Абстакционизм. Кандинский «О духовном в искусстве».

⇐ ПредыдущаяСтр 2 из 7Следующая ⇒

Творчество Василия Васильевича Кандинского- уникальное явление русского и европейского искусства.Именно этому художнику суждено было совершить подлинный переворот в живописи и создать первые абстрактные композиции. Судьба Кандинского складывалась не совсем обычно. До тридцати лет он и не помышлял об искусстве. Закончив юридический факультет Московского университета, он начал работать над диссертацией, он получил приглашение занять должность приват-доцента. Но в том же году Кандинский внезапно изменил свою жизнь. Поводом для этого послужило впечатление от картины «Стог сена» Клода Моне на Французской индустриальной и художественной выставке в Москве. Отказавшись от кафедры, он уехал в Германию учиться живописи. Он занимался сначала в частной школе живописи, а позднее в Мюнхенской академии художеств у Франца фон Штука. Живя в Германии, Кандинский почти каждый год приезжал в Россию и представлял свои работы на выставках Московского товарищества художников. В журнале «Мир искусства» появились его его статьи об искусстве Германии. В то же время Кандинского волновала и вдохновляла русская художественная традиция: иконы, древние храмы, сказочные персонажи. Все они часто присутствуют в его работах, что говорит о влиянии на него мастеров «Мира искусства». В начале 10-х гг. ясно определилось главное направление творческих поисков Кандинского: он хотел сосредоточить все средства живописи на передаче сложной системы чувств и ощущений, которые живут в потаённых глубинах души художника и не зависят от материального мира. Теоретически мастер сформулировал эту проблему в книге «6 духовном в искусстве» (1911 г.), но практическое решение пришло к нему внезапно и необычно. Художник сам описал происшедший в его сознании переворот в работе «Ступени» (1918 г.): «Я... вдруг увидел перед собой неописуемо-прекрасную, пропитанную внутренним горением картину. Сначала я поразился, но сейчас же скорым шагом приблизился к этой загадочной картине, совершенно непонятной по внешнему содержанию и состоявшей исключительно из красочных пятен. И ключ к загадке был найден: это была моя собственная картина, прислонённая к стене и стоявшая на боку... В общем, мне стало в этот день бесспорно ясно, что предметность вредна моим картинам».

Наверное, в ту минуту потрясённый мастер вряд ли осознавал, что случайно поставленная на бок картина станет истоком нового направления в искусстве — абстракционизма. По Кандинскому, именно линия и цветовое пятно, а не сюжет являются носителями духовного начала, их сочетания рождают «внутренний звук», вызывающий отклик в душе зрителя. Все абстрактные произведения Кандинского, по его собственным словам, разделяются на три группы (по степени отдаления от предмета): импрессии, импровизации и композиции. Если импрессия рождается как прямое впечатление от внешнего мира, то импровизация бессознательно выражает внутренние впечатления. Наконец, композиция — это высшая и самая последовательная форма абстрактной живописи. В ней нет прямых связей с реальностью. Цветовые пятна и линии образуют захватывающую дух стихию движения. Композиции Кандинского не имели индивидуальных названий — только номера (из десяти таких работ сохранилось семь).

Создавая абстрактные композиции, Кандинский фактически изменил природу живописи — искусства, тесно связанного с повествованием, — и приблизил её к музыке, которая призвана не изображать, а выражать наиболее сложные душевные состояния. Вторая половина 10-х и 20-е гг.- абстрактные полотна Кандинского тех лет стали мягче и светлее по колориту, усилилась роль линии, большее внимание уделялось свободному пространству. В 1925 г. к Кандинскому пришло мировое признание. В отличие от «романтического» мюнхенского этот период в творчестве Кандинского обычно называют «холодным» или «классическим». В его работах пятно всё более уступало место линии, живописность — сухому геометризму, динамика — равновесию. Наряду с треугольниками и квадратами композиции включали в себя круг как символ совершенства и полноты мироздания.

Творчество Кандинского рассчитано на воздействие на зрителя цветовых сочетаний, цветовых плоскостей и пятен различной формы с тем, чтобы ими прежде всего передать внутренние побуждения, субъективные переживания и чувствования художника, «его внутреннюю необходимость». В своем труде «О духовном в искусстве» он пространно говорит о психическом воздействии различных цветов. Например, белый, по его мнению, звучит как молчание, черный — как цвет мертвого молчания, молчания смерти; красный — цвет мужества, триумфа и т. д. Он все время ищет параллели с музыкой. В живописи, как и в музыке, считает он, должны существовать два рода композиций: простая — мелодическая и сложная — симфоническая. И соответственно этой теории он создает в течение почти всей своей творческой жизни художника-абстракциониста и соответствующие этому делению виды композиций:

1. Импрессии — «прямое впечатление от той «внешней природы», которое выражается в рисуночно-живописной форме». 2. Импровизации — «главным образом бессознательные» в большинстве случаев внезапно возникающие выражения процессов внутреннего характера, то есть впечатлений «внутренней природы». 3. Композиции — «подобным же образом (но чрезвычайно медленно)» образующихся у художника впечатлений, которые он «в течение продолжительного времени и почти педантично сообразно первым наброскам» проверяет и разрабатывает. Основной свой труд — «О духовном в искусстве», вышедший на немецком языке еще в 1912 году и переведенный на многие языки, Кандинский готовил в течение многих лет. Он стал чем-то вроде евангелия абстракционизма. Всю духовную жизнь общества Кандинский уподобляет треугольнику. Чем дальше вниз, к основанию этого треугольника, тем более люди являются материалистами. И наоборот — чем ближе к вершине они находятся, тем больше занимаются проблемами духа. Так как количество красок и форм бесконечно, то также бесконечными являются как их комбинации, так и их воздействие. Форма — это не только отграничение одной плоскости от другой. Она вместе с тем представляет «выражение внутреннего содержания», то есть принципа внутренней необходимости. Абстракционизм расширяет бесконечно границы живописи.

Супрематизм К. Малевича.

Как и многие крупные мастера авангарда Казимир Малевич не получил систематического образования.Сначала он занимался в художественной школе в родном Киеве, с 1904 г.-в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, а затем в частной школе, но нигде не задерживался долго.В его творчестве можно выделить несколько этапов: импрессионизм, примитивизм(первая крестьянская серия).Важным событием в жизни М. стала работа над оформлением футуристической оперы Матюшина, Крученых, Хлебникова «Победа над Солнцем».Рисунки к этому спектаклю стали решающим шагом на пути к новому стилю, который позже получил название супрематизм(от лат.- высший).Окончательные его черты появились в серии картин, показанных М. на последней выставке футуристов в Петербургев1915г.В их числе был и знаменитый «Черный супрематический квадрат».Отныне главным элементом живописи мастера стали простейшие геометрические фигуры- квадрат, крест, прямоугольник.Одна из их может занимать все полотно.Но возможна композиция из нескольких фигур, обычно квадратов и прямоугольников, расположенных так, что они кажутся летящими в пространстве.Эти формы помещены в особую среду, в которой уже не действуют земные физические законы и обыденные представления о логике и здравом смысле.Художник способный к «космическом охвату» пространства, наделен совершенно особой миссией.В первые годы после Октябрьской революции он ставил задачу капитального переустройства жизни посредством супрематизма.Именно с этой целью М. основал в Витебске в 1919г. группу УНОВИС(Утвердители Нового Искусства).Члены объединения оформляли спектакли и революционные праздники, устраивали выставки и выступали с теоретическими манифестами.Переехав в Петроград, М. возглавил один из научных отделов Института художественной культуры.В это время он разрабатывал теорию «прибавочного элемента».М. пришел к выводу, что каждое направление возникает под влияние нового элемента формы, который зарождаясь в предшествующем движении, принципиально его изменяет.Этими элементами он считал «волокнистую кривую» Сезанна, «серповидную» линию кубизма, «прямую» линию супрематизма.Он объяснял процесс развития искусства поисками в области абстрактных форм.Период супрематизма, безусловно, самый яркий, но непродолжительный этап в творчестве М.В конце 20-х он снова вернулся к изобразительной живописи и создал вторую «крестьянскую серию», в этой серии четко прослеживаются супрематические конструкции.Супрематизм М. – это не просто новое течение в живописи.Он подвел своеобразный итог целому этапу в развитии искусства 20в., экспериментам европейских и русских мастеров в области художественной формы.Влияние супрематизма сказалось не только на живописи, но и в архитектуре, скульптуре, дизайне, декоративном искусстве.

15. Примитивизм (неопримитивизм) - направление, возникшее в европейском и русском искусстве в начале ХХ века. Его главным признаком было программное опрощение художественных средств, обращение к различным формам примитивного искусства - народного и детского творчества, первобытного и средневекового искусства и т.д. В основе лежало стремление обрести чистоту взгляда на мир, присущую неиспорченному цивилизацией сознанию. Наивный, детский взгляд на вещи помогает прояснить исходный замысел, убрать усложняющие, отвлекающие детали. примитивизм позволил соединить новые художественные течения с народной традицией (буйство чистого цвета, орна-ментальность) и с дорогим сердцу любого человека детским рисунком. Правда, приближение примитива к массам во многом иллюзорно: даже народное искусство сегодня оказывается двухслойным - профессионал видит его произведение совсем иначе. Фактически, примитив (особенно сближающийся с детским рисунком) - это стилистическая маскировка экспрессионизма. Например, творения гениального австрийского экспрессиониста Оскара Кокотки только специалистам напоминают народные картинки. Ближе к символизму многозначительно упрощенные образы мещан у М.З. Шагала. Возвышенный строй его живописи контрастирует с как бы иллюзорной реальностью провинциального го-Родка именно из-за схематизации изображения. Подражает рисункам на заборах (с надписями) и лубкам в своей иронической солдатской серии М.Ф. Ларионов. Грустные размышления об идеалах женской красоты навевает его картина " Венера", будто пальцем нарисованная на крашеной панели (была событием на грандиозной выставке " Москва—Париж" в 1981 г.). Примитивизм служит и естественным способом самовыражения художников-самоучек. Один из таких гениев был обнаружен художниками в Тбилиси 1910-х гг.: Нико Пиросманишвили. Одиночество и растерянность художника-самородка в сутолоке городского мещанства оборачивается на его полотнах философскими раздумьями о месте человека (и вообще живого существа) в мире, его пиры и застолья говорят о радостной мгновенности земного существования. Вывески, написанные на черной клеенке, будто с грустью демонстрируют иронично-упрощенные предметы вожделений человеческих. Подлинный расцвет русского примитивизма был связан с деятельностью в 1960—1980 гг. Московского заочного народного университета искусств (ЗНУИ), художники которого выявляли народные таланты, помогали им в творчестве, организовывали выставки. Руссо (Rousseau) Анри - французский живописец. Руссо был художником-дилетантом. Он привлек к себе внимание парижского авангарда. когда впервые выставил картины в Салоне Независимых в 1885 году. Его творчество вызывало восхищение Пабло Пикассо и его окружения, где ценили необычное, непринужденное восприятие мира Руссо, абсолютно свободное от догм академического общения. Интенсивный цвет, твердо очерченные формы и тщательно исполненные детали характеризуют наивный стиль Руссо. Фантастические, наивные и непосредственные пейзажи Руссо (“Прогулка в лесу”, около 1886, Кунстхауз, Цюрих), виды Парижа и его пригородов, жанровые сцены, портреты (“Автопортрет с палитрой”, 1889-1890, Национальная галерея, Прага; “Артиллеристы”, 1895, Музей С.Гугенхейма, Нью-Йорк) отличаются условностью общего решения и буквальной точностью деталей, плоскостностью форм, ярким и пестрым колоритом. Создавая воображаемые джунгли, Руссо черпал вдохновение во время многочисленных посещений ботанического сада в Париже. Прозвище Руссо - Таможенник - обязано своим происхождением его основной профессии. Его первые работы Итальянский танец и Заход солнца были выставлены в Салоне на Елисейских Полях.Он написал картины Вечер карнавала и Раскат грома, Бедный бес. После пира, Отъезд, Завтрак на траве, Самоубийство, Моему отцу, Автопортрет, Автопортрет-пейзаж, Тигр преследует путешественников, Столетие независимости, Свобода, Последний из 51-го полка, Война, и сделал примерно двести рисунков пером и карандашом и большое число видов Парижа и окрестностей.Леон Жером упоминается первым среди учителей. Если сравнить детали известной картины Жерома Бой петухов, особенно пейзажный фон на заднем плане, с тем, что писал Руссо, то легко понять, как последний стремился усвоить академическую точность форм, но отбросить при этом традиционную холодность и жесткость, типичные для манеры Жерома. Что касается выбора сюжетов, то достаточно вспомнить, что Жером охотно писал диких животных: Львица, нападающая на ягуара. Любовь диких животных в клетке. Святой Иероним, спящий на льве - названия этих работ напоминают нам о Руссо. Его интерес к работам Бонна определялся желанием постичь традиционное. У Бонна он обнаружил эффектное использование черного и белого - эти крайности цвета всегда завораживали Руссо и он широко применял их, особенно в портретах: к черному он обращался, чтобы придать образам большую значимость (поэтому почти все изображенные на его портретах одеты в черное). в картине Мальчик на скалах, где можно понять, что это - портрет умершего ребенка. На выставке Независимых художников 1894 года обратила на себя внимание картина Руссо Война. «Спящая цыганка» -эта картина была обнаружена в 1923 году, когда работы Руссо еще не были широко известны. Одни считали ее подделкой, шуткой, авторство которой приписывалось Дерену. Она обладала оригинальным стилем, поскольку не имела ничего общего с плоским воспроизведением пейзажа, но, напротив, выказывала все признаки высокого реализма. «Сон» - таково название последней картины Руссо. Прорисовав карандашом все контуры тропической растительности, он наносил там и здесь мазки различных оттенков зеленого цвета: Руссо сообщил Соффичи, что уже использовал двадцать два оттенка, каждый из которых он прописывал по несколько раз и при их смене тщательно промывал палитру.Причудливость и густота растений облегчали Руссо решение проблемы построения пространства. Последнее оставалось для него камнем преткновения — он так и не смог научиться следовать законам перспективы.

Творчество М. Шагала.

Творчество Марка Шагала охватило почти все 20-е столетие.Он принадлежал к тому типу мастеров, которые, имея ярко выраженные национальные корни, удивительно естественно чувствуют себя в любой культурной среде, с легкостью осваивают традиции разных стран, эпох и стилей, сохраняя при этом неповторимый почерк.Шагал родился в семье грузчика на окраине Витебска, в местечке под названием Песковатки, населенном в основном еврейской беднотой.Его образование началось с изучения Библии, потом он поступил в Витебское городское четырехклассное училище.Потом он поступил в Школу живописи и рисунка в Витебске.В1906 году Ш. отправился в Петербург, раздобыв бумагу о том, что едет с коммерческой целью, только так еврей мог получить вид на жительство в столице.Некоторое время он посещал различные художественные школы.Уже в ранних произведениях Ш. появляется характерный прием его зрелого творчества- предметы сдвигаются с привычных мест, и на полотне создается совершенно особая загадочная атмосфера.Тогда молодой художник ориентировался на творчество французских постимпрессионистов, которое было ему знакомо по репродукциям.Он всей душой стремился в Париж.Деньги на поездку дал один из поклонников его творчества.В1910г. Ш. впервые попал в Париж, там он пережил по собственному выражению, «революцию видения», познакомившись с традициями французской живописи.Здесь окончательно сложилась своеобразная манера живописца, построенная на выразительных преувеличениях, проемах французского кубизма и народного лубка.В Париже он вспоминал родной Витебск, посвящая ему свои работы(«Скрипач»).В 1914г. в берлинской галерее «Штурм» прошла первая персональная выставка Ш., после нее он довольно быстро стал признанным авторитетом, его произведения начали коллекционировать.В 1014г. Ш. приехал в родной город на свадьбу сестры.Он собирался вернуться в Париж, но началась 1 мировая война, и это оказалось невозможно.Ш. целый год прожил в Витебске.Он женился на Белле Розенфельд, которая стала подлинной музой мастера.Образ жены есть во многих произведениях(«Прогулка»)Ш. считал, что любовь несет в себе творческое начало и возносит над повседневностью.1915г.После Октябрьской революции Луначарский назначает его на должностьпредседателя губернского Отдела народного образования.С1920г. он уже работал в Государственном еврейском камерном театре в Москве.Ш. написал для него 7 панно, украсил потолок и занавес.В1022г. он вместе с семьей уехал во Францию.После отъезда из страны Ш. много работал.В начале 60-х он получил заказ на создание плафона парижского оперного театра «Гранд-Опера».В то время большое место в творчестве живописца занимали библейские образы.Он создал множество витражей и панно для знаменитых средневековых соборов Франции и Германии.В картинах появились новые черты, по сравнению с ранними произведениями колорит последних полотен тоньше и нежнее, еще точнее стал рисунок.Но святая земля- это по-прежнему Витебск с его «танцующими» домиками, маленькими смешными героями.В 1973г. Ш. приезжал в Москву и Ленинград.Умер он в 98 лет.До конца дней художник мечтал об идеальном мире, полном света и дающем ощущение свободного полета, о мире, который он так блистательно воплотил в живописи.

⇐ Предыдущая 123 4 5 6 7 Следующая ⇒