Лекция 34. ИСКУССТВО РОССИИ 2 пол. 19 в.

Влияние русской демократической мысли благотворно сказалось на развитии изобразительного искусства. Художники-демократы поставили целью связать свое творчество с актуальными вопросами современности. В 1863 году четырнадцать воспитанников Академии художеств под воздействием демократических идей выразили протест против официального искусства и отказались писать конкурсную картину на заданные темы. Молодые художники во главе с И. Н. Крамским, ратовавшие за свободный выбор темы, оставили стены Академии. Это было небывалое коллективное выступление против обветшавших академических традиций. «Протестанты» искали новых путей искусства и, выйдя из Академии, организовали «Первую Санкт-Петербургскую артель свободных художников» — художественную коммуну, основанную под воздействием популярного романа Н. Г. Чернышевского «Что делать? ». Критический реализм стал основным методом всех передовых художников второй половины XIX века. Художники-демократы продолжали путь, начатый еще П. А. Федотовым. В живописи широкое развитие получили бытовые картины обличительного характера. Показывая острые жизненные сюжеты, художники-шестидесятники стремились прежде всего к наглядности и конкретности живописного повествования, к его ясной во всех деталях разработке, способной донести до зрителя социальный смысл изображенного. Каждый из них находил свои сюжеты, говорящие об окружающем зле (В. И. Якоби — «Привал арестантов», И. М. Прянишников — «Шутники», Н. В. Неврев - «Торг», В. Б. Пукирев - «Неравный брак»). В.Г. Перов(1834—1882) — один из ведущих художников второй половины XIX века, он сыграл большую роль в организации Товарищества передвижных художественных выставок. В первое десятилетие Перова наиболее устойчивой в его искусстве была тематика, связанная с обличением духовенства. («Сельский крестный ход на пасхе» (1861), «Чаепитие в Мытищах» (1862) и «Монастырская трапезная» (1865 — 1876). К лучшим работам Перова относится и картины «Проводы покойника» (1865), «Последний кабак у заставы» (1868). Значительное место в творчестве Перова занимают портреты выдающихся представителей русской интеллигенции, созданные в 1869—1872 годах; среди них — прославленные портреты Ф. М. Достоевского и А. Н. Островского.

В конце 1860-х годов стало ясно, что произведения, посвященные актуальным темам современности, необходимо сделать доступными широким кругам русского общества — за пределами Москвы и Петербурга. По инициативе ряда видных художников, Н. Н. Ге, Г. Г. Мясоедова, В. Г. Перова и других, и при деятельном участии И. Н. Крамского возникло Товарищество передвижных художественных выставок. Этой организации и принадлежит ведущая роль в последующем развитии русского демократического искусства второй половины XIX века. Передвижники ставили основной задачей многосторонне отобразить современную жизнь. Проникнутые глубокой любовью к народу, полные сознания гражданского долга перед Родиной, они внесли большой вклад в отечественную и мировую художественную культуру.

Борцом за передовое демократическое искусство и его национальную самобытность выступил В.В. Стасов(1824—1906). Поборник реализма, он явился первым пропагандистом и внимательным критиком искусства передвижников. Большую роль в развитии русского искусства второй половины XIX века сыграл П.П.Чистяков — крупнейший художник-педагог, профессор Академии художеств. Это был учитель и воспитатель многих выдающихся живописцев, таких различных по творческой индивидуальности, как В. И. Суриков, В. М. Васнецов, В. А. Серов, М. А. Врубель и другие. Способствовал расцвету передвижничества неутомимый собиратель русского искусства П.М. Третьяков(1832—1898). Будучи крупным предпринимателем и обладая большими средствами, он отдавал значительную их часть для приобретения произведений отечественных художников-реалистов.

Роль, которую сыграл в развитии русского реалистического искусства Иван Николаевич Крамской (1837 — 1887), огромна. Он был душой Товарищества передвижных художественных выставок. Большой талант художника сочетался у него с замечательным даром теоретика искусства. В портретах Л. Н. Толстого, Ф. А. Васильева И. И. Шишкина (1880), в картинах «Христос в пустыне» (1872), «Неутешное горе» (1884), «Некрасов в период последних песен» (1878), «Неизвестная» (1888) воплотились лучшие стороны его искусства – идейность, психологизм, реализм.

Важное место в творчестве передвижников занимал бытовой жанр, широко и многосторонне отражая жизнь народа, различных слоев русского общества, обличая правящие классы. Одним из выдающихся передвижников, целиком посвятивших свое творчество изображению крестьянской жизни, был В.М.Максимов (1844—1911). Среди его многочисленных картин выделяется «Приход колдуна на крестьянскую свадьбу» (1875). Много раз повторял Максимов свою популярную картину «Все в прошлом» (1885—1889), где запечатлел мир уходящего барства. Бесправие крестьян и после «освобождения» отражено в небольшом полотне «Земство обедает» (1872). Г.Г. Мясоедов (1835 — 1911), подобно многим другим передвижникам, основой композиции избрал противопоставление. Чутко откликался К. А. Савицкий (1846—1905) на актуальные вопросы русской действительности. Первым среди передвижников в картине «Ремонтные работы на железной дороге» (1874) он показал рабочих — землекопов и грузчиков. В русскую живопись вошел новый сюжет, новый герой. Видное место среди художников бытовой темы занимал В.Е.Маковский (1846—1920). Одна из лучших картин Маковского — «На бульваре» (1886—1887). По сравнению с другими его произведениями она более лаконична по композиции, живописна. Необычное зрелище предстало перед современниками в картине Н.А. Ярошенко (1846—1898) «Кочегар» (1878), где впервые был изображен русский индустриальный рабочий. В картинах «Студент» (1881) и «Курсистка» (1883) Ярошенко раскрыл духовный мир передовой русской молодежи, которая активно включалась в общественную жизнь. Ярошенко был также прекрасным портретистом. Ему принадлежат проникновенные портреты-характеристики передовых людей эпохи — Г. И. Успенского, М. Е. Салтыкова-Щедрина, И. Н. Крамского и других.

Как никто другой из передвижников, чувством современности обладал И.Е.Репин(1844—1930), глубоко и многосторонне отразивший русскую жизнь. Блестящее мастерство рисунка и композиции, свежесть колорита счастливо соединялись у Репина с живым и страстным темпераментом. Конкурсную картину «Воскрешение дочери Иаира» (1871) Репин исполнил на евангельский сюжет, но он увлекся мыслью показать старую академическую тему как реальную трагедию. В 1873 году появились его «Бурлаки на Волге», в 1877 - «Протодьякон», поразительный по силе живописи и социальной характеристике образ. «Крестный ход в Курской губернии» (1880—1883) — многоликая пореформенная крестьянская Россия. «Арест пропагандиста» (1878—1892) рисует один из характерных эпизодов массового похода разночинной интеллигенции в народ. Во второй картине цикла — «Отказ от исповеди» (1879—1885) изображен народоволец, отвергающий отпущение грехов. Особой тонкости живописно-пластической трактовки сюжета Репин достигает в третьем произведении— «Не ждали» (1884 — 1888), где талант художника-психолога проявляется с исключительной силой. В те же годы расцветает талант Репина — исторического живописца. Особенно убедительно это показывает картина «Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года» (1885). Бодростью, богатырской силой веет от другого исторического репинского полотна - «Запорожцы» (1878—1891). Репин создал многочисленные образы своих современников, писал крестьянские портреты. Глубоко показал художник мир передовых деятелей русской культуры — писателей, музыкантов, артистов, ученых. Смертельно больной М. П. Мусоргский (1881) написан Репиным за несколько дней до кончины. И здесь соединились все признаки репинского мастерства: социальная обрисовка образа, эмоциональность и точность рисунка и цвета.

Портрет Л. Н. Толстого (1887) — это обобщенный образ писателя, строгий и монументальный по характеристике. Трудно забыть лицо П. А. Стрепетовой в портрете (1882), написанном Репиным с большим творческим подъемом, быстро, за один сеанс. Горячие краски, нервный мазок созвучны трагическому выражению глаз актрисы, ее тревожному, смятенному душевному состоянию. Много сделал Репин как профессор Академии художеств, передавая ученикам профессиональное мастерство, страстное отношение к жизни и искусству.

Дальнейший шаг в развитии исторической живописи сделал Николай Николаевич Ге (1831 — 1894). Уже ранняя его картина «Тайная вечеря» (1863) необычна по построению, хотя и посвящена каноническому евангельскому сюжету. Содержание раскрывается как философское раздумье художника над сущностью жизни, в этом плане он продолжил поиски, начатые Александром Ивановым. В картине «Петр I допрашивает царевича Алексея Петровича в Петергофе» (1871) Ге обратился к русской истории, изобразив молчаливый поединок между отцом и сыном — представителями двух эпох.

Героем произведений В. И. Сурикова (1848—1916) впервые выступил русский народ. Эпический строй и многоцветный колорит произведений Сурикова неразрывно связаны с глубоким идейным содержанием. По широте замыслов и народности его образы перекликаются с музыкой М. П. Мусоргского. Замысел своего первого большого исторического полотна «Утро стрелецкой казни» (1881) Суриков определил как «торжественность последних минут». Картина перерастала рамки отдельного исторического события, касаясь существа русской истории — роли народа в великой освободительной борьбе. Следующая картина Сурикова «Меншиков в Березове» (1883) по теме тесно связана с первой, она посвящена сподвижнику Петра I, отправленному в ссылку временщиками. Исторический эпизод в картине «Боярыня Морозова» передан как большое народное событие. Творческий замысел батальной картины — «Переход Суворова через Альпы» (1899) — Суриков кратко определил: «Покорные слову полководца, идут». Патриотическая идея славы русского оружия, беззаветной храбрости русских солдат и их полководца вдохновила художника. В последние годы жизни Сурикова волновали темы, более непосредственно связанные с историческими судьбами русского народа. Он успел воплотить свои искания лишь в одном большом полотне — «Степан Разин» (1907).

Крупнейшим художником, связавшим свои произведения с народным творчеством, был В.М. Васнецов(1848—1926). Первым значительным произведением его была картина «После побоища Игоря Святославича с половцами» (1880), написанная по мотивам «Слова о полку Игореве». Своеобразие искусства Васнецова раскрывается также в его самой поэтической картине «Аленушка» (1881). Итог творчества Васнецова — его большая картина «Богатыри».

В творчестве В.В. Верещагина (1842—1904) заключены главнейшие достижения русского искусства в области батальной живописи. Сам Верещагин обычно называл себя не баталистом, а художником военных сцен. Действительно, в его искусстве картины сражений очень редки. Верещагин рассказывал зрителю о войне как о величайшем зле, как об огромной человеческой драме. Художника волновали не кровавые зрелища войны, не эффектные картины сражений, а великое геройство и великое страдание народа. Первая большая серия военных картин Верещагина — Туркестанская. Цикл завершает группа полотен, сюжетно связанных друг с другом и объединенных единым названием «Варвары». В первой ее части рассказывается о борьбе и трагической гибели в неравном бою русского отряда («Высматривают», «Нападают врасплох», «Окружили — преследуют»). Варварские обычаи торжествующих победителей — главный сюжетный мотив второй части («Представляют трофеи», «Торжествуют»). Заключительное звено этой серии — картина «Апофеоз войны» (1871) — резкий протест против всех захватнических войн, несущих с собой смерть и разрушение. Следующий значительный цикл картин Верещагина — Балканская серия (1878—1881). Она насчитывает более двадцати полотен и занимает центральное место в творческом наследии художника. К лучшим полотнам серии относится «После атаки. Перевязочный пункт под Плевной» (1877-1878). В 1890-е годы Верещагин создает последнюю серию картин - «1812 год». Она основана на большом документальном материале, но в художественном отношении не может идти в сравнение с упомянутыми выше произведениями.

А.К.Саврасов (1830—1897) по праву считается основоположником русского лирического пейзажа. Центральное произведение, принесшее ему заслуженную славу, — «Грачи прилетели». Несколько по иному пути шло развитие искусства другого русского пейзажиста Ф.А.Васильева(1850—1873). В противоположность Саврасову Васильев всегда искал в пейзаже возвышенное романтическое начало, но при этом его искусство не уходило от реалистической правды и простоты. Одно из своих лучших его произведений — «Мокрый луг» (1872). Мастером эпического пейзажа по праву считается И.И. Шишкин. «Утро в сосновом лесу» (1889), «Корабельная роща» (1898), «Лесные дали» (1884), «В лесу графини Мордвиновой» (1891). Оставаясь верным своим темам и идеям, художник к поре своей творческой зрелости — к 1880-м годам — преодолел излишнюю описательность и сухость ранних произведений и в лучших картинах достиг гармонии обобщенного монументального образа при тщательной проработке деталей. Ценнейшая часть творческого наследия И. И. Шишкина — рисунки и офорты.

Очень много нового и своеобразного внес в русскую пейзажную живопись А.И. Куинджи (1842 — 1910). Его «Березовая роща» (1879) и особенно «Ночь на Днепре» (1882) в свое время поразили современников: первая сверканием яркого солнца, вторая — почти иллюзорно показанным лунным светом. Эта иллюзорность была результатом исключительно точно выверенных отношений цвета. С 1894 по 1897 год Куинджи руководил пейзажным классом в Академии художеств. За это время он сумел создать свою пейзажную школу. Среди его многочисленных учеников и последователей ряд известных художников — Н. К. Рерих, К. Ф. Богаевский, А. А. Рылов, В. Ю. Пурвит и другие.

Большую роль в развитии национального русского пейзажа сыграл В.Д. Поленов(1844 — 1927). Разносторонностью творчества он отличается от других художников-пейзажистов того времени. Он занимался исторической живописью. Наиболее известно его большое полотно «Христос и грешница» (1887). Интересовал Поленова и бытовой жанр. Велики заслуги художника в области реалистического театрально-декорационного искусства, основоположником которого он был наряду с В. М. Васнецовым. Но наибольших успехов Поленов достиг в пейзажной живописи. В картине «Московский дворик» (1878) он изобразил уголок старой Москвы.

В основе искусства И.И. Левитана(1860—1900) лежит стремление передать в образах природы чувства и настроения человека. Именно это желание увидеть одухотворенную природу, вызывающую у людей мир тончайших эмоций, всегда определяло содержание его пейзажей, композицию, колорит, манеру письма. «Над вечным покоем» (1894), «Март» (1895), «Свежий ветер. Волга» (1895), «Владимирка» (1892).

Во второй половине XIX века русская скульптура не получила такого широкого развития, как живопись. Как и архитектура, она в большей степени зависела от официальных вкусов. С другой стороны, ведущее в русском искусстве критическое направление было чуждо самой специфике скульптурного искусства, которому ближе положительные идеалы. Не случайно в скульптуре второй половины XIX века были живучи традиции позднего классицизма. Наиболее последовательно и ярко реалистическое направление в русской скульптуре второй половины XIX века выразилось в творчестве и воззрениях М. М. Антокольского (1843—1902). «Иван Грозный» (1871), «Смерть Сократа», 1882), «Ермак» (1891).

Ответы.

1. Виды и жанры изобразительного искусства.

Виды: живопись (монументальная, станковая, декоративная, миниатюра, сценография); графика (станковая, прикладная, плакат), скульптура (монументальная, станковая, мелкая пластика, декоративная).

Жанры: портрет (камерный, парадный, автопортрет), пейзаж (лирический, эпический, марина), натюрморт, ню, батальный, анималистический, интерьер, бытовой, исторический, библейский, мифологический.

Все виды и жанры взаимосвязаны.

2. Искусство Древнего Египта. Периоды и особенности развития (Древнее царство, Среднее царство, Новое царство).

Додинастический период – 4 тыс. до н.э.; Древнее царство – 3 тыс. до н.э.; Среднее царство – к. 3 тыс. до н.э. – нач. 2 тыс. до н.э.; Новое царство – сер. и 2 пол. 2 тыс до н.э.

Предпосылки: 1) географическое положение(защищенность со всех сторон, теплый климат, Нил – главная транспортная артерия и источник воды) 2) религия (идея загробной жизни) 3) рабовладельческий строй (дешевый труд, деспотия).

В период Древнего царства сложились основные виды и жанры древнеегипетского искусства, все они подчинены идее загробной жизни, образуют устойчивое единство. Преобладает архитектура, которая объединяет остальные виды.

Развивается культовая (пирамиды и храмы) и светская (жилища) архитектура.
Эволюция пирамиды: мастаба (скамья) - усеченная, ступенчатая пирамида (Джосера), “гладкая” (Хеопса).По размеру самые крупные пирамиды относятся к Древнему царству.

Храмы равнинные (З-хчастные –колонный двор, колонный зал, святилище – прямоугольные, расположенные на одной оси. Храмы в Карнаке и Луксоре) и скальные (система пандусов и террас перед святилищем в скале. Заупокойный храм царицы Хатшепсут). Становление ордера. Материал – камень, протобетон.

Светская архитектура почти не сохранилась, судим о ней по изображени ям. Материал – кирпич-сырец, глина, тростник, терракота.

Монументальная живопись покрывала все общественные постройки. Сюжеты: религиозные, исторические, бытовые. Техника: фреска, секко, энкаустика, темпера, клеевые краски. Монументальные рельефы (барельеф, контррельеф) близки живописи по характеру, стилистике, расположению - раскрашивались. Колорит декоративный, контрастный, близок природе Египта. (Роспись “Туалет знатной египтянки”, рельеф “Зодчий Хесира”)

Все изображения каноничны (суммарность, разномасштабность, соединение изображения и текста, плоскостность, монументальность, фризовое расположение). Круглая сульптура была представлена монументами (Большой сфинкс в Гизе), станковыми фигурами ( фараон Хефрен), мелкой пластикой (“ушебти”). Каноничные позы в круглой скульптуре: “поза шага”, “сидящих на троне”, “поза писца”. ( “Сельский староста”, статуи царевича Рахотепа и его супруги Нофрет, статуя писца Каи). Статичность, фронтальность, ритуальная отстраненность, обобщенные формы, раскраска.

Декоративно-прикладное искусство: костюм, текстиль, ювелирное искусство, керамика, глиптика, мебель.

В период Среднего царства продолжалось развитие основных видов и жанров изобразительного искусства и архитектуры. Сложность социально-экономической ситуации привела к уменьшению масштабов построек и их декора. Шло изучение натуры при обязательном соблюдении канона.

Традиционное развитие искусства Нового царства было прервано в правление фараона Эхнатона (искусство Амарны, 14 в. до н.э.). Религиозная, политическая реформы молодого фараона привели к некоторому освобождению общества в целом и искусства в частности. Отход от канона, реализм, лиризм, индивидуальность (п-ты Нефертити работы Тутмеса, п-ты Эхнатона, роспись “Фараон на охоте”).

3. Искусство Древней Греции. Периоды и особенности развития (архаический период, классический период, эллинизм).

Гомеровский период – 11-8 вв до н.э.; архаика – 7-6 вв до н.э.; классика – 5-4 вв до н.э.; эллинизм – 3-1 вв. до н.э.

Предпосылки: эгейская культура как база для дальнейшего развития; рабовладельческий строй ( дешевый труд рабов), “усеченная демократия” (гражданственность, равенство, дух свободы); антропоморфность (человекоподобие ) религиозных представлений.

Архаическое искусство заложило основу будущего расцвета древнегреческого искусства (классика, эллинизм). Все виды искусства получают в это время быстрое развитие. Художественная культура была общим достоянием, произведения выставлялись на всеобщее обозрение, изображали только молодых и прекрасных (идеализация), достойными изображения считали только богов, героев и атлетов-олимпийцев.

Архитектура (культовая и светская) объединяет все виды изобразительного и прикладного искусства. Эволюция культовой архитектуры от храма в антах (Сокровищница афинян в Дельфах) до периптера (храм Посейдона в Пестуме). Ордер (дорический, ионический, коринфский) как образная и конструктивная система. Материалы: дерево, кирпич-сырец (архаика), камень (классика, эллинизм).

Афинский акрополь (5 в. до н.э.) – гармония натуры и культуры, культового и светского начал, синтез искусств. Художественный руководитель – Фидий. Парфенон (Иктин и Калликрат), храм Нике Аптерос (Калликрат), Пропилеи (Мнесикл), Эрехтейон (Архилох и Филокл), Пинакотека, театр Диониса. Скульптурное оформление (школа Фидия).

Скульптура (монументальная, станковая, мелкая пластика) прошла путь от статичных куросов и кор с “архаическими улыбками” до свободной пластики эллинизма (Нике Самофракийская). Материалы: мрамор, бронза, дерево, хризоэлефантинная техника, терракотта, драгоценные камни. Многие скульптуры раскрашивались. Классика: гармония, идеализация, статика. Эллинизм: трагизм (темы войны, борьбы, смерти, обреченности), динамика, психологизм (Пергамский алтарь, “Лаокоон с сыновьями”, “Умирающий галл”), высокий профессиональный уровень.

Мастера: 1) Мирон (“Дискобол”, “Афина и Марсий”), Фидий (скульптура афинского Акрополя), Поликлет(“Раненная амазонка”, “Дорифор”, трактат о пропорциях “Канон”), Скопас (“Менада”), Пракситель (“Отдыхающий сатир”, “Афродита Книдская”), Лисипп (п-т Александра Македонского, “Апоксиомен”), Агесандр (“Лаокоон с сыновьями”).

Живопись (монументальная, станковая) была столь же развита, как и скульптура, но не сохранилась. Судим о ней по римским копиям (Помпея), описаниям и вазописи( чернофигурная, краснофигурная. Эксекий, Брига).

Декоративно-прикладные искусства: костюм, ювелирное, керамика, стекло, глиптика, металл, мебель.

4. Искусство Древнего Рима. Развитие основных видов и жанров.

Период Республики: 5 -1 вв. до н.э., период Империи: 1-5 вв. н.э.

Предпосылки: этрусская культурная база, влияние древнегреческой культуры, эффективная внешняя и внутренняя политика.

Архитектура: “Польза, красота, прочность” (Витрувий) – основные качества римской архитектуры. Изобретение бетона помогло появлению новых конструкций – арки и купола. Тосканский и композитный ордера дополнили систему древнегреческих ордеров. Храмы – периптеры, псевдопериптеры, центрические купольные (Пантеон). Базилики – административные и торговые здания прямоугольной формы. Форумы – городские площади. Термы – бани (Каракаллы). Амфитеатры (Колизей) и театры. Акведуки (водопроводы). Виллы - загородные дома богатых римлян, состоящие из двух частей: официальной с атриумом в центре и частной с перистилем. Триумфальные арки и колонны (Траяна, Адриана). Грандиозные масштабы и пафос римской архитектуры.

Помпея – модель древнеримской культуры. 4 стиля помпейской живописи: инкрустационный, перспективный, канделябрный, перспективно-архитектурный. Техники монументальной живописи: фреска, секко, энкаустика, мозаика. Сюжеты – мифологические, исторические, бытовые. Станковая живопись – фаюмские портреты (энкаустика).

Влияние христианства повлекло за собой постепенный отход от реализма, появление условности, символичности (п-ты императора Константина, росписи катакомб).

Скульптура монументальная, станковая, мелкая пластика. Переплетение этрусских и греческих форм (“Капитолийская волчица”). Веризм – достоверность – главное качество. Материалы: мрамор, бронза, терракота.

Римский скульптурный портрет – главное завоевание римского изобразительного искусства. Эволюция от небольших натуралистичных бюстов республиканского периода до памятников (конная статуя Марка Аврелия) и сложных психологических портретов имперского.

5. Искусство Средневековой Западной Европы. Этапы развития (дороманский, романский, готический периоды).

Дороманский – 5-10 вв., романский – 11-12 вв., готический – 13-15 вв.

Предпосылки: феодализм, христианство, античная культурная база, варварское прикладное искусство, влияние фольклора.

Дороманский период. В архитектуре – небольшие центрические постройки циклопического характера (мавзолей короля Теодориха в Равенне с выдолбленным куполом). Прикладные произведения в варварском стиле (короны, фибулы, реликварии). Книжная миниатюра.

Романский период. Оборонный характер художественной культуры. Развитие базиликального типа храма. Христианская символика в плане, объеме, декоре (соборы в Вормсе, Гернроде).

Живопись (монументальная, станковая, миниатюра). Сюжеты – библейские. Трактовка – каноническая. Стиль – условный, символический. Техники – фреска, энкаустика, витраж.

В скульптуре преобладает плоский монументальный рельеф для храмовой архитектуры (тимпан собора Сен-Лазар в Отене).

Готический период. Полифункциональность храма. Каркасная архитектура (нервюры, своды – коробовые и крестовые, столбы, аркбутаны, контрфорсы), стрельчатые формы, “розы”, перспективные порталы, аркады, трехчастные деления фасада, высотность, ажурность. Нотр–Дам-де-Пари, Амьенский, Шартрский, Кельнский соборы. “Пламенеющая” готика – поздний вариант стиля (Миланский собор).

Скульптура (камень) и монументальная живопись (витраж, фреска, гобелен). Вытянутые пропорции условных S-образных фигур. Большая динамика, драматизм, экспрессия (Шартр, Амьен, Реймс, Сен-Шапель в Париже). Алтарные картины. Синтез искусств.

6. Искусство Возрождения в Италии. Этапы развития (Раннее Возрождение, Высокое Возрождение, Позднее Возрождение). Основные мастера.

Проторенессанс – 13-14 вв.; Раннее Возрождение – 15 в., Высокое – к.15-первая треть 16 в., Позднее - последние две трети 16 в.

Предпосылки: капитализм, международные контакты, античные влияния, республиканские формы правления, гуманизм, универсализм.

Проторенессанс: переплетение готических и ренессансных черт, реформаторы Джотто – живописец, скульптор, архитектор (росписи Капеллы дель Арена, алтарная картина «Мадонна с младенцем и святыми», Кампаниле во Флоренции), Чимабуэ, С. Мартини, Н.Пизано.

Раннее Возрождение – повышение профессионального уровня, работа с натурой, изучение античности. Ведущее положение флорентийской школы. Активное развитие светской архитектуры, появление новых ее типов (палаццо Медичи-Рикарди, Микелоццо). Творчество Брунеллески (Воспитательный дом, купол Санта Мариа дель Фьоре). Л.Б. Альберти – первый в истории Возрождения «универсальный человек», теоретик и практик архитектуры (палаццо Ручелаи во Флоренции, фасад ц. Санта Мария Новелла).

Донателло – новатор в скульптуре («Давид», «Св. Георгий, статуя Гаттамелаты, первый конный памятник Возрождения), Л.Гиберти («Врата рая» для флорентийского баптистерия), Л. делла Роббиа (майоликовые путти).

Решительный разрыв с готикой совершил Мазаччо (фрески капеллы Бранкаччи – «Изгнание из Рая», «Чудо с динарием»). Фра Беато Анжелико (мажорный колорит при архаизме рисунка). П. Уччелло-баталист («Битва при Сан-Романо», разработчик линейной перспективы. Ф. Липпи, А. Мантенья, П. дела Франческа, С. Боттичелли («Весна», «Рождение Венеры»), Гирландайо – яркие мастера.

Высокое Возрождение – вершина эпохи, оптимизм, гуманизм, идеализм, реализм. Титаны – Леонардо (см. в.20), Микеланджело (см. в. 21), Тициан, Рафаэль («мастер Мадонн» - Конестабиле, Сикстинская, «со щегленком»). Росписи ватиканского дворца (лоджии и станцы: «Афинская школа», «Диспута», «Парнас»). «Дама с вуалью», «П-т кардинала». Картоны для шпалер на библейские темы. Строительство собора св. Петра в Риме.

Школы - Флорентийская, Римская, Миланская, Венецианская, Падуанская, Болонская.

Позднее Возрождение. Наступление феодально-католической реакции. Войны, ухудшение внешне-и-внутриполитической ситуации. Трагизм мироощущения. Стилистические изменения (на примере творчества Микеланджело и Тициана). Маньеризм – манерность, деформация, холодный эстетизм (Бронзино, Пармиджанино).

Д. Вазари – живописец и историк. «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» - первый искусствоведческий труд.

А. Палладио – теоретик и практик архитектуры («Четыре книги об архитектуре», вилла Ротонда).

Особое положение венецианской школы – богатство, связь с Востоком, оторванность от других школ. Беллини, Джорджоне («Гроза», «Спящая Венера», «Сельский концерт», «Юдифь»), Тициан («Венера Урбинская», «Красавица», «Кающаяся Мария Магдалина», «Св. Себастьян»), Веронезе, Тинторетто.

7. Искусство Северного Возрождения.

Искусство, возникшее под влиянием итальянского Возрождения в странах, которые расположены севернее Италии, в 15-16 вв. Крупнейшими очагами этой культуры были Нидерланды, Германия, Франция. Некоторые исследователи считают ее «осенью средневековья», а не проявлением Ренессанса. Однако новые идеи и формы в искусстве этого периода убеждают, что это не конец средневековья, а начало формирования культуры Нового времени. Характерной особенностью этой культуры является переплетение готических и ренессансных черт. В творчестве каждого художника и в каждом произведении соотношение этих начал различно.

Нидерландские мастера: Роббер Кампен («Флемальский мастер») – «Троица», «Мадонна с младенцем», «Злой разбойник на кресте»; Рогир ван дер Вейден – «Мария Магдалина», «Св. Лука, рисующий мадонну»; Гуго ван дер Гус – « Адам и Ева», «Алтарь Портинари». Ян ван Эйк – самый крупный мастер 15 в (начинал работать вместе с братом Губертом, считается создателем техники масляной живописи) – «Автопортрет», «П-т жены», «Чета Арнольфини», «Мадонна канцлера Роллена», «Гентский алтарь». На рубеже веков творил Иероним Босх – мастер едкой сатиры, жуткой фантастики, предтеча сюрреализма («Операция по удалению камней глупости», «Семь смертных грехов», «Воз сена», «Сады земных наслаждений» см. в. 23). Творчество Питера Брейгеля Старшего подводит итог нидерландскому Возрождению. Его прозвали «мужицким», потому что произведения (живопись, рисунки, гравюры) проникнуты народным духом, изображают жизнь простых людей с любовью и состраданием. Как и у Босха, в них много аллегорий, символов, философских и политических иносказаний. «Нидерландские пословицы и поговорки», «Игры детей», «Декабрь. Охотники на снегу», «Перепись в Вифлееме», «Слепые», «Битва кошельков и копилок».

Немецкие мастера: А.Дюрер (см. в.22), Л. Кранах Старший («Мадонна под яблоней», Г. Гольбейн (портреты).

Французские мастера: Ж. Фуке (п-т короля Карла VII, автопортрет), портретисты Клуэ.

8. Искусство Италии 17 в. Основные тенденции развития (искусство барокко, караваджизм, классицизм).

В первой половине века итальянская школа лидирует в Европе, сказывается авторитет предшествующего ренессансного периода. Именно здесь создаются новые направления, которые затем получают развитие в других школах. Сохраняется чрезвычайно высокий профессиональный уровень, появляются новые аспекты художественного видения.

Барокко – стиль декоративный, монументальный, театральный, вычурный, иллюзорный. Охватывает все виды искусства. Первые проявления встречаются еще в к. 16 в. Крупнейшим мастером был Л. Бернини – скульптор, живописец, архитектор, сценограф, теоретик искусства («Давид», «Экстаз св. Терезы», ансамбль собора св. Петра). П. да Кортона – архитектор и живописец(«Смерть св. Стефана»).

Караваджо – художник реалистического толка. Традиционные библейские и мифологические сюжеты решал современно, приземленно, мощно («Апостольская» серия, «Вакх», «Юдифь»). По его имени названо реалистическое искусство 17 в.

Братья Карраччи основали в Болонье «Академию наставленных на истинный путь» - прообраз всех будущих Академий художеств, в которых воспитывали не просто ремесленников, но широко образованных людей. В основу своего творчества Карраччи положили изучение классических традиций и высокий профессионализм, поэтому их называли классицистами или академистами (А. Карраччи «Жены-мироносицы у гроба господня», Г.Рени «Св. Иосиф»).

9. Искусство Фландрии 17 в.

В 17 в. Нидерландское искусство разделилось на две школы – фламандскую и голландскую – в связи с разделением самих Нидерландов на две части: север стал Голландией, юг – Фландрией (современная Бельгия). Историческое и культурное развитие их пошло разными путями. Фландрия осталась феодальной и католической страной под контролем Испании. Голландия завоевала национальную независимост, стала протестантской и капиталистической. Во фламандской школе преобладало барокко, в голландской – реализм.

Главным заказчиком искусства во Фландрии была католическая церковь, социальная верхушка. Востребованы были крупноформатные картины для украшения роскошных интерьеров на библейские, мифологические сюжеты, сцены охот, декоративные натюрморты. Крупнейшим мастером был П.П. Рубенс. (см. в. 24)

Каждый из учеников разивал отдельную линию в творчестве Рубенса. Ван Дейк – мастер аристократического портрета, много сделавший для становления английской портретной живописи. («П-т Карла 1», «Автопортрет»). Йорданс – продолжатель крестьянской темы, бытового жанра («Сатир в гостях у крестьянина»). Тенирс и Браувер также специализировались на изображении сцен народной жизни. Снейдерс – автор «Лавок» (рыбных, мясных, фруктовых) – огромных декоративных натюрмортов с элементами бытового, анималистического, интерьерного жанров. Все они работали в стиле барокко.

11. Искусство Голландии 17 в. Становление реализма.

В 17 в. Голландия – образцовая капиталистическая страна, богатевшая на колониальной торговле, кораблестроении, сельском хозяйстве. Главный заказчик – бюргерство, городские власти. Отсюда – темы искусства – современные, бытовые – и размеры произведений – небольшие, их камерная интонация. Главное достижение школы – в станковой реалистической живописи.

«Малые голландцы» - художники малых жанров (бытовой, портрет, пейзаж, анималистический, натюрморт), создававшие картины небольшого размера, интимного характера (П. Клас, В. Хеда, В. Конинк, Арт ван дер Нер, П. Поттер, Г. Терборх, Вермер Делфтский, Я. ван Рейсдал).

Историю голландской живописи иллюстрирует эволюция творчества великого портретиста Ф. Халса. Ранние работы («Стрелковая гильдия св. Георгия») полны энергии, мажора, свободы. В поздних (групповые портреты регентов и регентш) осталась и даже возросла пластическая свобода (широкий мазок, изысканный аскетизм гаммы), но нет и следа духовной. Они трагичны по мироощущению. Так в голландской живописи 17 в. поэтичное бытописание «малых голландцев» превратилось в философскую и эмоциональную мощь «великих голландцев» Халса и Рембранта (см. в. 25).

12. Искусство Франции 17-18 вв. Становление национальной художественной школы (искусство барокко, классицизма, рококо).

17 в. - время формирования единого французского государства, нации. Во 2-ой пол. 17 в. Франция – самая могущественная абсолютистская держава в Западной Европе. Это и время сложения французской национальной художественной школы. В основе ее – традиции французского Возрождения (Фуке, Клуэ, Гужон).

Самым органичным для французской школы стилем следует признать классицизм, с его рационализмом, гражданственностью, патетикой. Н. Пуссен – основоположник стиля во Франции, всю жизнь он прожил в Италии, восхищался ее природой и культурой. Его учителя – это античность, Возрождение, Караваджо.Темы его картин связаны с историей, мифами, Библией. Его герои – люди сильных характеров, высокого чувства долга. Ясный дух его искусства выразился в уравновешенных композициях, четких линеарных ритмах, холодной гармонии колорита. (»Парнас», «Царство Флоры», «И я был в Аркадии», автопортреты, «Вакханалии»). Идеализированные классицистические пейзажи – наивысшее достижение К. Лоррена.

При королевском дворе культивировался стиль барокко, переплетающийся с классицизмом, что особенно заметно в ансамбле Версаля. Крупнейшие мастера архитектуры (Лево, Ленотр, Ардуэн-Мансар), скуль

Предыдущая 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 1718Следующая