Италия. Общая характеристика

Италия. Общая характеристика

Коллекции искусства 13-18 вв в собрании ГЭ

Каждый человек всегда находится в центре мира.

Каждый - средоточие мира, человек всегда центр мира»

(Леонардо да Винчи).

Притягательна, блестяще представлено искусство мастеров высокого Возрождения (обычно говоря об этом периоде называют 5 имён – Леонардо, Тициан, Джорджоне, Рафаэль, Микеланджело – все 5 есть, таких музеев мало в мире)

 

архитектура, живопись, скульптура, в т.ч. скульптура-керамика, произведениями прикладного искусства: стекло, ткани и бронза, венецианское стекло, бронзовые дверные молотки, ткани и кружева, майолика, кассоны, шпалера,

Экспозиции:

Растрелли и далее Иорданская лестница – плафон Дициани

Парадная анфилада 2 этажа Старого Эрмитажа (с 207 зала)- иск-во эпохи Возрождения (13-16вв), + надворная анфилада 2 этажа Старого Эрмитажа – иск-во Венецианской школы,

Здание Нового Эрмитажа ит. просветы, ит. кабинеты, зал майолики, парадная лестница (ск-ра)- Теребеневская

 

Источники

Начало коллекции во времена Екатерины II – коллекционировали голландцев и фламандцев. Эстетическая классицистическая ориентация вкусов Екатерины отражалась в покупках.

1769 Кол. Брюля (министр саксонского курфюста Августа III) Дрезден – Белотто «Виды Дрездена и Пирны», Тьепполо «Меценат представляет императору Августу свободные искусства»

1772 Кол. Крёза Париж – Рафаэль «Святое семейство», Джорджоне «Юдифь», Тициан «Даная», Тинторетто «Рождение Иоанна Крестителя», Веронезе «Оплакивание»

1785 колл-я Дж. Лайд-Брауна (дир Британского банка) Микеланджело Скорчившийся мальчик

1800 кол-я Форсетти[1] - Джан Лоренцо Бернини

1808 Караваджо «Юноша с лютней», распятие св. Петра

1815 покупка у наследников Жозефины Богарне Париж статуи Кановы Танцовщица, Геба

1850 собрание галереи дворца Барбариго Венеция – Тициан, кроме Данаи, Портрета молодой женщины, бегства в Египет, Мельци Флора

1865 покупка у графа Литта Милан Леонардо мадонна с младенцем (Литта)

1871 покупка у семьи графа Конестабиле Италия Рафаэль мадонна Конестабиле

1885 кол. Базилевского Париж. Итальянская майолика, стекло, мебель

1886 передан Голицынский Москва Чима да Конельяно Благовещение

1911-12, из кол Строгановых Симоне Мартин Мадонна из сцены Благовещение, Ф. Липпи поклонение младенцу

1914 – из семьи Бенуа Пб Леонардо мадонна с цветком

К. 20-30х продажа по реш комиссариата в сша и европу – тициан венера с зеркалом, рафаэль св георгий и мадонна альба + деление коллекций

Значительная часть коллекции собрана в здании Большого (Старого) Эрмитажа (архитектор Ю. М. Фельтен) предназнач а л ся для разраставшихся коллекций Ека т ерины II . В Екатерининское время
картины не были строго систематизированы . Более того, а раз ные годы некоторые залы в здании Старог о Эрмитажа служили спальней и будуаром императрицы , В начале XIXв. Фельтеновская отделка интерьеров была
изменена Дж. Кваренги . Картины относительно систематизированы по школам, а з алы Старого и Малого Эрм итажа открыты д ля осмотра, который проходил в сопровождении служителя, по специаль ному распоряжению х ранител я собрании живописи. В связ и со строительством Нового Эрмитажа (18 42-1 851 ), ку д а б ы ли перемещены карт и н ы.
интерьеры Старого Эрмитажа, занов о отделан ные А. И. Штакеншне йдером, отвели под жилые помещения дворцов ого назначения. и в конеч ном с ч ете они стали н а з ыв а ться Се дь мой запасн ой поло в и н ой Зимнего дво рца. Таким образом , существующая сейчас отделка второго эта жа относи тся к 1850-1860 гг. и принадлежит Штакеншнейдеру .

Самая суть эпохи Возрождения - это новый расцвет искусств после классической древности в условиях развития городской культуры в Италии и в странах Европы, как и в странах Востока в свои исторические сроки. Расцвет искусств в разных странах носит неравномерный, редко синхронный характер, что определяется, в частности, внеэстетическими факторами, как было в Испании, во Франции, в Германии, в Нидерландах или в Англии. Одна Италия, раздробленная на княжества-города-государства, выступает как страна классического Ренессанса.

Дело не только в том, что Италия была богата руинами римской древности, - в отношении древностей Эллады она находилась в положении других европейских стран и России, - а в том, что эстетика Ренессанса, с преодолением эстетики иконописи, романского стиля и готики, развилась в Италии как классическая, при этом существенно важно, что это не был классицизм, скажем, эпохи эллинизма, а ренессансная классика, высшая ступень в развитии мирового искусства после эпохи классики в Греции V-IV веков до н.э.

В Италии раньше чем в др странах Европы приходит иное самоощущение человека, самоосознание личности, кот приведёт к новому светскому мировоззрению – гуманизм, где чел-к венец творения с безграничными возможностями. В к. 15 в. философ-гуманист Пико делла Мирандола напишет трактат «О достоинстве человека» и вложит в уста Творца слова обращённые к Адаму: «Посреди мира поставил я тебя. Я создал тебя существом не небесным, но и не только земным, не смертным, но и не бессмертным, чтобы ты, чуждый стеснения, сам себе сделался творцом и сам выковал окончательно свой образ. Тебе дана возм. Пасть до степени животного, но также и возможность подняться до степени существа богоподобного – исключительно благодаря твоей внутренней воле.»

Не небесным, но и не только земным предстает человек в произведениях искусства ит. Возрождения.

Создается образ идеального чел-ка. И путеводной звездой на этом пути становится античность. В противовес средневековому аскетизму в Ит. возрождается гл тема античного – чел. настоящий, возведённый к прекрасной норме. Но обогащенные опытом Средневековтя, идеальные формы наполняются человеческими чувствами.

 

Периодизация, принятая в истории искусства применительно относительно Италии (без Венеции):

- Рубеж 13-14вв – Проторенессанс (1ые ростки нового в ит. иск-ве начинают определяться, 1ые  новые приёмы) 14 век - в целом господство интернациональной готики

- 15век -  ранее Возрождение

- К. 15 в – 1 четверть 16 века Высокое Возрождение

- 1 половина 16 в. высокое возрождение

- Середина, вторая половина 16 в. – позднее возрождение, маньеризм

- Отд период 17 в., отд. 18 в.

 

в Венеции 1 половина 16 в высокое, 2 половина позднее

 

Проторенессанс 13-14 вв.

Постепенные ростки. Сильны ещё традиции поздней готики, византийской иконописи. Средневековым искусством не воспринимался реальный мир. Изображение – знак божественного начала. Золотой фон символ божественного света. Яркость красок + блеск золота – атмосфера праздника во славу изображенных персонажей писания.

Картины этого времени, как правило, на дереве темперой (краска на желтке)

Утолино ди Тедиче (пизанская школа) «Крест с изображением распятия» (из собрания Строгановых) - византийские трад. – на золот фоне, фигуры статичны. Готические веяния – легкий изгиб руки Христа (слабость тела, вним-е к страданиям). Подписал свое творение (в средневековье не было). В иконописи Византии на протяжении десяти столетий существовали строгие, почти неизменные нормы. Античной полнокровности и жизнеутверждению Византия противопоставила аскетизм и отвлеченность, сосредоточив внимание мастеров на "мире небесном", отвергнув телесное начало во имя духовного. дух главенствовал над плотью, объявленной церковью "сосудом греха"

Иконографические каноны в византийском искусстве устойчивы. композиция распятий одинакова: в центре Христос, пригвожденный 4 гвоздями к кресту с поперечной перекладиной, заканчивающейся 2 прямоугольниками. В них вписывались полуфигуры - слева скорбящей богоматери, вытирающей слезы платком, справа - апостола Иоанна, подпирающего правой рукой щеку, а левой держащего книгу. Над головой Христа находился щиток с традиционной латинской надписью: "Иисус Назареянин, царь иудеев". Наверху распятие венчалось круглым медальоном с изображением благословляющего Христа. Все это, кроме утраченного медальона, можно увидеть и на эрмитажном памятнике.

Воспользовавшись без всяких изменений византийской схемой, Уголино, тем не менее, внес в нее искренний лиризм, с большой и эмоциональной силой создал образ Христа-мученика. Его фигура угловата, тело слабо и безжизненно свисает. Как и в других подобных композициях, голова склонена к плечу, глаза закрыты, но лицу придано выражение глубокого страдания. Нарочито тонкие ноги и руки вносят оттенок беспомощности, при этом ладони, из которых течет кровь в виде условных волнистых линий, не параллельны плоскости доски, а даны в легком ракурсе, слегка вывернуты на зрителя. Эта, казалось бы, незаметная деталь смягчает аскетизм изображения. Христос, вызывая сострадание своей телесной немощностью, воспринимается как жертва злых сил.

Мы не можем получить законченного впечатления от цветового решения: пострадал серебристый фон, не сохранилось золото, покрывавшее резной нимб, но общее сочетание тонов - черного, оливкового, темно-зеленого - нагнетает напряженное, трагическое настроение.

 Это самая ранняя картина зап европ собрания Зрмитажа.

 

Симоне Мартини[2] Мадонна из сцены Благовещенья  (из кол Строгановых)

1 из самых поэтичных творений мастера сиенской школы.

Сиенна (центр Флоренция), тогда разные гос-ва, кот между собой соперничают на общеевроп уровне. При фр дворе банкиры сиенцы. 1348 г. Чума (Декамерон), флоренция пришла в себя быстро, а в сиенне катастрофа.

Симоне Мартини мастер, кот имеет международную известность – папские заказы, заказы неаполитанского короля

Створка диптиха – переносной 2створчатой иконы. (2я створка в Вашингтоне). Не порывает с трад. Золотой фон. Объем едва намечен, кружево каймы напоминает стр. средневековых рукописных книг.

Пленительная женственность.

изысканное нарядное обрамление, дополнено механически орнаментом, новый иконографический способ изображение мадонны – не на троне ранее грандиозная, монументальное, величавая царственность, здесь низко на земле, на подушке – воплощение смирения, более человеческие качества, выразительность силуэта, подвижная линия силуэта (свойств готике – с-образная линия фигуры), здесь силуэт устойчивый – это ит. черта. Подобная трактовка характерна для готич., но Мартини делает это утонченно. Черты лица, рук, костюма мадонны.

 

Проторенессанс – явление в 1ую очередь связанное с флорентийским искусством.

Наиболее яркое воплощение Джотто, прежде всего. Флорентийского происхождения, кот проявил себя в разных сферах искусства, прежде всего как живописец. Его монументальная живопись – фрески. ( в Падуэ, во Флоренции), где он переносил еванг. События на землю Можно судить по последователям – джотески (джотто – образец для подражания), только в 15 в. эти уроки становятся импульсом для продолжения.

телесная хар-ка, идеал более демократичен

 

«Мадонна с младенцем» Лоренцо ди Никколо Джерини (флорент. Школа последователь Джотто) (поступила в 1924г. Из Юрьевского монастыря близ Новгорода) богатая деловая Флоренция занимала особое место в судьбах ит. иск-ва. На рубеже 13-14 вв. дала миру Данте и Джотто. И ещё 2, 5 века слава 1 из гл центров худ жизни Европы.

Яркая праздничная резная рама – прекрасный образец поздней пламенеющей готики. Фон ещё золото

 

Высокое Возрождение

Именно этот период, непродолжительный по времени дал миру Леонардо, Рафаэля, Микеланджело.

Сконцентрировалось обогащённое опытом предшественников умение выделить главное. Это – зрелость Ренессанса. Зачинателем был Леонардо да Винчи.

Леонардо да Винчи[7]. Из 12 картин в мире – 2 в Эрмитаже.

Мадонна с младенцем (Бенуа)[8] – 1 из самых ранних его работ, исп в 1478-1480 гг. Мадонна, причесана и одета по флорентийской моде, протягивает цветок младенцу Христу и тот тянется с таким старанием и серьёзностью, что лицо матери озаряется улыбкой. Сцена кажущаяся жанровой, не несет в себе бытового. Гл не повествовательное начало, а анализ внутр мира чел-ка. Новая техника масляной живописи (из Нидерландов), что позволило тончайшими оттенками света и тени передать рельефность фигур, наполнить светом и воздушной дымкой пространство.

Исполненная в сер. 1490х гг в Милане «Мадонна Литта[9]» воплощение принципов искусства эпохи возр-я, все частное уступает место обобщению. Все здесь – совершенство. Темный нейтральный фон заставляет сконцентрировать вним-е на фигурах, сост. Единую группу. Окна, прорезанные в стене, усиливают пространственность композиции, отточены линии, все уравновешено. Вылепленные светотенью, почти скульптурными кажутся фигуры, вызывая в памяти античные мраморы. Из светотени сотканы улыбка Мадонны и взгляд Христа. При том, что картина исполнена темперой, затрудняющей разработку светотеневых градаций. Образ материнства на высочайшем пьедестале, он совершенство. Физ и дух красота находятся в полной гармонии.

 

Из истории:

Обе картины Леонардо были помещены в 214 зал после окончания Вов, после изм экспозиции, это привело к новому названия – зал Леонардо. Архитектор Штакеншнейдер обратился здесь к французскому барокко XVIIв, что обусловило монументальный хар-р декора. На фоне стен, облицованных искусственным мрамором разных цветов, эффектно выделяются колонны из серого мрамора, поднятые на пьедесталы из красного шокшинского порфира. В отделке каминов использован белый мрамор и зелено-красная ленточная яшма. Интересны двери, облицовка кот имитирует технику Буль. (мастер кот раб при Людовике XIV и созд ориг вид инкрустации из обработ. Панциря черепахи и металла). В 1825 г – допрос декабристов в этом зале.

 Среди работ учеников и последователей Леонардо женский портрет «Флора» (изв как Коломбина) Франческо Мельци (аукцион в Гааге 1750) и Святое семейство со святой Екатериной Чезаре де Сесто (из собр Жозефины). Близки, приписывалии Леонардо.

Редкий для творчества Корреджо Женский портрет (из Юсуповского), изображ. Красавицу с таинственной улыбкой и скольз боковым взглядом был написан после Джоконды. Лавр дерево = дама близка к поэзии. Коричневое платье и веревочный пояс говорят о ее причастности к ордену францисканцев. Надпись внутри серебряной чаши расшифрована как неполная цитата из "Одиссеи" Гомера. Строки относятся к моменту, когда Елена подает Телемаху чашу с вином, содержащим снадобье, разгоняющее печали. Ствол дерева, обвитый плющом, символизирует вечную любовь и супружескую верность. Портрет предвосхищает маньеристические тенденции в иск-ве.

 

Маньеризм

Достиж-я иск-ва высокого Возрождения созд. В трудные для Италии времена. Разделена на княжества, кот то закл союзы. то враждовали. Эк и полит кризис, нападения иноземных. В творчество юного поколения проникали пессимизм, причудливые фантазии. Попытка задержать уходящее время с его идеалами выражалось в стремлении следовать образам Леонардо, Рафаэля, Микеланджело. Их талантливые произведения однако только от этого не могли наполнится дыханием жизни. Краски холодны, пропорции нарушены. Удлиненные фигуры изогнуты в виде латинской буквы «S» появляется экзальтация.. (этот термин дал Вазари).

Картины Россо Фьорентино «Мадонна с младенцем» и Понтормо «Мадонна с младенцем, святым Иосифом и Иоанном Крестителем» - ранний этап маньеризма. Здесь еще есть связь с композиционными прриемами Ренессанса.

Картина «Святое семейство со святой Елизаветой» кисти Франческо Приматиччо, (собр Кроза) – 1 из самых утонченных. Изысканная грация (напоминает что он работал при фр. Дворе, 1 из гл фигур школы Фонтенбло). Извив формы фигур, причудливость архит. Фона. Холодный свет рожд чувство беспокойства.

Анджело Бронзино[10] (1503 – 1572) «Портрет Козимо I Медичи» (аукцион в Гааге). 1 из крупных мастеров маньеризма, придворный худ-к, 1 из создателей нового типа маньеристического парадного портрета, сочет внимание к соц статусу с правдивой хар-кой. Идеальный овал. Капризны губы, холоден взглядна медали в руках женская обнаж фигура, опир на 2 сферы – или Фортуны, или Славы. Указ на огонь – м.б. слава, как 1 из значений огня.

В картине «Состязание Аполлона и Марсия» Анджело Бронзино (у герцога Литта 1865) соединил персонажей и ряд сюж мотивов 2х мифов. 4 эпизода разворачиваются от правой части картины влево. 1. Сатир Марсий. Искусный флейтист, возгордившись. Вызвал на соревнование Аполлона (Марсий нашёл флейту, изобрет Афиной, но выброшенную и проклятую ей, т.к игра на ней искажала черты лица). Марсий играет на флейте, Аполлон на лире, судьи Афина и царь Мидас. Мнение судей не совп. (Афина за Аполлона).По усл состязания победитель назначает наказание. 2. С Марсия в наказание сдирают кожу. 3. Аполлон в присутствии Афины наделяет ослиными ушами Мидаса, дерзнувшего противоречить Афине. Мидас с тех пор прячет уши под шапкой. 4. Брадобрей Мидаса вырыл ямку и поведал земле о позорном секрете Мидаса. Выросшие на на этом месте тростники рассказали всем, что у Мидаса ослиные уши

В античные времена и в эпоху Ренессанса счит. Что игра на струнных оказывает духовное воздействие. облагораживает, а духовые вызывают низменные бурные страсти, поэтому победа Аполлона была предрешена. Что касается снятия кожи. Драм трактовка указывает н принадлежность к маньеризму.. Интересно. Что картина была написана на крышке муз инструмента – арпикордо.

 

«Любовная сцена» Джулио Романо (1782 Лондон) ученик Рафаэля – экстравагантность, любовь к недосказанности, типичные для маньеризма[11].

Картины Джованни Баттисты Нальдини «Вирсавия в купальне» и Алессандро Аллора «Аллегория христианской церкви» характерны для более нормативного. Позднего периода маньеризма.

 

Венецианская школа эпохи Возрождения (15-16 вв)

Представлена с исключительной полнотой. К достижению Ренессанса «царица Адриатики» приобщилась позднее. В отличие от центральной Италии, смогла противостоять посягательствам внешних врагов, что способствовало длительному расцвету искусства эпохи Возрождения. Упоение чувственной красотой мира, праздничная стихия цвета составляют притягательную силу большинства произведений этой школы.

«Благовещенье» Чимы да Конельяно (из Голицынского музея 1886)типична именно для Венеции (раннего Ренессанса) с его любовью к передаче бытовых подробностей. Интерьер венецианского дома по законам линейной перспективы. Характерные предметы убранства и типичная форма окна, за которым уголок города. Фигуры объемны, материальны. Лист бумаги с именами заказчиков и подписью худ-ка. На листе пчела, на ножке муха.

 

Джорджоне – 1й мастер венецианской школы принадлежащий Высокому Ренессансу. «Юдифь» - 1 из шедевров Эрмитажа[12] ранняя и 1 из бесспорных работ художника, жизнь которого унесла чуса, когда ему было немногим более 30 лет. Мастера итальянского искусства неоднократно обращались к подвигу библейской героини Юдифь, спасшей свой город от гибели. Проникнув в лагерь ассирийского войска, осадившего город. Она пленила своей красотой полководца Олиферна и отрубила ему голову его же мечом. Художник не повествует о подвиге, он создаёт памятник её подвигу. Его Юдифь – воплощение возвышенной и одухотворенной красоты. Прекрасны черты лица, гибок контур фигуры, спокоен величественный пейзаж. Юдифь озарена лучами восходящего дня. ее одежды золотисто-розовые где падает свет и густо-вишневые в тени. Умение увидеть изменение цвета в зависимости от освещения – великое достижение венецианской живописи эпохи высокого Возрождения. Джорджоне 1й мастер на этом пути, юдифь можно считать 1й картиной, открывающей для Венеции эту великую эпоху. Примечательно. Что он написал свой шедевр на створке обычного стенного шкафа.

2я ранняя картина Джорджоне «Мадонна с младенцем в пейзаже» (из собр лейб-медика Крейтона в СПб, 1817)- раскрывает лирическую грань творчества – 1 из самых поэтических образов Мадонны в итальянской ренессансной живописи. Неотделима от пейзажа, в котором цепи холмов защищают. Вносят умиротворение в тот уголок, где на отдых остановилась юная венецианка – Мадонна.

2 больших полотна Франческо Бассано «Лето» и «Чудесное насыщение хлебом и рыбами» - многофигурные композиции, с действующими лицами земледельцами, пастухами… Отец и сын Бассано зачинатели освобождения жанровой тематики от традиционной формальной связи с религиозной темой.

 

Себастьяно дель Пьомбо, венецианец, ученик Джорджоне, связал судьбу с Римом, ставшим в начале столетия крупным центром итальянского искусства. Свое прозвище получил после должности хранителя папской свинцовой печати (piombo – свинец). «Оплакивание Христа» (аукцион в Гааге 1850) написано в годы создания монументальных произведений Рафаэлем и Микеланджело. К монументальности тяготеет и дель Пьомбо. Скульптурно осязаемы формы. Идеально прекрасен Христос даже в смерти. Богатая по венециански цветовая гамма, в кот усилены холодные тона, вечерняя мгла, окутывающая типичный для венецианской школы пейзаж

«Несение креста» лучший из вариантов картины заказанной Себастьяно дель Пьомбо послом испанского короля Карла V в Риме. Аскетичный образ Христа был восторженно принят в Испании и стал любимой картиной короля Испании Филиппа II

 

Собрание Эрмитажа обладает прекрасными портретами итальянских школ XVI в. Доменико Каприола в своем «Автопортрете» (собр Кроза 1772) ярко воплощает представления эпохи Возрождения о человеческом идеале.. Мастер Высокого Ренессанса отказывается от обильных деталей, оставляя лишь те, что раскрывают главное.образ современника. Но обобщённого. Физическая и духовная красота юноши. Судя по книге в руке и архитектурному фону со статуей Венеры, благородный красавец увлечен науками и искусством – античностью. Насыщ но не резкая цветовая гамма вносит эмоцмональную струю, подчеркивает активность натуры юноши. На портрете есть зашифрованная подпись автора 6 внизу меедальон с изображением косули (по ит. косуля – каприола), тут же в лат надписи дата и возраст худ-ка ему 25 лет.

 

Якопо Пальма Старший в «Мужском портрете» (из Голицынского музея1886) ставит также задачу создания идеального образа современника. иной эмоциональный ключ. Чувство собственного достоинства, духовное богатство, благородство и тонкость натуры раскрываются благодаря обобщённости форм, изысканности спокойной цветовой гаммы.

 

Лоренцо Лотто – выд мастер венецианской школы, создаёт редкий в Италии двойной портрет «Семейный портрет». Супруги изображены вместе (в отличие от ренессансных парных портретов). Современник Каприолы и Пальмы старшего, Лотто в своём творчестве стоит особняком. Передает индивидуальные черты конкретного мужского лица. Тщательно выписан узор ковра, часто присутствующего в его картинах (позднее такие ковры, распространенные в Италии получили название лотто) также точно костюм. Причёска дамы. Собачка, символ верности, шерстка белки, на белку указ мужчина протягивая жене лист с надписью чел никогда. Подтекст (поверье, что голодный самец белки выгоняет самку из дупла)ю Портрет символ супружеской верности.

 

«Мадонна делле грацие» - 1 из лучших творений Лоренцо Лотто  яркие цвета, развернутые руки, выраж удивление и радость Мадонны любующейся ребенком. Долгое время не была атрибутирована.

 

Тициан [13] – глава венецианской школы. В основном картины Тициана в Эрмитаже поздний период его творчества, за искл. «Бегства в Египет». Сверстнику Джорджоне. Судьба даровала богатство, славу и долголетие. Его творчество охватывает почти весь 16 в. Великие мира сего считали честью заказывать ему картины. Согласно легенде Карл V подал Тициану кисть оброненную художником. В его картинах праздник жизни, виртуозная техника, всепоглощающая стихия цвета.

В монументальном полотне «Бегство в Египет» (кол-я Брюля Дрезден, 1769), исполненном в начале его творческого пути. Сюжет, распространенный в искусстве эпохи Возрождения, восходит к Евангелию от Матфея (2: 13-15). Спасая младенца Иисуса от преследований царя Ирода, Дева Мария с Иосифом бежали в Египет. По одному из апокрифических Евангелий, Святое семейство сопровождал сын Иосифа Иаков Младший. Возможно, именно он изображен ведущим осла. Всех героев Священного Писания художник показал по-будничному просто: склонила голову усталая Мария, на крестьянский манер привязав к себе ребенка; Иаков деловито несет тюк; старается не отставать старец Иосиф. Большой размер холста позволил мастеру передать пейзаж широкой панорамой. Тициан населяет пейзаж лесными животными, чел фигурами, в нем гармонично объединены природа и человек. Персонажи Священного писания, наделенные художником жизненно конкретными чертами, сами являются воплощением прекрасного мира, представленного в картине.

Даная (из собр Кроза 1772) – 1 из вариантов картины Тициана на сюжет античного мифа о Данае. Оракул предсказал царю Акрисию смерть от руки внука и он заключил дочь в башню. Но Зевс, влюбился и явился к ней в образе золотого дождя (Персей, сын Данаи и Зевса позже убил Акрисия).

Красота обнаженного тела. возвышенное звучание (у Джорджоне и Тициана). Благодаря обращению к античности право на сущ-е. сродни идеальной красоте эллинистических статуй Венеры, обретающей у Тициана земное полнокровие. Старушка оттеняет прелесть и молодость, напоминая что это не вечно. Тема возраста тоже любима в эпоху Возрождения.

Кающаяся Мария Магдалина (собр Барбариго 1850) единств вариант картины Тициана на данную тему, имеющий подпись худ-ка. глубина чувств, искренность раскаяния, нет аскетизма. Это тот же гимн земной красоте человека, утверждение полноты жизненных сил. Физич красота и сила чувства рождены здесь виртуозной живописной техникой и по-венециански щедрой, богатой оттенками палитрой. Контрасты света и тени, тёплых и холодных тонов вносят тревожные ноты усиливают эмоц напряжение.

Святой Себастьян (собр Барбариго 1850)– 1 из самых поздних работ. худ-ку почти 90. Вторжение трагических нот. Св. Себастьян воплощение мужества, в его страд взгляде нет слабости.следуя традиции – обнажен. Поза обретает динамику. Не сломленный, юноша, как бы идет навстречу зрителю, выступая из мрака, в кот погрузился окружающий его мир. Все тонет в буре мазков, иногда просто сгустков краски. Кажется, что сами мазки кисти в смятении.

«Портрет молодой женщины» олицетворяет тип венецианской красоты

 

К числу наиболее значительных работ худ-в венецианской школы второй половины 16 в. принадлежат произведения кисти уроженца Вероны Паоло Веронезе[14] и венецианца Тинторетто.

Исследования позволяют считать что мужской портрет кисти Веронезе. Это Автопортрет (из собр Кроза). Картина «Поклонение волхвов» Паоло Веронезе (Кроза 1772) дает хорошее представление о характерных для худ-ка зрелищных, монументальных, многофигурных композициях на мифологические и евангельские сюжеты, о групповых портретах. Многочисленные персонажи в богатых ярких одеждах предстают на фоне балюстрад или дворцовых аркад, где празднует всепроникающая красота цвета

К теме оплакивания Веронезе обращался неоднократно. «Оплакивание Христа» (Кроза, 1772) - 1 из поздних произведений художника., написанное для венецианской церкви. Тема жизни и смерти получает уникальную и очень человеческую трактовку. И ангел и богоматерь обращаются к Христу как к живому. По глубине чувства. А также о строгости и сдержанности богатого оттенками колорита эта картина занимает особое место в творчестве Веронезе и принадлежит к числу лучших его работ.

Здесь же можно (перед залом 216) познакомиться с произведениями прикладного искусства Италии XV – XVII вв. фрагменты роскошных венецианских тканей и тончайших кружев, изделия из тиснённой кожи, бронзовые дверные молотки, изумляющие полетом фантазии мастеров, блистательная коллекция венецианского стекла.

 

Венецианское стекло

Начиная с 13 в. до наших дней производство венецианского стекла (строго засекреченное в свое время), сосредоточено на острове Мурано, близ Венеции. Эпоха наивысшего расцвета приходится на 2ую половину XV первую половину XVI. В эрмитажном собрании представлены изделия в основном к. XV – XVIIвв., но есть и более поздние.

Самые ранние – сосуды из цветного стекла, окрашенного в массе и получаемого благодаря введению в горячую массу окисей металлов. Характерный образец – кувшин XV в. из синего стекла с позолотой, расписанный эмалевыми красками чешуйчатым узором. Есть изделия в кот сочетаются несколько видов цветного стекла.

Редки 2 небольших предмета из так называемого молочного белого стекла – флакон для косметических жидкостей(н. 16в.) и горшочек для мазей. Молочное стекло получили примесью олова. Это первая в Европе попытка имитации китайского фарфора.

Маленькая чаша, сделанная в технике кракле, как бы покрытая морозным узором – покрыта трещинками. Узор получали, опуская в процессе выдувания изделие в холодную воду. При этом верхний слой покрывался трещинками. Эта техника была изобретена в к. 16 - н. 17 вв.

Красота, изящество. Бесконечное разнообразие – изделия из знаменитого венецианского cristallo абсолютно прозрачного бесцветного стекла, принесшего мировую славу мастерам Мурано. (к. 15 в.)

В 1й половине 16в. увидели свет шедевры из так называемого филигранного стекла – в массу прозрачного стекла научились вводить разноцветные или молочные нити. Скрученные спиралью и образ бесконечно разнообразные плетения.

Верх совершенства сетчатое стекло – из 2х слоев филигранного стекла с нитями введенными в противоположных направлениях.

Замечательны и кубки на крылатых ножках, исполненные во 2й половине 17в.

 

Лоджии Рафаэля

 

В 1783-1792 гг. Кваренги возвёл корпус, в кот вошла галерея, получившая название Лоджий Рафаэля. Галерея воспроизводит созданные архитектором Браманте в 1518 – 1519гг. прославенные ватиканские лоджии, расписанные. Согласно общему замыслу Рафаэля, его учениками и помощниками. Копии фресок, исполненные темперой, были установлены на свои места в 1785-1787 гг. по окончании 1го этапа строительства.

Галерея состоит из 13 частей, разделенных полуциркульными арками. Расположенные на равных расстояниях, арки уходят вдаль в чётком, спокойном ритм. Эрмитажные Лоджии в достаточной степени передают чувство меры и гармонии, составляющие основу ренессансной архитектуры.

Стены и своды покрыты росписями. Орнамент включает мотивы античной скульптуры и человеческие фигуры, причудливые изображения фантастических существ, животных, бабочек, цветов и растений. прекрасный образец гротесков – свободных вариаций античных росписей, обнаруженных в Риме, в древних руинах так называемого Золотого дома Нерона (постройки 1 в. н. э.) строгая симметрия в расположении элементов орнамента не делает её застывшей, т.к. даже схожие мотивы отличаются друг от друга. На сводах , в каждой из частей галереи росписи на библейские и еванг сюжеты, получившие названия библии Рафаэля. Система Рафаэлевых росписей воплощает характерную для ренессанса идею многообразия и гармонии мироздания.

Идея создания лоджий родилась у Екатерины II, после получения подарка – гравюр фресок ватиканских лоджий. При посредстве Рейфенштейна (доверенного лица в Риме), археолога и знатока античности Иоганна Винкельмана, заказ на копирование был дан Христофору Унтербергеру, известному мастеру декоративной живописи.

Есть ряд отличий эрмитажных копий от ватиканских

- Росписи эрмитажных лоджий, натянутые на подрамники еще в Италии, исполнены темперой (в Ватикане – фрески, от стен неотделимые)

- из-за климата СПб, арки, обращенные к Зимней канавке были сразу застеклены, в арки противоположной стены вписаны зеркала.

- по отношению к ватиканским лоджиям расширены оконные проёмы

- в центр отсеке вместо герба папы Льва X – российский герб с вензелем Екатерины II

- лепные рельефы заменены гризайльной живописью в подражании скульптуре.

Наряду с Эрмитажным театром Лоджии являются старейшим интерьером музея, представляя особую ценность.

В сер 19 в. корпус Лоджий был перестроен и вошёл в состав Нового Эрмитажа, возведённого Лео фон Кленце, но галерея  Лоджии Рафаэля сохранила свой облик.

 

Зал картин Рафаэля.

Представлены работы Рафаэля[15] и его современников. Памятники итальянского прикладного искусства XVI в. Великолепная коллекция итальянской майолики XV – XVI вв. определяет ещё одно название зала – зал майолики.

Рафаэль

Ни один мастер кисти не пользовался такой долгой и непререкаемой славой как Рафаэль.

«Мадонна Конестабиле» 1 из его самых ранних работ, 1 из изображений мадонн, кот столь прославили Рафаэля. Трогательная нежность образа, настроение, кот рождает пейзаж, напоминающий пейзажи Раннего Ренессанса, говорят о близости манере учителя (Перуджино). Соразмерность форм сообщает образу ясность и гармонию, предвосхищая высокое совершенство. Гибка и плавная линия дает ощущение объема. Композиция вписана в круг – особо совершенная форма, привлекательная для глаз. Рама украшена грифонами, масками. Гирляндами, завитками – мотивы ватиканских лоджий.. Обрамляя картину, вписанную в круг, рама заставляет воспринимать маленький шедевр Рафаэля как окно открытое в мир

Картину «Святое семейство» (из собр Кроза в 1772) написал во флорентийский период (1504-1508). Время знакомства с творчеством Леонардо. Все частное конкретное подчинено созданию обобщенного образа идеально прекрасного человека. Строго продуманная композиция, чистота контура, мягкость цветовых соотношений погружают в состояние гармонии бытия, придавая образам возвышенность и совершенство.

Гигантская композиция «Шествие с быками и слонами», исполненая учеником Рафаэля Джулио Романо явл картоном – подготовительным рисунком в цвете для последующего изготовления по нему шпалеры. Картон составляет часть серии «Триумф Сципиона Африканского» Процессия движется мимо зрителя, параллельно плоскости картона. Принцип построения такой композиции, восходящий к античным рельефам был характерен для Высокого Возрождения. Вся серия состояла из 22 частей, из которых сохранилось лишь 2 – 1 из них в Эрмитаже.

Мраморная группа «Мальчик на дельфине» (Лоренцо Лоренцетто) (из собр лойд Браун, Англия 1785) легенда мальчик утонул, дельфин вынес тело и сам умер от горя. Неразлучность друзей подчеркнута композицией. Изгиб спины дельфина образует удобное ложе для фигурки мальчика. Если бы не рана на груди, мальчик казался бы уснувшим. Фантазия скульптора наделали тело дельфина чешуей, что по контрасту подчеркивает нежность детского тела.

 В общем русле искусства Ренессанса 16 в. разв и прикладное иск-во. Усложняется форма свадебных сундуков (кассоне). На фигурной крышке уже не сидят как на скамье. Но владелец может похвастать не только своим богатством, но ученостью – прекрасная резьба по ореховому дереву изобр сцены из жизни Ю. Цезаря. Трактовка фигур и глубины пространства говорит о соблюдении ренессансных традиций.

 

Майолика

Эрмитаж обладает замечательной коллекцией майолики. Это обожженная глина, покрытая непрозрачной глазурью, по которой наносится роспись, затем изделие снова обжигают, глазурь сплавляется с краской, поверхность становится яркой и блестящей. Вазы, лохани для охлаждения вина, большие блюда с многофигурными композициями предназначались для украшения больших буфетов, на которых они выставлялись во время парадных обедов.

Представлены крупнейшие центры производства итальянской майолики:

- Фаэнца и Дерута, где раньше чем в других итальянских городах стало развиваться производство майолики

- Урбино, ставший после 1525 г. Во главе фаянсового производства Италии и сохранявший главенство до конца 16 в.

- такие важнейшие центры как Кастель-Дуранте (имена невест и женихов) и Губбио, находившиеся под покровительством герцога Урбинского

Майолика Деруты 1505-1530 гг. привлекает внимание своей декоративностью, достигаемой благодаря покрытию люстром нежнейших перламутровых оттенков. Люстрированные изделия Губбио первой половины 16 в. имеют красноватый оттенок. Сама техника люстрирования, также как и восточные мотивы, встречающиеся в этих работах, свидетельствуют о знакомстве с испано-мавританской средневековой керамикой.

Большой популярностью среди изделий Кастель-Дуранте пользовались так называемые свадебные блюда «тарелки влюбленных» с изображением красавиц, окруженных лентой с именем прекрасной дамы. Жених преподносил невесте. Тарелка «камилла белла» расписана люстром Джорджио Андреоли (из собр Боткина 1920)

В Урбино работал крупнейший мастер в истории ит майолики Никола да Урбино. «Чаша с изображение короля», имеющая подпись монограммой, 1 из самых совершенных его работ.

В витрине мастерских Урбино представлены работы Ксанто Авелли да Ровиго. Именно здесь расцвел стиль историато – так называли многофигурные композиции на мифологические, библейские и исторические события, современные эпохе Возрождения.

Таков роскошный холодильник с полихромной росписью Переход Карла V через Эльбу перед битвой при Мюльберге, в мастерской Фонтана.

Изделия города Фаэнцы 16 в. поражают воображение формой и декором аптечных сосудов. Тонкостью росписи обращают на себя изделия, покрытые светло-голубой глазурью.

Зал майолики в 18 столетии входивший в состав помещений корпуса лоджий в сер 19 в. Был оформлен по проекту архитектора Лео фон Кленце и вошёл в состав Нового Эрмитажа. Стены облицованы искусственным мрамором. Металлический потолок покрыт росписью клеевыми красками. Золоченые фигуры и росписи вставок во фризе вызывают ассоциации с мотивами итальянского Ренессанса.

Искусству итальянского Ренессанса посвящен и соседний, начинающий анфиладу итальянских кабинетов зал 230 с фресками школы Рафаэля, где экспонируется «Скорчившийся мальчик» Микеланджело, итальянская скульптура и мелкая пластика 16в.

5 больших фресок работы учеников Рафаэля, созданных для виллы на Палатинском холме в Риме, образуют единый цикл, навеянный образами античного искусства и поэзии. – эпизоды из мифов о Венере и Амуре. Эрмитажные фрески с изменениями повторяют в большом размере то, что было создано для купальной комнаты кардинала Бибиенны в Ватикане. Некогда украшали лоджию, открытую в сад (в Эрмитаже). 1 из ярких примеров настенной декоративной живописи, составлявшей неотъемлемую часть архитектурных ансамблей Высокого Возрождения. 1856 виллу превратили в монастырь, фрески продали. Маркиз Кампана купил, тонкий слой штукатурки с росписью отделили от стены и закрепили на холсте, тогда же были заказаны рамы. Фрески поступили в составе собр Кампана и установлены в том зале, где мы видим ныне.

Микеланджело[16]

Единственная в России бесспорная скульптура Микеланджело « Скорчившийся мальчик» (собр Дж. Лайда Брауна. Англия. 1785) относится к числу шедевров Эрмитажа. Поза сложна. Ск-ра исполнена методом извлечения фигуры из мраморной глыбы. Чуть заметные прожилки мрамора, его шероховатая поверхность со следами резца придают живую трепетность. Образ неоднозначен. В небольшой фигурке сконцентрирована огромная энергия – непомерно напряжены мускулы, дугой изогнута спина. Но эта энергия скована. Фигура застыла в оцепенении. Здесь нет жанрового мотива – не физическая боль заставила мальчика склониться к ноге. В некоторых ракурсах мальчик кажется погруженным в раздумья. (считается что замысел восходит к гробнице Медичи во Флоренции – в эскизах были подобные работы)

По характеру – самостоятельное произведение, принадлежащее позднему периоду творчества. Есть предположение. Что скульптура могла быть выполнена в период осады Флоренции войсками Карла V и папы Римского и падения Флоренции в 1530г. 

Так или иначе мальчик несёт в себе тягостные раздумья о судьбах Италии, отражает трагедию заката эпохи Возрождения, остро ощущающуюся Микеланджело.

Продолжения знакомства – 237, 238. Малый и Большой Просветы. Искусство Италии 17-18 вв.

 Большие центральные залы Нового Эрмитажа получили название «просветы» благодаря верхним световым проёмам, в1ые примененным в России и потребовавшим преодоления больших технических трудностей. Баварский архитектор Лео фон Кленце превращает само здание Нового Эрмитажа в исторический и высокохудожественный памятник. Залы ослеппляют блеском позолоты, яркостью картин, красотой изделий русских камнерезов.

Малый просвет (2 вазы из лазурита в технике русской мозаики Екатеринб. Гранильн фабрика) Большой просвет (малахитовые Петергофская гранильная). Интерьеры не уступают в оформлении парадным залам дворца. Тем не менее они предназначались специально для картин. Бесконечный в своем многообразии декор в верхней части просветов оставляет свободной широкую плоскость стен, что позволяет разместить здесь колоссальные полотна. Новые для сер 19 в. принципы музейной архитектуры демонстрировали и разделение экспозиции на залы для больших картин и на малые кабинеты с боковым освещением для камерных полотен. Архитектура, планировка и оформление залов сост целостный архитектурно-художественный ансамбль. Многообразный хар-р коллекций обусловили бесконечное разнообразие в отделке интерьеров Нового Эрмитажа с использование эоементов разных стилей. Музей задуманный как открытый для публики, оставался императорским и составлял единое целое с дворцом, обиталищем монарха, открывало широчайшие возможности для оформления залов, по богатству отделки не уступающему дворцовым.

Искусство Италии 16-17 вв.

В Малом просвете 2 группы картин: полотна 2й половины XVI в., завершающие экспозицию ит. Ренессанса, + работы, относящиеся к новому этапу истории итальянского искусства.

Ламберт Сустрис «Юпитер и Ио» (Кроза 1772) родился в Амстердаме, но жил и творил в Венеции, где учился у Тициана. Неск. Моментов мифа. Гера застаёт Зевса и Ио. На 2мплане мы видим Ио, превращённую Зевсом уже в белую корову, в пейзаже под наблюдением Аргуса, приставленного Герой. Сустрис (вслед за Тицианом) воспевает красоту обнажённого тела. Миф – предлог. Гармония бытия. идеальный мир, в кот человек и природа едины и прекрасны.

Среди произв ит. коллекции, завершающей период Позднего Возрождения, самые значительные принадлежат кисти Тинторетто и Веронезе.

Картина Тинторетто «Рождение Иоанна Крестителя» (Кроза в Париже 1772). Исполнена в сер 16 в. в годы близкие Данае Тициана. Истинно венецианская любовь к полноценной женской красоте. Руку венецианца выдаёт и насыщенная, богатая оттенками красочная гамма. Но фигуры чрезмерно удлинены и наклонены на зрителя. Отсюда чувство неуверенности и беспокойства, обычно чуждые Высокому Ренессансу.

Полотно «Обращение Савла» Веронезе (поступила между 1774 и 1783) поздняя работа, когда в картинах влюблённого в жизнь мастера начинает ощущаться тревога. Все полно смятения. в деяниях апостола Веронезе выбрал момент когда ярый гонитель христиан – Савл (будущий Павел), услышав глас Божий с небес, падает наземь и всё вокруг приходит в движение. мечутся, убегают воины, вздыбились кони фигуры срезаны рамой и так пространство как бы находит продолжение за пределами картины. Чувствуются приёмы грядущего стиля барокко.

После разгрома Рима войсками Карла V в 1527г. Трудно было продолжать верить, что человек – венец творения и центр мироздания. Изменились и представления о мироздании – Коперник и Джордано Бруно.

Изменчивость окружающего мира во времени и пространстве, динамика движения – стремительные повороты фигур или сложность проявления человеческой души, контрасты всякого рода – вот что волнует теперь искусство 17в. Новые особенности мировосприятия можно обнаружить в искусстве разных стран, при всем различии их художественных школ. Они воплотились в стиле барокко, подучившем распространение в странах господства католицизма. При неповторимом своеобразии каждой страны. Родина барокко – Италия.

У истоков итальянской живописи 17в. стоят 2 направления, возникшие в к. 16 в. Это Болонская академия братьев Карраччи, которой суждено было стать прообразом академий последующих веков и искусство Караваджо (Микеланджело Меризи), уроженца ломбардского селения Караваджо, которому художник обязан своим прозвищем.

Караваджо[17] Юноша с лютней (Джустиниани 1808) с самого начала творческого пути Караваджо утверждает эстетическую ценность реальной действительности не подправленной художником. В религиозных картинах нет благочестия, персонажи простонародны нет благообразия. Обращение к жанровым сценам и натюрмортам. Но конкретный сюжнт – юноша с лютней имеет подтекст. цветы – любоваться, фрукты – можно вкусить, игра на лютне – можно услышать аллегория чувств, а лопнувшая струна – преходяще. Лицо женственно.

Мученичество апостола Петра (пост в 1808) Караваджо– фигуры в сложных ракурсах, резкий направленный свет, апостол Петр головой вниз. Дряблость старческой кожи, налитое кровью лицо. Простонародные типажи рядом.. сцена мученичества трактуется почти как бытовая, реальная.

 

В картине Аннабиле Карраччи «Святые жёны у гроба Христа» воплощены творческие принципы Болонской Академии. Кисть худ-ка должна подправлять несовершенства натуры в соответствии с классическими идеалами. Святые жёны пришедшие поклониться гробу Господню, узнают от ангела о воскрешении Христа. Фигуры умело размещены в пространстве, чётки контуры, светотенью вылеплены объемы, яркий цвет одежд позволяет хророшо рассмотреть каждую. Динамичные позы и жесты 3х Марий призваны выразить их крайнее удивление. Но вся сцена кажется нарочитой театральной.

Среди худ-в младшего поколения выделим полотна Гвидо Рени «Юность Девы Марии»

Отметим работы др известных мастеров Болонской школы – Гверчино, Альбани. Близкого этой школе Карло Дольчи,

Из работ римской школы подписной «Портрет папы Климента IX» Карло Маратти

 

Искусство Италии XVII – XVIII в.

В Большом просвете представлены полотна украшавшие дворцы и величественные интерьеры католических церквей. Именно в таких официальных заказах особенно отчётливо проявлялись особенности динамического стиля барокко, процветавшего в XVII и в XVIIIв. Стиль барокко утверждал себя в беспокойных фасадах церквей и планировке городов, расцветал в росписях плафонов, в которых потоки человеческих фигур как бы стремились вырваться из пространства, отведенного им архитектурой, блистательно раскрывал свои возможности в скульптуре.

Лука Джордано «Битва лапифов с кентаврами» (строгановский) - яркий пример декоративной барочной живописи. Кентавры приглашённые на свадьбу царя лапифов, попытались похитить невесту и её подруг. (сюжет из метаморфоз Овидия) напряженная схватка с контрастными разворотами фигур, патетические жесты. Клубок сражающихся, яркие всплески цветовых пятен. В облаках боги врывающиеся в пространство, спешащие на помощь.

«Фа престо» - делает быстро. Так называли современники Луку Джордано оставившего после себя около 2000 полотен. В Эрмитаже 14 его произведений. Полотна «Оплакивание Христа», «Сон юного Вакха», «Рождение Иоанна Крестителя» говорят о разнообразном характере работ Луки Джордано.

Генуэзец Бернардо Строцци – живописец и инженер, в то же время духовный сан. (епископ Венеции) именно там написана картина «Исцеление Товита» (Кроза) (следую совету ангела сын слепого Товита – Товия поймал рыбу и приложил её желчь к глазам отца исцелил его) на картине Товит, Товий, золотоволосый ангел и жена Товита Анна. Ярки сочны краски. Реалистические искания северной итальянской живописи показаны персонажи. Библейская история в виде жанровой сцены. уравновешенная с крупными фигурами композиция придаёт ей возвышенное звучание. Творчество Строцци охватывает первую половину 17в.

Картины Венецианской школы – предмет гордости Эрмитажа. Королева Адриатики Венеция властвовала тогда но не на морях а в искусстве. Влечёт к себе лучших музыкантов эпохи. На сценах театров блистательные актёрские труппы. Без мира музыки и театра нельзя представить себе венецианскую живопись XVIII в.

Антонио Канале (Каналетто) – крупн представитель жанра ведуты – городского пейзажа. В большом полотне «Приём французского посла в Венеции» (поступ. Между 1766-1768) – показывает 1 из тех зрелищ что разыгрывалось на главной площади города – перед собором святого Марка и перед Дворцом Дожей, на суше и воде. Выбран торжественный момент. Реальное событие – 1726. Венеция узнается безошибочно. Праздник солнце, золоченые гондолы, красные облачения, белые парики сенаторов, разноликая толпа. Многие в масках. Не только документальная точность фиксации облика, обращает внимание на характер освещения, воздушную дымку.город полон жизни. 1 из тех парадных пейзажей, кот во многом способствовали созданию образа Венеции как города вечного праздника.

Микеле Мариески «Мост Риальто в Венеции» (из собр Италинского 1829) живописец, гравёр, архитектор, театр декоратор – воспевает повседневную жизнь города. Старейший из 3х мостов над Большим каналом оживленный торговый центр старого города. Передает облик зданий и деловой ритм городских будней. Можно вслушаться в голоса тех, кто населяет это полотно.

Джованни Баттиста Тьеполо[18] – президент Венецианской академии, художник многих дарований. 6 его огромных картин занимают почти всю продольную стену зала. Он мастер фресковой и станковой живописи, великолепный гравер и рисовальщик, человек блестящего декоративного таланта. Его ранняя работа «Похищение сабинянок» (ок. 1720) свидетельствует о владении динамичным языком барокко. 5 вертикальных полотен (ок. 17225), исполненных по заказу венецианского патриарха Дольфино для его дворца, составляют часть серии из 10 картин на сюжеты пимской истории (ост-е в Вене и США). Их тема героические деяния древних римлян - особенно популярна в годы, когда Венеция теряла свою независимость. При выборе сюжетов художник опирался на книги древнеримских авторов.

Картина Тьеполо «Муций Сцевола в лагере Порсенны» воскрешает события борьбы Древнего Рима с Этрурией и дает 1 из ярких примеров героических деяний древних римлян. Муций Сцевола кладёт руку в огонь, чтобы доказать неустрашимость и стойкость своего народа

В полотне «Триумф полководца Мания Курия Дантата» блестяще исп приёмы стиля барокко. Торжественная красочная триумфальная процессия кажется надвигающейся на зрителя. Готова выйти за пределы полотна. Контрасты цветовых пятен создают ощущение движения внутри монолитной толпы.. в 275 г. Римский полководец Маний Курий Дантат одержал победу над Пирром. Триумфатор восседает на сооружении, похожем на триумфальную арку, установленном на спинах 2х слонов, которые сыграли важную роль в победе Мания Курия. Оплот и передовой отряд армии Пирра, но под градом стрел и ударов копий повернули назад, топча своё же войско. В числе богатых трофеев оказались 4 слона. Их появление в составе триумфальной процессии произвело неизгладимое ощущение на римлян и надолго осталось в памяти.

Пейзажи кисти Бернардо Белотто (племянник Канале) – вид города Пирны на реке Эльбе и «Площадь Нового рынка в Дрездене» (Брюля 1769) являются прекрасными примерами ведуты – топографического пейзажа – жанра родившегося в 18 в. характерно даже название «Вид Парны с запада от угла Широкой улицы». Белотто долго работал в Германии. Польше. Документальная точность пейзажей позволяла обращаться к ним в процессе реставрационных работ.

Из других ит мастеров 16-18 вв. назовем Сальватора Розу, Джузепппе Марию Креспи и Помпео Батони.

Уроженец Неаполя. Чел многих талантов, яркая оригинальная личность Сальватор Роза[19] писал на религиозные и мифологические сюжеты, портреты, батальные сцены. Полотно Блудный сын (из собр Уолпола) написано на редкий для него евангельский сюжет. В притче выбрал рассказ, как сын растратив имение нанимается пасти свиней, терпя голод и унижение. Следуя Караваджо трактует как жанровую сцену. Он ещё собирает стадо разных животных, фактически совмещает священное писание с анималистическим жанром, почти отсутствующем в итальянском искусстве 17 в. уродливые животные надвигаются на исхудавшего юношу как воплощение того, до чего он дошёл. Остаётся обратиться к небесам за помощью.

В 2х произведениях на античные темы «Демокрит и Протагор» и «Одиссей и Навзикая» художник создаёт невиданные до сих пор рейзажи, населённые фигурками разбойников и бродяг – их было немало на дорогах Италии. В собрании Эрмитажа есть также его Морской берег с разбойниками и Мужской портрет.

Джузеппе мария Креспи – уроженец Болоньи. Особое место в ит искусстве. Полотно Смерть святого Иосифа (из собр Брюля) (не каноничен. Нет в новом завете) скромное ложе – жил в бедности. На 1м плане плотничьи инструменты, здесь же цветущий посох, память об обручении с Девой Марией, об избранности Иосифа. Рядом Мария, Христос и 3 ангела, 1 из которых прикладывает палец к губам призывая соблюдать тишину. Внимание на сути свет создает ощущение таинственности, даже мистического.

Помпео Батони – сторонник нового худ направления - неоклассицизма, формировавшегося в Риме во 2й половине 18 в. под влиянием трудов немецкого историка искусств Иоганна Иоахима Винкельмана. В противовес барокко стремится к ясности композиции, к звучности красочного строя. Его полотнам присуща красивость внешняя. Выбор нравоучительных сюжетов «Геркулес на распутье между Добродетелью и Пороком»  Гераклу явились 2 прекрасные женщины. – богиня минерва и богиня Венера. Венера, протягивая розу соблазняет Геракла земными радостями и благами. Миневра призывает к добродетельным деяниям, указывая на храм на вершине горы.. Геркулес избирает этот путь у его ног атрибуты будущих славных подвигов. В музее представлены «Святое семейство» и «Воздержанность Сципиона Африканского» кисти Батони.

 

В итальянских кабинетах представлены произведения камерного характера мастеров XVII – XVIIIвв…

Представленные произведения говорят о многообразии таланта их авторов, подчас открывают неожиданные грани творчества. Знакомят с мастерами стоящими особняком

Караччи «Автопортрет» (Кроза) др работа в малом просвете – святые жены у гроба Господня), Караччи «Отдых на пути в Египет»

Имя Лоренцо Бернини, выд архитектора и скульптора, стоящего у истоков барокко, связывается в нашем представлении с прославленными ансамблями Рима. В Эрмитаже есть его маленькие терракотовые эскизы – боцетто, представляющие большую ценность. Среди них фрагмент модели к 1ой из частей знаменитой алтарной композиции «Экстаз святой Терезы» (церковь Санта Мария дела Виттория в Риме) (из музея Академии художеств). Белоснежный мрамор и серый туф. Словно занавес в театре раздвинуты колонны из цветного мрамора являя зрителю Терезу и ангела, парящих в пространстве, под стрелами низвергающихся на них золотых лучей. Бернини гордился тем что мог сделать мрамор гибким, как воск. Хрупкая терракота приобретает форму складок передает сладостную муку, кот испытывает Тереза, когда ангел, кот является ей пронзает её сердце золотой стрелой с огненным концом.

Доменико Фетти «Портрет актера» (из собр Кроза) - 1 из лучших его работ. кто изображен – разные мнения. Благородство, духовность явно подчеркнуты. Возможно это Тристано Мартинелли, блестящий исполнитель Арлекина в комедии дель арте (хар выражается определённой маской). Здесь маска не только атрибут профессии, она снята и сложном выражении доминирует грусть и печаль. Портрет несёт на себе печаль нового для 17 в. восприятия мира в изменчивости и движении, пришедшего на смену ренессансной гармонии

Особняком в ит иск-ве 18 в. Алессандро Маньяско – мастер генуэзской школы. «Привал Бандитов» (акад худ) персонажи реальны, но живут в придуманном художником окружении.

Мужской портрет Сальватора Розы – яркий пример его таланта. (подзаголовок портрет бандита) (из собр Уолпола). Созд образ или актёра или худ-ка созвучен эпохе барокко с её динамичным восприятием мира человека.

В картинах малого формата кисти Креспи светотеневая сторона становится действующим лицом, придавая значимость и Автопортрету и картине Бракосочетание. В собрании Эрмитажа есть ещё 2 жанровые сценки кисти Криспи – прачка и женщина ищущая блох

 

Меценат представляет Августу свободные искусства (Брюль) – 1 из лучших работ Джованни Батисты Тьеполо в Эрмитаже. Особая светоносность. Театральное зрелище – римский государственный деятель меценат, чье имя стало нарицательным, представляет императору свободные искусства – живопись, скульптуру, архитектуру. Слепой – Гомер олицетворяет поэзию. Продуманна но свободна мизансцена. Барочные дали открываются сквозь арку, ликующая музыка в подборе красок. изысканная гармония цветов

Франческо Гварди «Вид площади с дворцом» - и «городской вид» поэтический образ жемчужины Адриатики.

 

Необходимо также обратиться к западноевропейской скульптуре XVIII – 19 вв., продолжив осмотр в Галерее истории древней живописи (241) и на верхней площадке Парадной лестницы Нового Эрмитажа.

Сюже скульптуры Джузеппе Маццуолы «Смерть Адониса»,(Мусины-Пушкины) относящийся к зрелому периоду творчества мастера восходит к античному мифу о прекрасном юноше – охотнике, любимце богини любви и красоты Афродиты. Богиня просила не охотиться юношу. Не послушал, растерзан, вечной грустью Афродиты стали анемоны из крови Адониса. Маццуони изобразил момент когда смертельно раненый юноша старается еще убежать от зверя, но силы изменяют, гибель близка. Стиль барокко. Контур подчеркивает драматизм. свет и тени играющие в складках плаща, разнообразие обработки поверхности мрамора. Мастерство передачи нежной кожи юноши (в начале пути сотр с Бернини)

 

Лоджии Рафаэля

Лоджии Рафаэля, созданные по заказу императрицы Екатерины II в конце в 1780-х гг., воспроизводят галерею дворца Папы в Ватикане. Фресковые росписи открытых лоджий папского дворца были исполнены по рисункам Рафаэля. Их копии, написанные в Италии группой художников под руководством К. Унтерпергера, заняли свое место в галерее, размещенной в специальном корпусе, возведенном арх. Джакомо Кваренги. На сводах Лоджий помещены сцены на сюжеты библейской истории, стены покрывает роспись на орнаментальные мотивы, называемые «гротески».

 

В собрании западноевропейской скульптуры Эрмитажа достаточно полно представлена итальянская школа XV-XIX веков. Украшением коллекции ренессансной пластики является мраморный рельеф "Мадонна с младенцем"[21] работы одного из крупных флорентинских скульпторов кватроченто Антонио Росселино. Целым рядом характерных произведений в технике майолики представлена семья флорентинских скульпторов делла Роббиа. Прекрасным образцом ренессансной декоративной пластики и очень редким экспонатом для музеев является мраморная облицовка кабинета герцога Феррары Альфонсо д'Эсте работы венецианского скульптора Антонио Ломбардо. В Эрмитаже хранится почти весь комплекс - свыше 30 рельефов. Эрмитаж обладает единственным в России подлинным произведением Микеланджело. "Скорчившийся мальчик" (1530-1534) был задуман в связи с работой над усыпальницей правителей Флоренции Медичи - Новой сакристии в церкви Сан.Лоренцо. Ценную часть собрания составляет коллекция выполненных в терракоте моделей и эскизов больших декоративных статуй мастеров XVII-XVIII столетий, среди которых выделяются произведения крупнейшего скульптора и архитектора XVII века Джан Лоренцо Бернини: "Экстаз Св. Терезы", "Св. Константин Великий". и фрагмент автопортрета мастера. Эффектная мраморная группа "Гибель Адониса" (1709) Джузеппе Маццуолы дает представление о творчестве одного из лучших учеников Л.Бернини. В Эрмитаже хранится замечательная коллекция из 15 работ самого значительного итальянского скульптора конца XVIII- начала XIX века Антонио Кановы. Такие первоклассные памятники, как "Амур и Психея" (1800), "Кающаяся Магдалина" (1809), "Танцовщица" (1811) показывают широкое разнообразие тем, привлекавших внимание художника, и ярко характеризуют его искусство. Богато представлена скульптура мастеров следующего после А.Кановы поколения: Пьетро Тенерани, Лоренцо Бартолини, Джованни Дюпре и др. Большинство этих мраморных статуй было заказано непосредственно у скульпторов по желанию Николая I.

 

 

[1] Собрание сложилось в сер ХVIII века, когда аббат Филиппо Фарсетти (1704-1774) получил от папы Бенедикта ХIV разрешение снять гипсовые копии с наиболее известных статуй античности и нового времени. В то же время Фарсетти приобретал подготовительные модели из терракоты мастеров ХVII - ХVIII веков. В 1755 г. в старинном венецианском Палаццо Фарсетти на берегу Канале Гранде открылся "Музей Фарсетти". Основной его задачей было знакомить молодых художников Венеции - посредством копий и моделей - с классическим искусством Рима, как древнего, так и современного. Терракотовые модели с произведений выдающихся скульпторов XVII века, таких как Бернини и Альгарди, сделали эту коллекцию одной из самых известных и посещаемых не только художниками и скульпторами, которые делали наброски с терракот для своих работ, но и знатными иностранцами. Посетили Палаццо Фарсетти во время своего путеш по Европе в 1782 г. "графы Северные" - русский великий князь Павел Петрович и его супруга Мария Федоровна. Спустя полтора десятилетия Павел I, уже император, пожелал приобрести венецианскую коллекцию. Антон Франческо Фарсетти, последний отпрыск семейства, решил принести ее в дар русскому царю, и в 1800 г. собрание было доставлено в Петербург и помещено в Академии художеств. В ХVIII веке особенно ценились копии с антиков, входившие в состав коллекции Фарсетти, позже стали отдавать предпочтение оригинальным эскизам и моделям скульпторов, работавших в Италии с начала ХVII до середины ХVIII века. Именно эта часть коллекции поступила в Эрмитаж в 1919 г.

[2] является крупнейшим сиенским художником первой половины XIV в. был аристократическим художником, поддерживавшим связи в высших слоях общества, Он сделал блестящую карьеру, превратившись из художника местного значения в мастера международного класса, обслуживавшего папский престол. Его репутация в родной Сиене была безукоризненной. Использовал в 1 из работ, если можно так выразиться, «полу коллаж ». Симоне делал в штукатурке насечки и вставлял цветные стёклышки, чтобы придать фреске сияние, а также использовал олово . Можно только представить, каким эффектным и сияющим было это произведение в 1315 г.Мартини и Петрарку связывала большая дружба. Известна история, связанная с портретом Лауры , возлюбленной Петрарки, который написал для него Симоне. К авиньонскому периоду относится миниатюра , созданная Симоне Мартини в рукописи Вергилия , принадлежавшей Петрарке. Несмотря на двух вполне средневековых рыцарей, изображенных в ней, портрет Вергилия, а также буколические крестьяне в нижней её части вызывают в памяти античную эпоху . В ней ощущается не столько готический, сколько ренессансный дух.

[3] Фра Беато Андже́лико (Анжелико, итал. Fra Beato Angelico , букв. «брат Блаженный Ангельский», собственное имя Гвидо ди Пьетро, итал. Guido di Pietro , имя в постриге Джованни да Фьезоле; 1400 — 1455 ) — итальянский художник эпохи Раннего Возрождения, доминиканский монах. Вазари назвал художника «Ангельским» ( итал. Angelico ); благодаря ему художник стал известен под именем Фра (брат, монах) Анджелико. Очень рано его стали называть Беато Анджелико, то есть Блаженный Анджелико, но Ватикан официально причислил его к лику блаженных только в 1984 году , и он стал считаться небесным покровителем всех художников.

Родился в 1400 году близ Флоренции . Вступил в доминиканский монастырь в Фьезоле в 1418 году . Начинал деятельность с иллюстраций религиозных книг. Работа с крупными формами началась с росписи алтарей В 1445 году Анджелико вызвал в Рим папа Евгений IV расписывать фрески в Ватикане . Фра Беато Андже́лико умер в 1455 году в Риме . Похоронен в церкви Санта-Мария-сопра-Минерва , где его могила существует до нынешнего времени. На его саркофаге можно прочесть: «Здесь покоится достопочтенный художник Фра Джованни из Ордена проповедников. Пусть хвалою мне будет не то, что казался я вторым Апеллесом, но что все, чем владею, отдал Тебе, о Христос. Иные творения живы на земле, другие на небе. Город Флоренция, Этрурии цвет, дал мне, Джованни, рожденье». Латинский текст эпитафии на его могиле предположительно составлен папой Николаем V . Для творчества Фра Анджелико характерна простота цветовых решений, граничащая с наивностью, мягкий лиризм, свойственный многим мастерам кватроченто , широкое использование золота.

[4] Фра Филиппо Липпи родился во Флоренции , 23 июня 1406 г., в семье бедного мясника. В раннем детстве потерял родителей и остался на попечении тетки, от которой несколько времени спустя был взят на воспитание, из милости, братией монастыря дель-Кармине, где 15 лет от роду принял обет монашества («фра» — сокращение от итал. frate , то есть брат). Бросив в 1431 г. монастырскую жизнь, Липпи продолжал, однако, носить иноческую одежду. Старинные биографы рассказывают, будто он был захвачен в Анконе берберийскими пиратами, увезен ими в Африкуи провёл там несколько лет в рабстве. И будто Липпи так поразил хозяина своим искусством, что тот отпустил его на волю. Однако это предание не подтверждается документами. Напротив того, не подлежит сомнению другой эпизод в жизни Липпи — похищение им в 1456 г. из женского монастыря в Прато молодой монахини Лукреции Бути и женитьба на ней, вследствие которой ему пришлось испытать много неприятностей и тревог, пока папа, по ходатайству Козимо Медичи, не освободил супругов от монашеского обета и не признал их брак законным. Однако и после того, несмотря на свою громкую известность, Липпи не знал покоя и по причине своей беспорядочной жизни и расточительности был преследуем кредиторами. Был учителем Сандро Боттичелли. Имел сына-художника, которого тоже звали Филиппо.

Значение Липпи в истории искусства состоит в том, что он после Мазаччо ещё решительнее и сильнее направил возродившуюся итальянскую живопись на путь натурализма. Любовь к земным радостям, восхищение при виде красоты, страстность, чувственность и пылкость фантазии сильно сказываются в его произведениях, несмотря на то, что их темы относятся к области религиозных олицетворений. В его фигурах так много искренности, увлечения жизнью, гуманности и тонкого понимания красоты, что они производят неотразимое впечатление, хотя порой прямо противоречат требованиям церковной живописи . Его мадонны — очаровательные невинные девушки или нежно любящие молодые матери; его младенцы-Христы и ангелы — прелестные реальные дети, пышущие здоровьем и весельем. Достоинство его живописи возвышается сильным, блестящим, жизненным колоритом и веселым пейзажем или нарядными архитектурными мотивами, составляющими обстановку сцены. Особенно стоит выделить картину «Мадонна с младенцем и двумя ангелами», написанную художником уже в зрелом возрасте. Фактически это семейный портрет: для образа Мадонны ему позировала его жена, для младенца и ангела, которого мы видим на переднем плане, — его дети. Обращает на себя внимание и то, что волосы Мадонны у самого пробора выщипаны — как предписывала флорентийская мода того времени. Относительно станковых картин Липпи надо заметить, что он первый стал придавать им круглую форму — писать картины, для которых итальянцы усвоили название quadri tondi (рус. тондо) и которые вскоре вошли в употребление не только в домашних молельнях, но и церквах, взамен распространенных перед тем триптихов. Флорентийские галереи содержат в себе много произведений Липпи в этом роде. Таково, между прочим, восхитительное « Коронование Марии » (галерея Уффици ) и « Мадонна со сценой Рождества Богородицы на заднем плане» во дворце Питти. Из картин Липпи, встречающихся вне Италии , особенно любопытны: «Венчание Богоматери» (кругл. формы) в луврском музее, «Пресв. Дева, поклоняющаяся Младенцу Христу» в берлинском музее, «Св. Иоанн-Предтеча» в Лондонской национальной галерее и « Крещение Господне» там же. Несколько работ Липпи хранится в Государственном Эрмитаже .

[5] Са́ндро Боттиче́лли ( 01.03. 1445 — 17.05 1510 ) — великий ит живописец эпохи Возрождения , представитель флорентийской школы живописи. родился в семье кожевника Прозвище «Боттичелли» (бочонок) перешло к нему от старшего брата Джованни, который был толстяком. Боттичелли пришел к живописи не сразу 2 года был учеником у золотых дел мастера Антонио. Учился живописи у Фра Филиппо Липпи, 5 лет. перешёл в мастерскую Андреа Верроккьо. Около 1475 года живописец написал прославленную картину «Поклонение волхвов» , на которой помимо представителей семейства Медичи изобразил и самого себя. Вазари писал: «Поистине произведение это – величайшее чудо, и оно доведено до такого совершенства в колорите, рисунке и композиции, что каждый художник и поныне ему изумляется.»  В это время Боттичелли становится известным и как портретист. В 1476 году умирает Симонетта Веспуччи, по версии ряда исследователей, тайная любовь и модель целого ряда картин Боттичелли, который никогда не был женат. Быстро распространявшаяся слава Боттичелли вышла за пределы Флоренции. С конца 1470-х годов художник получает многочисленные заказы. «И тогда он завоевал себе … во Флоренции и за её пределами такую славу, что папа Сикст IV, построивший капеллу в своём римском дворце и пожелавший расписать её, распорядился поставить его во главе работы». В 1481 папа Сикст IV призвал Боттичелли в Рим. Вместе с Гирландайо , Росселли и Перуджино Боттичелли украсил фресками стены папской капеллы в Ватикане , которая известна как Сикстинская капелла . Самое известное и самое загадочное произведение Боттичелли — « Весна » (Primavera) (1482). Картина вместе с « Палладой и кентавром » (1482-1483) Боттичелли и «Мадонной с Младенцем» неизвестного автора предназначалась для украшения флорентийского дворца Лоренцо ди Пьерфранческо, представителя семейства Медичи . Также около 1485 года Боттичелли создаёт прославленное полотно « Рождение Венеры ». «…Что отличает творчество Сандро Боттичелли от манеры его современников — мастеров кватроченто, да, впрочем, и живописцев всех времён и народов? Это особая певучесть линии в каждой из его картин, необычайное чувство ритма, выраженное в тончайших нюансах и в прекрасной гармонии его «Весны» и «Рождения Венеры». Колорит Боттичелли музыкален, в нём всегда ясен лейтмотив произведения. Мало у кого в мировой живописи так звучит пластика линии, движения и взволнованного, глубоко лирического, далекого от мифологического или иных схем сюжета. Художник сам режиссёр и композитор своих творений. Он не пользуется ходульными канонами, потому его картины так волнуют современного зрителя своей поэзией и первичностью мировидения.»  В 1480–1490 годах Боттичелли выполняет серию иллюстраций пером к « Божественной комедии » Данте . «Рисовал Сандро исключительно хорошо и так много, что ещё долго после его смерти каждый художник старался заполучить его рисунки». В 1490 году во Флоренции появляется доминиканский монах Джироламо Савонарола , в проповедях которого звучал призыв к покаянию и отказу от грешной жизни. Боттичелли был заворожён этими проповедями, и даже, согласно легенде, наблюдал, как жгут его картины на костре тщеславия . С этих пор стиль Боттичелли резко изменяется, он становится аскетичным, гамма красок теперь сдержанная, с преобладанием тёмных тонов. Новый подход художника к созданию произведений В 1498 году Савонарола был схвачен, обвинён в ереси и приговорён к смерти. Эти события глубоко потрясли Боттичелли. Боттичелли «отошёл от работы и в конце концов постарел и обеднел настолько, что, если бы о нём не вспомнил, когда ещё был жив, Лоренцо деи Медичи, для которого он, не говоря о многих других вещах, много работал в малой больнице в Вольтерре, а за ним и друзья его, и многие состоятельные люди, поклонники его таланта, он мог бы умереть с голоду.» 17 мая 1510 года, на 66-м году жизни, Сандро Боттичелли скончался. Живописец был похоронен на кладбище церкви Всех Святых во Флоренции.«Сандро не идёт в свите других, но, соединив в себе весьма многое, что было разбросано, он с удивительной полнотой отражает идеалы своего времени. Не только нам нравится он, но большим успехом пользовался он и у своих современников. Его чисто личное искусство отразило лицо века. В нём, как в фокусе, соединилось всё, что предшествовало тому моменту культуры, и всё, что тогда составляло "настоящее".» ^[5]

Интересные факты Боттичелли — один из художников, которым приписывалось авторство рисунков, на основе которых были созданы две загадочные колоды карт Тарокки Мантеньи

 

[6] Пьетро Перуджино ( итал. Pietro Perugino , дословно «Перуджийский», настоящее имя Пьетро ди Кристофоро Ваннуччи — 1446 — 1524 ) — ит живописец эпохи Возрождения , представитель умбрийской школы. После обучения у местного живописца в 1470 году приехал во Флоренцию и поступил в мастерскую Андреа Верроккьо. приглашён папой Сикстом IV в Рим для участия в работах над декорированием Сикстинской капеллы . Работал во многих городах Италии, но более всего в Перудже, где он был главой большой мастерской. В 1480—1490-х годах Перуджино был одним из самых прославленных худ-в Италии. Самый знаменитый ученик — Рафаэль . Перуджино умер от чумы в 1524 году.

 

[7] Леона́рдо ди сер Пье́ро да Ви́нчи ( лат. homo universalis ). родился 15 апреля 1452 года в селении Анкиано близ небольшого городка Винчи , недалеко от Флоренции в «три часа ночи» то есть в 22:30 по современному Его родители 25-лет нотариус Пьеро (1427—1504) и его возлюбленная, крестьянка Катерина. Первые годы провёл с матерью. Его отец женился на богатой и знатной девушке, но этот брак оказался бездетным, и Пьеро забрал своего трёхлетнего сына на воспитание. Разлученный с матерью Леонардо всю жизнь пытался воссоздать её образ в своих шедеврах Отец прожил 77 лет, был четырежды женат и имел 12 детей. пытался приобщить Леонардо к семейной профессии, безуспешно Леонардо не имел фамилии в современном смысле; «да Винчи» означает просто «(родом) из городка Винчи » .

В своих « Жизнеописаниях наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих » Вазари рассказывает, что как-то один знакомый крестьянин попросил отца Леонардо найти художника, чтобы тот расписал круглый деревянный щит. Сер Пьеро отдал щит своему сыну. Леонардо решил изобразить голову горгоны Медузы , а чтобы изображение чудовища производило на зрителей должное впечатление, он использовал в качестве натуры ящериц, змей, кузнечиков, гусениц, нетопырей и «прочих тварей» «из множества каковых, сочетая их по-разному, он создал чудовище весьма отвратительное и страшное, которое отравляло своим дыханием и воспламеняло воздух». Результат превзошёл его ожидания: когда Леонардо показал законченную работу отцу, тот испугался. Сын сказал ему: «Это произведение служит тому, ради чего оно сделано. Так возьмите же и отдайте его, ибо таково действие, которое ожидается от произведений искусства». Сер Пьеро не отдал работу Леонардо крестьянину: тот получил другой щит, купленный у старьёвщика. Щит же Медузы отец Леонардо продал во Флоренции , выручив за него сто дукатов. По преданию, этот щит перешёл к семье Медичи , а когда он был утерян, полновластных хозяев Флоренции изгнал из города восставший народ. В 1466 Леонардо да Винчи поступает в мастерскую Верроккьо подмастерьем художника. Мастерская Верроккьо находилась в интеллектуальном центре тогдашней Италии, городе Флоренции, что позволило Леонардо обучиться гуманитарным наукам, а также приобрести некоторые технические навыки. Он изучил черчение, химию, металлургию, работу с металлом, гипсом и кожей. Помимо этого юный подмастерье занимался рисованием, скульптурой и моделированием. В мастерской, кроме Леонардо, обучались Перуджино, Лоренцо ди Креди , Аньоло ди Поло, работал Боттичелли , часто бывали такие известные мастера, как Гирландайо и др. Впоследствии, даже когда отец Леонардо принимает его на работу в свою мастерскую, он продолжает сотрудничать с Верроккьо. В 1473 году в возрасте 20 лет Леонардо да Винчи получает квалификацию мастера в Гильдии Святого Луки .

В XV веке в воздухе носились идеи о возрождении античных идеалов. Во Флорентийской Академии лучшие умы Италии создавали теорию нового искусства. Творческая молодёжь проводила время в оживленных дискуссиях. Леонардо оставался в стороне от бурной общественной жизни и редко покидал мастерскую. Ему было не до теоретических споров: он совершенствовал своё мастерство. Однажды Верроккьо получил заказ на картину «Крещение Христа» и поручил Леонардо написать одного из двух ангелов. Это была обычная практика художественных мастерских того времени: учитель создавал картину вместе с помощниками-учениками. Самым талантливым и старательным поручалось исполнение целого фрагмента. Два ангела, написанные Леонардо и Верроккьо, недвусмысленно продемонстрировали превосходство ученика над учителем. Как пишет Вазари, поражённый Верроккьо забросил кисть и никогда больше не возвращался к живописи.

В 1472 — 1477 годах Леонардо работал над: « Крещение Христа », « Благовещение », «Мадонна с вазой».

Во второй половине 70-х годов была Создана «Мадонна с цветком» (« Мадонна Бенуа »).

В возрасте 24 лет Леонардо и ещё трое молодых людей были привлечены к судебному разбирательству по ложному анонимному обвинению в содомии . Их оправдали. О его жизни после этого события известно очень мало, но, вероятно (есть документы), у него была собственная мастерская во Флоренции в 1476—1481 годах.

В 1482 Леонардо, будучи, по словам Вазари , очень талантливым музыкантом, создал серебряную лиру в форме конской головы. Лоренцо Медичи послал его в Милан в качестве миротворца к Лодовико Моро, а лиру отправил с ним как подарок. Тогда же начата работа над конным памятником Франческо Сфорца.

У Леонардо было много друзей и учеников. Что же касается любовных отношений, достоверных сведений на этот счёт нет, поскольку Леонардо тщательно скрывал эту сторону своей жизни. Женат он не был, о романах с женщинами достоверных сведений нет. По некоторым версиям, у Леонардо была связь с Чечилией Галлерани, фавориткой Лодовико Моро, с которой он написал свою знаменитую картину « Дама с горностаем ». Ряд авторов, вслед за словами Вазари, предполагают интимные отношения с юношами, в том числе учениками (Салаи), хотя никаких свидетельств этого не существует, другие же считают, что у Леонардо не было близких отношений вообще никогда и ни с кем и он, вероятнее всего, был девственником, совершенно не интересуясь этой стороной жизни и отдавая предпочтение занятиям науками и искусством. Считается, что да Винчи был вегетарианцем (Андреа Корсали в письме к Джулиано ди Лоренцо Медичи сравнивает Леонардо с одним индусом , который не ел мяса) ^[8] . Часто приписываемая да Винчи фраза «Если человек стремится к свободе, почему он птиц и зверей держит в клетках?.. человек воистину царь зверей, ведь он жестоко истребляет их. Мы живём, умерщвляя других. Мы ходячие кладбища! Ещё в раннем возрасте я отказался от мяса» взята из английского перевода романа Дмитрия Мережковского «Воскресшие боги. Леонардо да Винчи. В числе увлечений Леонардо были даже кулинария и искусство сервировки. В Милане на протяжении 13-ти лет он был распорядителем придворных пиров. Он изобрёл несколько кулинарных приспособлений, облегчающих труд поваров. Оригинальное блюдо «от Леонардо» — тонко нарезанное тушёное мясо, с уложенными сверху овощами, — пользовалось большой популярностью на придворных пирах.

Леонардо был не первым итальянским мастером, милостью французского короля получившим «свободу грезить, мыслить и творить. За два года до смерти у мастера онемела правая рука, и он с трудом передвигался без посторонней помощи. Третий год жизни в Амбуазе Леонардо провёл в постели. 23 апреля 1519 года он оставил завещание, а 2 мая , на 68-м году жизни, скончался в окружении учеников и своих шедевров в замке Кло-Люсе. По словам Вазари, да Винчи умер на руках короля Франциска I, своего близкого друга. Эта малодостоверная, но распространённая во Франции легенда, нашла отражение в полотнах Энгра, Ангелики Кауфман и многих других живописцев. Леонардо да Винчи был похоронен в замке Амбуаз. На могильной плите была выбита надпись: «В стенах этого монастыря покоится прах Леонардо да Винчи, величайшего художника, инженера и зодчего Французского королевства». Основным наследником был сопровождавший Леонардо ученик и друг Франческо Мельци, который в последующие 50 лет оставался главным распорядителем наследства мастера, включавшего (кроме картин) инструменты, библиотеку и не менее 50 тысяч оригинальных документов на различные темы, из которых до наших дней сохранилась лишь треть. Другому ученику Салаи и слуге досталось по половине виноградниковЛеонардо.

Нашим современникам Леонардо в первую очередь известен как художник. Кроме того, не исключено, что да Винчи мог быть и скульптором: исследователи из университета Перуджи — Джанкарло Джентилини и Карло Сиси — утверждают, что найденная ими в 1990 году терракотовая голова является единственной дошедшей до нас скульптурной работой Леонардо да Винчи. Однако сам да Винчи в разные периоды своей жизни считал себя в первую очередь инженером или учёным. Он отдавал изобразительному искусству не очень много времени и работал достаточно медленно. Поэтому художественное наследие Леонардо количественно не велико, а ряд его работ утрачен или сильно повреждён. Однако его вклад в мировую художественную культуру является исключительно важным Предшествующие Леонардо художники Ренессанса решительно отказывались от многих условностей средневекового искусства. Это было движение в сторону реализма и многое уже было достигнуто в изучении перспективы, анатомии , большей свободы в композиционных решениях. Но в плане живописности, работы с краской, художники были ещё достаточно условны и скованы. Линия на картине четко очерчивала предмет, и изображение имело вид раскрашенного рисунка. Наиболее условным был пейзаж, который играл второстепенную роль. Леонардо осознал и воплотил новую живописную технику. У него линия имеет право на размытость, потому что так мы её видим. Он осознал явления рассеяния света в воздухе и возникновения сфумато — дымки между зрителем и изображённым предметом, которая смягчает цветовые контрасты и линии. В итоге реализм в живописи перешёл на качественно новую ступень. Леонардо, по всей видимости, не оставил ни одного автопортрета , который бы мог ему быть однозначно приписан. Учёные усомнились в том, что знаменитый автопортрет сангиной Леонардо (традиционно датируется 1512 — 1515 годами ), изображающий его в старости, является таковым. Считают, что, возможно, это всего лишь этюд головы апостола для «Тайной вечери». Сомнения в том, что это автопортрет художника, высказывались с XIX века , последним их высказал недавно один из крупнейших специалистов по Леонардо, профессор Пьетро Марани. Итальянские учёные заявили о сенсационной находке. Они утверждают, что обнаружен ранний автопортрет Леонардо да Винчи. Открытие принадлежит журналисту Пьеро Анджела ^[16] . Леонардо виртуозно играл на лире . Когда в суде Милана рассматривалось дело Леонардо, он фигурировал там именно как музыкант, а не как художник или изобретатель. В течение своей жизни Леонардо да Винчи сделал тысячи заметок и рисунков, посвящённых анатомии, однако не публиковал свои работы. Делая вскрытие тел людей и животных, он точно передавал строение скелета и внутренних органов, включая мелкие детали. По мнению профессора клинической анатомии Питера Абрамса, научная работа да Винчи обогнала своё время на 300 лет и во многом превосходила знаменитую «Анатомию Грея». ^[18]

Список изобретений, как реальных, так и приписываемых Леонардо да Винчи:

Парашют Колесцовый замок Велосипед Танк Лёгкие переносные мосты для армии Прожектор Катапульта Робот Двухлинзовый телескоп Парашют

Творец « Тайной вечери » и « Джоконды » проявил себя и как мыслитель, рано осознав необходимость теоретического обоснования художнической практики: «Те, которые отдаются практике без знания, похожи на моряка, отправляющегося в дорогу без руля и компаса… практика всегда должна быть основана на хорошем знании теории». Требуя от художника углубленного изучения изображаемых предметов, Леонардо да Винчи заносил все свои наблюдения в записную книжку, которую постоянно носил при себе. Итогом стал своеобразный интимный дневник, подобного которому нет во всей мировой литературе. Рисунки , чертежи и эскизы сопровождаются здесь краткими заметками по вопросам перспективы , архитектуры, музыки, естествознания, военно-инженерного дела и тому подобное; всё это пересыпано разнообразными изречениями, философскими рассуждениями, аллегориями , анекдотами , баснями . В совокупности записи этих 120 книжек представляют материалы для обширнейшей энциклопедии. Однако он не стремился к публикации своих мыслей и даже прибегал к тайнописи, полная расшифровка его записей не выполнена до сих пор. Признавая единственным критерием истины опыт и противопоставляя метод наблюдения и индукции отвлечённому умозрению, Леонардо да Винчи не только на словах, а на деле наносит смертельный удар средневековой схоластике с её пристрастием к абстрактным логическим формулам и дедукции . Для Леонардо да Винчи хорошо говорить — значит правильно думать, то есть мыслить независимо, как древние, не признававшие никаких авторитетов.. …Пусты и полны заблуждений те науки , которые не порождены опытом, отцом всякой достоверности, и не завершаются в наглядном опыте… Ни одно человеческое исследование не может называться истинной наукой, если оно не прошло через математические доказательства. И если ты скажешь, что науки, начинающиеся и заканчивающиеся в мысли, обладают истиной, то в этом нельзя с тобой согласиться, …потому, что в таких чисто мысленных рассуждениях не участвует опыт, без которого нет никакой достоверности.

Огромное литературное наследие Леонардо да Винчи дошло до наших дней в хаотическом виде, в написанных левой рукой рукописях . Хотя Леонардо да Винчи не напечатал из них ни строчки, однако в своих записях он постоянно обращался к воображаемому читателю и все последние годы жизни не оставлял мысли об издании своих трудов. Уже после смерти Леонардо да Винчи его друг и ученик Франческо Мельци выбрал из них отрывки, относящиеся к живописи, из которых был впоследствии скомпонован « Трактат о живописи » (Trattato della pittura, 1-е изд., 1651 ). В полном же виде рукописное наследие Леонардо да Винчи было опубликовано только в XIX — XX веках . Помимо громадного научного и исторического значения оно имеет также художественную ценность благодаря сжатому, энергичному слогу и необычайно чистому языку. Живя в эпоху расцвета гуманизма , когда итальянский язык считался второстепенным по сравнению с латынью, Леонардо да Винчи восхищал современников красотой и выразительностью своей речи (по преданию он был хорошим импровизатором ), но не считал себя литератором и писал, как говорил; его проза поэтому — образец разговорного языка интеллигенции XV века , и это уберегло её в целом от искусственности и велеречивости, присущей прозе гуманистов, хотя в некоторых пассажах дидактических писаний Леонардо да Винчи мы находим отзвуки пафоса гуманистического стиля. Даже в наименее «поэтических» по замыслу фрагментах слог Леонардо да Винчи отличается яркой образностью; так, его «Трактат о живописи» оснащен великолепными описаниями (например, знаменитое описание потопа ), поражающими мастерством словесной передачи живописных и пластических образов.

Более фантастический характер имеют аллегории и пророчества: в первых Леонардо да Винчи использует приемы средневековых энциклопедий и бестиариев ; вторые носят характер шутливых загадок , отличающихся яркостью и меткостью фразеологии и проникнутых язвительной, почти вольтеровской иронией , направленной по адресу знаменитого проповедника Джироламо Савонаролы . Наконец, в афоризмах Леонардо да Винчи выражена в эпиграмматической форме его философия природы , его мысли о внутренней сущности вещей. Художественная литература имела для него чисто утилитарное , подсобное значение. Особое место в наследии художника занимает трактат «Об игре в шахматы» ( лат. «De Ludo Schacorum» ) — книга итальянского монаха-математика Луки Бартоломео Пачоли из монастыря Гроба Господня на латинском языке. Трактат известен также под названием «Отгоняющий скуку» ( лат. «Schifanoia» ). Часть иллюстраций к трактату атрибутируются Леонардо да Винчи, а некоторые исследователи утверждают, что им составлены и некоторые шахматные задачи из этого сборника ^[20] .

На сегодняшний день от дневников Леонардо уцелело около 7000 страниц, находящихся в разных коллекциях. Сначала бесценные заметки принадлежали любимому ученику мастера, Франческо Мельци, но когда тот умер, рукописи исчезли. Отдельные фрагменты начали «всплывать» на рубеже XVIII—XIX вв., немалое число рукописей Леонардо было впервые опубликовано хранителем Амброзианской библиотеки Карло Аморетти . Поначалу они не встретили должного интереса. Многочисленные владельцы даже не подозревали, какое сокровище попало к ним в руки. Но когда учёные установили авторство, выяснилось, что и амбарные книги, и искусствоведческие эссе, и анатомические зарисовки, и странные чертежи, и исследования по геологии, архитектуре, гидравлике, геометрии, боевым фортификациям, философии, оптике, технике рисунка — плод одного человека. Все записи в дневниках Леонардо сделаны в зеркальном изображении. Леонардо был амбидекстром — в одинаковой степени хорошо владел правой и левой руками. Говорят даже, что он мог одновременно писать разные тексты разными руками. Однако большинство трудов он написал левой рукой справа налево. Многие думают, что таким образом он хотел сделать тайными свои исследования. Возможно, так оно и есть. По другой версии, зеркальный почерк был его индивидуальной особенностью (есть даже сведения, что ему было проще писать так, чем нормальным образом); существует даже понятие «почерка Леонардо».

Свой многолетний опыт воспитания молодых живописцев прославленный мастер обобщил в ряде практических рекомендаций. Ученик должен вначале овладеть перспективой, исследовать формы предметов, затем копировать рисунки мастера, рисовать с натуры, изучить произведения разных живописцев, и только после этого приниматься за собственное творение. «Научись прежде прилежанию, чем быстроте», — советует Леонардо. Мастер рекомендует развивать память и особенно фантазию, побуждая всматриваться в неясные контуры пламени и находить в них новые, удивительные формы. Леонардо призывает живописца исследовать природу, дабы не уподобиться зеркалу, которое отражает предметы, не обладая знанием о них. Учитель создал «рецепты» изображения лица, фигуры, одежды, животных, деревьев, неба, дождя. Помимо эстетических принципов великого мастера, его записки содержат мудрые житейские советы молодым художникам.

В 1485 году, после страшной эпидемии чумы в Милане, Леонардо предложил властям проект идеального города с определёнными параметрами, планировкой и канализационной системой. Миланский герцог Лодовико Сфорца отклонил проект. Прошли века, и власти Лондона признали план Леонардо совершенной основой для дальнейшей застройки города В современной Норвегии находится действующий мост, созданный по проекту Леонардо да Винчи. Испытания парашютов и дельтапланов, выполненных по эскизам мастера, подтвердили, что только несовершенство материалов не позволило ему подняться в небо В римском аэропорту, носящем имя Леонардо да Винчи, установлена исполинская, уходящая в небо статуя учёного с моделью вертолёта в руках. «Не оборачивается тот, кто устремлён к звезде», — писал Леонардо.

Леонардо представляет собой пример исторической личности, превращённой массовым сознанием в образ «мага от науки». Он был гениальным художником и непревзойдённым инженером-механиком, хотя и далеко не самым образованным человеком своего времени. Источником мифотворчества стали его записные книжки, где он зарисовывал и описывал как собственные технические идеи, так и то, что он обнаружил в трудах учёных-предшественников или дневниках путешественников, «подсмотрел» у других практиков (часто с собственными усовершенствованиями). Сейчас же он воспринимается многими как изобретатель «всего на свете». Рассматриваемый вне контекста других инженеров эпохи Возрождения , своих современников и предшественников, он выглядит в глазах публики как человек, в одиночку заложивший фундамент современного инженерного знания.

В 1935 г. Международный астрономический союз присвоил имя Леонардо да Винчи кратеру на видимой стороне Луны .

В честь Леонардо да Винчи назван астероид (3000) Леонардо , открытый 2 марта 1981 года американским астрономом Шелте Басом ^[24] .

Леонардо да Винчи — итальянский линкор типа «Конте ди Кавур» .

Давинчиит — минерал , впервые обнаруженный российскими геологами на горе Расвумчорр и названный ими в честь Леонардо да Винчи. Наименование утверждено Комиссией по новым минералам Международной минералогической ассоциации 2 июня 2011 года ^[25] .

 

[8] «Мадонна Бенуа» или «Мадонна с цветком» (ок. 1478—1480) — ранняя картина Леонардо да Винчи , предположительно оставшаяся незавершённой. В 1914 году она была приобретена Императорским Эрмитажем у Марии Александровны, жены придворного архитектора Леонтия Николаевича Бенуа .  «Мадонна с цветком» — одна из первых работ молодого Леонардо. На тот момент ему было всего 26 лет и уже шесть лет, как он покинул мастерскую своего учителя Андреа Верроккьо. У него уже был собственный стиль, но, разумеется, он в большой степени опирался на опыт флорентийцев XV века. Крестоцвет в руке Мадонны Да Винчи помещает Мадонну с Младенцем в полутёмной комнате, где единственным источником света является расположенное в глубине двойное окно. Его зеленоватый свет не может рассеять полумрак, но в то же самое время является достаточным, чтобы высветить фигуру Мадонны и юного Христа. Основную «работу» совершает свет, льющийся слева сверху. Благодаря ему мастеру удаётся оживить картину игрой светотени и вылепить объём двух фигур. «Одну из первых самостоятельных работ молодого живописца отличает новизна трактовки сюжета, решенного как жизненная сцена, где молодая мать, одетая в костюм современниц Леонардо и причесанная по моде тех лет, играя с сыном, протягивает ему цветок крестоцвета. Традиционный символ распятия воспринимается как невинная игрушка, к которой по-детски неловко тянется младенец Иисус, вызывая улыбку юной мадонны, любующейся первыми попытками сына освоить мир». В работе над «Мадонной Бенуа» Леонардо использовал технику масляной живописи, которую до того во Флоренции практически никто не знал. И хотя краски за пять столетий неизбежно изменились, став менее яркими, всё же отчётливо заметно, что молодой Леонардо отказался от традиционной для Флоренции пестроты красок. Вместо этого он широко использует возможности масляных красок, чтобы точнее передать фактуру материалов и нюансы светотени. Голубовато-зелёная гамма вытеснила с картины красный свет, в который обычно облачали Мадонну. В то же время для рукавов и плаща был выбран охристый цвет, гармонизирующий соотношение холодных и тёплых оттенков. «Мадонна» работы Леонардо была широко известна художникам того времени. И не только итальянские мастера использовали в своих работах приёмы молодого да Винчи, но и живописцы из Нидерландов. Считается, что не менее десятка работ выполнено под его влиянием. Сюжет очень прост и, вместе с тем, величествен. Мы видим Богородицу в пору ее счастливого материнства. Для зрителей это не величественная и строгая Богоматерь, а очень юная и нежная мать, играющая со своим малышом. Она протягивает ему цветок крестоцвета. Необычная судьба картины У современников Леонардо да Винчи картина вызвала восторженные отзывы. По ее мотивам было написано много произведений, а потом картина исчезла на триста лет. Довольно скромная и непритязательная на первый взгляд «Мадонна с цветком» удивительна тем, что раскрывает свою прелесть далеко не сразу, а постепенно, по мере погружения в этот особенный внутренний мир. Богоматерь и младенец Иисус окружены полумраком, но глубина этого пространства отчетливо обозначена светлым окном. Дева Мария совсем еще девочка: пухлые щечки, вздернутый носик, задорная улыбка – все это черты не абстрактного божественного идеала, а совершенно конкретной земной девушки, послужившей некогда моделью для этого образа. Она одета и причесана по моде XV века, и каждая деталь ее костюма, каждый локон ее прически рассмотрен художником пристально и передан по-ренессансному подробно. Любовь и радость материнства отразились на ее лице, сосредоточенном на игре с ребенком. Она протягивает ему цветок, а он пытается его ухватить, и вся эта сцена настолько жизненна и убедительна, что впору позабыть о предстоящей трагедии Христа. Тем не менее, цветок с его крестообразным соцветием здесь не просто композиционный центр всей картины, но еще и знак, символ, предзнаменование грядущих Страстей. И, кажется, что в этом осознанном и сосредоточенном лице младенца, тянущегося к цветку, уже проглядывает будущий Спаситель, который принимает свой предначертанный крест. Но с другой стороны, в этом жесте и символ эпохи Возрождения с ее безграничным стремлением познать мир, открыть его тайны, выйти за его границы – в общем, все то, к чему так стремился сам Леонардо. Гармония целого у Леонардо создается за счет синтеза частностей: математически выверенная композиция, анатомическое построение тел, светотеневая моделировка объемов, мягкие контуры и теплое звучание цветов. Традиционный сюжет здесь переосмыслен: образ Мадонны человечен как никогда, а сама сцена более обыденна, нежели религиозна. Фигуры объемны и почти осязаемы за счет тонкой игры света и тени. Каждая складка одежды ложится согласно объему тела и наполнена движением. Леонардо одним из первых в Италии использует технику масляной живописи, которая позволяет более точно передавать фактуру тканей, нюансы светотени, материальность предметов. Для того чтобы еще нагляднее представить, насколько далеко простирались в то время все эти открытия, достаточно просто сравнить «Мадонну» Леонардо с работой его предшественника и учителя — живописца Андреа Верроккьо. В 2018 году картине исполнилось 540 лет.

 

[9] Изображенные на ней персонажи – Мадонна и младенец Иисус кардинально отличаются от тех, которые помещены на картину «Мадонна Бенуа». Теперь девушка выглядит старше, строже. В её глазах, как и раньше, читается любовь и нежность, но от улыбки остался только намёк, а наивность во взгляде уступила место задумчивости. У ребёнка кудри на голове, в то время как Иисус без волос. Художник добавил на новую картину пейзаж за окнами, погружающий в атмосферу спокойствия  На картине изображена женщина, держащая на руках младенца , которого она кормит грудью . Фон картины — стена с двумя арочными окнами , свет из которых падает на зрителя и делает стену более тёмной. В окнах просматривается пейзаж в голубых тонах. Сама же фигура Мадонны словно озарена светом , идущим откуда-то спереди. Женщина смотрит на ребёнка нежно и задумчиво. Лицо Мадонны изображено в профиль, на губах нет улыбки, лишь в уголках притаился некий её образ. Младенец рассеянно смотрит на зрителя, придерживая правой рукой грудь матери. В левой руке ребёнок держит щегла . Яркая образность произведения раскрывается в мелких деталях, которые много рассказывают нам о матери и ребёнке. Мы видим ребёнка и мать в драматический момент отлучения от груди. На женщине красная сорочка с широкой горловиной . В ней сделаны специальные разрезы, через которые удобно, не снимая платье, кормить младенца грудью . Оба разреза были аккуратно зашиты (то есть было принято решение отлучить ребёнка от груди). Но правый разрез был торопливо разорван — верхние стежки и обрывок нити отчетливо виден. Мать по настоянию ребёнка изменила своё решение и отложила этот нелёгкий момент. Согласно раннехристианской традиции, художник показывал Марию целиком сосредоточенной на ребенке, тогда как взгляд маленького Иисуса был устремлен на зрителя. Так же композиционно решена и работа да Винчи «Мадонна Литта». Дева Мария изображена на фоне двух окон в виде арок, из которых льется голубой прозрачный свет, усиливая темный фон за ее спиной. Спереди фигура Богоматери с младенцем освещена мягким светом, источник которого расположен как бы перед изображением. Мать любовно и бережно держит, обхватив, младенца. Мальчик нежно приник к ней. Правой ручкой он обхватил материнскую грудь, а в левой - держит щегленка. Картины Да Винчи Леонардо Символика полотна Леонардо да Винчи «Мадонна Литта» Она заложена и в сюжете, и в композиции картины. Одухотворенный взгляд Богоматери подчеркнуто сконцентрирован на сыне, поскольку для нее Он является центром Вселенной. Взор младенца размыкает закрытую композицию картины. Христос глядит на зрителей и словно бы говорит: «Я всегда с вами». Такая символика присутствовала на раннехристианских фресках, найденных в римских катакомбах. Она очень впечатлила Леонардо да Винчи. «Мадонна Литта» стала результатом творческого осмысления этого символического обещания Христа человечеству, так же как и изображение процесса кормления. Бог воплотился в человека и вскормлен молоком матери. Через это кормление Он принимает и человеческую душу. И здесь знаменательной деталью видится изображение щегленка. Историкам известен тот факт, что Леонардо нередко приходил на птичий рынок, покупал и отпускал в небо птиц. Художник считал, что птичья душа через кормление копирует душу человека. Фигурка щегла на картине как бы подтверждает идею о том, что в сцене вскармливания младенца материнским молоком происходит другое таинство – духовное кормление.  Картину перенесли с дерева на холст, применив уникальную технологию. Особенность восстановления полотна заключалась еще и в том, что автор при ее создании сам немало экспериментировал, создавая новые соединения красящих пигментов, смешивая масло и темперу и используя специальный клей, синтезированный из мельчайших частиц козьего пергамента и имевший кристальную прозрачность. Художник добивался точности в передаче своего замысла на полотне, поскольку был убежден в том, что результат работы мастера сродни творению Бога. Леонардо да Винчи считал, что в воздухе витают образы и подобия, а задача художника – уловить и воплотить их. Понятия образа (imago) и подобия (similitude) в средневековом богословии означало также Тело и Кровь Христа. Вот что закодировал в своих художественных творениях великий Леонардо. Леонардо да Винчи намеренно погружает фон во мрак, чтобы лик Богоматери с младенцем таинственно и выпукло проступал из него, выдвигался навстречу зрителю, поражая неземным величием и монументальностью. Маленькое пространство картины вмещает в себя что-то очень важное. Чувство, что присутствуешь при событии, которое не подвластно времени.

У Леонардо да Винчи нет ничего лишнего. Каждая деталь имеет свой смысл. Его картины важно “читать”. Этим мы сейчас и займёмся.

1. Освещение на картине, как на фреске “Тайная вечеря”

Мадонна стоит на фоне двух арочных окон. Через которые виднеется пейзаж. Голубые горные хребты и небо. Но функции освещения эти окна не несут. На Мадонну падает свет от неяркого источника откуда-то спереди слева. Подобное освещение Леонардо уже однажды использовал в другом своём шедевре. В “Тайной вечери” . Здесь мы тоже видим голубой горный пейзаж. Свет падает на фигуры Христа и апостолов также откуда-то слева. Как будто из окон трапезной монастыря, в которой находится роспись. Леонардо создал такую иллюзию, чтобы фреска гармонично вписывалась в пространство. Возможно, того же эффекта он добивался и в “Мадонне Литта”. С учётом помещения, в котором она должна была висеть.

Сонет № 60

И высочайший гений не прибавит
Единой мысли к тем, что мрамор сам
Таит в избытке, — и лишь это нам
Рука, послушная рассудку, явит.

Жду ль радости, тревога ль сердце давит,
Мудрейшая, благая донна, — вам
Обязан всем я, и тяжел мне срам,
Что вас мой дар не так, как должно, славит.

Не власть Любви, не ваша красота,
Иль холодность, иль гнев, иль гнет презрений
В злосчастии моем несут вину, —
Затем, что смерть с пощадою слита
У вас на сердце, — но мой жалкий гений
Извлечь, любя, способен смерть одну.

Микеланджело

Биографы знаменитого художника отмечали, что «переписка этих двух замечательных людей представляет не только высокий биографический интерес, но и является прекрасным памятником исторической эпохи и редким примером живого обмена мыслей, полных ума, тонкой наблюдательности и иронии»

Исследователи писали по поводу сонетов, посвящённых Микеланджело Виттории: «Нарочитый, вынужденный платонизм их отношений усугубил и довёл до кристаллизации любовно-философский склад микеланджеловской поэзии, отразившей в значительной мере воззрения и стихотворчество самой маркизы, игравшей в течение 1530-х годов роль духовной руководительницы Микеланджело. Их стихотворная „корреспонденция“ вызывала внимание современников; едва ли не самым знаменитым был сонет 60, ставший предметом специального толкования.

Микеланджело Буонарроти один из величайших мастеров эпохи Возрождения . Он еще при жизни получил признание и считался гением мирового значения. Родившись 6 марта 1475 года, он прожил долгую жизнь, умерев в 1564 г. За свои 88 лет он создал столько великолепных работ, что их хватило бы на добрый десяток. Кроме того, что Микеланджело Буонарроти был великим художником, скульптором и архитектором, он является также крупнейшим мыслителем и известным поэтом Ренессанса. скульптуры Давида и Моисея, фрески потолка Сикстинской капеллы. К слову статуя «Давид», по словам великих современников мастера, «отнял славу у всех статуй, современных и античных, греческих и римских». Она и до сих пор считается одним из самых известных и совершенных произведений искусства. этот выдающийся деятель обладал весьма неказистой внешностью. Может именно поэтому Микеланджело не оставил ни одного автопортрета? По описанию людей, знавших мастера, он имел редкие, немного вьющиеся волосы, жиденькую бороденку, круглое лицо с квадратным лбом и впалыми щеками. Широкий нос с горбинкой и выпирающие скулы не делали его привлекательным, а скорее наоборот. Но это совершенно не мешало правителям того времени и самым знатным людям с благоговейным трепетом относиться к невиданному до тех пор гению искусства.

В Древнем Риме знатные и богатые граждане жаловались, что в продаже стало появляться слишком много различных подделок еще более древних шедевров искусства. Во времена великого итальянца, о котором мы рассказываем, этим также грешили талантливые умельцы. Однажды Микеланджело сделал копию одной известной греческой статуи. Она была очень хороша, и близкий друг сказал ему: «Если ты закопаешь ее в землю, то через несколько лет она буде выглядеть как оригинал». Недолго думая молодой еще гений последовал этому совету. И действительно, в прошествии некоторого времени он весьма удачно и за высокую цену продал «древнюю скульптуру».история фальшивок и всевозможных подделок стара, как мир. Известно, что Микеланджело никогда не подписывал своих произведений. Однако тут имеется единственное исключение. Он подписал скульптурную композицию «Пьета». Говорят, Когда шедевр был готов и выставлен на всеобщее обозрение, молодой 25-летний мастер затерялся в толпе и пытался определить, какое впечатление оказывает его работа на народ. И вот к своему ужасу он услышал, как двое жителей итальянского города Милана активно рассуждали о том, что такую дивную вещь мог создать только их земляк. Будучи же коренным жителем Флоренции, наш герой не стерпел гнусного обвинения в том, что он миланец и пробрался ночью в собор, прихватив с собой необходимые резцы и прочие инструменты. При свете лампы он высек на поясе Мадонны гордую надпись: «Микеланджело Буонарроти, флорентиец». После этого никто не смел «приватизировать» происхождение великого мастера. Однако говорят, что он потом жалел об этой вспышке гордости.

Когда художник работал над фреской «Страшный суд», римский папа Павел III нередко посещал его и наблюдал за продвижением дела. Нередко он приходил смотреть фреску со своим церемониймейстером Бьяджо да Чезена. Однажды Павел III спросил у Чезена о том, как ему нравится создаваемая фреска. - Ваша светлость, - отвечал церемониймейстер, - эти изображения скорее подходят для какого-нибудь трактира, а не для вашей святой капеллы. Услышав это оскорбление, Микеланджело Буонарроти на фреске изобразил своего критика в виде царя Миноса, судьи душ умерших. У него были ослиные уши и обмотанная змеей шея. В следующий раз Чезена сразу же заметил, что этот образ написан с него. Придя в ярость, он настойчиво просил папу Павла, чтобы тот приказал Микеланджело стереть его изображение. Но римский папа, забавляясь бессильной злобой своего придворного сказал: - Мое влияние распространяется только на небесные силы, а над представителями ада я, к сожалению, не имею никакой власти.

В начале своего творческого пути Микеланджело Буонарроти очень слабо разбирался в особенностях строения человеческого тела .  для восполнения недостающих знаний юный мастер много времени проводил в морге, который находился при монастыре, где он изучал трупы умерших людей. К слову сказать, великий Леонардо да Винчи промышлял в своих научных изысканиях подобным образом.

Гениальные способности будущего мастера проявились очень рано. Обучаясь в школе скульпторов, которой покровительствовал сам Лоренцо де Медичи, глава Флорентийской республики, он нажил себе немало врагов не только необычным дарованием, но и упрямым характером. Известно, что однажды один из учителей по имени Пьетро Торриджано ударом кулака сломал нос Микеланджело Буонарроти. Говорят, что он не совладал собой из-за дикой зависти к талантливому ученику.

Интересен факт, что великий гений до 60 лет не имел близких отношений с женщинами. По всей видимости, искусство всецело поглотило его, и всю свою энергию он направил только для служения призванию. Однако в 60 лет он повстречал 47-летнюю вдову, которую звали Виктория Колонна, маркиза Пескара. Но даже тогда, когда он писал ей множество сонетов исполненных сладостной тоски, по мнению многих биографов у них не было более близких отношений, чем платоническая любовь. Когда Микеланджело Буонарроти работал над фресками Сикстинской капеллы, он серьезно подорвал свое здоровье. Дело в том, что он без помощников, целых 4 года не покладая рук трудился над этим мировым шедевром. Свидетели сообщают, что он неделями мог не снимать обувь и, забывая о сне и еде, расписывал тысячи квадратных метров потолка собственноручно. При всем этом он дышал вредными парами красок, которые, к тому же, постоянно попадали в глаза. Напоследок стоит лишь добавить, что Микеланджело отличался резким и чрезвычайно сильным характером. Его воля была тверже гранита, и этот факт признавали многие современники, имевшие с ним дело. Рассказывают, что Лев X говорил про Микеланджело: «Он страшен. С ним нельзя иметь дела!». Чем мог великий скульптор и художник так запугать всемогущего римского папу – неизвестно.

 

[17] Выдающийся итальянский художник Караваджо (1571-1610 гг.)   Сразу нужно сказать, что картины Караваджо по-настоящему впечатляют даже тех, кто не силен в искусстве. Дело в том, что художник использовал технику «кьяроскуро»(светотень), которая заключается в резком противопоставлении света и тени. Именно за счет этого приема маэстро особенным образом подчеркивал эмоции и переживания своих героев. Интересен факт, что Караваджо, за свою недолгую жизнь (а прожил он всего 38 лет), не оставил ни одного рисунка или эскиза.  Родившись в небольшом итальянском городке Караваджо, который расположен недалеко от Милана, Микеланджело Меризи в возрасте 13 лет идет в мастерскую Петерцано. Там он знакомится с искусством живописи, и уже к 20 годам своей жизни, молодой художник Караваджо подает большие надежды. Однако его чрезвычайно резкий и вспыльчивый характер мешает ему строить карьеру. Постоянные скандалы, драки и тюремные заключения сопровождали его всю жизнь. Из Милана он вынужден был срочно уехать в Рим после того, как карточная игра закончилась скандалом и убийством. наблюдение итальянского священника Борромео, который охарактеризовал его так: «Человек неотесанный и грубый, вечно скитающийся по улицам и спящий где придется, он рисует бродяг, нищих и пьяниц, и кажется вполне счастливым человеком». После очередной драки, Караваджо снова попадает в тюрьму, где встречается с Джордано Бруно. В 1593 он несколько месяцев был на грани жизни и смерти, так как серьезно заболел римской лихорадкой (малярия). На стадии выздоровления он пишет свой первый автопортрет. Более же всего славы ему принесли картины на библейские сюжеты. Непонятно, каким образом Караваджо умудрялся соединять их с разгульной жизнью и постоянными скандалами. Он без разбора бросался со шпагой на любого, кто плохо отзывался о его художественных произведениях. В 1606 году маэстро был объявлен папой Павлом V вне закона. А это значило, что любой человек мог его не только убить, но еще и получить за это награду. Конечно, для такого серьезного решения у папы были основания.

Случилось так, что в ходе игры в мяч началась драка между двумя компаниями. В одной предводительствовал Караваджо, а в другой - Рануччо Томассони. В конечном счете, Рануччо Томассони был убит, а художника обвинили в преступлении. Поддавшись в бега, он скрывается в имении Колонна, где пишет мрачные картины «Святой Франциск в раздумье» и «Ужин в Эммаусе». После этого он переезжает в Неаполь, а через год - на Мальту. Но тут он снова оказывается замешанным в какой-то скандал, и вновь попадает в тюрьму. Его посадили в так называемый каменный мешок, но он каким-то образом умудрился оттуда бежать. В 1608 г. Караваджо приплыл на Сицилию в город Сиракузы. Переезжая по сицилийским городам, он пишет свои знаменитые картины. В прошествии нескольких лет, кардинал Гонзага начинает вести переговоры с римским папой Павлом V о том, чтобы помиловать Караваджо. В надежде на положительное решение, художник планирует тайно перебраться поближе к Риму. Однако отплыв от Неаполя, он пропадает, и о дальнейшей его судьбе ничего не известно. Есть только сведения, которым не все историки доверяют, что он, якобы, был задержан в крепости Пало, а затем пешком отправился в Порто-Эрколе. Именно там 18 июля по неизвестным причинам мастер умер в возрасте 38 лет. А уже 31 июля обнародовали указ о помиловании Караваджо. Параллельно с ним было опубликовано и сообщение о смерти художника. Очевидцы рассказывают, что когда он писал картину «Воскрешение Лазаря», ему нужны были реальные образы. Будучи фанатом своего дела, он приказал принести в мастерскую недавно убитого человека, которого выкопали из могилы. Два нанятых натурщика наотрез отказались позировать, вместе с начавшим разлагаться трупом. Недолго думая, Караваджо выхватил кинжал, и силой принудил их подчиниться собственной воле.

[18] Тьеполо — великий художник итальянского рококо, гений фресок и гравюр,а также истинный пионер «3D арта»: Тьеполо (Giovanni Battista Tiepolo, 5 марта 1696, Венеция — 27 марта 1770, Мадрид) — один из первых художников 3D: расписывавший потолки палаццо, он использовал визуальные эффекты, «возвышая» потолок и придавая небесам удивительную реальность. Облака выплывают из-за колонн, а ангелы так и парят — того и гляди,приземлятся на плечо восхищенному зрителю! Античность и библейские мотивы в рамках одной работы одновременно — таково совершенно уникальное видение Тьеполо. Александр Бенуа, русский художник и большой поклонник Тьеполо, говорил еще и о «сказочности» его сюжетов. Мы вполне согласны — сказочные работы, в прямом и переносном смысле.  «Визитка» Тьеполо — расписные плафоны. «Все лучшее, созданное Тиеполо, — плафоны, — писал Александр Бенуа. — … Если разглядывать в бинокль гениальный плафон Тьеполо на вилле Гримани в Стра, то моментами иллюзорность доходит до чего-то жуткого. Просто не хочется верить, что эти улыбающиеся, весёлые, полные жизни существа, ныряющие и плавающие среди серых туч, и сами эти тучи были только живописью, пятнами красок по штукатурке». Жена — Сесилия Гварди — подарила ему не только «пропуск» в высший круг творцов(Гварди — одно из самых влиятельных семейств художественного мира того времени), но и 10 детей, двое из которых тоже стали художниками. Доменико и Лоренцо помогали расписывать дворец испанского короля Карла Третьего. Пожилого художника в 1761 г. пригласили на работу, от которой он не смог отказаться, и в 70-летнем возрасте Тьеполо вновь явил миру чудо своего творчества. Семейного! Работа, которая принесла международную славу творцу и наиболее известна в наши дни — росписи резиденции князя-епископа в Вюрцбурге (1750−1753 годы). Фрески на потолке над лестницей — крупнейшая в мире и посвящена частям света: Европе,Азии и Африке, с соответствующими пейзажами, персонажами и животными. Сегодня о Тьеполо мы нередко слышим в новостях аукционных домов. Современные финансовые рекорды таковы: 5 906 500 долл. за работу«Прибытие Генри III на виллу Кантарини» 25 января 2012 г.,… и 542 500. долл. за рисунок углем на бумаге «Пульчинеллы готовят на обед клецки с пармезаном» 31 января 2013 г. Неплохие блюда готовит Christie’s ! Эрмитаж гордится коллекцией из 10 произведений Дж. Б. Тьеполо, среди которых — пять больших декоративных полотен на сюжеты из истории Древнего Рима, составляющие половину картин серии, написанной мастером ок. 1725 года для венецианского дворца Дионисио Дольфин (остальные хранятся в Художественно-историческом музее Вены и в музее Метрополитен). Также из «эрмитажных» широко известна небольшая картина Тьеполо«Меценат представляет императору Августу свободные искусства». И это — заказ! Граф Альгаротти, покровитель Тьеполо (он, кстати, после смерти творца сохранил около 300 его набросков к фрескам), в 1743 г. решил сделать презент графу Брюлю — саксонскому министру и советнику по вопросам искусства курфюрста саксонского и короля польского Августа III. …Надо ли говорить, что образы императора Августа и Мецената схожи с ликами Августа III и графа Брюля? Из собрания этого графа картина и попала в Эрмитаж.
В 2008 году имя Тьеполо было у всех на устах в арт-мире: картину мастера нашли на чердаке французского имения! Стыдливые бабушка и дедушка нынешних владельцев припрятали шикарную даму «топлесс» от греха подальше. Благодаря этому картина отлично сохранилась! Предполагают, что ее заказывала российская императрица Елизавета для украшения Зимнего дворца — имеются аналогичные образы серии. Полотно назвали «Портрет леди в образе Флоры» и вскоре продали с аукциона Christie’s за 4 227 780 долларов, почти втрое «перекрыв» немалый эстимейт.

Еще одна «обнаженка» Тьеполо в 2008, еще и со скандалом: премьер-министр Италии Сильвио Берлускони перед визитом премьер-министра Ирака Нури аль-Малики Берлускони «прикрыл» соски Правды! Точнее — вроде бы приказал заретушировать натуру на картине Джованни Баттисты Тьеполо 260-летней давности «Время разоблачает правду». Работа хранится в римском палаццо Киджи (Chigi), где Берлускони проводит пресс-конференции. Журналисты «цензуру» заметили и растрезвонили на весь мир. Правда, быстро выяснилось, что Правду не испортили, а только скрыли: полотно временно заменили «подмазанной» копией. И теперь во дворце — все та же голая Правда! Отлично высказался известнейший искусствовед Италии Витторио Сгарби: «Они все сошли c ума! Что же нам теперь делать со всеми женскими изображениями, хранящимися в десятках итальянских музеев, бюстам которых позавидует даже Памела Андерсон?»

Работы Джованни Баттиста Тьеполо — оригинальные рисунки, — имеются и в коллекции Национальном музее Львова (Украина). Это 5 рисунков, бесспорно,работы самого мастера, и еще 3 — возможно, также его руки. Самый известный — «Медный змий» («Фурии»). Интересен и рисунок «Этюд всадника» работы старшего сына художника — Джованни Доменико Тьеполо (1727−1804). А «Рисунок аллегорической фигуры старца и головы» — скорее всего, совместная работа отца и сына, интересны и две работы, возможно, еще одного сына мастера — Лоренцо Тьеполо. Все работы, а также оригинальные рисунки Тициана, Микеланджело, Ван Дейка, Франсиско Гойи и других можно было увидеть в рамках только что заварившейся двухнедельной выставки «Западноевропейский рисунок XVI—XVIII столетий» из собрания музея. Жемчужины экспозиции, наряду с рисунками Тьеполо — работы«Иисус Христос со святыми» Тициана, «Апостол» Микеланджело, «Снятие с креста» Ван Дейка. Уникальную коллекцию графики 100 лет тому передал музею в дар митрополит Андрей Шептицкий, коллекционер и меценат. Уникальное собрание последний раз выставляли на публику в 1932 году, а в 2014 ради сохранности работ окна залов были заклеены бумагой и черной пленкой: свет разрушает, но работы — сияют!

 

[19] Родился в Ренелле, неподалеку от Неаполя, 20 июня 1615 , был воспитан в монастыре и готовился принять духовный сан, но вскоре почувствовал непреодолимое влечение к искусству и стал учиться сначала музыке , а потом живописи . Кроме художников развитию таланта Р. в значительной степени способствовало писание им этюдов с натуры без чьей-либо помощи. Восемнадцати лет от роду он пустился странствовать по Апулии и Калабрии , попал в руки тамошних разбойников и прожил некоторое время среди них, изучая их типы и нравы, после чего работал в Неаполе .

В 1634 г. переехал в Рим , где не замедлил приобрести себе известность изображениями характеристичных, полных жизни сцен из быта пастухов, солдат и бандитов, но, благодаря своим сатирам до такой степени восстановил против себя римское общество, что должен был удалиться в Неаполь . Когда там вспыхнула революция Мазаниелло, он участвовал в ней. С 1650 по 1660 гг. работал во Флоренции , при дворе великого герцога Дж.-К. Медичи , по временам посещая Рим. Наконец, снова поселился в этом городе, где и умер 15 марта 1673 . Принадлежа по направлению дарования к натуралистам неаполитанской школы живописи, имея некоторое сродство со своими учителями, Риберой и Фальконе , Роза тем не менее выказал, при большом разнообразии в выборе сюжетов, много оригинальности в их трактовке. В картинах на исторические темы он умел соединять реалистичность изображения с благородством оживленной композиции и с сильным выражением идеи. Портреты работы Розы очень характерны и экспрессивны, что заставляет предполагать об их сходстве с позировавшими перед ним лицами. Роза является превосходным, совершенно самобытным мастером, проникнутым поэзией , когда изображает суровые горы, дикие ущелья, глухие лесные чащи, особенно тогда, когда пишет на полотнах небольшой величины. Есть немало его картин, в которых пейзаж играет второстепенную роль, а главное содержание составляют человеческие фигуры — по большей части фигуры солдат и разбойников. Такие картины можно видеть в Императорском Эрмитаже («Солдаты, играющие в кости»), в венской, мюнхенской, гаагской и др. галереях. Наконец, Роза прекрасно писал очень сложные картины сражений, Относительно колорита Р. должно сказать, что он вообще не отличается большим блеском, но чрезвычайно приятен по своей теплоте и по выдержанности светотени. В последние годы своей жизни Роза усердно занимался гравированием. Всего им исполнено 86 офортов собственной композиции, из которых многие могут быть причислены к лучшим созданиям художника и в хороших оттисках очень ценятся любителями эстампов, Роза сочинил несколько драм, в которых иногда выступал в качестве актера, а также ряд едких сатир.

 

[20]Анто́нио Кано́ва ( 1 ноября 1757 , Поссаньо — 13 октября 1822 , Венеция ) — итальянский скульптор , наиболее значительный представитель классицизма в европейской скульптуре, Самые крупные собрания его работ находятся в парижском Лувре и в петербургском Эрмитаже . Сын бедняка-каменотёса, Канова рано осиротел и поступил в услужение к венецианскому сенатору, который предоставил ему возможность учиться ваянию. Будучи всего 16 лет от роду, Канова сделал для своего покровителя статуи Эвридики и Орфея , а для венецианского патриция группу « Дедал и Икар ». В следующем году он отправился в Рим , где знакомство с классическими памятниками скульптуры быстро развило его врождённые способности. Вскоре молодой художник занял выдающееся место среди ваятелей того времени, и известность его росла с появлением каждого нового произведения, распространяясь и далеко за пределы Италии. Со всех сторон от царственных особ и вельмож сыпались к нему заказы. Папа Пий VII в 1802 г. сделал его главным смотрителем всех художественных памятников в своих владениях. Наполеон I пригласил его в 1802 г. в Париж для изготовления колоссальной статуи (Наполеона) и для других важных работ. После падения Наполеона, в 1815 году, Канова энергично способствовал тому, чтобы художественные сокровища, увезённые из Рима низложенным императором во Францию, были возвращены в Вечный город ; в благодарность за это, равно как и за его необычайный художественный талант, Пий VII приказал вписать его имя в Золотую книгу Капитолия и пожаловал ему титул маркиза д’Искиа. Несмотря на эти почести и на благорасположение со стороны Папы, знаменитый скульптор вследствие размолвки с кардиналами покинул Рим и последние годы своей жизни провёл на родине, в Поссаньо, близ Бассано. Он умер в Венеции 13 октября 1822 г. и был похоронен в соборе Санта-Мария Глориоза деи Фрари в мавзолее , который сам же спроектировал по образцу древнеримских храмов. После смерти Кановы в 1822 году Академия решила поместить сердце Кановы в порфировую урну, При жизни Канова имел репутацию самого значительного из скульпторов новейшего времени. В развитии классицистической скульптуры он сыграл столь же ключевую роль, что и Давид — в развитии классицистической живописи. Современники не жалели сильных эпитетов для описания своего преклонения перед даром Кановы, который, как тогда казалось, выдерживал сравнение с лучшими ваятелями античности. Его надгробия эффектны, портреты — идеализированы. Тем не менее ни «торжественное спокойствие композиции», ни «ясность и изящество пропорций» не уберегли Канову от обвинений в «холодной отвлечённости образов, сентиментальной слащавости и салонной красивости, безжизненности гладкой, отполированной поверхности мрамора», которые выдвигали против него многие позднейшие историки искусства и, в частности, авторы Большой советской энциклопедии .

 

[21] Италия. Флоренция, 1460-е гг. Рельефы одного из крупнейших флорентийских скульпторов эпохи кватроченто, Антонио Росселлино, отличаются утонченностью и живописной мягкостью. "Мадонна с Младенцем" относится к числу его лучших произведений. В его очень юной, хрупкой, с тонкими чертами лица и своеобразным разрезом глаз Мадонне представлен тот тип утонченной красоты, который во второй половине XV столетия был особенно популярен во Флоренции. Несмотря на то, что высота рельефа незначительна, скульптор, показав фигуру сидящей в кресле Марии в легком повороте, точно передал объем и положение тела в пространстве. Фон рельефа в подобных композициях обычно оставляли гладким, а Росселлино изображает легкие слоистые облака, в которых возникают головки ангелов. Смягчая контур фигур, он добивается впечатления прекрасного видéния, исчезающего в облачном небе. Такие рельефы получили название "живописных". В пост. экспозиции не представлена.

 

Италия. Общая характеристика

1234567Следующая ⇒

Поделиться: