Формирование садово-паркового искусства Японии

Корни японского сада с его компонентами, приемами композиции уходят в древний период истории Японии который связан с поклонением силам природы. Именно тогда в древней Японии сформировалась религиозная система «синто» — «путь богов». В древнем синтоизме отсутствовали визуально воспринимаемые символы божеств, их идентифицировали с конкретными предметами или явлениями природы. Обожествление всего окружающего мира выражалось в утверждении: божество нельзя видеть, но его можно ощущать путем переживания красоты природы и ее ритма, можно приобщиться к божеству и, созерцая, постичь истину. Садовое искусство вместе с буддизмом пришло в Японию из Индии, через Корею и Китай в VI в. Отправной точкой формирования садов последних периодов развития является положение дзэн-буддизма, согласно которому красота природы есть одна из форм постижения истины. Это способствовало обострению эстетического восприятия, выработке поэтически-метафорического способа мышления. Сады должны были располагать к созерцанию, вызывать чувство эмоционального отклика. Основным композиционным принципом, так называемым принципом неопределенности, было создание гармонического равновесия всех элементов сада, в котором есть и свобода, и порядок, и движение, и покой. Его можно сформулировать как отрицание равенства: объемно-пространственные элементы сада не должны быть одинакового размера, в их размещении недопустима симметрия.

По функциональному назначению исторически сложились дворцовые, храмовые сады, сады чайной церемонии, сады у жилого дома. По характеру рельефа: плоский сад и холмистый сад. по основному компоненту, на котором заостряется восприятие: сад камней, сад мхов, сад воды, сад пейзажей и т.

 

Вода - основа жизни любого сада. Она присутствует в форме водоема с заливом, островами, песчаными и каменными берегами и изображает спокойную и широкую реку или бурный поток с порогами. Излюбленным элементом сада является водопад. В < сухих> садах вода символически изображается галькой или песком. Камни подбирают по форме, цвету, фактуре. Композиционная схема сада обязательно учитывает различие камней, выражающих мужское или женское начало.
Особое внимание уделяется растениям. С помощью растений акцентируется смена времен года. Неотъемлемой частью сада являются садовые сооружения: мосты, скамьи, каменные светильники, ограды, ворота. Они выполнены из естественного материала - дерева, бамбука, камня, иногда металла (чугунные или бронзовые скамьи), без лака и краски, с тем чтобы передать текстуру материала, его естественный цвет и, что особенно ценится, налет Характерной чертой японского сада является символика. За видимым пейзажем с его красотой, отточенной формой и тонко продуманной композицией кроется более глубокое содержание. Его можно прочесть по той символике, которую несут компоненты сада, - по форме и расположению камней, островов и т. д. Отсюда и метафоричность сада, и недоговоренности в передаче образа, который должен раскрыть сам зритель. Наиболее ярко эти черты проявляются в плоских (философских) садах.

Особенности садово-паркового искусства Японии сводятся в основном к следующим положениям:

типологичность; традиционность; символизм; образная трактовка природы; связь с живописью; канонизация композиционных приемов в использовании парковых компонентов - камней, воды, растительности, сооружений.

Искусство Междуречья

Месопотамия, или Междуречье, располагалось между реками Тигром и Евфратом. Здесь в течение тысячелетий сменяли друг друга государства Шумера и Аккада, Вавилона и Ассирии. Культуры наслаивались друг на друга, новое гос-во впитывала в себя предыдущую к-ру.Природные условия (разливы рек) влияли на благосостояние страны, на умственное развитие народов, ускоряя их движение по пути научного и художественного прогресса. Уже к середине IV тысячелетия до н.э. население Междуречья возникла письменность, астрономия, инженерное искусство. Стремление к монументальным постройкам было одной из характерных черт искусства.

Большинство шумерских зданий возводились из необожженного кирпича (Белый храм и Красное здание в Уруке III в до н. э.)). Храмы в Шумере обычно строили на утрамбованной глиняной платформе, защищавшей здание от наводнений. Стены платформы, стены храма, красили, отделывали мозаикой и вертикальными прямоугольными выступами — лопатками. Господствовавший над жилой частью города, храм напоминал о нерасторжимой связи Неба и Земли.

 Стены шумерских храмов украшались рельефами, повествовавшими как об исторических событиях, происходивших в жизни города (таких как военные походы, закладка храмов и т.п.), так и о повседневных делах (хозяйственные работы и проч.). Рельеф делился на несколько ярусов, последовательно отражавших череду событий. Все персонажи были одинакового роста, однако правителей обычно изображали крупнее других.
Особое место принадлежит глиптике — резьбе по драгоценному или полудрагоценному камню. Сохранилось множество шумерских резных печатей в форме цилиндра. Печать прокатывали по глиняной поверхности и получали оттиск — миниатюрный рельеф с большим числом персонажей и ясной, тщательно выстроенной композицией.
В аккадский период возникает новая форма храма — зиккурат. Зиккурат представляет собой ступенчатую пирамиду, на вершине которой помещалось небольшое святилище. Нижние ярусы зиккурата, как правило, окрашивали в черный цвет, средние — в красный, верхние — в белый. Форма зиккурата символизирует лестницу в Небо. Изображения царей приобретают портретные сходства.Частные жилища ассирийцев с плоской крышей, открытыми галереями, простые по архитектуре. Своеобразно отличаются капители колонн. Впервые появляется волюта, к-а заняла свое место в ионическом ордере. Орнамент оригинален и самобытен. Комнаты закрывали коврами, которые заменяли и циновку, и обои, и входную дверь. В период наивысшего расцвета ассиро-вавилонской роскоши дворцы разрослись до огромных размеров (висячие сады Семирамиды как пример масштаба построек)

Вавилон объединил под своей властью шумеро-аккадские государства. Совершенствуется клинопись, интерес представляет вавилонская литература, особенно поэма о Гильгамеше. Развиваются научные знания, хотя и подчиненные религии, но накопившие важные практические сведения (в частности, в области астрономии).      Памятников изобразительного искусства Древнего Вавилона до нас дошло очень мало. Судя по ним, вавилонские художники не создали ничего принципиально нового, усвоив лишь приемы искусства др народов Месопотамии. Лучшим из сохранившихся произведений вавилонского искусства является рельеф, венчающий свод законов царя Хаммурапи (1792 - 1750 гг. до н.э.) - законодательный сборник, высеченный в верхней части диоритового столба, сплошь покрытого клинописным текстом.

Персидское искусство строго группировалось вокруг 2х тем: царской власти и культа умерших, поэтому нет обширных храмов и идолов. Дворцы царей поражали своей роскошью. Здание опоясывало несколько рядов разноуровневых стен. Сам дворец строили из кипариса и кедра, покрывая дерево золочеными листами. Барельефы прославляли царские подвиги. Придворные залы были расписаны сценами придворных церемоний, приношением даров. Чувствуется ассирийское влияние, но фигуры свободнее, роскошнее. Под складками чувствуется тело (тоньше и стройнее). Как и их предшественники с исключительным ис-ом изображают животных, особенно фантастических. Излюбленная тема-бой льва и единорога.

Не стесненное узкими рамками ритуальных представлений (как в Египте) искусство развилось в роскошное, самобытное целое. Его мощное влияние ощущалось не только в искусстве соседей, но, отчасти, и в памятниках культуры европейских народов.

 

26.Архитектура классической Греции и ордерная система

Классической называется период 5-4 вв до н.э., когда Афины вступили в пору своего расцвета. Искусство показывало, каким должен быть человек: физически и нравственно прекрасным, гармонично развитым, -в этом смысле искусство этого времени наз классикой, образцом для подражания.

В архитектуре 5 в до нэ развивался все тот же тип храма-периптера (прямоугольной формы, окруженный со всех сторон колоннами), приемущественно дорического ордера. Пропорции стали стройнее, гармоничнее, приобрели большую логику, ясность, простоту. Так число колонн стало определенным: по длинной стороне в2 больше, чем по короткой+1 (н-р: 13: 6, 17: 8).Архитектура в гармонии со средой, в соразмерности с человеческой фигурой, в синтезе со скульптурой.

Еще в архаичный период(7-6вв до нэ) были созданы основные типы храмов («в антах»- на фасаде 2 колоны, «простиль»-4колонны, «амфипростиль»- колоннада с переднего и заднего фасада, «периптер»-со всех сторон колонны) и ордерная система. Центрами общественной жизни города и его архитектурного ансамбля становятся укрепленный холм — акрополь, где сооружаются храмы, и агора — торговая площадь.

Ордер-система соотношения, равновесия несомых и несущих частей. Ордера олицетворяли идеал красоты и гармонии. Основной масштабной единицей служил диаметр колонны. Из этого модуля выводились размеры ствола колонны, капители, базы, антаблемента, пространственные промежутки между колоннами - все вплоть до мельчайших деталей. Все части должны были быть пропорциональны и гармонировать друг с другом. Стереобат-основание колонны; анаблемент-перекрытие колонны, состоял из архитрава-балки, лежащей на колонне, фриза и карниза. Первые ордера- дорический и ионический, затем появился коринфский. Дорическому ордеру (возник в начале 7 в. до н.э.) с его мощными пропорциями свойственны колонна, рассеченная желобками-каннелюрами, на высоте 1\3 ствол утолщается, стоящая без базы и завершенная простой капителью, архитрав в виде ровной балки и фриз из чередующихся триглифов и метоп (прямоугольные плиты). Двускатная крыша на переднем и заднем фасаде образовывает треугольник-франтон. Франтоны и метометопы заполнялись скульптурами. (пример: храм Посейдона в Пестуме) Ионический ордер (сложился в середине 6 в. до н.э.) отличается стройной колонной, стоящей на базе и завершенной капителью с двумя завитками-волютами, архитравом, разделенным на 3 части (кажется более легким) Фриз идет по антаблементу сплошной лентой (более изящный, женственный); каннелюры здесь разделены плоской дорожкой.Карниз богато декорирован. Коринфский ордер похож на ионический, но отличается от него сложной капителью, украшенной растительными узорами (самая древняя коринфская колонна известна в храме Аполлона в Бассах, ныне — Вассе в Пелопоннесе, сооруженном около 430 года до н.э. зодчим Иктином).

В архитектуре поздней классики нет чувства меры, проявляется стремление к грандиозному, внешне великолепному. Большое место занимает общественные сооружения для зрелищь -амфитеатры(театр в Эпидавре арх.Поликлет)

Парфенон архитекторы Иктин и Калликрат, скульптуры Фидий. Тип храма-перимптер, ордера+дорический + ионический.

27.Вермеер и Рембрант

Рембрандт Харменс ван Рейн (1606-1669), голландский живописец, рисовальщик и офортист. Творчество проникнутое стремлением к глубоко философскому постижению жизни, внутреннего мира человека со всем богатством его душевных переживаний, знаменует собой вершину развития голландского искусства 17 века. Писал портреты, натюрморты, пейзажи, жанровые сцены, картины на исторические, библейские, мифологические темы, был непревзойденным мастером рисунка и офорта. Ранние произведения отмечены поисками творческой самостоятельности, заметно воздействие Ластмана и мастеров голландского караваджизма (“Принесение во храм»). Он впервые использовал светотень как средство усиления одухотворенности и эмоциональной выразительности образов. В эти же годы Рембрандт упорно работал над портретом, изучая мимику человеческого лица. После женитьбы на Саскии наступает период овеянный романтикой, стремится уйти от тусклой повседневности. Пишет роскошные наряды, фантастические одежды и головные уборы, эффектные композиции, выражая в сложных поворотах, позах, движениях радость бытия. («Автопортрет с Саскией» ) Язык барроко наиболее близок этому приподнятому настроению, Р. находится под влиянием итальянского барокко. В написанных по заказам портретах он тщательно передавал черты лица, одежду. Особое место в творчестве занимают мифологические сцены, в которых художник бросил смелый вызов классическим канонам и традициям (“Даная” ) здесь чувственно-телесной, идеальной красоте образов итальянских мастеров противопоставил красоту духовности и теплоты человеческого чувства.

40-50годы –пора творческой зрелости. Часто обращается к прежним произведениям, переделывает их (Даная). Его мастерство растет. Выбирает наиболее лирические, поэтические стороны человеческого бытия. (Сцены жизни святого семейства) изображает простой быт, простых людей не смотря на сюжет. Но умеет в повседневной жизни увидеть глубокое и непреходящее. Огромную роль играет светотень-основа его художественной структуры. В колорите преобладают тональные отношения с сильными пятнами чистого цвета. В пейзаже (живопись, рисунок, офорт) умеет, так же как и в тематических картинах подняться над обыденным. Много работал в технике офорта (“Продавец крысиного яда”, «Снятие с креста»), создавал смелые и обобщенные по манере карандашные рисунки. Это в основном библейские и евангельские сюжеты, в рисунке обращается к жанру. Образы имеют глубокий философский смысл. В них выражено сочувствие страдающим, чувство справедливости. Его техника офортов сложна, виртуозна.

Ян Верме́ ер - нидерландский художник, мастер бытовой живописи и жанрового портрета. Наряду с Рембрандтом и Франсом Халсом является одним из величайших живописцев золотого века голландского искусства.

Предопределил многие колористические искания 19в, проложил дорогу для импрессионистов. Изображает картины быта, пейзажи. Ранние произведения Вермеера монументальны, возвышенность образов (“Христос у Марфы и Марии”, 1655). В крупнофигурном полотне “У сводни”, ярко жизненной композиции, полной молодого задора и полнокровной чувственности, элементы тонального колорита смело сочетаются с крупными звучными пятнами чистого цвета. Со 2-й половины 1650-х годов Вермеер писал небольшие картины с одной или несколькими фигурам в залитом серебристым светом интерьере городского дома (“Девушка с письмом”, “Служанка с кувшином молока”), уделяя внимание не столько сюжетно обоснованному действию, сколько общему лирическому настрою сцены, душевному состоянию персонажей. Тщательная, любовная выписанность деталей воссоздающая фактурное богатство предметного мира, тонкое использование естественного освещения, как бы преображающего интерьер, раскрывают поэзию повседневного домашнего бытия, органическое единство человека и окружающей его среды. Классическая ясность, естественность и живая выразительность композиции, легкая вибрация света и воздуха, светонасыщенность звучного цвета, богатая игра оттенков и скользящих рефлексов, красочность бликов одухотворяют мир людей и предметов, сообщают им внутреннюю значительность., построенных на сочетании голубого, желтого, синего, жемчужно-серого. Становится более созерцательным и изысканным, живопись – более холодной, матово-эмалевой, выдержанной в жемчужной гамме с яркими пятнами лимонно-желтых и голубовато-синих тонов (“Девушка с жемчужиной”).Теперь художник часто изображает богато обставленные комнаты, в которых дамы и кавалеры музицируют, ведут галантные беседы (“Любовное письмо”, ). Особым обаянием обладают созданные в этот период образы людей труда, искусства, науки, передающие самоуглубленность человека в минуты творчества (“Кружевница”; “Географ”).

 

⇐ Предыдущая12345678Следующая ⇒

Поделиться: