ВЫСОКОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ (1490-е до 1530 гг., чинквеченто)

Проторенессанс - примерно 1, 5 столетия (конец ХШ -XIV вв.)

Раннее Возрождение - примерно 1 столетие (XVa.)

Высокое Возрождение - менее 4-х десятков лет.

Его конец связан с 2 событиями:

Разгромом и разграблением Рима в 1527 г. войсками Карла V Габсбурга, императора Германии и короля Испании.

Падением последней флорентийской республики в 1530 г. (Правда, творчество Микеланджело продолжалось до 1564 г.), а в Венеции до конца XVl в. творили великие мастера:

Тициан (1477 или 1485/90 - 1576)

Веронезе (1528-1588)

Тинторетто (1519-1594)

В XIV и XV вв. Италия была самой передовой страной Западной Европы, в XVI - переживала глубокий кризис политический и экономический, Италия потеряла рынки на Востоке, постоянные междоусобицы. Италия - арена постоянных войн. Она опустошена и разорена.

После разгрома Рима Италия оказалась под властью габсбургской монархии.

Но прежде чем свершились эти трагические события, Италия пережила период общественного подъема, вызванного борьбой итальянских государств против порабощения и стремлением к объединению страны. В этот период и наступил высший расцвет искусства Возрождения в и Италии - Высокий Ренессанс.

Искусство Высокого Возрождения стало выражением всей сложности и масштабности исторического бытия эпохи. На смену поискам, аналитическому исследованию натуры и окружающего мира, пришло синтетическое обобщение, извлекающее из явлений самое их существо, а также уверенное владение всеми приемами и тайнами изображения. Н.А.Дмитриева пишет: " Кватроченто - это анализ, поиски, находки, это свежее, сильное, но часто еще наивное, юношеское мироощущение. Чинквеченто - синтез, итог, умудренная зрелость, сосредоточенность на общем и главном, сменившая разбрасывающуюся любознательность Раннего Ренессанса".³⁹

В искусстве Высокого Возрождения центральное место безоговорочно занял Человек!

Среди художников чинквеченто (XVI век) Средней и Северной Италии отчетливо возвышаются три вершины:

Леонардо да Винчи - (1452-1519)

Рафаэль (Рафаэле Санти) - (1483-1520)

Микеланджело Буонаротти - (1475-1564)

Леонардо да Винчи - самая необыкновенная фигура в истории мировой культуры. Это был " Homo universale" (человек универсальный):

Умел все и был во всем гениален, к тому же красив, силен, элегантен, обходителен, красноречив.

В сфере искусства Леонардо был живописцем, скульптором, Рисовальщиком, музыкантом, архитектором, сочинял басни, сонеты, Списал " Книгу о живописи".

Картин его дошло около 15. Он оставил рисунки машин для механизмов с прообразами экскаватора, токарного станка, самолета с вертолета...В Эрмитаже находятся две картины Леонардо да Винчи: " Мадонна с цветком" (Мадонна Бенуа), 1478 и " Мадонна с младенцем" (Мадонна Литга), 1470-1490.

В " Мадонне с цветком" Леонардо уходит от статичности, застылости кватрочентовских композиций. Особенности искусства мастеров кватроченто - интерес к психологическим решениям и пространственному построению, стремление к лаконичности и обобщению.

Художники XV века овладели перспективой.

Леонардо овладел пространством.

Персонажи его картин уже располагались не на фоне далекой перспективы, а внутри пространства. Не было разрыва между передним и задним планами, персонажи не " наложены" один на другой, между ними чувствуется воздух.

Мягкая, с переходами светотень - знаменитое леонардовское " сфумато".

" Поклонение волхвов" -не закончена.

" Мадонна в гроте" - здесь Микеланджеловвел пирамидальное построение, ставшее классическим.

Фреска " Тайная вечеря" - удивляет интеллектуальной силой художника, тем как продумана и разработана композиция произведения. Она написана на торцовой стене трапезной монастыря так, что иллюзорное пространство фрески кажется продолжением реального пространства интерьера, Христос и его ученики как бы сидят в той же трапезной, но на возвышении. Центральное положение Христа подчеркнуто тем, что точка схода перспективы совпадает с его головой. Художник поместил Христа в светлом проеме окна, отдалив простенком от апостолов.

Новое, не традиционное решение темы дает Леонардо да Винчи: он впервые изображает конфликт, (сам процесс! ) драматического события.

Христос сказал апостолам: " Один из вас предаст меня". Иуду обычно выделяли на противоположной стороне (А.Кастаньо, Гирландайо). Леонардо помещает Иуду рядом с любимыми учениками, выделяя лишь падающей тенью на лицо. Самое знаменитое произведение художника и во всей мировой живописи, пожалуй, " Портрет Моны Лизы", супруги богатого флорентийца Франческо дель Джоконде.

К, сожалению, никакое воспроизведение не может передать всего богатства сложных и тонких нюансов оригинала. С " Джокондой" связаны различные легенды, ее похищали, подделывали, " разоблачали".

Портрет завораживает и восхищает тем, что в нем, при внешней неподвижности модели передана жизнь души, само ее течение, неуловимо сменяющиеся оттенки мыслей, чувств, ощущений. Леонардо говорил:

" Хороший живописец должен писать две главные вещи - человека и

дредставление его души". С " Джокондой" связано зарождение психологического портрета.

Рафаэль - (1483 -1520) - гений иного склада. Он не был новатором. Его искусство синтез достижений предшествующих художников. У Рафаэля человек совершенен, мир в гармонии.

Образ Мадонны особенно близок искусству Рафаэля. Здесь наиболее дояно он раскрывает представления свои о благородстве, совершенстве человека, о гармонии внешней и внутренней красоты.

" Мадонна Конестабиле", " Мадонна в зелени", " Мадонна дель Грандука", " Мадонна с щегленком", ." Мадонна садовница", " Мадонна Альба", " Мадонна в кресле", " Сикстинская Мадонна" (1513 -1514), возвращена в 1956 г. - одно из любимых произведений мировой живописи.

Святые Сикст и Варвара в благоговении склоняются перед Богоматерью, идущую в облаках. Высокую религиозность художник соединил с высокой человечностью, создав, может быть самое глубокое и прекрасное воплощение темы материнства. Одухотворенное лицо Мадонны, то, как она держит младенца, выражают и бесконечную любовь и провидение трагической судьбы сына, сознание ее неизбежности, и скорбную готовность принести его в жертву ради людей.

37 лет прожил Рафаэль. Ему была поручена огромная работа -роспись 4-х станц (комнат) в Ватикане (папский дворец). Ватиканские фрески Рафаэля, вместе с Тайной вечерей Леонардо да Винчи и Сикстинским потолком Микеланджело - вершина монументальной живописи Возрождения.

Главные фрески станцы - " Диспуты " (апофеоз теологии), " Афинская школа" (апофеоз философии) и " Парнас" (апофеоз искусства) и " Мудрость, Мера и Сила" (олицетворение главных добродетелей правосудия).

Рафаэль был прекрасным рисовальщиком, великолепным портретистом, архитектором, археологом, мечтал восстановить Рим в его прежнем величии.

В Эрмитаже было выполнено точное повторение росписей лоджии двора Сан Дамазо (Ватиканский дворец) - Лоджии Рафаэля.

Микеланджело Буоиарроти (1475 -1564). Превыше всех искусств он ставил скульптуру, хотел быть только скульптором, но волею судьбы стал и живописцем и архитектором, был также рисовальщиком, поэтом, инженером. Прожил долгую (89 лет) и трагическую жизнь. Он боролся за независимость Флоренции, видел унижение Родины, разгром Рима. Человек свободолюбивый, дерзновенный, он вынужден был служить папам. Микеланджело в одной единственной фигуре был " способен воплотить все добро и все зло человечества". Он стремился показать человека таким, каким он должен быть.

Таков его Давид.

Гигантская фигура олицетворяет безграничную мощь свободного человека. Вазари писал, что статуя Микеланджело: "...отняла славу у всех статуй, современных и античных, греческих и римских".⁴⁰

В 1505 г. папа Юлий II призвал Микеланджело в Рим, для создания своей гробницы, 40 лет жизни Микеланджело отдал ей, выполнив три статуи.

Роспись потолка Сикстинской капеллы также возложил Юлий II на Микеланджело. На потолке капеллы Микеланджело создал мир титанов.

Фреска " Страшный суд" (1508 -1512) в Ватикане - роспись потолка и алтарной стены Сикстинской капеллы. Роспись потолка свыше 500 кв.м и включает 343 фигуры. Без помощников работал 4 года, лежа на лесах. Площадь " Страшного суда 13, 7 х 12, 2 м.

Художник, который не считал себя живописцем и вначале упорно отказывался от этой работы, создал в результате беспримерное творение. В эпоху Возрождения плафонная живопись носила преимущественно декоративный характер, Микеланджело же изобразил картины сотворения мира и жизни первых людей на земле, эпизоды из Библии. На потолке капеллы он создал мир титанов. Его Бог - вдохновенный творец, создающий Вселенную и человека.

Его люди могучи и прекрасны телом и духом; пророки и сивиллы отважны в своем прозрении будущего, обнаженные юноши раскрывают в многообразных проявлениях красоту и пластику человеческого тела.

Этот жизнеутверждающий пафос сменяется трагической безысходностью, когда Микеланджело работает над фреской " Страшный суд". Многое изменилось в мире, в судьбе родины - изменилось и мироощущение художника. Суд, изображенный на фреске, действительно страшен: праведники, обступившие Христа, гневны, они требуют возмездия, и Христос властным жестом руки низвергает грешников в ад. В этом сюжете можно видеть крушение ренессансной гордыни - и шире -образ всечеловеческой катастрофы.

• Последние скульптуры Микеланджело - три " Пьетты" (Пьетга -оплакивание) - несут образ сломленного страдания человека; от них веет бесконечной усталостью и глубокой скорбью. Им созвучны строки его сонета:

«Надежды нет, и все объемлет мрак,

И ложь царит, а правда прячет око».⁴¹

Капелла Медичи была построена в 1520 - 1525 гг. по проекту Микеланджело как усыпальница членов семьи Медичи. Вместо задуманных четырех надгробий было исполнено два - Лоренцо (" Утро" и " Вечер" ) и Джулиано (" День" и " Ночь" ) Медичи. Фигуры, традиционно символизирующие быстротечность времени, Микеланджело наполнил

переживаниями, рожденнымитрагической судьбой своей родины, .душением своих идеалов.

В одном искусстве Микеланджело остался верен заветам своих героических лет в архитектуре: во Флоренции он создал капеллу Медичи и интерьер библиотеки Лауренциана (первая публичная библиотека в Европе), в Риме разработал проект перестройки Капитолия и увенчал грандиозным куполом собор св. Петра, главную святыню христианского мира.

Собор св. Петра строили около 150 лет (первоначальный проект был создан арх. Д. Браманте). Над собором Микеланджело работал до конца жизни.

Собор святого Петра - венец архитектурного гения Микеланджело, где мастер развил идею центричности, автором которой был Д.Браманте. И все же главное творение Микеланджело - зодчего - грандиозный, вознесенный к небу купол над центральной частью храма. Внутри он кажется легким и пронизанным светом, покоряюще прекрасным. Купол собора св.Петра Микеланджело царит над всем вечным городом, над бесчисленными архитектурными памятниками, которыми так богат Рим.

Б.Соловьева анализируя эпоху и творчество Микеланджело пишет: «В архитектуре эпохи Возрождения много прекрасных творений, однако, этот вид искусства перестал быть ведущим, перестал быть основой синтеза искусств. Архитектура сама начинает подчиняться и даже подражать изобразительным искусствам - живописи скульптуре, и эти тенденции к » концу эпохи нарастали. Стала преобладать забота о красоте фасада; конструктивные элементы использовались в декоративных целях. Нередко случалось, что в интерьерах архитектурные формы - абсиды, купол, карнизы, пилястры, арки - изображали на стенах потолке красками.

И все-таки именно в живописи был наиболее очевиден закат большой культурной эпохи. У поколения художников, которое сложилось в период захвата Рима, падения флорентийской республики, крушения надежд на объединение страны, феодально-католической реакции, контреформации и инквизиции, вера в силу, разум человека, возможность гармонического развития личности была утрачена или сильно подорвана. Они восхищались и чтили Леонардо, Рафаэля, Микеланджело и считали, что следуют их заветам, но внутренняя опустошенность, отсутствие собственного вдохновляющего идеала рождали только манерное подражание отдельным внешним приемам. Это направление и получило название маньеризм. Сознание неудовлетворенности, бессилия перед неразрешимыми противоречиями приводило к стремлению отгородиться от жизни. Художняки-маньеристы, которые работали, главным образом, при дворах герцога и королей, следовали в своем творчестве придворно-зрнстократическим вкусам. Они вдохновлялись не реальным миром человеческих чувств, а стремлением к причудливым формальным эффектам. Их картинам присущи вычурность и манерность, жеманное изящество, стремление поразить необычайной трактовкой сюжета, тесное расположение фигур, их деформации, удлинение, «змеевидные» движения и повороты. Типичным произведением маньеризма является «Мадонна с длинной шеей» Пармиджамино».⁴²

ВОЗРОЖДЕНИЕ В ВЕНЕЦИИ

В Венеции Возрождение началось позднее, было дольше, своеобразное. Венецию называли " царицей Адриатики", " владычицей морей". Она была торгово-олигархической республикой. К ней стекались огромные богатства.

Венеция поражала великолепием, пышностью, праздничностью красотой.

Два главных творения Венеции - Собор Сан Марко и дворец дожей. Крупнейшие художники Венецианского Возрождения:

Джованни Беллини (1430 -1516), " Мадонна со святыми".

Джорджоне (Джордже Барбарелли да Кастельфранко) - (1477/78 -1510)

" Спящая Венера" (1508 -1510), Дрезден.

Джорджоне для Венеции был как Леонардо да Винчи для Средней Италии. Художник впервые пишет картины на светские темы, и впервые сделал равноправными человека и пейзаж.

" Спящую Венеру" Джорджоне сравнивали с " Рождением Венеры"

Боттичелли, " Джокондой" Леонардо да Винчи, " Сикстинской Мадонной» Рафаэля.

Целомудренный и прекрасный образ спящей Венеры - одно из первых поэтичных изображений обнаженного тела в мировом искусстве.

" Юдифь". Эрмитаж. Независимо от сюжета Джорджоне создает в своих картинах идеал чистой и прекрасной женщины.

Картины Джорджоне удивительно поэтичны и музыкальны, отних веет задумчивой мечтательностью, безмятежнойумиротворенностью инекоторой меланхолией.

Тициан (Тициан Вечелио) - (1477 или 1485/90 - 1576) - знаменует собой полный расцвет, зенит венецианского Ренессанса.

Идеалы Тициана земные, полнокровные, жизнерадостные, величавые, торжествующие. Он вдохновенно воспевал радостную красоту женщины в своих " Венерах", " Данаях". Им создана галерея портретных образов - императоры, короли, папы, прекрасные женщины, гуманисты, воины.

В картинах, созданных Тицианом в последние годы его жизни, звучит уже подлинный трагизм - " Святой Себастьян", Эрмитаж.

Самым ярким певцом праздничной, нарядной и богатой Венеции был Паоло Веронеэе (Паоло Кальяри) - (1528 -1588).

Последним великим живописцем этой эпохи был Тинторетто (Якопо Робусти )-(1519 - 1594).

Искусство Испании.

Испанское искусство XVI века было принципиально новым по - отношению к средневековой культуре, оно весьма отличалось от ренессансного. Вся средневековая история Испании проходила под знаком Реконсисты - обратного отвоевания Пиренейского полуострова у арабов. Борьба против мусульман, определила и большую роль католической церкви в жизни Испании, ее культуре и искусстве. Нарождающаяся буржуазия в абсолютистской Испании была слаба. Идеи гуманизма и научная мысль подвергались гонению. Поэтому религиозный характер культуры, с чертами мистической экзальтации и преувеличенной экспрессии, сохранялся дольше, чем в других странах. Однако испанские художники не остались в стороне от достижений ренессансной культуры.

Наиболее значительное архитектурное творение королевский дворец Эскориал (архитектор Хуан де Эррера) - (1530-1579), для Филиппа П., около Мадрида.

Самый выдающийся художник - Эль Греко (Доменико Теокопули) -(1541 -1614). " Благовещение", " Погребение графа Оргаса". Творчество Эль Греко стоит особняком в испанском искусстве - оно настолько индивидуально, что не могло иметь последователей. Художник создал свою собственную, смелую и необычную художественную систему. Основа его образов - духовное горение, отрешенность от земного и благоговейная устремленность ввысь. В его картинах никогда нет ясно построенного пространства; вытянутые, причудливо деформированные фигуры, неожиданные ракурсы и повороты, взволнованные движения, выразительные жесты и мимика, одухотворенность лиц - вот основные особенности своеобразного художественного языка Эль Греко.

СЕВЕРНОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ

Северное Возрождение - это художественная культура XV -XVI вв. европейских стран, севернее Италии, Нидерландов, Германии и Франции.

Термин " Возрождение" здесь достаточно условен, так как формирование культуры опиралось не на античное наследие (его не было в этих странах), а на идеалы религиозного обновления.

В Северной Европе центром художественного творчества становится человек с новым сознанием окружающего мира и себя. Гуманистическое начало составляет главнейшую особенность искусства Северного Возрождения.

В северных странах гуманизм был устремлен к воскрешению Демократической религии ранних христиан с ее требованием социальной справедливости. И, если идеалом итальянского Ренессанса была сильная героическая личность, то в северных странах идеалом стала христианская любовь к ближнему. В искусстве северных стран преобладает правдивое непосредственное изображение того, что есть, даже если оно уродливо, - в противовес стремлениям итальянских художников к идеализации, ^ поискам во всем прекрасного, величавого, возвышенного.

Нидерланды

Нидерландами в XV в. называли земли у берегов Северного моря, где сейчас находятся Голландия и Бельгия. Нидерландские города были богатыми и прекрасными, вели обширную торговлю.

Становление нового искусства в Нидерландах связано с творчеством Яна ваи Эйка (1390 -1441). Главное создание Яна ван Эйка - грандиозный Гентский алтарь - полиптпх (т.е. сложенный много раз).

Гентский алтарь (1422-1432) - программное произведение нидерландского Возрождения, в котором выражено представление о человеческой Вселенной.

Джованни Арнольфини - богатый итальянский купец, жил в Брюгге в качестве представителя дома Медичи.

Находящиеся в комнате предметы полны традиционного аллегорического смысла: собачка и пара туфель - символы верности и единства супружеской пары, апельсины на ларе у окна - знак райского блаженства, янтарные четки на стене - символ благочестия, щетка - знак чистоты. В зеркале видны фигуры двух человек, один из которых - Ян ван Эйк, о чем гласит надпись на стене.

Художник впервые создает двойной портрет, впервые изображает свои модели в рост, впервые раздвигает рамки самого портретного жанра. Изображение супругов в уютной комнате стоит на грани портретного и бытового жанров, но при этом все в нем проникнуто такой одухотворенностью, таинственной и поэтичной, что сцена получает не бытовой, а возвышенный смысл, символизируя святость супружеского обета и домашнего очага.

Яну ван Эйку (или братьям ван Эйкам) традиционно приписывают изобретение техники масляной живописи. Но это не точно, потому что способ применения растительных масел был известен и раньше, но Ян ван Эйк усовершенствовал этот способ и впервые применил масляную живопись при создании алтарных картин.

Сложный узор на полу и одеждах играющих, а также блеск позолоченных труб органа создают ощущение объемности. Если внимательно присмотреться к картине, станет ясно, что точки, в которых сходятся линии пола и органа, не совпадают.

Из Нидерландов эта техника постепеннораспространилась в Италиюи другие страны, вытеснив темперу.

Особой прелестью в нидерландском искусстве обладают произведения, проникнутые кротким, созерцательным настроением. В отличие от итальянских художниковс их ощущением красоты, силы и всемогущества человеческой личности, нидерландцы приемлют и поэтизируют " среднего человека", не обязательно красивого, но всегда благочестивого и исполненного достоинства в своем смирении. В евангельских сюжетах преломлялась и одухотворялась мирская добропорядочная жизнь. Все это ясно ощущается при взгляде на картину Робера Кампена " Мадонна с младенцем у камина" (около 1433 г.. Гос. Эрмитаж).

Хуго ван дер Гус - (около 1435-1482). Алтарь Портинари. (1476 -1478). Флоренция. Уффици.

Рогир ван дер Вейден - (около 1399 -1464). Распятие с донаторами. Триптих. Вена.

Иохим Патинир около 1480 -1524. Крещение Христа. 1515. Вена.

Особое место в художественной культуре Нидерландов и Возрождения в целом принадлежит двум мастера - Босху и Брейгелю.

В творчестве Иеронимуса Босха (ван Акен) - (около 1450 -1516)мир предстает как царство дьявола и греха.

Для современников творчество Босха бесконечно сложно и во многом загадочно. А современникам Босха, видимо, аллегорический смысл образов был понятен, ибо его произведения пользовались широчайшей популярностью.

Босх выступал как моралист, страстный проповедник, бичующий зло в пороки погрязшего в грехах мира.

Свои картины на темы ада, рая. Страшного суда, искушения святых художник населял легионами фантастических тварей, у которых самым невероятным образом сочетаются части различных животных, растений, предметов, а иногда и человека. Полные злобной активности, эти существа объединяются с маленькими беспомощными фигурками людей, с птицами, рыбами, зверями, порождая ощущение низменного, суетного, лишенного разумной основы существования.

Творчество Босха, подвластное его глубоко пессимистическому мировоззрению, обнажало наиболее страшные, трагические стороны человеческого существования. Но, как бы наперекор стремлениям художника, его произведения обладают и жизнеутверждающей силой, имеющие свои истоки в народной фантазии, устрашая - смешат, а юмор всегда несет элемент здоровья. Изумительный колорит, живописное мастерство придают картинам Босха, несмотря на их содержание, немеркнущую красоту.

Питер Брейгель старший (Мужицкий) - (1525/30 -1569) -последний художник нидерландского Возрождения. Такой широты в изображении жизни народа, такой бесстрашной трезвости в подходе к ней искусство еще не знало.

Он находился под влиянием, как народной культуры, так и Босха. В Центре его внимания - жизнь народа в не показном, а деятельном и повседневном обличий.

Работы Гольбейна отличает отточенное мастерство и высок степень объективности. В Англии искусство Гольбейна имело огромное влияние.

Период же немецкого Возрождения был коротким - его составляв творчество художников одного поколения. Победа феодальной реакции утверждение протестантизма, неблагоприятного для искусства, надолго остановили культурное развитие Германии.

Франция

Французский Ренессансне далтаких гениев, как Мазаччо и Ван Эйк Леонардо да Винчи и Дюрер, Микеланджело и Брейгель. Тициан g Гольбейн.

Период Возрождения во Франции выглядит скромно, по сравнению с предшествующей эпохой готики, когда Франция оказывала влияние на страны Северной Европы, и с последующим XVII в. - веком классицизма, вернувшим Франции главенствующую роль.

Движение Реформации во Франции потерпело поражение, она осталась католической страной. Здесь была сильна королевская власть, к началу XVI века Франция стала абсолютной монархией.

Короли, стремясь увеличить блеск и славу двора, окружали себя художниками и выдвигали свои требования. Искусство приобретало придворный характер, чего нельзя сказать о всей ренессансной культуре...Франции - о творчестве Вийона, Рабле, Ронсара, Монтеня.

Живопись и скульптура отличаются изяществом и спокойствием, драматизм в них не проникает, хотя бурных, жестоких событий было достаточно: Столетняя война, война с Габсбургами, ожесточенные войны католиков с гугенотами, кровавая Варфоломеевская ночь.

Ренессансный характер французское искусство начинает приобретать во второй половине XV в., в миниатюрной живописи.

Знаменитый " Роскошный часослов герцога Беррийского", исполненный братьями Лимбург (1411-1416).

Жан Фуке - (около 1420 - около 1480) - крупнейший мастер раннего периода французского Возрождения. Придворный живописец Карла VII и Людовика К, прославился своими портретами и миниатюрами.

" Часослов Этьена Шевалье",

" Иудейские древности",

" Жизнь знаменитых мужчин и женщин" (Боккаччо).

С начала XVI в. гуманистические идеи получают во Франции все большее распространение, развитие гуманизма во Франции происходило под сильным влиянием культуры и искусства Италии. Этом)' способствовали и военные походы Франциска I в эту страну и то, что три последние года жизни прожил во Франции Леонардо да Винчи.

Архитектура. Замки Луары

Долина Луары - это " сердце" Франции. Замки, построенные здесь в конце XV в. - начале XVI в. принесли этой долине славу колыбели французского Возрождения. В Амбуазе (город на Луаре), находилась резиденция короля Карла VIII, где возводился, но закончен не был, огромный дворец с парками и садами.

В 1515 году на французском престоле Франциск I, который перестраивал другой замок - в Блуа. Впервые французский замок смотрел на город не толстыми стенами и крепостными башнями, а лоджиями, что подчеркивало новый ренессансный характер архитектуры.

В замке Шенонсо (1512 -1523) сочетались красота природы и человеческой фантазии. Он был сооружен на искусственном островке, на реке Шер.

В Шамборе (1519 -1559) - в самом грандиозном по замыслу замке, были воплощены некоторые идеи Леонардо да Винчи, который приехал во Францию в 1516 г. и прожил здесь до 1519 г. Великолепный Шамбор стал вершиной и образцом оригинального стиля, воплощенного в замках Луары.

В 30-х гг. XVI в. король-меценат Франциск I решил расстаться с долиной Луары и перенести место пребывания двора в Париж -историческую столицу Франции и занялся перестройкой Лувра.

Фрагменты строительства. 1546. Париж.

В середине фасад решен в виде триумфальной арки и оформлен рельефами скульптора Гужона, который, очевидно, принимал участие в разработке и осуществлении всего архитектурного замысла.

Жан Гужон - (около 1510 - 1568) - наиболее значительный скульптор французского Возрождения.

" Фонтан нимф" или " Фонтан невинных" - самоеизвестное исовершенное создание скульптора.

Станковая живопись во французском искусстве занижает не столь значительное место, только портрет. Среди живописцев самым выдающимся был Франсуа Клуэ, придворный художник при 4-х королях.

" Портрет Карла IX".

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

Возрождение было замечательной эпохой в развитии мировой культуры. В течение около 2 столетий созданы величайшие художественные ценности, поражающие широтой содержания и глубиной мысли, полнотой чувства и совершенством исполнения.

Они пережили свое время, и пройдя через века, сохранили силу своего воздействия на зрителя. Мышление человека освободилось от оков старой условности и

Обогатилось новыми гуманистическими идеями. Эти общечеловеческиев своей сущности идеи дали толчок к развитию своеобразных национальных культур, а разработанный ренессанснымимастерами реалистический метод определил дальнейшееразвитие всей художественной культуры, Нового времени. Эпохе Возрождения мы отдаем всю меру восторга и удивления.

РОКОКО

Характеристика эпохи

ИСКУССТВО ФРАНЦИИ - ХУШ ВЕК

Во Франции барокко не получило широкого распространения.

В первой половине XVIH века религиозная культура сменяется светской, ведущим направлением во Франции стало рококо (фр. rococo, вычурный, причудливый, от фр. rocaille - раковина).

Название раскрывает самую характерную его черту - пристрастие к сложным, изысканным формам, причудливым линиям, напоминающим прихотливый силуэт раковины. Искусство рококо обращено к миру человеческих чувств, неуловимых, тонких оттенков настроений. Этот стиль просуществовал недолго - примерно до 40-х гг., но его влияние на европейскую культуру ощущалось до конца столетия.

Известно мнение, что моду диктуют монархи. Рококо часто называют стилем Людовика XV (1720 - 1765). В отличие от Людовика XTV, " короля солнца", при Людовике XV происходит смена строгого придворного этикета противоположной атмосферой: легкомыслия, жаждой наслаждений, развлечений, роскоши, торопливое желание успеть насладиться жизнью, предчувствие краткости мгновения, неизбежности расплаты за бездумье, надвигающихся грозных бедствий.

Многие исследователи отказывают рококо как стилю, считают его ответвлением позднего барокко. Тем не менее, очевидно, что рококо в первой половине " галантного века" складывается в определенную стилевую систему.

Рококо - порождение светской культуры, еще уже - двора французской аристократии, тем не менее, это искусство, сумевшее оставить след в культуре и сказать свое слово. Это искусство более камерное, более интимное, тесно связанное с бытом, более искреннее. Мир миниатюрных форм нашел свое главное выражение в прикладном искусстве - в мебели, посуде, бронзе, фарфоре.

А в архитектуре - преимущественно в интерьере (дворец Сан-Суси в Потсдаме, арх-р Г.В.Кнобельсдорф, 1745-1747), где важным становится не пышное и величавое, а приятное и удобное.

Архитектура рококо

Большинство построек рококо - частные; дома французской аристократии, городские особняки, дворцы знати, богатой " буржуазии", " отели" и загородные дворцы.

Высокая ограда, как правило, отделяла особняк от города, скрывая жизнь владельцев дома. Комнаты отелей часто имели криволинейные очертания; они не располагались анфиладой, как было принято в особняках XVII в., а образовывали очень изящные асимметричные композиции. Вцентре обычно помещался парадный зал, так называемый

Обозначившийся в 60-70 гг. интерес к голландскому реализму к вызван несомненным влиянием буржуазии. В русле этих новых эстетических идей развивается искусство Жана - Батиста Симеона Шардена (1699-1779), художника, создавшего новую живописную систему. Шарден начал с натюрморта, ранее не развитого жанра во Франции, Бытовому жанру, прославляющему скромный быт третьего сословия, который открыло творчество Шардена, суждено было пройти путьсложных превращений. Добропорядочность и трудолюбие прославлены Шарденом без дидактики и морализирования, без патетики и эффектов " мерой и порядком", которые он провозглашает как жизненный образец

В противовес аристократическим галантным праздникам пастушеским идиллиям на фоне пейзажа Шарден, начинает изображать размеренность и порядок, уют буржуазного быта («Молитва перед обедом», (около 1740); «Прачка», (около 1735).

С 50-х гг. главным жанром в творчестве Шардена стал натюрморт «Натюрморт с атрибутами искусств» (ГЭ).

⇐ Предыдущая123456Следующая ⇒

Поделиться: