Раздел 7. ИСКУССТВО ЗАПАДНОЙ ЕВРОПЫ

XVII-XVIII веков

Характер искусства XVII–XVIII вв. определяется важными социально-общественными процессами. Развитие буржуазных отношений, прогресс в общественной жизни в одних государствах и реакционные режимы в других, буржуазные революции в Англии в середине XVII в. и во Франции в конце XVIII в. – все эти факторы нашли свое выражение и в развитии искусства.

Основными стилями в искусстве этого времени были барокко, классицизм, рококо. Однако реализм, отвечавший интересам передовых сил общества, пробивал себе дорогу через все стили и направления. Именно в эти столетия творили великие мастера реализма – Веласкес, Рембрандт, Рубенс, Хогарт, Шарден и многие другие художники.

Реализм был свойствен творчеству и итальянского скульптора Бернини – родоначальника барокко, и французского художника Пуссена – основоположника классицизма в живописи.

Стиль рококо, возникший в XVIII в., как нельзя лучше отвечал изысканным аристократическим вкусам, однако он не стал ведущим стилем эпохи. XVIII век – век Просвещения, подготовивший буржуазно-демократическую революцию во Франции 1789 – 1794 гг., противопоставил мастерам барокко и рококо глубокое реалистическое постижение мира и человека, что нашло свое выражение в искусстве классицизма. Этот возрожденный в конце XVIII в. Великой французской революцией классицизм отличался от классицизма XVII в., появившегося как выражение могущества королевской власти Людовика XIV своей революционностью и героизмом. Недаром в истории искусства классицизм XVIII в. получил название революционного. Ярким представителем революционного классицизма был французский художник Давид.

Искусство Италии

Новые явления отмечаются в искусстве Италии начиная с конца XVI в. Создаются огромные дворцы, площади, грандиозные памятники и фонтаны. Здания украшаются затейливой скульптурой и огромными многофигурными росписями на религиозно-мифологические темы.

Светлые и уравновешенно-спокойные образы искусства эпохи Возрождения сменяются мрачными, темными, беспокойными. В искусство входит бурная подвижность, трагедийность.

Торжественность, преувеличение во всем – такова внешняя сторона нарождающегося стиля не в одной только Италии, но и в других странах, бывших в культурной зависимости от Рима.

Противники этого стиля называли его словом барокко, т. е. странный, безудержный, вычурный (от португальского perola barroca – «жемчужина причудливой формы»).

В истории искусств слово бароккоосталось для обозначения сложного, противоречивого, порою трагического искусства, господствовавшего в Европе, и в первую очередь в Италии, с конца XVI до середины XVIII столетия.

В рамках стиля барокко продолжал, однако, развиваться и реализм, он опирался на достижения искусства Возрождения. В реалистических произведениях создавались образы простых людей. Однако наряду с художниками-реалистами работали мастера, произведениям которых были свойственны субъективизм и изощренность формы – маньеристы и академисты.

В числе художников, оставшихся по существу реалистами в пределах нового, бурного, полного контрастности искусства барокко, в Италии выделяется в первую очередь Микеланджело Караваджо (Меризи да Караваджо, 1573–1610). Он был одним из выдающихся новаторов в истории живописи, положив начало бунтарскому реализму.

Караваджо учился в Милане, где познакомился с реалистической живописью североитальянских портретистов. В конце XVI в. Караваджо создает смелые реалистические и по теме, и по трактовке картины: «Гадалка» (1588–1589), «Лютнист» (1595), «Вакх» (1598), «Нарцисс» (1609) и другие.

Изображая в своих картинах святых, Караваджо стал придавать им облик простых людей, сильных и даже грубых. Он настолько реалистически изобразил, например, смерть Богородицы, показав ее обыкновенной женщиной, что навлек на себя преследования со стороны церковных властей. «Успенье Марии» (150–1506).

У Караваджо нашлось много последователей, их называли караваджистами. В самой Италии и в других странах – в Нидерландах, в Испании
и т. д. Караваджизм стал передовым реалистическим течением в искусстве XVII в.

Младший современник Караваджо – Доменико Фети (1588–1623), работавший в Мантуе и Венеции, тоже находился под его воздействием. Он так же как и Караваджо, традиционные религиозные темы трактовал как светские, жанровые, изображая в своих произведениях людей из народа. «Христос среди солдат» (1616), «Кающаяся Магдалина» (1617) и другие.

Другой итальянский художник XVII в. – неаполитанец Сальваторе
Роза (1615–1673) был романтиком. Он охотно изображал разбойников, бродяг, приключения, дикую природу Южной Италии: «Колдунья» (1637), «Каприччи» (1656) и многие другие.

Из художников более поздних лет выделяются двое – художник-реалист Джузеппе Креспи (1665–1747) известный также под прозвищем испанец. Его известными работами являются «Избиение младенцев» (1706),
«Ярмарка в Поджо-а-Кайяно» (1708), «Сон амуров» (1712), «Семь
таинств» (1712).

Нет сомнения, что живопись XVII вв Италии противоречива, но она имела очень большое влияние на искусство всей Европы и шла впереди скульптуры и других искусств своего времени.

В Италии XVII в. получила развитие и скульптура. Прославленным скульптором этого периода является Лоренцо Бернини (1598–1680). Бернини стал центральной фигурой среди художников стиля барокко.

Уже одна из первых его работ «Давид» (1623) наглядно показывает отличие нового искусства от искусства эпохи Возрождения. «Давид» Микеланджело был могуч, прост и величав в своей спокойной силе. «Давид» Бернини изображен в динамике. Именно это характерно для стиля барокко, пришедшего на смену простому и строгому стилю Ренессанс. Для барокко внешнее выражение страсти и волнений стало важнее самих человеческих чувств.

Бернини в течение своей долгой жизни создал множество портретных бюстов и статуй. Обычно его скульптура сочеталась с архитектурой и природными условиями. Яркий пример тому – знаменитый фонтан Четырех рек на площади Навона в Риме (1648–1651).

Бернини стал основоположником стиля барокко и в архитектуре. В 1657–1663 гг. Бернини соорудил по сторонам огромной площади перед собором св. Петра в Риме две грандиозные округлые галереи, образующие как бы две руки, заключающие в объятия людей, движущихся к собору.

Другой крупный архитектор Италии XVII в. – Франческо Борромини (1599–1667), который создал ряд построек, дворцов и храмов, отличающихся исключительно характерным для барокко изобилием украшений, криволинейных очертаний обрамлений дверей и окон. Он ввел в убранство фасадов скульптурные фигуры, целые группы, сочетал самые различные строительные материалы.

Для архитектуры стиля барокко характерны грандиозные здания. В основном это были дворцы королей, князей и светской знати, а также церкви и монастыри. Фасады зданий украшались чередующимися и многократно повторяющимися деталями, нагромождениями различных форм. Во внутренних помещениях построек стиля барокко все рассчитано на эффекты освещения: сочетание полумрака и яркого света. Архитекторы барокко широко используют живопись, позолоту, все виды декоративного искусства. Особенно характерной становится роспись потолков сложнейшими многофигурными картинами, как бы расширяющими внутреннее пространство до бесконечности.

Благодаря совокупности разнообразных художественных приемов искусство барокко производило очень сильное впечатление на зрителей, подавляло их своим величием и грандиозностью. Эти черты искусства барокко использовала в своих интересах церковь. Однако, несмотря на это, нельзя отрицать достижений и неповторимого своеобразия стиля барокко ни в архитектуре, ни в монументально-декоративном искусстве, ни в живописи. В рамках барокко в течение всего XVII в. в искусстве Италии продолжал существовать реализм.

В XVIII в. искусство барокко в Италии постепенно угасает. Только в Венеции продолжает развиваться блестящая живопись замечательного мастера декоративных картин Джованни Баттиста Тьеполо (1696–1770). Большие многофигурные картины Тьеполо, имеющие сложную композицию, преимущественно мифологического и фантастического содержания, очень характерны для стиля барокко. «Свободные искусства» (1745), «Сооружение троянского коня» (1757–1762) и многие другие.

Его преемники – талантливый пейзажист Джованни Антонио Каналь, известный под именем Каналетто (1697–1768) и Франческо Гварди (1712–1793) – мастера, посвятившие себя изображению родного города Венеции с его буднями и праздниками, маскарадами, увеселениями, а также жизнью простого народа. Большие по размерам блестящие декоративные полотна Тьеполо сменяются небольшими, полными живописной прелести картинами Гварди. Уютные уголки города, скромные сцены повседневного быта становятся предметом пристального внимания художников.

В поздней итальянской живописи сохранены барочные черты: динамичность, обилие деталей, умение создавать сложные, многофигурные композиции.

Если в живописи наблюдался некоторый спад, то в области графики, особенно в технике офорта, прослеживалось новаторство. Офортом в XVIII в. занимались и Тьеполо, и другие венецианцы. В Риме особенно выдвинулся график, создавший до 1800 гравированных листов, – Джованни Баттиста Пиранези (1720–1778), который изображал памятники Рима, древнего и нового, архитектурные фантазии, создавал порою мрачные, но величественные картины.

В искусстве Пиранези великие времена Италии эпохи Возрождения и искусства барокко как бы получают свое последнее и нерадостное завершение.

Искусство Фландрии

В годы нидерландской буржуазной революции конца XVI в. фламандскому народу, несмотря на героические усилия, не удалось освободиться от владычества монархической Испании. Но духовный подъем людей, вызванный освободительной борьбой, определил высокий расцвет фламандской культуры XVII в. Ведущую роль в искусстве Фландрии получила в то время живопись. Ее представители – Рубенс, его ученики и сподвижники – ван Дейк, Снейдерс, Йорданс, а также Брауэр и Тенирс – получили мировую известность.

Всех фламандских художников объединяло стремление запечатлеть реальную жизнь в самых различных ее проявлениях, жизнь, полную движения, непрестанного развития и борьбы человеческих интересов. Связанные в своем творчестве с заказами католической церкви и знатных дворян, фламандские живописцы часто рисовали картины на религиозные и мифологические сюжеты, наполняя их дыханием жизни. Они писали также многочисленные портреты и сцены народных празднеств, пейзажи и натюрморты. Причем все их полотна объединяет стремление к героическим образам, к большим, сложным по композиции картинам, сочной и звучной красочности. Фламандская живопись XVII в. – подлинный гимн силе и мужеству человека.

В творчестве Питера Пауля Рубенса (1577–1640) все эти особенности искусства Фландрии проявились наиболее отчетливо и ярко. Рубенс жил в эпоху, когда широкое развитие в искусстве Европы получил стиль барокко. Он был величайшим живописцем этого стиля и одним из его создателей. Творчество Рубенса – это утверждение ценности земного бытия и прославление могучих сил природы.

Рубенс был одним из самых образованных людей своей эпохи. Он глубоко знал и любил античную литературу и искусство, свободно владел несколькими современными и древними языками. Долгое время был послом Фландрии.

Наиболее увлеченно работал Рубенс над большими, монументальными произведениями со сложными композициями. Примером тому «Водружение креста» (1611) для алтаря собора в Антверпене.

Так же он писал величественные пейзажи: горные дали, вздымающиеся скалы, бурные потоки и стремительно несущиеся облака. «Возчики камней» (1620) и другие.

Много у Рубенса и исторических произведений. Его знаменитая серия полотен «Жизнь французской королевы Марии Медичи» (1622–1625) представляет собой грандиозный декоративный ансамбль, состоящий из 21 картины.

На всем протяжении своего творчества Рубенс работал и как портретист, хотя эта область искусства никогда не являлась для него основной: «Портрет камеристки инфанты Изабеллы, правительницы Нидерландов» (1625), «Портрет Елены Фоурмен с детьми» (1636).

В сотнях рубенсовских картин встает перед нами яркий, красочный мир. В своей живописной технике Рубенс применял лессировку, т. е. писал тонкими слоями полупрозрачных, жидко разведенных красок, просвечивающих одна из-под другой. Этим художник достигал удивительного богатства оттенков, одновременно объединяя их общим золотистым колоритом.

На произведениях великого мастера учились и продолжают учиться многие поколения художников. Особенно велико было его влияние на современных ему фламандских живописцев.

Рядом с Рубенсом в искусстве Фландрии XVII в. стоит имя Антониса ван Дейка (1599–1641). Одно время он был помощником Рубенса, но, будучи художником не столь бурного темперамента, он вносил в свои религиозные и мифологические композиции черты сдержанности и спокойствия – «Триумф Селены», «Самсон и Данила» (начало 17 в.) и другие.

Замечательны и автопортреты ван Дейка, написанные в разные годы.

Портреты ван Дейка отличаются удивительной правдивостью в передаче образа человека. Художник как бы приближает позирующего к зрителю, создавая впечатление полной жизненной достоверности.

Официальные парадные портреты, написанные ван Дейком по заказам вельмож, до сих пор поражают силой и яркостью характеров изображенных на них людей, их одухотворенностью и особой интеллектуальностью. «Портрет Кардинала Бентивольо» (1623 г.), «Портрет короля Карла I Стюарта» (1635 г.), «Портрет рыцаря с красной повязкой» (начало 17 в.).

В Бельгии в городе Антверпене в дань памяти великому художнику установлен памятник.

Близким другом и помощником Рубенса был Франс Снейдерс (1579–1657) – крупнейший мастер фламандского натюрморта и анималистической живописи. Его картины, зачастую большого формата, прославляют богатство и многообразие природы, окружающей человека. Его полотна отличаются декоративностью и сочной красочностью. Монументальные, декоративно-красочные натюрморты и анималистические картины (серия «Лавки»), проникнутые ощущением изобилия и богатства природы – «Охота на оленя» (начало 17 в.).

После смерти Рубенса и ван Дейка главой фламандской школы стал Якоб Йорданс (1593–1678). Он писал картины на самые разнообразные темы, но наибольшей известностью пользуются его картины бытового жанра – «Якоб Йорданс и семейство его тестя» (1616).

В ранний период творчества героями Йорданса часто выступали крестьяне. Он изображал их даже в своих картинах на библейские и мифологические темы – «Сатир у крестьянина» (1620), «Аллегория изобилия Земли» (1622).

В поздний период творчества Йорданс особенно любил рисовать веселые пирушки богатых горожан: «Бобовый король» (1638) и более поздняя работа с тем же сюжетом «Король пьет» (1656).

Правдивость форм изображаемых им предметов и насыщенность колорита его картин с необыкновенной достоверностью передают материальный мир.

Другой замечательный фламандский живописец – Адриан Брауэр (1605/1606–1638). Он создавал напряженные по колориту, порой драматически гротескные сцены из жизни крестьян и городских низов. Художник зорко подмечал характерные позы и движения людей, мимику лиц, разнообразие человеческих эмоций и поведения. Его живопись убеждала зрителя, что мир обыденной жизни простых людей с ее драматизмом и ярким своеобразием достоен искусства: «Ссора за игрой в карты», «Музицирующие крестьяне», «Лунный свет» (17 в.).

Разнообразное по тематике и значительное по мастерству искусство Брауэра завершило блестящий расцвет фламандской живописи XVII века.

Искусство Голландии

В каждом музее западноевропейского искусства с большей или меньшей полнотой представлены обычно небольшие по размерам картины голландских художников. В них с любовью показаны люди, населявшие эту маленькую страну, их жизнь, вкусы и интересы.

В XVII веке в Голландии высокого развития достигают точные и естественные науки, философия, искусство и литература. Голландские корабли можно было встретить во всех морях мира, а голландские ткани славились далеко за пределами страны.

Главные достижения голландской художественной культуры XVII в. связаны не с архитектурой и скульптурой, а с живописью – XVII столетие было временем ее блестящего расцвета. Голландские художники XVII века – Рембрандт ван Рейн, Франс Халс, Ян Вермер Делфский и многие другие в своих картинах донесли до нас облик простых людей, их чувства и мысли, показали природу своей страны, дома, где жили голландцы, вещи, которые их окружали. И все эти картины пронизаны любовью к родной стране, гордостью за нее. Впервые обыденная жизнь людей, их радости и горести стали главным объектом искусства.

Станковая живопись была в ту пору наиболее любимым видом искусства голландцев, так как способна была с большой достоверностью и многообразно отразить действительность. Именно здесь родилось высокое реалистическое искусство, ставшее важной ступенью в развитии мирового реализма.

Франс Халс (1581/1585–1666) был одним из самых выдающихся голландских художников-портретистов. Биографических сведений о нем сохранилось очень мало. Первая из дошедших до нас значительных работ мастера – «Банкет офицеров стрелковой роты св. Георгия» (1627). В отличие от более ранних голландских групповых портретов, в которых художники изображали свои модели в спокойных позах, Халс создал живую, полную движения группу.

Индивидуальные портретные работы Халса тоже не статичны: «Портрет молодого человека с перчаткой» (1642–1650), «Веселый выпивоха» (1627), «Цыганка» (1630), «Голландский кавалер» (1624).

В конце жизни Халс испытывал серьезные материальные трудности, а когда умер, то был похоронен на средства города в память былых заслуг.

Замечательным и тонким живописцем Голландии был Ян Вермер Делфтский (1632–1675). Его жанровые сцены немноголюдны. Большей частью его герои читают, пишут, занимаются музыкой или какой-нибудь домашней работой. Их позы и движения спокойны и естественны. В одной из лучших своих картин – «Девушка с письмом» (1650) – Вермер создал жизненно простой и, в то же время, чрезвычайно поэтический образ. Вермер не ищет красоту в вымышленных сказаниях, а находит ее в сценах повседневной жизни: «Кружевница» (1664), «Географ» (1669), «Служанка с кувшином молока» (1658).

Как ни велико значение творчества Халса в истории голландской живописи, но его славу в глазах потомства затмевает другой голландский художник – Рембрандт Харменс ван Рейн (1606–1669). Его произведения, живописные и графические, разнообразные по сюжетам и глубине характеристик, составляют одну из вершин европейского и мирового искусства, одно из наиболее высоких достижений в развитии реализма.

Новаторское искусство Рембрандта отличается демократизмом, жизненностью образов. Сочетая глубину психологической характеристики с исключительным мастерством живописи, основываясь на эффектах светотени, писал портреты – «Ночной дозор» (1642), «Синдики» (1662); религиозные сюжеты – «Святое семейство» (1645), «Возвращение блудного сына» (1668–1669); мифологические сцены – «Даная» (1636); исторические картины – «Заговор Юлия Цивилиса» (1661) и автопортреты.

Широкая, свободная живопись, виртуозная графика (рисунки, офорты) Рембрандта приобретают особую эмоциональную выразительность, светотень выступает в них как средство раскрытия психологических коллизий.

Испытав сильное влияние караваджизма, уже в ранних, небольших по формату работах («Принесение во храм», ок. 1628–1629 гг., «Симеон во храме», 1631) уделяет особое внимание эмоционально-психологическим возможностям светотени.

В своих портретных работах Рембрандт старательно изучая мимику, фиксирует даже резкие, гротескные гримасы, он делает портретные образы постоянным аккомпанементом своих творческих исканий, придавая им тем самым беспрецедентную по искренности человечность.

В картинах, как светских, так и религиозных, доминируют сильные драматические эффекты. Библейско-евангельские сцены отмечены печатью трагизма.

Рембрандт увлеченно воспринимает опыт итальянского Возрождения и барокко, но в то же время бросает вызов классическому ренессансному канону, в особенности в картинах на темы античной мифологии: «Похищение Ганимеда» (1635).

Рембрандт, подобно Тициану, принадлежал к тем мастерам, для которых старость отнюдь не означала спада творческой активности. В 1656 г. художника объявляют банкротом, его имущество продают с молотка, однако Рембрандт продолжает работать напряженно и необычайно плодотворно.

Рембрандт оставил огромное графическое наследие – своего рода многолетний дневник, полный острых бытовых наблюдений, художественных замыслов, мистико-философских интуиций. Он много работал карандашом, чаще, однако, обращаясь к рисунку гусиным пером в сочетании с кистью. Среди самых прославленных его офортов – «Христос, исцеляющий больных», (1643–1649), «Три дерева» (1643) и многие другие.

Антиклассицистический, индивидуальный пафос искусства Рембрандта нашел особенно горячий отклик у представителей романтизма, которые порой считали его главным своим предтечей.

Богатые голландские бюргеры – основные заказчики Рембрандта – не поняли и не оценили гениального художника. Трагически одиноким, почти нищим умер Рембрандт в 1669 г. Художника похоронили на кладбище для бедняков на общественные средства. Но справедливость восторжествовала – Рембрандта чтят потомки, им гордится не только его родина, но и все человечество.

В Амстердаме существует музей Рембрандта в доме, где он жил в поздний период жизни.

Искусство Испании

Золотым веком испанской культуры называют конец XVI и XVII столетия. Этому блестящему периоду предшествовал долгий и сложный путь развития. Почти восемь столетий длилась освободительная борьба испанцев с завоевателями-маврами. Длительное общение с культурой мавров оставило след в испанской архитектуре, музыке, языке. Восточные мотивы: подковообразные арки, сдвоенные окна, мавританские звезды в сводах, богатейшая орнаментика – вплетались в средневековую архитектуру.

В конце XV вв. Испании складывается абсолютизм, страна объединяется в единое государство. Это способствовало развитию национальной культуры. Строится больше светских зданий – дворцов, ратуш, госпиталей. В мавританские и готические формы проникают элементы искусства итальянского Возрождения. Испанские живописцы овладевают перспективой, изучают, следуя итальянцам, анатомию, начинают пользоваться светотенью для передачи объема и писать на холсте масляными красками.

При короле Филиппе II было построено одно из самых знаменитых зданий Испании XVI в. – новая королевская резиденция Эскориал, которая должна была служить дворцом, монастырем и усыпальницей королей. Архитектором был Баутистом де Хуаном Эррерой (1530–1597).

Огромный, построенный из серого гранита, Эскориал возвышается среди открытой пустынной долины. Суровая обнаженность гладких стен, бесконечная протяженность сводчатых коридоров – все мрачное величие здания отражало союз абсолютизма Филиппа II и церкви.

Светское искусство испанских мастеров представлено главным образом в живописи. Возникла школа придворных портретистов.

Самым замечательным явлением в испанской живописи XVI в. было творчество Эль Греко (1541–1614.). Им были созданы и крупные сюжетные полотна, и портреты, и пейзажи, которые до сих пор считаются шедеврами мирового искусства.

Эль Греко хотел правдиво рассказать о людях, о цельности и силе их характеров, показать образы простых людей из народа. Повышенная одухотворенность образов, мистическая экзальтация сближают искусство с маньеризмом и выражают кризисное состояние художественной культуры Позднего Возрождения. Религиозные, мифологические, жанровые картины, портреты, пейзажи: «Погребение графа Оргаса» (1586–1588), «Вид Толедо» (1610–1614), «Апостолы Петр и Павел» (1614), «Кающаяся Магдалина» (1580), «Лаокоон» (1604–1614).

Интерес к действительности побуждал выделить в самостоятельный жанр живописи натюрморт, пейзаж и бытовой жанр. Даже в религиозных сюжетах изображались живые, реальные образы.

Начало нового столетия подготовило появление великих мастеров. Одним из первых крупных художников Испании XVII в. был Хусепе де Рибера (1591–1652). В сильных духом героях, полных достоинства, Рибера воплощал лучшие черты испанского народа. В цикле картин, изображающих философов и апостолов, запечатлены яркие реалистические образы современных ему людей: «Демокрит» (1630), «Архимед» (1630), «Святой Онуфрий» (1637), «Мученичество св. Варфоломея» (1639).

Созданные Риберой женские образы очень проникновенны и лиричны: «Святая Инесса» (1641); евангельские и библейские композиции полны возвышенной человечности: «Поклонение пастухов», (1638). Поздние жанровые работы трагичны и резки. «Хромоножка»(1642).

Творчество Хусепе де Рибера оказало сильное влияние на испанскую и итальянскую живопись.

Другим крупным мастером испанской живописи XVII в. был Франсиско Сурбаран (1598–1664). Сурбарану были чужды драматические сюжеты. Его образы большей частью спокойны, величавы и правдивы. Модели на полотнах художника монументальны, объемны, рельефны. Лица людей глубоко выразительны – «Св. Лаврентий» (1636).

Сурбаран уделял внимание не только людям, но и вещам, которые их окружают. Книга, подсвечник, кружка, цветок, яблоко, простой стол вводятся в его картины. Он писал и натюрморты – «Натюрморт с апельсинами и лимонами» (1633). Композиция картины предельно строгая, каждый предмет показан ясно и четко.

В поздних работах Сурбарана видно стремление к более мягким, лирическим образам. Он пишет мадонн с младенцами, подчеркивая в них душевную чистоту и женственность: «Отрочество мадонны» (1660).

Вершиной испанского искусства золотого века является творчество художника Диего Веласкеса (1599–1660). Он писал картины на религиозные и мифологические темы: «Вакх» (1628–1629); исторические: «Сдача Бреды» (1634); сюжеты, сцены из народной жизни: «Завтрак» (1617–1618); острохарактерные портреты: «Иннокентий X» (1650); групповой портрет «Менины» (1656); правдивые и поэтичные сцены труда «Пряхи» (1657).

Живопись Веласкеса отличается смелостью реалистических наблюдений, умением проникнуть в характер модели, обостренным чувством гармонии, тонкостью и насыщенностью колорита. Современников поражали в его произведениях яркие характеры людей, мастерство колорита, совершенство передачи света и тени.

Вторая половина XVII в. – начало заката золотого века испанской культуры. В эти годы экономического и идейного упадка в стране искусство постепенно утрачивает реалистические черты.

Искусство Франции

Религиозные войны 1562–1594 гг. приостановили развитие искус-
ства французского Возрождения. В период объединения феодальных владений в единое централизованное государство, во время утверждавшегося в XVII в. абсолютизма наблюдается новый подъем национальной культуры. В это время Франция подарила миру великих философов – Декарта и Гассенди, великих поэтов – Корнеля и Мольера и других.

Изобразительное искусство Франции XVII столетия также представляет собой яркую страницу. Придворные художники работали в салонной манере, помпезной и витиеватой, развивалось и реалистическое искусство.

Одним из крупнейших французских реалистов был гравер Жак Калло (1592/1593–1635). Он работал в технике рисунка и офорта. Во все, что он изображал, он вносил индивидуальную, новую трактовку, умело раскрывал социальную сторону явлений, придавая иногда гротескную, сатирическую заостренность своим персонажам. Художник рисовал дворян и нищих, актеров и бродячих цыган, виды городов и деревень, войны и причиняемые ими страдания. Наиболее известными его работами являются две серии «Бедствия войны» (1632–1633).

Калло – один из первых французских художников, который проявил интерес к жизни и быту простых людей, к их невзгодам и бедам.

Одновременно с Калло работали и другие мастера реалистического направления. Один из них – Луи Ленен (1593–1648), который по праву считается крупнейшим художником французского реалистического искусства XVII в. Ленен работал совместно со своими братьями – Антуаном и Матье. Они создали портреты крестьян и бюргеров, запечатлели сцены крестьянского быта, в которых жизненность наблюдений сочетается с выражением благородного достоинства персонажей: «Семейство молочницы», «Отдых всадника», «Крестьянское семейство» (1640 г.).

Ведущим стилем французской художественной культуры XVII в. стал классицизм. Этот стиль возникает под воздействием идей об ответственности личности перед обществом, идей гражданского служения человека интересам нации, его моральной доблести и нравственной чистоты. Он складывается под влиянием тех идей, которые владели в это время лучшими умами Европы. В XVII веке в разных странах ученые совершали величайшие научные открытия: Галилей – в Италии, Ньютон – в Англии, Спиноза – в Голландии, Декарт – во Франции.

В изобразительном искусстве Франции вождем классицизма был живописец Никола Пуссен (1594–1665). Пуссен в своих работах прославлял достоинства героической личности, волю и разум человека. Рационализм, опиравшийся на философию Декарта, становится фундаментом и сутью теории классицизма. Основным эстетическим кредо Пуссена было: «не только наши вкусы должны быть судьями, но и разум».

Пуссен постоянно говорит о порядке и мере как основе живописного произведения, без которых не может быть четко выражена его идея. При создании полотен с большим количеством персонажей использовал так называемый перспективный ящик (этот метод был известен и другим мастерам 16–17 вв.), в котором, расставляя восковые фигурки, художник находил ритмически четкое построение композиции.

Пуссен создает возвышенные по образному строю, глубокие по философскому замыслу, ясные по композиции и рисунку картины на исторические, мифологические, религиозные темы, утверждающие силу разума и общественно-этические нормы: «Эхо и Нарцисс» (1625–1626), «Смерть Германика» (1627), «Аркадские пастухи» (1630 г.); величественные героические пейзажи: «Пейзаж с Полифемом», «Пейзаж с Диогеном» (1649); серию «Времена года» (1660–1664). На автопортрете (1649) художник изобразил себя мыслителем и творцом. В портрете воплощена программа классицизма с его приверженностью натуре и идеализации, стремлением к выражению высоких гражданских идеалов, которым служило искусство Пуссена.

Вторая половина XVII в. – время окончательной государственной централизации Франции. Царствование Людовика XIV (1643–1715) стало торжеством неограниченной королевской власти. Крылатая фраза Людовика XIV «Государство – это я» выражала сущность его устремлений и в области искусства.

Во второй половине XVII века во Франции создаются различные академии: наук, живописи и скульптуры, архитектуры, надписей, музыки и танца и т. п. Ведущее значение в искусстве Франции той поры приобретает архитектура. Именно в архитектуре классицизма идея абсолютизма нашла свое наиболее яркое воплощение. Поэтому деятельность большинства художников сосредоточивалась на оформлении и украшении строившихся в то время блестящих городских и загородных резиденций. Наиболее типичным и величественным памятником эпохи абсолютизма во Франции был грандиозный архитектурно-декоративный ансамбль Версаля. Здесь был заново перестроен королевский дворец (1661–1689), создано множество служебных и парковых построек, разбит огромный парк, аллеи,
лужайки, партеры, украшенные стриженой зеленью, бронзовая и мраморная скульптура, водоемы и фонтаны – все вырастало в символ великолепия и величия абсолютной монархии. Все это великолепие было создано
архитекторами Луи Лево (1612–1670), Жюлем Ардуэном-Мансаром
(1646–1708) и мастером садово-паркового искусства Андре Ленотром (1613–1700). Искусство классицизма с его логикой и строгим порядком оказывается полностью на службе французского абсолютизма.

В Париже в эту эпоху сооружаются величественные архитектурные ансамбли: Вандомская площадь, площадь Побед, ансамбль Собора инвалидов, завершается оформление восточного фасада королевского дворца – Лувра.

Над украшением и оформлением парадных интерьеров дворцов трудилось огромное число художников, они должны были поддержать и усилить пышность и торжественную величавость архитектуры. Художники работали под руководством Шарля Лебрена (1619–1690), сосредоточившего в своих руках руководство всеми видами изобразительного искусства.

Влияние французского искусства «великого века» в Европе было огромным. В XVIII в. оно не потеряло своего значения и продолжало диктовать вкусы и моды всем столицам – от Мадрида до Петербурга и от Рима до Стокгольма. На смену историческому жанру в живописи приходят новые жанры: портрет, пейзаж, бытовой жанр.

Мир театра больше всего привлекал Антуана Ватто (1684–1721), поэтичного и изысканно тонкого художника, стоявшего на пороге искусства XVIII столетия: «Жиль» (1719–1721), «Меццетен» (1717–1719) и многие другие.

После смерти Людовика XIV начинается закат французского абсолютизма и его культуры. Излишества, показная роскошь и изнеженность придворной жизни воплотились в искусстве в стиле рококо. В тоже время, рококо – это обращение к оттенкам переживаний человека, к его чувствам, которые не всегда подвластны разуму… Интерьеры рококо были очень удобны для жизни в них.

Для бездумной, игривой живописи времен регентства и долгого царствования Людовика XV наиболее типичным мастером был Франсуа Буше (1703–1770). Наиболее известными картинами являются: «Купание Дианы» (1742), «Венера, утешающая амура» (1751), «Тет-а-тет» (1764) и многие другие.

Совершенно противоположные устремления и идеалы выражали правдивые, реалистические полотна Жана Батиста Симеона Шардена (1699–1779). Излюбленными жанрами Шардена были бытовой жанр и натюрморт. Он отобразил жизнь простых людей Франции, воспел их быт, их тихие радости, их семейный уют. «Прачка» (1737.), «Атрибуты искусства» (1760-е г.), «Разносчица» (1739) и другие.

Среди выдающихся скульпторов XVIII в. самым ярким портретистом был Жан Антуан Гудон (1741–1828), который работал во второй половине XVIII в., когда во французском искусстве наблюдается возврат к классицизму. Он создал галерею психологически многогранных, жизненно ярких портретов представителей эпохи Просвещения, деятелей Великой французской революции: бюсты Ж.-Ж. Руссо (1778), О.Г.Р. Мирабо (1791); статую Вольтера (1781).

Гудон принадлежал к направлению передового классицизма, которое накануне и в дни Великой французской буржуазной революции было возглавлено первым художником революции Луи Давидом.

Жак Луи Давид (1748–1825), французский живописец, крупнейший мастер европейского классицизма. В своих исторических полотнах он отразил события различных этапов политической жизни Франции: эпохи Людовика XVI, Революции, Консульства, Империи, Реставрации. Восприняв античность как пример гражданственности, исполнил строгие по композиции и ритму произведения большого общественного звучания. «Клятва Горациев» (1784), портреты, например, «Врач А. Леруа» (1783). В годы Великой французской революции был организатором художественной жизни, создатель портретов, исторических картин, в том числе посвященных актуальным современным событиям. «Смерть Марата» (1793).

Искусство Англии

В большинстве стран Европы XVIII век был беднее художественными ценностями, чем XVII век. Англия являлась исключением. В этой европейской стране, на полтора столетия раньше Франции, осуществившей буржуазную революцию, национальный гений рано и блистательно проявился в литературе, но поздно – в изо

Предыдущая 1 2 3 4 5 6 7 8910 Следующая