбе. Он без памяти влюбился в дочь своей квартирной хозяйки. Известие о том, что девушка уже обручена с другим, стало для него тяжелым ударом. В. сильно изменился- он сделался молчаливым и замкнутым. На протяжении всей жизни художника преследовали неудачи в отношениях с женщинами. После Лондона В. Переводят в Париж, но он становится безразличным к работе, это заметили работодатели и вскоре его уволили.В. начал находить утешение в религии, им овладело страстное желание помогать веем обездоленным. Вернувшись в Голландию он начинает учиться на священника. Суровая обстановка оказалась ему не по душе и он уехал к брату в Париж. Именно здесь началась его творческая карьера, он берет уроки живописи. Знакомится с художниками. Затем он становится проповедником. К этому делу В. отдается со всей своей страстью, но церковное начальство воспринимало его как религиозного фанатика и его деятельность запретили. Он знакомится с Гогеном, но между ними происходит размолвка, В. бросился на Г. с бритвой, Г. убежал, а В. в ярости отрезал себе часть левого уха. Это стало первым признаком душевного расстройства художника. Он стал лечиться, в промежутках между болезнями он с бешеной скоростью писал картины. В 1890г. во время очередного приступа болезни В.выстрелил себе в грудь из пистолета. Он умер в 37 лет. Одна из самых известных работ- «подсолнухи». В работал в технике импрессионистов, он все же он больше тяготел к выдавленным на холст непосредственно из тюбика краскам. Он вырабатывает свою собственную манеру накладывать краску на холст густыми ритмичными мазками. В. накладывал краску на полотно таким образом, что были выдны все следы кисти. Импасто. Эта техника позволяла ему добиваться богатой фактуры. Краска в тюбиках была гуще, чем прежде, что позволяло выдавливать ее прямо на холст из тюбика, не опасаясь что она расплывется. Кроме того, такая краска, смешанная не вручную, а машинным путем, отличалась еще большей однородностью, что так же помогало работать в технике импасто. Техника импасто, которой пользовался В. отличалась от техники др. художников, его мазок был более выразительным и энергичным.(«коровы»)Картины: «Ирисы», «Автопортрет с забинтованным ухом».

⇐ Предыдущая 1 2 3 4 567 Следующая ⇒