Основная тематика первобытного искусства

Стр 1 из 6Следующая ⇒

Основная тематика первобытного искусства

Первобытность – огромный период времени от появления человека до становления первых государств.

Типы ранних изображений:

- раны

- меандры (макароны)

- руки

Тематика однородна – «что вижу, то пою», техника реалистична.

Палеолит, мезолит, неолит.

В мезолите появляется изображение человека, композиция, упрощаются формы.

В неолите – мегалитическая архитектура (дольмены, менгиры, кромлех).

Типы мегалитических построек и их назначение.

Мегалиты (от греч. megas - большой и litos - камень) - археол. памятники, сооруженные из одного или многих блоков дикого или грубообработанного камня. М. п. называют: дольмены, гробницы с галереей, массивные каменные ящики, крытые галереи, менгиры, кромлехи, кам. аллеи, а также гробницы, высеченные в скалах или выкопанные в грунте, но следующие тому же плану, что и сложенные из больших камней.

ДОЛЬМЕНЫ

Дольмены, обычно представляют собой " ящики", составленные из каменных плит, к которым присоединятся, иногда, длинные или короткие галереи. Они являлись коллективными погребальными камерами, о чем свидетельствуют останки костей и вотивные клады (керамика, украшения, топоры из полированного камня). Дольмены могли быть как отдельностоящими сооружениями, так и входить в состав более сложных конструкций.

МЕНГИРЫ

Менгир это вертикально врытый в землю каменный столб. Их высота варьируется от 0, 80 метров до 20. Менгиры стоящие отдельно, являются обычно самыми высокими. " Рекордсменом", был Men-er-Hroech (Камень Фей), из Локмариакера (Морбиан), который был разрушен около 1727 г. Самый большой осколок его равнялся 12 м., а в целом виде, он достигал 20 м. в высоту, при приблизительном весе в 350 т.

Существуют, так же, менгиры, выстроенные в линию, (назовем это условно ряды камней) иногда в несколько параллельных рядов. Самый грандиозный ансамбль такого рода, находится в Карнаке, и насчитывает около 3 000 (! ) менгиров

КРОМЛЕХИ

В качестве примера кромлеха можно привести такую общеизвестную постройку как Стоунхенж.

Кромлехами, называют ансамбли менгиров стоящих, чаще всего, кругом или полукружьем и соединенных каменными плитами лежащими сверху, однако встречаются менгиры, собранные в прямоугольник (как в Сrucuno, Mорбиан

Назначение мегалитов не всегда можно установить. Большей частью они, по мнению некоторых ученых, служили для погребений или были связаны с погребальным культом. Есть и другие мнения. По-видимому, мегалиты — общинные сооружения (функция — социализирующая). Их возведение представляло для первобытной техники сложнейшую задачу и требовало объединения больших масс людей.

Некоторые мегалитические сооружения, как, например, комплекс из более 3000 камней во французском Карнаке (Бретань), представляли собой важные церемониальные центры, связанные с культом мёртвых. Другие комплексы мегалитов использовались для определения времени астрономических событий, таких как солнцестояние и равноденствие.

В районе Набта-Плайя в нубийской пустыне было найдено мегалитическое сооружение, служившее для астрономических целей. Это сооружение на 1000 лет старше Стоунхенджа, который также считается своеобразной доисторической обсерваторией.

Основные черты древнеегипетского изобразительного канона.

- иерархический принцип изображения

- соединение фасных (туловище) и профильных элементов (ноги и голова)

- ярусный способ изображения (обычно 3)

- отсутствие достоверности.

Культовая архитектура Древнего царства.

- формируется погребальный культ

- формируются классические гробницы – например, Джоссера (арх. Имхотеп)

- пирамиды возводились на Западе, ближе к орошаемым землям, на границе с пустыней

- пирамиды-спутники, где хоронились слуги

- ориентация искусства «внутрь себя»

- пирамида с глазами Синусиарда I, смотрящего на Египет; Сфинкс из цельного камня.

Ордерная система древнегреческого храма и ее составляющие.

2 ордера: дорический и ионический.

Традиционная форма храма – периптер.

храм в антах

Простильный храм

Амфипростильный

Искусство эпохи эллинизма.

После распада империи Александра Македонского, тенденции – взаимодействие греческой и восточной культур, гигантизм, архаизация.

Родосский колосс, фигура бога Гелиоса высотой 32 метра.

Ника Самофракийская

Итальянский проторенессанс.

Проторенессанс (от др.-греч. π ρ ῶ τ ο ς — «первый» и фр. Renaissance — «Возрождение») — этап в истории итальянской культуры, предшествующий Ренессансу, приходящийся на дученто (1200-е) и треченто (1300-е). Считается переходным от эпохи Средневековья к эпохе Возрождения.

Появление признаков Проторенессанса некоторые исследователи усматривают в архитектуре XI—XIII вв. в Тоскане, где использовалась полихромная облицовка мрамором в сочетании с тонкими членениями стен и античные архитектурные детали, что позволило облегчить тяжеловесность архитектуры свойственную романскому стилю.

Для архитектуры Проторенессанса характерны уравновешенность и спокойствие. Представитель: Арнольфо ди Камбио.

Для скульптуры этого периода характерны пластическая мощь и наличие влияния позднеантичного искусства. Представитель: Никколо Пизано.

Для живописи характерно появление осязательности и материальной убедительности форм. Представители: Пьетро Каваллини (Рим); Джотто (Флоренция).

Яркими представителями литературы этого периода являются Данте Алигьери, Франческо Петрарка и Джованни Боккаччо. К этому же периоду относится поэзия школы «дольче стиль нуово». Для литературы характерно чувственное усиление, реалистичность образов.

Традиции искусства Проторенессанса были восприняты такими художниками Возрождения, как Брунеллески, Донателло, Мазаччо.

Искусство эпохи треченто.

Тесное соприкосновение с ней обогатило итальянское искусство, впервые пробудив у художников интерес к частному, конкретному, остро-характерному. Стилю интернациональной готики была характерна хрупкость или сухощавость в изображении человека, ломкость складок, стилизованность гибких, вьющихся линий.

Ведущими мастерами искусства треченто были: архитектор Арнольфо ди Камбио, скульптор Клаус Слютер, и художники Амброджо Лоренцетти, Симоне Мартини.

- итальянское искусство очень пестрое

- школы: сиенская, флорентийская, венецианская, римская…

- флорентийская – Джотто, фрески в Падуе

- сиенская – Дуччо, «Маэста»; Симоне Мартине «Благовещение»; Лоренцетти – фрески с Палаццо Публико, знаменует окончание эпохи Треченто.

Флоренция

Филиппо Брунеллески (1377-1446) был инициатором нового движения в архитектуре. Ему принадлежит купол флорентийского собора Санта Мария дель Фьоре. По своим размерам купол сопоставим с куполом Пантеона. Он имеет граненую форму и состоит из двух оболочек - внешней из красно-коричневой черепицы и внутренней - кирпичного каркаса, являющегося рабочей частью конструкции. Когда в 1425 Брунеллески проектировал во Флоренции церковь Сан Лоренцо, то взял за основу схему раннехристианской римской базилики: легкая аркада, составленная из поднятых на импосты полуциркульных арок, и тех же, полуциркульных очертаний окон второго яруса; потолок кассетированный, колоннам аркад, решенным в коринфском ордере, соответствуют пилястры на боковых стенах. Ренессансному архитектору удалось передать " работу" ордерной конструкции, но созданное им здание выглядит более строгим и менее ярким, чем античные постройки, которые мог видеть Брунеллески.

При проектировании флорентийского Рикарди Микелоццо (1396-1472) осуществил перевод понятия " дворец" с архитектурного языка Средневековья на язык Возрождения. Подобно палаццо Веккьо, оно построено вокруг внутреннего двора, при украшении которого Микелоццо использовал коринфские колонны и полуциркульные арки. Обработка каждого из трех этажей разная: в нижнем - сильно выступающий руст, во втором руст лишь прочернен, поверхность стен верхнего этажа - гладкая. Сильный выступ классического карниза завершает здание. Хотя трактовка окон напоминает средневековую двухчастную, каждый из оконных проемов имеет обрамление, состоящее из коринфских колоннок и полуциркульной арочки.

Леон Баттиста Альберти (1404-1472) применил декоративный ордер с пилястрами и антаблементом для украшения каждого из этажей палаццо Руччелаи, построенного в 1451-1455. На фасаде церкви Сан Франческо в Римини использованы мотивы триумфальной арки Константина, находящейся в том же городе. Полуколонны усиливают игру светотени на фасаде. В церкви Сант Андреа в Мантуе (проект 1470) Альберти перекрыл главный неф цилиндрическим сводом, превратив боковые нефы в ряды капелл. Это здание, очень " римское" по духу, немного напоминает базилику Константина.

Флорентийские архитекторы стремились возродить римскую античность в самой ее сути, для чего было необходимо в первую очередь понимание римской архитектурной конструкции. Их современники из северной Италии гораздо больше интересовались архитектурной декорацией. Фасад Чертозы (картезианского монастыря) близ Павии, созданный по проекту Амадео и других во второй половине 15 в., имеет мало общего с римскими образцами. Однако гротески, завитки аканта, коринфские колонны и еще ряд мотивов декорации свидетельствуют об увлечении античностью.

Рим

В 16 в. роль главного художественного центра переходит от Флоренции к Риму. К началу столетия архитекторы уже прекрасно владели античными формами. В архитектуре римского палаццо Канчеллериа (1486-1495), одним из создателей которого был Донато Браманте (1444-1514), сделан следующий шаг после палаццо Руччелаи. Пилястры установлены на пьедестал, играющий роль аттика для находящегося ниже этажа. Темпьетто - маленькая часовня-ротонда, построенная Браманте в квартале Сан Пьетро ин Монторио, немного напоминает храм Сивиллы в Тиволи. Строгая колоннада тосканского ордера вместе с непрерывной лентой антаблемента кольцом окружает здание. Единственный элемент, не имеющий аналогии в древнеримских постройках, - высокий купол. В 1506 Папа Юлий II поручил Браманте работу над проектом нового собора св. Петра, предполагавшегося на месте одной из старейших раннехристианских базилик. Браманте остановил выбор на плане, в основе которого лежал греческий (равноконечный) крест, вписанный в квадрат. Над средокрестием был задуман огромный купол, а над боковыми нефами - цилиндрические своды. Браманте хотел поставить купол Пантеона на базилику Максенция. После Браманте строительством руководили Рафаэль, Перуцци, Антонио да Сангалло Младший и Микеланджело, при этом план здания каждый раз менялся. В конце концов был реализован проект, созданный Микеланджело на основе первоначального замысла Браманте. Палаццо Фарнезе, построенное Антонио да Сангалло Младшим (1485-1546), характерно для римской архитектуры 16 в. Ордер использован здесь только для обрамления окон, а стену сверху оттеняет мощный вынос карниза. Примером североитальянской ренессансной постройки может служить здание библиотеки Сан Марко в Венеции (1536), построенное Якопо Сансовино (1486-1570). Венецианская архитектура отличается большей декоративностью, чем римская.

Италия

Сложившийся еще в эпоху Ренессанса архитектурный стиль Микеланджело (1475-1564) проявился в полную силу уже в эпоху Контрреформации. Микеланджело расположил три палаццо на вершине Капитолийского холма по сторонам трапециевидной в плане и немного понижающейся к краям площади. Фасады расположенных справа и слева палаццо Консерваторе (сейчас там выставлены произведения античного искусства из собрания Капитолийских музеев) разделены на два этажа: нижний занимают открытые лоджии, в верхнем чередуются окна с треугольными и лучковыми фронтонами. Высокие коринфские пилястры объединяют оба этажа. В 1546 Микеланджело был назначен главным архитектором собора св. Петра. Художник вернулся к первоначальному плану Браманте в форме греческого креста, но придал столбам и стенам бльшую массивность и усилил напряжение декоративных членений. Огромную постройку должен был венчать гигантский купол, сооруженный уже после смерти мастера, по его проекту, архитектором Джакомо делла Порта. При проектировании архитектурных деталей Микеланджело мыслил прежде всего как скульптор, заботящийся о пластической разработке каждого участка поверхности и организации " игры" выпуклых и вогнутых форм и светотени. Чтобы добиться своей цели, он отошел от " классического" подхода в понимании архитектуры, который был характерен для произведений Браманте, и открыл путь стилю барокко.

В венецианской архитектуре ренессансный стиль просуществовал до 80-х годов 16 в. В решении виллы Ротонда близ Виченцы Андреа Палладио (1518-1580) использовал четыре четырехколонных ионических портика, которые расположил по сторонам от центрального квадратного в плане объема. Произведения Палладио прекрасно спропорционированы, точно продуманы в каждой детали. Его Четыре книги об архитектуре, содержащие математический расчет пропорций архитектурных ордеров, стали впоследствии главным учебником для нескольких поколений английских архитекторов 17 и 18 вв. Джакомо Виньола (1507-1573) издал трактат об архитектурных ордерах, который оказал воздействие на формирование французской Школы изящных искусств. Разработанная Виньолой композиция церкви Иль Джезу в Риме (1568-1584) с просторным главным нефом, в который открываются ряды капелл, нешироким трансептом, куполом над средокрестием, цилиндрическими сводами над другими пространствами нефа, трансептом и хором стала образцом архитектуры иезуитских церквей, во множестве строившихся в 17 в. по всей Европе. Фасад церкви, спроектированный Джакомо делла Порта (1537-1604), имеет двухъярусную композицию, со спаренными пилястрами и мощными волютами, объединяющими оба этажа. Над порталом треугольный фронтон заключен внутрь лучкового. Схема демонстрирует не привычное для Ренессанса равновесие, а внутреннее напряжение, подчинение одних форм другим.

В начале 17 в. в Ватикане было решено внести изменения в проект собора св. Петра, созданный Микеланджело, вытянув западную ветвь здания, чтобы придать его плану очертания латинского креста. Карло Мадерно (1556-1629) удлинил главный неф и пристроил к храму нартекс и фасад. Такая постройка лучше соответствовала требованиям литургии, но имела один существенный недостаток: купол, прекрасно видимый издалека, по мере приближения к нему постепенно скрывался за фасадом. Этот невыгодный с художественной точки зрения эффект " проседания купола" удалось нивелировать Джованни Лоренцо Бернини (1598-1680) - создателю проекта площади св. Петра. Сооруженные им полукруглые колоннады подводят к трапецевидной в плане внутренней площади перед собором, создавая типичное для искусства барокко ощущение динамики пространства: колоннады словно руки охватывают толпу верующих, втягивая их в интерьер церкви.

архитектура возрождение ренессанс

Криволинейный фасад и овал плана римской церкви Сан Карло у четырех фонтанов, спроектированной Франческо Борромини (1599-1667), отражает пристрастие эпохи к сложным, динамичным формам. Свобода обращения с ордерной декорацией и мощная экспрессия деталей и целого порождают здесь совершенно иные по характеру архитектурные образы, чем академически строгие постройки Палладио.

Северное Возрождение.

Культура XV – XVI вв. в европейских странах севернее Италии. Период характеризуется бурным ростом капитализма, особенно это заметно в Нидерландах. Искусство в общем развивается как продолжение готических традиций. Для искусства Северного Возрождения характерен меньшй антропоморфизм, вещизм. Отсутствуют ключевые фигуры, внимание художника рассеяно.

Под «северным Возрождением» принято подразумевать культуру XV-XVI столетий в европейских странах, лежащих севернее Италии. Этот термин достаточно условен. Его применяют по аналогии с итальянским Возрождением, но если в Италии он имел прямой первоначальный смысл – возрождение традиций античной культуры, то в других странах в сущности, ничего не “возрождалось": там памятников и воспоминаний античной эпохи было немного. Искусство Нидерландов, Германии и Франции (главных очагов северного Возрождения) в XV веке развивалось как прямое продолжение готики, как ее внутренняя эволюция в сторону «мирского». Конец XV и XVI столетие были для стран Европы временем громадных потрясений, самой динамичной и бурной эпохой их истории. Повсеместные религиозные войны, борьба с господством католической церкви – Реформация, переросшая в Германии в грандиозную Крестьянскую войну, революция в Нидерландах, драматический накал на исходе Столетней войны Франции и Англии, кровавые распри католиков и гугенотов во Франции. Казалось бы, климат эпохи мало благоприятствовал становлению ясных и величавых форм Высокого Ренессанса в искусстве. И действительно: готическая напряженность и лихорадочность в северном Возрождении не исчезают. Но, с другой стороны, распространяется гуманистическая образованность и усиливается притягательность итальянского искусства. Сплав итальянских влияний с самобытными готическими традициями составляет своеобразие стиля северного Возрождения. Главная же причина, по которой термин «Возрождение» распространяется на всю европейскую культуру этого периода, заключается в общности внутренних тенденций культурного процесса. То есть – в повсеместном росте и становлении буржуазного гуманизма, в расшатывании феодального миросозерцания, в растущем самосознании личности. В формировании немецкого Возрождения немалую роль сыграл экономический фактор: развитие горного дела, книгопечатания, текстильной промышленности. Все более глубокое проникновение в хозяйство товарно-денежных отношений, включенность в общеевропейские рыночные процессы касались больших масс людей и меняли их сознание. Для формирования возрожденческого мировосприятия в романских странах, на юге Европы, колоссальное значение имело влияние античного наследия. Оно задавало идеалы и образцы светлого, жизнеутверждающего характера. Влияние античной культуры для Северного Возрождения незначительно, оно воспринималось опосредованно. Поэтому у большинства его представителей легче обнаружить следы не до конца изжитой готики, чем найти античные мотивы. В раздробленной на сотни крохотных феодальных государств Германии было объединяющее начало: ненависть к католической церкви, обложившей страну поборами и обременительными регламентациями духовной жизни. Поэтому одно из главных направлений борьбы за «царство Божие на земле» – борьба с папством за реформирование церкви. Юг Европы будет задет процессами реформации в значительно меньшей степени. Подлинным началом Северного Возрождения можно считать перевод Мартином Лютером Библии на немецкий язык. Эта работа продолжалась двадцать лет, но отдельные фрагменты стали известны раньше. Лютеровская Библия делает эпоху, во-первых, в немецком языке: она становится основой единого немецкого языка; во-вторых, она создает прецедент перевода Библии на современный литературный язык, и вскоре последуют ее переводы на английский, французский и другие. Идеи лютеранства объединяют наиболее прогрессивные круги Германии: в него оказываются вовлечены и такие мыслители-гуманисты, как Филипп Меланхтон, художники Дюрер и Хольбейн, священник и вождь народного движения Томас Мюнтер. Возрожденческая литература в Германии опиралась на творчество Мейстерзингеров. Наиболее совершенные образцы поэзии того времени представил продолжатель этих народных традиций Ханс Сакс. Выдающимся прозаиком Северного Возрождения стал Эразм Роттердамский. Его лучшая книга «Похвала глупости» увидела свет в 1509 году. Среди видов художественной деятельности лидировала – как и в итальянском Возрождении – живопись. Первым в ряду великих мастеров этого периода должен быть назван Хиеронимус Босх. Его творчество подводит итог достижениям средневековой живописи и служит прологом Возрождения. В картинах Босха, написанных большей частью на религиозные сюжеты, поражает объединение мрачных средневековых фантазий и символов с элементами фольклора и точными реалистичными деталями. И даже самые страшные аллегории выписаны с таким удивительно народным калоритом, что производят жизнеутверждающее впечатление. Никто из последующих мастеров живописи во всем мире не будет писать столь фантастические, граничащие с безумием образы, но влияние Х.Босха ХХ век ощутит в творчестве сюрреалистов. Крупнейшим мастером Северного Возрождения в изобразительном искусстве был Альбрехт Дюрер. Он оставил колоссальное наследие: картины, графические работы, статьи, переписку. На творчество Дюрера оказали влияние итальянские мастера: он любил бывать в Италии, особенно в Венеции. Однако специфика видения мира Альбрехта Дюрера состоит в поисках возможности наиболее объективно отразить мир, ему был чужд итальянский идеализирующий реализм, он стремился добиваться от живописи и рисунка полной достоверности. Этим пафосом проникнуты его автопортреты, особенно карандашные в письмах к брату, сюда же можно отнести и портрет матери перед смертью. Глубины графики Дюрера можно попытаться понять через расшифровку средневековых символов, которые у него действительно встречаются. Но искать разгадки этих завораживающих изображений нужно в эпохе реформации. Может быть, листы его гравюр ярче всего отразили стойкость духа людей этого времени, их готовность отвергнуть любые искусы, их горестные измышления о горестном результате войны. Именно об этом думаешь, глядя на его «Всадника Апокалипсиса», «Меланхолию». Есть в творчестве Дюрера лирическое начало. Сюда можно отнести нежнейшую по колориту картину «Праздник розовых венков», цикл гравюр «Жизнь Марии», вдохновивший в XIX веке Рильке на цикл стихов. В XX веке композитор Хиндемит создал на эти стихи цикл романсов. Вершиной творчества Альбрехта Дюрера явилось грандиозное изображение четырех апостолов, подлинный гимн человеку, одной из самых ярких выражений Возрожденческого гуманизма.

В Нидерландах и Фландрии это, прежде всего, Ян ван Эйк, Хуберт ван Эйк, Робер Кампен, Гуго ван дер Гус, Рогир ван дер Вейден, Ханс Мемлинг. Мастера «второго эшелона» — Гертген тот Синт Янс, Квентин Массейс и Бернар ван Орлей. Образцы более позднего периода — творчество Босха и Брейгеля, а также Иоахима Патинира, Адриана Изенбранта, Яна Провоста, Яна ван Скорела.

В Германии — Альбрехт Дюрер, Маттиас Грюневальд, Лукас Кранах старший, Альбрехт Альтдорфер, Ганс Гольбейн, Ханс Бальдунг, Вольф Губер и т. д. (См. также Дунайская школа живописи)

В Швейцарии — Ганс Гольбейн (Базельского периода, 1515—1532), Никлаус Мануэль Дёйч, Ханс Леу младший, Ханс Фриз и Урс Граф.

Во Франции — Ж.Фуке, Жан Клуэ, Франсуа Клуэ, Ж.Гужон, ранний Рогир ван дер Вейден.

В Великобритании — Уильям Шекспир, знаменитый своими сонетами, трагедиями и комедиями. В Испании - Мигель Сервантес, прославившийся одним из величайших произведений мировой классики - «Хитроумный идальго Дон Кихот Ламанчский».