Идеи Джона Рёскина. С резкой критикой наступающей эпохи индустриального общества выступал английский искусствовед Джон Рескин (1819-1900).

⇐ ПредыдущаяСтр 3 из 5Следующая ⇒

В своих книгах, статьях, написанных в жанре эссе, особенно в публичных лекциях об искусстве, сопровождавшихся показом диапозитивов (что было новым для тех лет) он вел образный и широкий разговор об эстетическом, под

ПОИСК НОВОГО ФОРМООБРАЗОВАНИЯ

В НАЧАЛЕ XX ВЕКА

К концу XIXв. широкое внедрение методов машинного производства не только привело к появлению класса рабочих, но и создало невиданное ранее обилие доступных товаров. По. явление телеграфа, поездов и пароходов значительно расширило возможности связи и передвижений. Мир стремительно преображался. Художественных стилей, призванных отразить появление нового, все еще не было.

Арт Нуво. Новый стиль возник на рубеже XIX - XX вв. почти одновременно во многих европейских странах. Его важной чертой стало освобождение от излишков декора, возврат к функциональности, обращение к национальным традициям. Но, в отличие от эклектичного историзма с его вульгарной " всеядностью" по отношению к наследию прошлого, это были продуманные эстетические критерии и создание совершенно новых форм, подчинение единому формообразующему началу. Ретроспективизм в новом стиле сочетался с новаторской мыслью. Для нового стиля характерно наличие трех составляющих: декоративных, волнистых линий; определенной тематики; подчеркнутой цельности замысла. Стилистической особенностью стал отказ от прямых линий и углов в пользу более естественного плавного движения изогнутых линий. Фирменным знаком линии Арт Нуво стала знаменитая вышивка Германа Обриста " Удар бича на портье 1895 года.

Другой особенностью нового стиля стало стремление архитекторов и художников к созданию единого архитектурно-художественного ансамбля, в котором все элементы, начиная от убранства интерьеров и заканчивая мебелью и даже наборами канцелярских предметов и посудбыли бы связаны в единое художественное целое. Живописи, скульптурным формам мастера модерна уделили особое внимание. Они играли активную роль в общей композиции художественного произведения: выглядели объемно, контрастно выделяясь на плоскости стены, как бы " вырастая из нее". При этом они не разрушали ее целостности и общей тектоники интерьера. Принцип художественного единства всех элементов предметно-пространственной среды придавал каждому проекту поразительную целостность и художественную завершенность.

Динамика стилевых направлений Арт Нуво. Важнейшим для нового стиля стал лозунг Анри Ван де Вель-де " Назад к природе". Природа была неиссякаемым источником идей для художников арт нуво, многие из них обладали обширными познаниями в ботанике и черпали вдохновение в мире растений. Яркие и грациозные насекомые и птицы: стрекозы, павлины и ласточки, цветы, стебли и листья - благодаря своим естественно изогнутым силуэтам служили щедрым материалом для творческих фантазий. Это художественное направление получило название " флореального" (от названия книги Рюприш-Робера " Flore ornamentale" ). Образцами флореального направления в модерне являются интерьерные работы Виктора Орта и Анри ван де Вельде, скульптуры Франса Хооземан-са, решетки парижского метро и мебель Гектора Гимара, фантастические постройки в Барселоне Антони Гауди, мебель Августа Энделя, Рихарда Римершмидта, Берхарда Пан-кока.

Свободно текущие линии здесь были под строгим контролем. В центре их внимания были чистые геометрические формы, во многом предвосхитившие прямоугольную функциональность модернизма двадцатого века.

Строгость и контролируемый констраст форм в произведениях Сецессиона стало началом превращения " классического" арт нуво в основу нового стиля - функционализма.

Почти все создатели немецкого и австрийского нового стиля вышли из среды графиков, живописцев, декораторов, осваивали архитектуру и прикладное искусство в процессе проектирования зданий и вещей, становились конструкторами, технологами, детально изучали историю искусства. А когда спустя несколько лет увлечение орнаментальными композициями стало стихать, довольно легко начали переходить к конструктивным, рациональным по своей основе решениям, как бы постепенно вызревавшим внутри их творчества. С их отношением к этому первому периоду формирования стиля XX века... Именно тогда предметное творчество, делание вещей - через активные поиски нового стиля - было поднято до уровня искусства в целом, что оказалось необычайно важным для формирования теории дизайна. Впервые европейская общественность столкнулась с американскими изделиями и бытовым оборудованием на 1-й Всемирной промышленной выставке в Лондоне в 1851 году, где, наряду с другими изделиями, была показана школьная парта на чугунных опорах. В ней все было тщательно приспособлено к возрасту ученика, его анатомическому строению, характеру занятий. Простота, техническая точность и правильность формы представленных в экспозиции выставки изделий поражала наблюдателей. Известный ученый Ф.Рело, возглавлявший немецкую делегацию на Филадельфийской промышленной выставке 1876 года, был поражен красотой формы, которую придают американцы своим инструментам и машинам. В своих " Письмах из Филадельфии" он писал: " Топоры, большие ножи, мотыги, охотничьи ножи, молотки выполнены с таким разнообразием и так красивы, что не могут не вызывать восхищения и удивления. Они настолько хорошо соответствуют своему назначению, что кажется, будто бы предвосхищают наши потребности" Директор Берлинского музея прикладных искусств Юлиус Лессинг, увидев американские инструменты на Международной выставке 1878 года в Париже, испытал, по его словам, такое же сильное эстетическое удовольствие от экспонируемых американских топоров, как от настоящих произведений искусства. Он отметил красоту линии, которая была достигнута " не украшениями, а одной только формой топора, удобной для человеческой руки и сообразной с движением человеческого тела при пользовании им..."

В официальном французском отчете о выставке 1876 года отмечается, что в Америке создан новый стиль, который проявляется во всех формах прикладного искусства. На примере мебели видны его отличия в характерном использовании плоских поверхностей при меньшем количестве деталей.

Чикагская архитектурная школа. Используя строительную технику, уже апробированную на промышленных пакгаузах, архитекторы Чикагской школы попытались заменить несущие стены стальной конструкцией. Новшество имело успех и очень скоро получило распространение Чикагской школы. В Чикагской школе были разработаны новые принципы постройки многоэтажных конторских зданий с использованием легкого и прочного стального каркаса и больших остекленных плоскостей. Такая архитектура создавалась в тесном сотрудничестве с инженерами и была в первую очередь индустриальным стрйительством.

Выдвинутые П.Беренсом идеи нашли свое продолжение развитие в послевоенной немецкой эстетике, работах Баухауза, известных архитекторов - учеников П.Беренса: Вальтера Гропиуса, Людвига Мис ван дер Рое, Ле Корбюзье.

Кубизм. Зарождение современного абстрактного искусства связывают с именем Пабло Пикассо, а точнее с появившейся в 1907 году его работой " Авиньонские девицы", которая была признана первой кубической картиной. Разбивка изображения человеческого тела на составные части на площади холста в своей грубой наглядности выражала принципиально новый подход к живописному изображению.

Решительно изменив традиционное соотношение между трехмерной реальностью и ее изображением на плоскости картины, кубисты отказались от иллюзии пространства как необходимого элемента живописного образа. Постепенно изображение в работах кубистов перестает быть представлением, выражением, символом природы или человека, а становится самоценной вещью. К 1910 году кубизм прочно сформировался в стилевое направление. К Пикассо присоединился ряд художников, одним из которых был Жорж Брак (1882-1963). Они вместе положили начало следующей стадии кубизма, известной под именами " синтетический" или " коллажный" кубизм, от французского слова " collage" - техника склеивания. Пикассо и Брак создавали натюрморты, почти полностью составленные из приклеенных кусочков разных материалов, с последующим приданием композиции завершенности всего несколькими линиями. Они создают композиции из веревок, кусков дерева и листов железа, словом, из всего, что пробуждало их фантазию. Этот новый стиль изменил сам процесс творчества. Вместо того чтобы лепить или высекать, как это было принято у скульпторов, кубисты работают с инструментами кузнеца и жестянщика. Концепция, содержание, смысл берут верх над индивидуальным мастерством ремесленника. Радикальность позиций Брака и Пикассо имела большой резонанс. Их эксперименты продолжили многие художники-кубисты.

Футуризм. Культ машины достигает своей кульминации в произведениях группы итальянских художников, объединившихся под знаменем футуризма. Примкнувшие к этой группе художники бросали вызов образцам и идеалам прошлого, В первом " Манифесте футуризма" (1909) Филиппе Томмазо Маринетти заявляет, это мчащийся автомобиль производит на него гораздо большее впечатление, чем любая классическая скульптура, вроде Ники Самофракийской. Он провозглашает наступление промышленной эры, эпохи скоростей, приветствует любовь к опасности, безудержную энергию фабрики, стройки, локомотива и аэроплана, Переняв приемы, отработанные кубистами, художники-футуристы воспевали в своих картинах и скульптурах динамику и грохот современного индустриального города.

В основе футуристической живописи, скульптуры и архитектуры лежит выражение движения в двух формах: " проникновение внутрь" и " одновременности" [5, С.260]. Футуризм буквально вымер во время первой мировой войны. Его лидеры погибли от тех же орудий истребления и разрушения, которые они прославляли накануне войны в своих радикальных манифестах. Но их наследие было вскоре подхвачено во Франции, Америке и, прежде всего, в России.

Абстракционизм. Новации Брака и Пикассо довели до логического завершения другие художники. Если Леже и Делоне подошли к самому порогу абстрактного искусства, то в произведениях Василия Кандинского и Казимира Малевича язык живописи становится последовательно беспредметным, безобразным и бесформенным. Кандинский в своей работе " О духовном в искусстве" (1910) дает теоретическое обоснование результатов своих экспериментов, утверждая, что главная цель искусства заключается в выражении внутреннего мира художника. К этой позиции присоединяются немецкие живописцы Франц Марк, Август Макке и Пауль Клее, основавшие в Мюнхене вместе с Кандинским группу Blau Reiter (" Синий всадник" ). Убежденные в том, что современное общество, погрязшее в алчности и материализме, обречено, они искали спасения в мире чистого воображения.

Одним из самых крайних радикалов среди абстракционистов был Питер Мондриан (1872-1944). Под влиянием кубизма он выработал абсолютно беспредметный стиль, который назвал " неопластицизмом". Согласно концепции неопластицизма трехмерный объем должен быть сведен к новому элементу пластики - к плоскости. Мондриан отказывается от создания иллюзии существования какого-либо объекта на полотне, тем самым исключается сама возможность изображения предметного мира. Основными элементами в его творчестве становятся чистый цвет и плоскости, их равновесие и внутренние соотношения. По его воззрению, все в живописи основано на распределении и противопоставлении плоскостей чистых цветов: голубого, красного, желтого, к которым добавляются черный и различные оттенки белого. Особое влияние творчество Мондриана оказало на специалистов, занимающихся предметными формами, - архитекторов, дизайнеров, наиболее остро воспринимающих работы Мондриана.

Голландская группа " Де Стейл". Во время Первой мировой войны центр художественного творчества переместился из Франции и Германии в страны, сохранившие нейтралитет. В Лейдене, в Голландии, Тео ван Дусбургом основал журнал " Де Стейл" (Стиль), который должен был стать форумом для радикально настроенных художников, графиков, архитекторов. Для художников " Де Стейл" чистая абстракция и строгий геометрический порядок были формально-эстетическим выражением современного индустриального и технизированного общества.

Формообразование в дизайне должно ограничиться простыми постоянно повторяемыми базовыми элементами. Сегодня мебель, как и лампы Ритвельда, воспроизводятся как классика дизайна известной итальянской фирмой " Кассина".

Архитектурно-художественное творчество в Советской России. Ветер перемен в России, принесенный Октябрьской революцией, коснулся и искусства. Отрицание канонов прошлого требовало активных поисков новых адекватных замен, отвечающих новым революционным идеалам. Поиски и эксперименты в искусстве привели к развитию авангардных течений.

Если в Западной Европе формирование дизайна стимулировалось стремлением промышленных фирм повысить конкурентоспособность своих изделий, то в дореволюционной России подобный заказ со стороны промышленности еще не был сформирован, не было его и в молодой Советской республике. Советский дизайн берет свои истоки в левых течениях художников и теоретиков (социологов и искусствоведов).

В первом десятилетии XX века мировой живописный авангард неуклонно двигался в сторону беспредметности. В 1910-1914 гг. в русском искусстве возникает несколько направлений беспредметного творчества. Первым представителем его был Кандинский, абстрактные работы которого появились в 1910 году. В 1914 году свои варианты беспредметности создали В.Татлин и К.Малевич. Художники-авангардисты рассматривали беспредметность как логическое продолжение форм прежнего искусства, ступень в лестнице, по которой движется мировое искусство.

Супрематизм Казимира Малевича. Одним из первых русских авангардных течений в искусстве XX века стал супрематизм. Термин был создан Казимиром Малевичем для определения абстрактных композиций. Термин " супрематизм" происходит от латинского корня " suprem", образовавшему в родном языке художника, польском, слово " supremacja", что в переводе означало " превосходство", " доминирование". Движение супрематизм полностью игнорировало реальность изображаемого объекта, что являлось выражением протеста против натурализма в искусстве. Сторонники Малевича сводили живопись к нескольким формальным фигурам, имевшим символическое содержание. Регулярные геометрические фигуры, написанные чистыми локальными цветами, погружались в некое трансцедентное пространство, " белую бездну", где господствовали законы динамики и статики. В середине 20-х годов Малевич делает новый шаг в процессе " выхода" супрематизма в архитектуру в виде реальных объемных композиций в реальном пространстве - архитектон. Одновременно с созданием архитектон Малевич разрабатывает " планиты": графические чертежи жилых домов " землянитов", представляющие собой сложные композиции из примыкающих друг к другу и взаимнопересекающихся параллелепипедов. После выхода супрематизма в предметный мир Малевич считал свою работу как художника выполненной и решил отойти от творчества, удалившись в " область мысли".

Конструктивизм Татлина. Родоначальником конструктивизма считается Владимир Татлин с его всемирно известным проектом 400-метрового памятника III Интернационалу. Башня Татлина стала одним из символов нового искусства, своеобразной визитной карточкой конструктивизма, одним из самых знаменитых архитектурных проектов XX века. По мнению специалистов, влияние этого проекта на современную архитектуру более значительно, чем влияние Эй-фелевой башни на архитектуру XIX века. Татлин помог многим архитекторам преодолеть определенный психологический барьер при оценке роли новых конструкций в создании архитектурного образа современного сооружения. В 1923 году Татлин поставил спектакль Зангези по поэме Велимира Хлебникова, где выступил как режиссер, сце-нограф и актер, создав свой вариант " конструктивистского театра". В это же время мастер обращается к деятельности в утилитарно-прикладной сфере: проектирует одежду, посуду, мебель. В 1929-1932 гг. Татлин с помощниками работал над уникальной моделью одноместного летательного аппарата " Летатлин", основанного на принципе действия птичьего крыла и выполненного из дерева, шелка, алюминия, китового уса и некоторых других материалов.

В статье " Искусство в технику" Татлин писал: " Мой аппарат построен на принципе использования живых, органических форм. Наблюдения над этими формами привели меня к выводу, что наиболее эстетичные формы и есть наиболее экономичные. Работа над оформлением материала в этом направлении и есть искусство". Однако, утопической идее привести летательный аппарат в движение мускульной силой не суждено было сбыться.

Производственное искусство. Наряду с различными авангардными художественными течениями в послереволюционной России нарождается движение " Производственное искусство", уходящее корнями в футуризм начала XX в., проявляющееся в интеграции искусства и техники. Его сторонники отрицали старое станковое искусство, провозглашая новое искусство, как " новую форму практической деятельности". Движение это зародилось вне промышленной сферы: с одной стороны, оно опиралось на художников левых течений, которые в процессе формально-эстетических экспериментов " выходили" в предметный мир, а с другой - на теоретиков (социологов и искусствоведов). Поэтому производственное искусство носило ярко выраженный социально-художественный характер.

ПЕРВЫЕ ШКОЛЫ ДИЗАЙНА

Баухауз - крупнейшее явление в мировой художественной культуре, широко известная архитектурно-художественная школа, одна из основоположников современного формообразования в дизайне, пропагандировавшая простоту и рациональность форм, красота и художественная выразительность которых должна вытекать из их практической полезности. Вхутемас сыграл выдающуюся роль в формировании новой художественной культуры, становлении советской художественной школы, в развитии авангардной архитектуры, многих прикладных видов искусств, дизайна, оставил глубокий след в истории XX века, по достоинству оцененный всей мировой общественностью.

Баухауз. Историческая ситуация. В 1919 году, в год основания Баухауза, послевоенная Германия испытывала серьезный экономический кризис. Стремление страны, отставшей от многих других, с выходом на арену борьбы за рынки, побуждало всерьез обратиться к проблеме качества и конкурентоспособности промышленной продукции. Уровень их был так низок, что правительство Великобритании в целях протекционизма потребовало обязательного проставления на немецких товарах знака " Сделано в Германии", уверенное, что тем самым отвратит английского покупателя.

1919-1933г.г. в области искусства того времени. Неизбежно это вело к столкновениям с формировавшимися реакционными силами реставрации кайзеровской Германии. С первых дней своего существования Баухауз вынужден был отбиваться от нападок консервативного мещанства, шовинистов и последышей свергнутой монархии. После шести лет пребывания в Ваймаре, становившимся оплотом реакции, Баухауз вынужден был в 1925 году эвакуироваться в более дружественный Дессау. Но и здесь через семь лет захватившие городскую власть нацисты вытесняют его. В 1932 году Баухауз вынужден перебраться в Берлин, где он после победы фашизма в 1933 году навсегда прекращает свое существование.

Баухауз в Ваймаре (1919-1925 гг). Основные педагогические принципы. Баухауз был создан в 1919 году в небольшом немецком городе Ваймаре (Weimar), культурном центре Саксонии, в результате слияния и реорганизации существовавших здесь Школы изящных искусств и Академии прикладных искусств как государственное учебное заведение нового типа.

Основателем и первым директором Баухауза был молодой талантливый берлинский архитектор Вальтер Гропиус (1883-1969). Его замысел состоял в единении в одной школе изобразительного и прикладного искусства в совокупности с архитектурой. 12 апреля 1919 года предложение Гропиуса получило одобрение временного правительства Ваймарской республики и вновь образованная школа получила статус " Государственный Баухауз в Ваймаре". В программе Баухауза Вальтером Гропиусом была поставлена цель создать подлинное содружество учащих и учащихся, собрать воедино все виды художественного творчества по подобию средневековых сообществ строительства храмов - мастеров, подмастерьев и учеников: архитекторов и каменщиков, скульпторов и живописцев, резчиков по камню и дереву, плотников и столяров, мастеров витража. Их сплачивал общий труд возведения и украшения собора, длившийся порой десятилетиями и более, труд над объектом, специфическими свойствами которого были духовный смысл и целостность. Они накладывали особый отпечаток на весь быт и систему отношений внутри этих сообществ, которые в Германии назывались " Баухютте" (" хижина строительства", отсюда и название " Баухауз" ).

Первые шаги Баухауза были неотделимы от социально-эстетических позиций, принимавшихся и разделявшихся его создателями в самом широком плане. Отсюда и пафос первой программы Баухауза, в которой, в частности, говорилось:

" Конечная цель всякой художественной деятельности - здание Украшение его было когда-то важнейшей задачей изобразительных искусств, и они являлись неотъемлемой частью архитектуры. Сегодня они пребывают в замкнутой обособленности, из которой могут выйти благодаря лишь совместной и взаимопроникающей деятельности всех творческих работников. Архитекторы, скульпторы и живописцы должны заново признать и научиться понимать расчлененную форму сооружения в единстве всех его частей; только тогда они наполнят свои произведения тем архитектоническим духом, который был утерян ими в салонном искусстве.

Архитекторы, скульпторы и живописцы, мы снова должны вернуться к ремеслу Нет больше " искусства как профессии". Не существует принципиальной разницы между художниками и ремесленниками. Художник лишь высшая ступень ремесленника. Милостью Божьей в редкие минуты просветления или под натиском воли может расцветать невиданное искусство, но законы мастерства обязательны для каждого художника. Здесь источник истинного формотворчества.

Обучение в Баухаузе начиналось с вводного курса (фор-курса), на котором учащемуся нужно было приобрести основные навыки, которые давали ему возможность научиться обращению с материалами, формой, цветом. Этот вводный курс был обязателен для всех, и только тот, кто успешно заканчивал его, начинал изучение специальных предметов в мастерских мебели, керамики, металла, текстиля, настенной живописи, сценических декораций, графического и фотографического искусства.

Баухауз в Дессау 1925-1932 гг. Переезд из славного своими культурными традициями Ваймара в город молодой авиационной и химической промышленности Дессау состоялся весной 1925 года. Здесь Вальтер Гропиус получил возможность спроектировать и построить новую резиденцию Баухауза. Программа строительства комплекса Баухауз включила возведение главного здания Баухауз с учебными аудиториями, мастерскими, столовой, административными помещениями, студенческим общежитием и домов с мастерскими преподавателей.

4 декабря 1926 года состоялось открытие нового здания Баухауза при участии тысяч гостей - выдающихся политиков, немецких и иностранных архитекторов, художников и ученых. Со строительством собственного здания школы возникли благоприятные рабочие условия. В Дессау, как позже отмечал сам Гропиус, укрепились ваймарские планы развития Баухауза и прояснилась их социальная значимость. Они нашли во многом свое завершение

Деловые связи с промышленностью выражались в том, что новая школа давала промышленности образцы для производства: осветительную арматуру, ковры, ткани и знаменитую мебели из стальных труб.

Среди наиболее известных произведений Баухауза в области архитектуры и дизайна - дом " Ам Хорн" в Ваймаре; здание Баухауза, ряд жилых домов. Биржа труда и поселок Тортен в Дессау - классические образцы функционализма в архитектуре; модернистские скульптурные композиции О.Шлеммера и абстрактная живопись В.Кандинского, проектируемая в синтезе с архитектурой интерьера; современная по сей день посуда из металла и керамики Т.Боглера и М.Брандта. Известны во всем мире такие шедевры дизайна, как настольная лампа В.Вагенфелда, Баухауз-шахматы Ю.Хартвига, выпускаемые до сих пор, и одно из самых престижных в современных интерьерах офисов -кресло " Василий" М.Бройера из никелированных стальных труб.

ВХУТЕМАС-ВХУТЕИН

В Москве на основе Строгановского художественно-промышленного училища и Училища живописи ваяния и зодчества были созданы соответственно Первые и Вторые СГХМ, которые затем, в 1920 году, были слиты во ВХУТЕМАС - Высшие художественно-технические мастерские. В 1927 году они были реорганизованы в Высший художественно-технический институт (ВХУТЕИН). В 1930 году на его основе созданы Высший архитектурно-строительный институт (ВАСИ, ныне МАРХИ), Московский полиграфический институт, Художественный факультет Московского текстильного института [7, С.9].

Учебные цели и структура ВХУТЕМАС. Целью ВХУТЕМАСа была " подготовка художников-мастеров высшей квалификации для промышленности, а также инструкторов и руководителей для профессионально-технического образования".

Структура ВХУТЕМАС была уникальной. Он состоял из восьми специализированных факультетов: архитектурного, деревообделочного, металлообрабатывающего, полиграфического, текстильного и керамического, а также чисто художественных факультетов - живописного, скульптурного. Немаловажным были совместимость обучения и возможность тесного взаимного общения учащихся и их творческих контактов, рождавших плодотворную художественную среду.

Деревообделочный и металлообрабатывающий факультеты Мастерских были своеобразной лабораторией формирования дизайна в нашей стране. Здесь в ходе подготовки первого отечественного отряда дипломированных дизайнеров (" инженеров-художников" ) шел сложный процесс поиска и уточнения сферы дизайна и профиля деятельности дизайнера, уяснения роли дизайнера в формировании этой сферы творчества, метода дизайн-проектирования.

Основным художественным материалом архитектуры считалось пространство. Пионеры советского дизайна в своих поисках средств художественной выразительности обращались прежде всего к конструкции. В материале пропедевтических упражнений они видели не только определенную физическую субстанцию - глину, гипс, масло, гуашь, акварель и т.д., но и элементы построения формы -объемы, плоскости, линии, которые становились средством построения конструкции. И уже через конструкцию выражалась художественная идея дизайнерского проекта.

На факультете по обработке дерева и металла преподавали А.Родченко, Эль Лисицкий, В.Татлин и другие представители Производственного искусства. Ведущими принципами их работы были: экономичность материалов и конструкций, рациональность использования пространства, многофункциональность и мобильность изделий. Категорически отвергалось всякое поверхностное украшательство.

Большое внимание обращалось на гигиеничность вещей. Многие из их принципов стали впоследствии каноническими для дизайна.

Учебные задания развивались по двум направлениям: конструирование вещи - " конструкция" - и лицевая обработка металла - " композиция".

Курс " Композиция" помогал студентам овладеть технологиями обработки поверхностей, прививал навыки художественно-декоративного решения изделия, " исходя из потребительской целесообразности". Постановка конкретного задания подчиняла декоративный рисунок функции вещи. Это мог быть товарный знак, световая реклама, рисунок для облицовочной плитки или нагрудный значок. При этом оформление поверхности изделия опиралось не на ручную, а на промышленную технологию: изучались способы штамповки, гравирования, гальванотехники, технология окраски, способы печати.

Первыми учебными заданиями по конструированию были проектирование простейших обыденных вещей: ложка, дверная ручка, кастрюля, утюг, ножницы, подкова. По мнению А.Родченко, нужно научиться в простейшей обыденной вещи проявить творческий подход, найти оригинальное и вместе с тем рациональное решение конструкции и формы с тем, чтобы потом это решение можно было многократно воспроизвести в промышленности. Большое внимание в обучении уделялось инженерно-техническим дисциплинам, что объяснялось во многом первоочередной необходимостью развития промышленности. Это проявилось в проектировании многофункциональных, мобильных предметов: складной киоск-витрина, кресло-кровать, трансформирующийся стол и другие. Художественная сторона творчества проявилась, прежде всего, как изобретательская деятельность, направленная на поиски оригинальной, функционально и технически оправданной конструкции. Роль ВХУТЕМАСа и Баухауза далеко выходит за рамки разработанных методик преподавания. Оба учебных заведения дали оригинальные, не имевшие аналогов в прошлом, модели комплексных художественно-технических вузов. ВХУТЕМАС и Баухауз возникли и функционировали в период, когда в ходе взаимодействия различных видов искусства и инженерно-научного творчества происходили сложные процессы формирования нового стиля современной архитектуры и становления нового вида проектно-художественной деятельности – дизайна.

ДИЗАЙН В ПРЕДВОЕННУЮ ЭПОХУ

Эпоха джаза и время противоречий. Дикие 20-е гг. Двадцатые годы знамениты своей музыкой - джазом. Это время часто называют " эпохой джаза". Музыка, основанная на импровизации со свингующими и синкопическими ритмами, была американской музыкальной формой, возникшей в среде афро-американских общин и других фольклорных течений. Со своей родины в Нью-Орлеане джаз сначала распространился на север к Чикаго и Нью-Йорку, приобретя к концу первой мировой войны широчайшую аудиторию в Соединенных Штатах, и вскоре шагнул через Атлантический океан в Европу. Известная американская певица и танцовщица Жозефина Бейкер имела грандиозный успех в парижском La Revue Negre (" Черном Ревю" ) 1925 года, вызвав в Париже повальное помешательство джазом. Появились разнообразные джазовые стили: рэг-тайм, блюз, свинг, боп и буги-вуги. Выдающимися инструментальными солистами эпохи джаза были: Бенни Гудман, Каунт Бейси, Арти Шау и Гленн Миллер. Вместе с музыкой из США в Европу пришли американские танцы и фильмы. Влияние фильмов, особенно голливудского образца, с их дорогостоящим оформлением, исторических, танцевальных фильмов и фильмов-ревю распространялось на весь образ жизни, моду, дизайн и вопросы морали.

Одной из теоретических основ интернационального стиля стала появившаяся в 1922 году книга Ле Корбюзье " Vers une architecture". Он приветствовал строительство высотных домов и строго геометрические членения фасадов и планов. Его павильон " Pavilion de I'Esprit Nouveau" на выставке Арт-Деко в Париже в 1925 г. стал возмутителем спокойствия. А его градостроительные проекты, как например, реконструкция Парижа, по сей день вызывают споры.

В конце 20-х в проектировании мебели авторы тоже отказывались от декоративных орнаментов, пропагандируя ясность, прозрачность, элегантность и рациональность. Наряду с такими лидерами интернационального стиля, как Ле Корбюзье, Мис ван дер Роэ, Марсель Бройер, одним из протагонистов современности стал финский архитектор Алвар Аалто. Автор более 200 построек, он проектировал мебель как органичную составную часть архитектуры и всегда в зависимости от стоящей строительной задачи. Таким образом возникли, например, табуреты для городской библиотеки бывшего финского города Виипури или кресла для туберкулезного санатория Пальмио, в которых он применил гнутые фанерные плоскости. Свои принципы свободного движения и элегантности Аалто воплотил в мебели из гнутой фанеры, которая создавала, по его мнению, ощущение большей теплоты. С 1930-х годов мебель Аалто производит основанная им фирма " Артек". После эмиграции из становящейся реакционной Германии многих лидеров Баухауза ведущую роль в дальнейшем развитии интернационального стиля в 30-х годах начинают играть США.

Арт-Деко. Франция. Во Франции, где состоятельные слои буржуазии, несмотря на войну, не утратили своих позиций, развивался декоративный стиль роскоши и убранства, который демонстрировал экономическую власть и высокий уровень жизни. Кроме того, французские профессионалы в условиях жесткой конкуренции мирового рынка пытались найти свой путь к выживанию. В противовес Германскому Веркбунду (в том же году) была создана консервативно ориентированная " Компания искусства Франции". Совместно с рядом известных художников-прикладников по инициативе больших парижских торговых домов она решилась на проведение выставки.

Число стран-участниц выставки " Арт-Деко" превысило двадцать. Представители " современного движения" на этой выставке выглядели более чем скромно: художники Баухауза не были представлены, США к выставке не проявили никакого интереса, а павильон Ле Корбюзье " de Г Esprit Nouveau" рассматривался как провокация и был выдворен на задворки выставки. Формообразование направления " Арт-Деко" находилось в прямой противоположности целям " современного движения". Его представители игнорировали массовое промышленное производство товаров, выдвигая на первый план ручное изготовление эксклюзивных предметов в единичных экземплярах. В производстве таких изделий использовались ценные и дорогие материалы - змеиная кожа, слоновая кость, бронза, кристаллы и экзотическая древесина. Позже появились и экстравагантные комбинации с современными материалами: сталью, стеклом и пластиками. В своих произведениях художники Арт-Деко главное внимание уделяли не столько функциональности изделия, сколько его декорированию и орнаментации. Свои формы Арт-Деко заимствовал как из образцов недавнего прошлого - Арт Нуво, так и из различных исторических эпох и экзотических культур. Излюбленными формами художников Арт-Деко были геометрические орнаменты из шести-, восьмиугольников, овалов и кругов, треугольников и ромбов. К этим формам прибавлялись цитаты из классицизма, преколумбийской и египетской культуры, африканского искусства. Таким образом, Арт-Деко развивал множество направлений: элегантно-классический, экспрессивно-экзотический, а также различные модернистические варианты.

⇐ Предыдущая 1 234 5 Следующая ⇒