Характеристика Древнеегипетского искусства

Характеристика Древнеегипетского искусства

Египет-страна-загадка, тайна.
Это Искусство государства, расположенного в нижнем течении р. Нил, где возник один из древнейших очагов цивилизации.

Истоки ис-ва лежат в особенностях мифологии, религиозных представлениях. Характерно многобожие. Боги зверолики, зооморфны. Самый устойчивый заупокойный культ. (Тесно связан с загробной жизнью души – Ка, ставят статуи в гробницы для обитания души) (ис-во мумифицирования.). Архитектура, тесно связанна с заупокойным культом (гробницы, пирамиды).

Периоды:

Додинастический (4 тыс до н.э); Древнее царство (30-24 до нэ; Среднее царство(21-18); Новое царство (16-11); Позднее время (11 до нэ);
В Др. Царстве..(по преданию 1 фараон объединил верхний и нижн. Египет и основал Мемфис) И в это время: Пирамида Джоссера – сложена из белых известняковых блоков. В конструкции отражены 3 основных принципа возведения таких сооружений – гигантские размеры, пирамидальная форма, использование камня как строительного материала. Комплекс В Гизе - пирамиды Хефрена, Микерина и Хеопса, в ансамбль входит сфинкс, вырубленный из скалы.

В эпоху среднего царства политический центр страны поместился в Фивы, ранее был в Мемфисе. Здесь почитался Амон – бог солнца.В Среднем царстве появл. отклонения от канонов. Происходит обогощение в сюжетах, тематике (сцены охоты, рыбной ловли, образ кошки, диких животных.)

В период нового царства создаются Карнакские и Луксорские храмы. Они занимали большую площадь и отличались подчеркнутой монументальностью. Большое количество колонн с различными капителями упорядочивало движение. Огромные территории храмов украшены рельефами. Наибольшее распространение получил тип храма с четким прямоугольным планом, вытянутым вдоль оси, к которой присоединялись другие храмы. Храмовые ансамбли состояли из закрытых, открытых помещений с колоннадами, помещений для молений и т.п.

Интерьеры заупокойного храма представляют собой простые прямоугольные помещения с плоским каменным покрытием, разделенные нефы рядами каменных прямоугольных столбов. Все главные части храма имеют симметричную планировку.

Сложилась система древнеегипетского канона. Устанавливаются правила в скульптуре и живописи - владыка подчеркивается большими размерами, превосходящими всех остальных. Вырабатываются приемы в расположении фигур на плоскости (широкие плечи – фас, ноги и голова – в профиль). На стенах гробниц располагались фризами росписи и рельефы с земными событиями. Сдержанной и непестрой была раскраска, преобладали желтые, коричневые, голубые и зеленые тона.

Скульптуры часто инкрустировали драгоценными камнями.

3. Периодизация и общая характеристика древнегреческого искусства.

Древнегреч. Культура сыграла огромную роль в культурном развитии всего человечества! Дневнегреч. исво возникло на основе крито-микенсого. Расцвет античной цивилизации совпал с упадком египетской. Творчество греков во многом основано на мифологических представлениях, оно не противостоит реальной жизни, проникнуто ощущением соразмерности мира и человека. В образах богов греки воплотили мечты об идеальном человеке.

Ис-во Древней Греции делится на: Гомеровский (11-8в до н.э.), Архаический (7-6в до н.э.), Классический (5-4в до н.э.) и Эллинистический (4-1в до н.э.).

Гомеровский п. – зарождение мифологии, развития эпоса.. Это время отражено а " Илиаде" и " Одиссее». Самые ранние - живопись на вазах, мелкая пластика. Зарождается орнамент: меандр, зубчатка, шахматка, пила. Художника прежде всего интересовал силуэт, профиль, поэтому изображение носит плоскостный характер.

Архитектура находилась еще в зачаточном состоянии.

Архаический п. Становление искусства на путь реалистического развития, преодоление условных форм. Первые попытки изобразить челка в движении.Это период расцвета ДПИ (керамика). Окончательно сложились основные типы ваз. Утверждается чернофигурный стиль. Формируются типы скульптуры КУРОС (м) и КОРА (ж). олицетворение физического совершенства человека. Скульптуры в это время из из известняка и мрамора, терракоты, бронзы, дерева и редких металлов. Ведущее место в застройке городов и святилищ занимали храмы. Наиболее совершенный- периптер- прямоугольное в плане здание, с четырёх сторон обрамлённое колоннадой (Парфенон) Храмы строились во имя бога, внутри статуя, в честь кого строили…
Пропорций древнегреческих храмов подобны пропорциям человеческой фигуры. С переходом к строительству из камня возникает ордерная система (порядок, строй). 1.дорический (низкий тяжеловесный и приземистый). Воплощал идею мужественности, гармонию силы и строгости. 2. ионический ордер – легкий, стройный и изящный, имел 2 завитка (валюты)- образ прекрасной зрелой женщины. 3.Коринфский ордер – самый легкий и стройный. Пропорции уподоблялись девическому телу. Зодчие выбирали ордер в зависимости от пола, духа.

Классический период. Центр-Афины-Акрополь – большой укрепленный продолговатый холм, возвышающийся над городом. Являлся основой каждого. Строится Храм Афины, и Эрехтейон. Художники уже добивались реалистического изображения человека. Скульптура обрела пластическую свободу и убедительность. (Мирон «Дискобол», Поликлет «Дорифор», представления Поликлета об идеальных пропорциях чел-го тела, находившихся друг с другом в числовом соотношении.
Эллинистический п. (стремление выйти за рамки человеческого-прорваться в мир богов). Повсюду строились и рассцветали города, площади украшались храмами, библиотеками, зданиями общ. Значения. Доходит до натурализма анатомия чел-ка, стремление к динамике.Скульптура проявляла все больший интерес к внутреннему миру человека. Ее представляют выдающиеся мастера: Скопас, Пракситель («Отдыхающий сатир», «Гермес с младенцем Дионисом», «Афродита Книдская», первым изобразил обнаженное женское тело), Лисипп.

В этот период невиданного размаха достигает строительство, вырастают новые города с регулярной планировкой (в тч Александрия), воздвигаются огромные сооружения, величественные архитектурные ансамбли (акрополь в Пергаме). Дифференцируется тип жилища — от скромного дома до дворца; в домах с традиционным планом внутренний двор превращается в обрамленный колоннадой перистиль.Образы эллинистической скульптуры (стремительная НикаСамофракийская), Расцветает скульптурный портрет. На смену классическому идеалу гармоничного человека-гражданина приходят возвеличивание владык. Интерес к людям, стоящим на разных (в т. ч. и на низших) ступенях социальной лестницы, к характерным чертам человеческого возраста.

Искусство античного Рима

Искусство Древнего Рима оставило миру громадное наследие, значение которого трудно переоценить. Древний РИМ - одна из ведущих цивилизаций Древнего мира и античности.
Древнеримская цивилизация дала миру много достижений: прекрасно спланированные города, мощеные дороги, мосты, здания терм. Одним из достижений стал скульптурный портрет, передающий как внешние черты, так и внутренний мир человека. Художественные образы Рима вдохновляли мастеров Средневековья, Возрождения и классицизма.

Римское искусство складывалось на основе взаимодействия местных италийских племен, этрусков и греков. В античный гуманизм римляне внесли черты более трезвого миропонимания, Точность и историзм мышления.

История Рима делится на 2 периода: эпоха республики, императорский период.

Первая эпоха сравнительно бедна произведениями ис-ва, но!! Тут формируется городское устройство, -рыночная площадь-ФОРУМ (где проводились советы, собрания, обучение детей, торговля, здесь же возвышались ростральные колонны (с носами побежденных кораблей) ( форум Романум.) Внутри дома были расписаны, фрески сохранились, было 4 стиля росписи (инкрустационный, римский (стены расчлен. Колоннами), орнаментальный (тонкие колонны, цветы, орнамент), декоративный (в виде театр. Декораций…фигуры людей-пример: «помпейская вилла Мистерий»). Получил широкое распространение живописный портрет (фаюмский портрет). Ранние выполнены в технике энкаустики (восковая живопись)

Императорская эпоха это эпоха со времени правления Октавиана Августа, и в это время римское искусство начало ориентироваться на идеалы, которые насаждали правители.

Скульптурный портрет, имевший глубоко познавательный смысл, завоевал едва ли не первое место. Проявился интерес к проблеме личности и ее судьбе.

Формируется жанр натюрморта. В эту эпоху появляются практически все произведения искусства (Колизей, Пантеон!! Триумфальные арки (Тита, Константина)

Колизей – 50000 зрителей, смешение ордерных элементов: 1-й ярус – тосканский, 2-й – ионический, 3-й – коринфский.

Ведущую роль играла архитектура.

Римляне положили начало новой эпохе мирового зодчества, ввели инженерные сооружения (акведуки, мосты, дороги, гавани, крепости) как архитектурные объекты в городской, сельский ансамбль и пейзаж. Римляне перерабатывали типы греческой архитектуры, принципы ордерной системы и декора. Вбирая разнообразные, наиболее ценные элементы, римское искусство сохраняло свою самобытность. Красота и мощь раскрываются в целесообразности, в точно найденных пропорциях и масштабах, в лаконизме архитектурных средств, а не в пышной декоративности. В архитектурный ансамбль входили храмы, базилики, лавки торговцев, рынки. Площади украшались статуями. Потребности общества породили много типов сооружений: амфитеатры, термы, триумфальные арки, акведуки, дворцы, особняки, виллы, театры, храмы, мосты, надгробные памятники, Появляется АТРИУМ (помещение с бассейном внутри дома), ТЕРМЫ (бани). Главное завоевание римлян в строительстве общественных сооружений — создание огромных внутренних пространств, свободных от внутренних опор. Необходимость их перекрытия вызвала развитие мощных сводчатых и купольных конструкций. Переход к сводчатым конструкциям совершился, когда был введен бетон, состоявший из известкового раствора, вулканического песка и щебня. Снаружи здания облицовывали мрамором.

Голландское искусство.

На протяжении 17 в. Голландия является ведущей экономической страной, мощная промышленность, сельское хозяйство. Важный центр европейской культуры.

Изобразительное искусство занимает передовые рубежи. Ведущая религия - протестантизм, который вытеснил католическую церковь, которая отвергала всякую роскошь. Архитектура церквей была очень строгая, без декора, излишеств, не украшалась алтарными образами. Основными заказчиками становятся бюргеры, голландский магистрат. картинами украшались скромные жилища и общественные здания, поэтому небольшой размер картин.

Главное достижение голландского искусства 17 в.— в станковой живописи. Человек и природа были объектами наблюдения и изображения голландских художников. Трудолюбие, усердие, любовь к порядку и чистоте нашли отражение в картинах, изображающих голландский быт. Бытовая живопись становится одним из ведущих жанров, создатели которого в истории получили наименование «малых голландцев», то ли за непритязательность сюжетов, то ли из-за малых размеров картин Была даже специализация внутри жанра: вечерние и ночные пейзажи (Арт ван дер Hep), «ночные пожары» (Экберт ван дер Пул), пейзажи зимние (Авер-камп), корабли на рейде (Я. Порселлис), равнинный пейзаж (Ф. Конинк); натюрморты — «завтраки» (П. Клас и В. Хеда) или изображение цветов и фруктов (Б. ван дер Аст, Я. ван Хейсум), церковные интерьеры (А. де Лорм) и пр. Живопись на евангельские и библейские сюжеты представлена также, но далеко не в таком объеме, как в других странах, равно как и античная мифология. В Голландии никогда не было связей с Италией и классическое искусство не играло такой роли, как во Фландрии.

Овладение реалистическими тенденциями, сложение определенного круга тем, дифференциация жанров как единый процесс находят завершение к 20-м годам XVII в. Но в каком бы жанре ни работали голландские мастера, везде они находят поэтическую красоту в обыденном, умеют одухотворить и возвысить мир материальных вещей.

Историю голландской живописи 17 в. прекрасно демонстрирует эволюция творчества одного из крупнейших портретистов Голландии Франса Халса. Он много работает в жанре группового портрета. Это в основном изображение стрелковых гильдий — корпораций офицеров для обороны и охраны городов. Бюргеры хотели быть увековеченными на полотне, Но не портретное сходство пленяет нас в этих произведениях Халса. В них выражены идеалы молодой республики, чувства свободы, равноправия, товарищества. С полотен этих смотрят жизнерадостные, энергичные, предприимчивые люди, уверенные в своих силах и в завтрашнем дне («Стрелковая гильдия св. Адриана», «Стрелковая гильдия св. Георгия»).

В портретах Халса позднего периода исчезает беззаботная удаль, энергия, напор в характерах изображенных лиц. Лаконичная живописная палитра построена, однако, на тончайших градациях.

Бытовой жанр - мастером был Питер Хоох. Его творчество связано с Амстердамом. Сцены в тавернах, крестьяне и солдаты. В конце 50-ых пишет опрятные светлые интерьеры, сцены в двориках, персонажи занимаются делами. Люди несколько чопорные, занимают не главное место, оживляют интерьеры. Палитра состоит из приглушенных коричневых тонов с добавлением основных цветов. Передача цветом ощущения воздушной среды. Вид из окна или двери на открывающийся позади дворик.

Вершиной голландского реализма, итогом живописных достижений голландской культуры 17 столетия является творчество Рембрандта. Но значение Рембрандта, как всякого гениального художника, выходит за пределы голландской школы и голландского искусства. («Автопортрет с Саскией на коленях», «Жертвоприношение Авраама», «Ночной дозор», «Даная», «Блудный сын» - эпилог творчества).

Дифференциация по определенным жанрам: портрет, пейзаж, натюрморт, карикатурный жанр, практически не было живописи на мифологические библейские темы. В целом живопись 17 в. называется демократичной и реалистичной. К 20-м годам 17 в. произошло овладение реалистическим методом.30-70 года лучшие произведения - кульминация.В портретной живописи помимо индивидуальных портретов и типажных был групповой портрет. Корпоративный дух был очень крепок у бюргеров, поэтому им хотелось себя видеть и в качестве общественных деятелей.

В последней четверти XVII в. начинается упадок голландской живописной школы, потеря ее национальной самобытности, а с начала XVIII столетия наступает конец великой эпохи голландского реализма.

Творчество Микеланджело

Величайший мастер Высокого Возрождения – Микеланджело, итальянский скульптор, живописец, архитектор, поэт. С наибольшей силой выразил глубоко человечные, полные героического пафоса идеалы Высокого Возрождения, а также трагическое ощущение кризиса гуманистического миропонимания в период Позднего Возрождения. Монументальность и драматизм образов, преклонение перед человеческой красотой проявились уже в ранних произведениях. Роспись свода Сикстинской капеллы в Ватикане (1508-12), статуя " Моисей" (1515-16) утверждают физическую и духовную красоту человека, его безграничные творческие возможности.

С 1520 по 1534г. Микеланджело работает над одним из

самых значительных и самых трагических скульптур

ных произведений – над гробницей Медичи, выражающей

все переживания, выпавшие на этот период на долю и самого

мастера и всей страны в целом. С конца 20-х годов Италия

буквально раздиралась как внешними так и внутренними

врагами. Трагические ноты, вызванные кризисом

ренессансных идеалов, звучат во фреске " Страшный суд" (1536-41)

на алтарной стене Сикстинской капеллы. В

архитектуре Микеланджело господствуют пластическое

начало, динамический контраст масс. Пластическое начало в

росписи Микеланджело всегда доминирует над

живописным. Росписи потолка Сикстинской капеллы при

Ватиканском дворце.

При огромном количестве фигур роспись плафона

логически ясна и легко обозрима. Главными выразитель-

ными средствами Микеланджело являются подчерк-

нутая пластичность, чеканность и ясность линии и

объема. Центральная часть потолка - сцены

священной истории, начиная от сотворения мира.

Композиции обрамлены написанным, создающим

иллюзию архитектуры, карнизом и разделены

живописными тягами. Под живописным карнизом –

пророки и сивиллы, в люнетах (арках над окнами)

изобразил эпизоды из Библии и предков Христа как простых

людей, занятых повседневными делами. Позже им

исполнена алтарная стена Сикстинской капеллы с

изображением «Страшного суда» - проявились черты

новой художественной системы. Сложные ракурсы

переплетенных, закрученных в клубок тел, крайний

динамизм, повышенная экспрессия, создающие

выражение беспокойства, тревоги, смятения, — все это черты,

глубоко чуждые Высокому Возрождению, как и сама трактовка

темы «Страшного суда» (вместо торжества справедливости

над злом — катастрофа, крушение мира).

Постройки отличаются повышенной

пластичностью, внутренним динамизмом и

напряженностью масс. Большую роль играет

рельефное оформление стены – активная

светотеневая организация ее поверхности с

помощью использования высоких пилястр,

подчеркнутой пластичности и объемности карнизов,

наличников и дверных порталов. Работал над проектом и

руководил строительством библиотеки Лауренциани во

Флоренции, создав выразительный ансамбль

динамичного пространства вестибюля с лестницей и

спокойного, строгого читального зала.

Был занят разработкой проекта и возведением

собора Св. Петра, развивая идеи Браманте. Сохранил

в плане идею центричности, усилив значение

и роль средокрестия во внутреннем

пространстве. Спроектировал купол.

Ансамбль капитолия в Риме. Трапециевидная

площадь Капитолия с античным конным монументом

Марка Аврелия в центре замыкается дворцом

Консерваторов, открываясь в город широкой лестницей.

Творчество Микеланджело, явившееся блестящим заключительным этапом ит. Возрождения, сыграло значительную роль в истории европейского искусства. Оно подготовило развитие маньеризма и оказало влияние на сложение принципов барокко

Архитектура Византии.

Искусство государства 4—15 вв., возникшего в результате распада Римской империи (395) в её восточной части (Балканский полуостров, Малая Азия, Юго-Восточное Средиземноморье). Искусство опирается на античность и восточные традиции (на почве эллинистической культуры Греции, Палестины, птолемеевского Египта, сасанидского Ирана).

Византийское искусство подразделяется на следующие периоды: ранневизантийское искусство (4–7 вв.); период иконоборчества (8 в.); эпоха расцвета византийской культуры (9—12 вв., до захвата Константинополя крестоносцами в 1204 г.); поздневизантийское искусство (13–15 вв., до завоевания Константинополя турками в 1453 г.). Внутри каждой эпохи выделяют периоды правления императорских династий (комниновский, палеологовский и др.). Искусство в целом религиозно, символично (церемонии, архитектурные формы). Характерны строгая каноничность и имперсонализм. Храмы мыслились теперь как огромные дома для совместной молитвы. Главным стала организация внутреннего пространства. Храм должен быть вместительным, удобным, заключать символику новой религии. Разграничены места для священников и паствы, выделено место для алтаря.

Базилики и мавзолеи стали прообразами двух главных типов христианских храмов – базиликального и центрического. Базилики представляли собой вытянутые прямоугольные здания с алтарём в восточной части; позднее распространились крестово-купольные храмы – квадратные в плане, с четырьмя столбами в центре, поддерживающими купол. Внешние стены храмов утратили украшения и колонное убранство: архитектурные формы воплощали идею отъединения, защиты от внешнего мира. Суровые, гладкие, монолитные стены выполняли роль священной ограды, укрывающей верующих от греховного бытия. Скупость и простота наружного облика храмов контрастировала с великолепием интерьеров. Мозаические композиции создавали на стенах церквей образ райского сада и сияющего Царствия Небесного (мозаики в Равенне, Италия, 5–7 вв.). Со временем внутреннее пространство становится более динамичным, вовлекаются отдельные античные ордерные элементы (колонны, антаблементы и т. д.). Высочайший подъем зодчества в 6 веке. Завершаются поиски культового здания, гармонически объединяющего базилику с купольной конструкцией. Храм Святой Софии - пример базиликального храма с купольным перекрытием – купол возведен на 4 столбах с помощью парусов, системы полукуполов и колоннад, центральный неф отделен от боковых колоннами с опирающимися на них арками. Шедевром архитектурной мысли Анфимия и Исидора стала гигантская полусфера главного купола Софии Константинопольской. Она поддерживается пространственным «скелетом» хитросплетённых многочисленных арок и сводов, несущим основную нагрузку. В направлении с запада на восток распор гасится таким образом: к центральному купо-|лу примыкают с двух сторон два больших полукупола, а к ним в свою очередь — меньшие полукупола. Сила распора растекается, дробится до тех пор, пока её не принимают на себя специальные колонные пилоны, завершающие опорный «скелет» постройки. Вошедшим в храм казалось, что его огромный купол не имеет реальной опоры, а подвешен на золотой цепи, спущенной с неба.В 7-9 в. переход к типу крестово-купольного храма, утвердился в 9-12 вв – система связанных пространственных ячеек, выстраивающихся уступами в пирамидальную композицию. Наружные стены нередко бывают украшены узорной кладкой и керамическими вставками. В дальнейшем – лишь развивали этот тип храма. Долгие архитектурные поиски, направленные на то, чтобы найти наилучшее соответствие функциональным и символическим требованиям, предъявляемым к православному храму, завершились, наконец, идеальным решением. Новый тип храмового здания стал прекрасным образцом как для Византийской империи, так и для всего Восточнохри-стианского мира.

Основу этого типа, который получил распространение начиная с IX столетия, составлял подкутголь-ный квадрат, образованный четырьмя столбами. Со столбов на стены перекидывались арки, несущие полуцилиндрические своды (они выглядят как половина разрезанного вдоль цилиндра). Столбы делили здание на три продольных прохода-нефа. Центральный неф был заметно шире боковых, его пересекал широкий поперечный неф, так что на плане чётко выделялся крест, вписанный в общий прямоугольный план постройки. В центре креста находился купол, поэтому вся система получила название крестово-куполъной

Живопись Византии.

На наследии античности Византия создала стиль принадлежащий духовным запросам средневековья. Искусство в целом религиозно, символично (церемонии, архитектурные формы). Характерны строгая каноничность и имперсонализм.

Главная форма живописи – монументальные мозаики и фрески, иконы и книжная миниатюра. Новый жанр – икона возник на основе фаюмских портретов – погрудное изображение святого, применяли технику энкаустики, иногда темперу. Изображение постепенно схематизируется, внимание уделяется глазам, плоскостное изображение. В византийском изображении нет движения, оно статично, лишено прямой перспективы, светотеневой моделировки, намека на ракурс, глубину.

8 век – век иконоборчества – против изображения божества в человеческом образе.

В 9-10 вв росписи храмов приводят в строгую систему. Стены и своды покрывают мозаиками и фресками, расположенными в строгом порядке, подчиненным композиции храма. Мозаичные циклы 11-12 вв.(мон. Дафний около Афин) – характерно изображение Христа в виде Пантократора - вседержителя изображенного в куполе или к конце апсиды (полукруг в конце центрального нефа), богоматерь Оранта – молящаяся с воздетыми руками. По обе стороны от нее – фигуры архангелов, в нижнем ярусе апостолы. На парусах (треугольное завершение купола) – евангелисты, на столбах различные сцены, на западной стене – суд. В интерьере – единая художественная среда, в которую включаются иконы, размещенные на иконостасе. Мозаики базилики в Чефалу, Сицилия, 1148; фрески церкви Св. Пантелеймона в Нерези, Македония, 1164.

Икона «Богоматерь Владимирская» (ок. 1132 г.) - новый тип двусторонней переносной иконы; на её обратной стороне – престол с символами Страстей Христовых.

Византийские иконописцы обнаружили, что уплощение фигур, сведение их к простым по очертаниям силуэтам делает персонажи бестелесными, подобными ангелам. Разумеется, тогда пришлось отказаться и от многопланового пейзажного или архитектурного фона, который превращался в своеобразные знаки архитектурного ландшафта или пейзажа либо же вообще уступал место чистой однотонной плоскости. Покрытие этой плоскости золотом повлекло за собой новый и весьма уместный эффект. Мерцающая позолота создала впечатление нематериальности, погружённости фигур в некое мистическое пространство, напоминавшее о сиянии небес горнего мира. Поскольку золото в христианской символике означало Божественный свет, его присутствие в священном изображении не требовало объяснений.

Изображение было направлено на человека, стоящего перед иконой, что повлияло на смену перспективных систем. Античная перспектива — разновидность линейной, или прямой, когда линии сходятся как бы позади полотна, в художественном пространстве, которое создавалось иллюзией «глубины» изображённого. Византийские художники пользовались обратным приёмом: линии сходились не за плоскостью иконы, а перед ней — в глазу у зрителя, в его реальном мире. Изображение представлялось словно опрокинутым, нацеленным на смотрящего, зритель включался в систему живописного произведения, а не заглядывал в него, как случайный прохожий в чужое окно. Помимо «эффекта включения» обратная перспектива способствовала и уплощению трёхмерных предметов — они будто распластывались по поверхности расписанной стены или иконной доски. Формы становились стилизованными, освобождёнными от всего лишнего. Художник писал не сам предмет, а как бы идею предмета, при этом мастер всегда жертвовал видимостью ради существа изображаемого.

Искусство Междуречья

Месопотамия, или Междуречье, располагалось между реками Тигром и Евфратом. Здесь в течение тысячелетий сменяли друг друга государства Шумера и Аккада, Вавилона и Ассирии. Культуры наслаивались друг на друга, новое гос-во впитывала в себя предыдущую к-ру.Природные условия (разливы рек) влияли на благосостояние страны, на умственное развитие народов, ускоряя их движение по пути научного и художественного прогресса. Уже к середине IV тысячелетия до н.э. население Междуречья возникла письменность, астрономия, инженерное искусство. Стремление к монументальным постройкам было одной из характерных черт искусства.

Большинство шумерских зданий возводились из необожженного кирпича (Белый храм и Красное здание в Уруке III в до н. э.)). Храмы в Шумере обычно строили на утрамбованной глиняной платформе, защищавшей здание от наводнений. Стены платформы, стены храма, красили, отделывали мозаикой и вертикальными прямоугольными выступами — лопатками. Господствовавший над жилой частью города, храм напоминал о нерасторжимой связи Неба и Земли.

Стены шумерских храмов украшались рельефами, повествовавшими как об исторических событиях, происходивших в жизни города (таких как военные походы, закладка храмов и т.п.), так и о повседневных делах (хозяйственные работы и проч.). Рельеф делился на несколько ярусов, последовательно отражавших череду событий. Все персонажи были одинакового роста, однако правителей обычно изображали крупнее других.
Особое место принадлежит глиптике — резьбе по драгоценному или полудрагоценному камню. Сохранилось множество шумерских резных печатей в форме цилиндра. Печать прокатывали по глиняной поверхности и получали оттиск — миниатюрный рельеф с большим числом персонажей и ясной, тщательно выстроенной композицией.
В аккадский период возникает новая форма храма — зиккурат. Зиккурат представляет собой ступенчатую пирамиду, на вершине которой помещалось небольшое святилище. Нижние ярусы зиккурата, как правило, окрашивали в черный цвет, средние — в красный, верхние — в белый. Форма зиккурата символизирует лестницу в Небо. Изображения царей приобретают портретные сходства.Частные жилища ассирийцев с плоской крышей, открытыми галереями, простые по архитектуре. Своеобразно отличаются капители колонн. Впервые появляется волюта, к-а заняла свое место в ионическом ордере. Орнамент оригинален и самобытен. Комнаты закрывали коврами, которые заменяли и циновку, и обои, и входную дверь. В период наивысшего расцвета ассиро-вавилонской роскоши дворцы разрослись до огромных размеров (висячие сады Семирамиды как пример масштаба построек)

Вавилон объединил под своей властью шумеро-аккадские государства. Совершенствуется клинопись, интерес представляет вавилонская литература, особенно поэма о Гильгамеше. Развиваются научные знания, хотя и подчиненные религии, но накопившие важные практические сведения (в частности, в области астрономии). Памятников изобразительного искусства Древнего Вавилона до нас дошло очень мало. Судя по ним, вавилонские художники не создали ничего принципиально нового, усвоив лишь приемы искусства др народов Месопотамии. Лучшим из сохранившихся произведений вавилонского искусства является рельеф, венчающий свод законов царя Хаммурапи (1792 - 1750 гг. до н.э.) - законодательный сборник, высеченный в верхней части диоритового столба, сплошь покрытого клинописным текстом.

Персидское искусство строго группировалось вокруг 2х тем: царской власти и культа умерших, поэтому нет обширных храмов и идолов. Дворцы царей поражали своей роскошью. Здание опоясывало несколько рядов разноуровневых стен. Сам дворец строили из кипариса и кедра, покрывая дерево золочеными листами. Барельефы прославляли царские подвиги. Придворные залы были расписаны сценами придворных церемоний, приношением даров. Чувствуется ассирийское влияние, но фигуры свободнее, роскошнее. Под складками чувствуется тело (тоньше и стройнее). Как и их предшественники с исключительным ис-ом изображают животных, особенно фантастических. Излюбленная тема-бой льва и единорога.

Не стесненное узкими рамками ритуальных представлений (как в Египте) искусство развилось в роскошное, самобытное целое. Его мощное влияние ощущалось не только в искусстве соседей, но, отчасти, и в памятниках культуры европейских народов.

26.Архитектура классической Греции и ордерная система

Классической называется период 5-4 вв до н.э., когда Афины вступили в пору своего расцвета. Искусство показывало, каким должен быть человек: физически и нравственно прекрасным, гармонично развитым, -в этом смысле искусство этого времени наз классикой, образцом для подражания.

В архитектуре 5 в до нэ развивался все тот же тип храма-периптера (прямоугольной формы, окруженный со всех сторон колоннами), приемущественно дорического ордера. Пропорции стали стройнее, гармоничнее, приобрели большую логику, ясность, простоту. Так число колонн стало определенным: по длинной стороне в2 больше, чем по короткой+1 (н-р: 13: 6, 17: 8).Архитектура в гармонии со средой, в соразмерности с человеческой фигурой, в синтезе со скульптурой.

Еще в архаичный период(7-6вв до нэ) были созданы основные типы храмов («в антах»- на фасаде 2 колоны, «простиль»-4колонны, «амфипростиль»- колоннада с переднего и заднего фасада, «периптер»-со всех сторон колонны) и ордерная система. Центрами общественной жизни города и его архитектурного ансамбля становятся укрепленный холм — акрополь, где сооружаются храмы, и агора — торговая площадь.

Ордер-система соотношения, равновесия несомых и несущих частей. Ордера олицетворяли идеал красоты и гармонии. Основной масштабной единицей служил диаметр колонны. Из этого модуля выводились размеры ствола колонны, капители, базы, антаблемента, пространственные промежутки между колоннами - все вплоть до мельчайших деталей. Все части должны были быть пропорциональны и гармонировать друг с другом. Стереобат-основание колонны; анаблемент-перекрытие колонны, состоял из архитрава-балки, лежащей на колонне, фриза и карниза. Первые ордера- дорический и ионический, затем появился коринфский. Дорическому ордеру (возник в начале 7 в. до н.э.) с его мощными пропорциями свойственны колонна, рассеченная желобками-каннелюрами, на высоте 1\3 ствол утолщается, стоящая без базы и завершенная простой капителью, архитрав в виде ровной балки и фриз из чередующихся триглифов и метоп (прямоугольные плиты). Двускатная крыша на переднем и заднем фасаде образовывает треугольник-франтон. Франтоны и метометопы заполнялись скульптурами. (пример: храм Посейдона в Пестуме) Ионический ордер (сложился в середине 6 в. до н.э.) отличается стройной колонной, стоящей на базе и завершенной капителью с двумя завитками-волютами, архитравом, разделенным на 3 части (кажется более легким) Фриз идет по антаблементу сплошной лентой (более изящный, женственный); каннелюры здесь разделены плоской дорожкой.Карниз богато декорирован. Коринфский ордер похож на ионический, но отличается от него сложной капителью, украшенной растительными узорами (самая древняя коринфская колонна известна в храме Аполлона в Бассах, ныне — Вассе в Пелопоннесе, сооруженном около 430 года до н.э. зодчим Иктином).

В архитектуре поздней классики нет чувства меры, проявляется стремление к грандиозному, внешне великолепному. Большое место занимает общественные сооружения для зрелищь -амфитеатры(театр в Эпидавре арх.Поликлет)

Парфенон архитекторы Иктин и Калликрат, скульптуры Фидий. Тип храма-перимптер, ордера+дорический + ионический.

27.Вермеер и Рембрант

Рембрандт Харменс ван Рейн (1606-1669), голландский живописец, рисовальщик и офортист. Творчество проникнутое стремлением к глубоко философскому постижению жизни, внутреннего мира человека со всем богатством его душевных переживаний, знаменует собой вершину развития голландского искусства 17 века. Писал портреты, натюрморты, пейзажи, жанровые сцены, картины на исторические, библейские, мифологические темы, был непревзойденным мастером рисунка и офорта. Ранние произведения отмечены поисками творческой самостоятельности, заметно воздействие Ластмана и мастеров голландского караваджизма (“Принесение во храм»). Он впервые использовал светотень как средство усиления одухотворенности и эмоциональной выразительности образов. В эти же годы Рембрандт упорно работал над портретом, изучая мимику человеческого лица. После женитьбы на Саскии наступает период овеянный романтикой, стремится уйти от тусклой повседневности. Пишет роскошные наряды, фантастические одежды и головные уборы, эффектные композиции, выражая в сложных поворотах, позах, движениях радость бытия. («Автопортрет с Саскией» ) Язык барроко наиболее близок этому приподнятому настроению, Р. находится под влиянием итальянского барокко. В написанных по заказам портретах он тщательно передавал черты лица, одежду. Особое место в творчестве занимают мифологические сцены, в которых художник бросил смелый вызов классическим канонам и традициям (“Даная” ) здесь чувственно-телесной, идеальной красоте образов итальянских мастеров противопоставил красоту духовности и теплоты человеческого чувства.

40-50годы –пора творческой зрелости. Часто обращается к прежним произведениям, переделывает их (Даная). Его мастерство растет. Выбирает наиболее лирические, поэтические стороны человеческого бытия. (Сцены жизни святого семейства) изображает простой быт, простых людей не смотря на сюжет. Но умеет в повседневной жизни увидеть глубокое и непреходящее. Огромную роль играет светотень-основа его художественной структуры. В колорите преобладают тональные отношения с сильными пятнами чистого цвета. В пейзаже (живопись, рисунок, офорт) умеет, так же как и в тематических картинах подняться над обыденным. Много работал в технике офорта (“Продавец крысиного яда”, «Снятие с креста»), создавал смелые и обобщенные по манере карандашные рисунки. Это в основном библейские и евангельские сюжеты, в рисунке обращается к жанру. Образы имеют глубокий философский смысл. В них выражено сочувствие страдающим, чувство справедливости. Его техника офортов сложна, виртуозна.

Ян Верме́ ер - нидерландский художник, мастер бытовой живописи и жанрового портрета. Наряду с Рембрандтом и Франсом Халсом является одним из величайших живописцев золотого века голландского искусства.

Предопределил многие колористические искания 19в, проложил дорогу для импрессионистов. Изображает картины быта, пейзажи. Ранние произведения Вермеера монументальны, возвышенность образов (“Христос у Марфы и Марии”, 1655). В крупнофигурном полотне “У сводни”, ярко жизненной композиции, полной молодого задора и полнокровной чувственности, элементы тонального колорита смело сочетаются с крупными звучными пятнами чистого цвета. Со 2-й половины 1650-х годов Вермеер писал небольшие картины с одной или несколькими фигурам в залитом серебристым светом интерьере городского дома (“Девушка с письмом”, “Служанка с кувшином молока”), уделяя внимание не столько сюжетно обоснованному действию, сколько общему лирическому настрою сцены, душевному состоянию персонажей. Тщательная, любовная выписанность деталей воссоздающая фактурное богатство предметного мира, тонкое использование естественного освещения, как бы преображающего интерьер, раскрывают поэзию повседневного домашнего бытия, органическое единство человека и окружающей его среды. Классическая ясность, естественность и живая выразительность композиции, легкая вибрация света и воздуха, светонасыщенность звучного цвета, богатая игра оттенков и скользящих рефлексов, красочность бликов одухотворяют мир людей и предметов, сообщают им внутреннюю значительность., построенных на сочетании голубого, желтого, синего, жемчужно-серого. Становится более созерцательным и изысканным, живопись – более холодной, матово-эмалевой, выдержанной в жемчужной гамме с яркими пятнами лимонно-желтых и голубовато-синих тонов (“Девушка с жемчужиной”).Теперь художник часто изображает богато обставленные комнаты, в которых дамы и кавалеры музицируют, ведут галантные беседы (“Любовное письмо”, ). Особым обаянием обладают созданные в этот период образы людей труда, искусства, науки, передающие самоуглубленность человека в минуты творчества (“Кружевница”; “Географ”).

Скульптура Римской империи

В эпоху империи получают дальнейшее развитие рельеф и круглая пластика. Исторические рельефы, прославляющие подвиги, мудрость правителей, украшают триумфальные арки. Двухсотметровая лента рельефов триумфальной колонны Траяна подробно и бесстрастно повествует о походе римских войск против даков.Однако по-прежнему ведущее место в римской скульптуре занимает портрет. В век Августа резко меняется характер образа - в нем проступает идеал классической красоты и тип нового человека, которого не знал республиканский Рим. Появляются парадные портреты в рост, исполненные спокойной сдержанности и величия. ( скульптура Августа из Прима Порта)Строгий стиль Августа при Флавиях (69-96 гг. н. э.) сменяется более эффектным и помпезным портретом в рост. Возрождается резкий реализм, безжалостно воспроизводящий человека со всеми его уродливыми чертами. Скульпторы достигают многогранности, обобщенности характеристики, обогащают художественный язык новыми средствами. В портрете Нерона, с низким лбом, тяжелым подозрительным взглядом, раскрывается холодная жестокость деспота, произвол низменных, необузданных страстей, самомнение. Отяжеленные формы лица, пряди густой шевелюры переданы совокупностью крупных живописных масс.Оотказываются от традиционных фронтальных композиций и более свободно располагают скульптуру в пространстве, разрушая тем замкнутость образа республиканского портрета. ( « Портрете римлянки»).Во 2 в. появляются черты одухотворенности, самоуглубления и вместе с тем отпечаток утонченности, усталости, характеризующих умирающую эпоху. Люди предстают гуманными, но исполненными тревоги, с грустными взорами, устремленными вдаль. Созерцательное настроение подчеркивается трактовкой глаз с резко врезанными зрачками, полуприкрытыми мягкими тяжелыми веками. Тончайшая светотень и блестящая полировка лица заставляют светиться мрамор изнутри, уничтожают резкость линий; живописные массы волос оттеняют прозрачность черт. («Сириянка»).К этой эпохе относится конная скульптура Марка Аврелия (ок. 170 г.), послужившая образцом для последующих европейских монументов. 3 век- эпоха расцвета римского портрета, все более освобождающегося от традиций прошлого. Этот расцвет совершается в условиях упадка, разложения Римского государства и его культуры, но вместе с тем и зарождения в ее недрах новых творческих тенденций. В нем намечаются черты, получившие развитие в средневековье на Западе и Востоке, в портрете эпохи Возрождения. Возникают исполненные чрезвычайной энергии, властолюбия, грубой силы, образы людей, рожденных жестокой борьбой, захватившей в то время общество. Беспощадный реализм обогащен психологическим проникновением во внутренний мир, исполненный драматического напряжения и конфликтов с окружающей средой. Композиция построена на резком противопоставлении плеч и внезапно гневного поворота головы. Энергично высеченное лицо искажено конвульсиями злобы; экспрессивный образ драматизирован контрастами света и тени.(портрет Филиппа Аравитянина).В пределах римского искусства рождается спиритуализм (философское направление, приписывающее истинную реальность духу, а не материи), характерный для возникающего средневекового искусства. В образе человека, утратившего этический идеал в самой жизни, разрушается гармония физического и духовного начала, характерная для античного идеала личности.

характеристика Древнеегипетского искусства