Щеглёнок. Иллюзия улыбки. Отсутствие нимбов.

Немало и других необычных деталей в “Мадонне Литта”. Щеглёнок в руке младенца. Эта птичка символизирует христианскую душу. Вам кажется, что Мадонна улыбается? На самом деле нет. Это иллюзия за счёт тени в уголке губ. А ещё обратите внимание, что над Мадонной и младенцем нет нимбов. Если заказчики не настаивали на их изображении, то Леонардо предпочитал писать святых без них. Он был гуманистом. Возвеличивающим человека. И в святых ему также была интересна больше их человеческая, нежели божественная сторона.

 

[10] Аньоло Бронзино (Аньоло ди Козимо ди Мариано — Agnolo di Cosimo di Mariano) ( 17.11 1503 , Флоренция , Тоскана , — 23.11. 1572 (по др данным 23.11. 1563 ), Флоренция ) — итальянский живописец, выдающийся представитель маньеризма . писал фрески, алтарные картины, религиозные , аллегорические картины и картины на мифологические темы. настоящую славу художнику принесли в 1ю очередь портреты . высокообразованным и начитанным человеком и хорошо знал труды таких великих современников- гуманистов , как Данте и Петрарка . Он писал стихи и был членом флорентийской академии.

Бронзино создал тип парадно-аристократического портрета, в котором отчуждённая замкнутость образа сочетается с торжественной неподвижностью композиции, остротой рисунка, холодным колоритом и бесстрастной точностью деталей. Картины Бронзино на религиозные и мифологические темы отличаются сложностью композиции, надуманностью поз и жестов и эротизмом образов. переехал во Флоренцию ко двору Медичи в качестве придворного художника. вошёл в тесный круг интеллектуалов, литераторов и художников, которых собрал вокруг себя тосканский герцог Козимо I Медичи. он вступил в гильдию Св. Луки и во флорентийскую академию. Во время своего пребывания в Риме в 1546—1547 гг. он познакомился с творчеством Микеланджело и многому у него научился. Почти всю свою жизнь Бронзино прожил во Флоренции. В его задачи как придворного художника входило оформление праздничных декорацийВ Палаццо Веккьо Бронзино оформил часовню Элеоноры Толедской сценами Сотворения мира и ликами святых . рисовал эскизы для шпалерных мастерских во Флоренции,  пишет алтарные образы для флорентийских церквей и аллегорические полотна для герцога Похороны Бронзино были скромными. В эпитафии на его могиле есть такие слова: «Не умирает тот, кто живет, как жил Бронзино…

[11] рельефы на спинках кроватей (со сценками "звероложества" и "мужеложества"), кошка - символ греха, а тапочки, лежащие отдельно - символ супружеской измены. Собака, которая останавливает служанку - символ верности, т.к. служанка заходит чтобы сказать хозяйке, что вернулся муж. И про краски на картине: они, естественно, сильно изменились со временем, и тела не выглядели как тела мертвецов.

[12] Бальмонт «Не от юношей пал Олоферн-великан, Не рукою своей с ним сражался титан.

Но Юдифь красотою лица своего Погубила его.»

[13] Тициа́н Вече́ллио ( 1488 / 1490 , Пьеве-ди-Кадоре — 27.08. 1576 , Венеция ) — ит живописец, крупнейший представитель венецианской школы эпохи Высокого и Позднего Возрождения . Имя Тициана стоит в одном ряду с такими художниками Возрождения, как Микеланджело , Леонардо да Винчи и Рафаэль . Тициан писал картины на библейские и мифологические сюжеты, прославился он и как портретист. Ему делали заказы короли и римские папы, кардиналы , герцоги и князья. Тициану не было и тридцати лет, когда его признали лучшим живописцем Венеции .

По месту рождения (Пьеве-ди-Кадоре в провинции Беллуно, Венецианская республика) его иногда называют да Кадоре; известен также как Тициан Божественный. Тициан родился в семье государственного и военного деятеля. Точная дата его рождения неизвестна. В возрасте 10 или 12 лет приехал в Венецию . Он работал в мастерских, знакомится с Лоренцо Лотто и другими художниками, представителями венецианской школы живописи. Но самые тесные отношения у него завязываются с Джорджоне .  Стиль Тициана в это время очень похож на стиль Джорджоне, он дописывает за него те картины, которые остались незавершёнными. В 1511 году он отправляется на несколько месяцев в Падую , Тициан пишет много мадонн и женских портретов. «Его образы в этот период спокойны и радостны, отмечены жизненным полнокровием, яркостью чувств, печатью внутренней просветлённости. Мажорный колорит построен на созвучии глубоких, чистых красок». После смерти Джорджоне и отъезда Себастьяно дель Пьомбо в Рим , в Венеции не осталось художников, способных соревноваться с Тицианом. После смерти Джованни Беллини в 1517 году Тициану присвоен титул первого художника Венецианской республики . Внимательно изучая работы Рафаэля и Микеланджело , Тициан постепенно вырабатывает свой стиль. «В этот период художник отдавал предпочтение монументальным композициям, исполненным пафоса и динамики. Он создавал образы, проникнутые яркими жизненными силами, строил композиции картин по диагонали, пронизывая их стремительным движением, пользовался интенсивными контрастами синих и красных цветовых пятен». Он создает эпические полотна на религиозные и мифологические темы.  В 1525 году Тициан женится на Чечилии Сольдано, к тому времени матери двух его сыновей, однако в 1530 она умирает во время родов второй дочери Тициана, Лавинии. Тициан пользуется покровительством Федерико Гонзага , герцога Мантуи. В 1533 году император присвоил Тициану дворянское звание графа Палатинского. С удивительной прозорливостью изображал художник современников, запечатлевая самые различные, порой противоречивые черты их характеров: уверенность в себе, гордость и достоинство, подозрительность, лицемерие, лживость и т. д. Наряду с одиночными он создавал и групповые портреты, беспощадно вскрывая скрытую сущность взаимоотношений изображенных, драматизм ситуации. С редким искусством Тициан находил для каждого портрета наилучшее композиционное решение, выбирал характерные для модели позу, выражение лица, движение, жест, в каждой картине Тициан находил неповторимо индивидуальное колористическое решение. Колорит складывался из тончайших тональных оттенков, причём тщательно дифференцировались ведущие и подчинённые краски, слагающиеся из еле уловимых нюансов. Этот развитый колоризм Тициан в немалой степени определяет глубочайший психологизм и эмоциональность тициановских портретов. Колористический строй произведения художник выбирал с таким расчётом, чтобы эмоциональное звучание цвета отвечало главным чертам характера человека. Он создаёт замечательные женские образы Библейским В 1545 году Тициан встречается с Микеланджело. Для создания портретов в 1548 он едет в Германию по приглашению императора Карла V , где пользуется большим почётом и уважением. Легенда повествует о том, что когда однажды художник уронил кисть, Карл V поднял её и сказал: «Услужить Тициану почётно даже императору». создаёт монументальные полотна: С помощью композиционных и колористических решений Тициан способен передать на полотне самый сложный характер, движение души, трагизм ситуации, воспеть волю к жизни или красоту человеческого тела.   «Отличительное свойство поздних работ Тициана — их тончайший красочный хроматизм. Мастер строит колористическую гамму, подчинённую приглушённому золотистому тону, на неуловимых оттенках коричневого, сине-стального, розово-красного, блёкло-зелёного. Поздние картины Тициана переливаются множеством полутонов, приобретающих воздушность. Манера письма художника обретает исключительную свободу. И композиция, и форма, и свет строятся с помощью красочной лепки. К концу жизни Тициан выработал новую технику живописи. Он накладывал краски на холст и кистью, и шпателем, и пальцами. Прозрачные лессировки в его поздних картинах не скрывают подмалёвка, обнажая местами зернистую фактуру холста. Из сочетания многообразных по форме свободных мазков, как бы обнажающих творческий процесс художника, рождаются образы, исполненные трепетной жизненности и драматизма В 1575 году в Венеции начинается эпидемия чумы. Тициан, заразившись от своего сына, умирает 27 августа 1576 года. Его нашли на полу мёртвым, с кистью в руке. Вопреки законам, предписывавшим сжигать тела умерших от чумы, Тициан был похоронен в венецианском соборе Санта-Мария Глориоза деи Фрари . На могиле живописца высечены слова: «Здесь лежит великий Тициан Вечелли — соперник Зевсов и Апеллесов»

 

[14] Паоло Веронезе родился в 1528 году в Вероне и был 5 сыном в семье скульптора Учился у дяди венецианского художника, работал в Вероне и Мантуе. занимался украшением Дворца дожей в Венеции , а после — церковной ризницы. посетил Рим , затем расписывал церковь Святой Вероники в селении В 1566 году женился на дочери своего учителя Антонио Бадиле. был обвинен судом инквизиции , но сумел оправдаться и был принужден только исправить или исключить некоторые фигуры на одной из своих картин. Умер Паоло Веронезе 19 апреля 1588 года в Венеции от воспаления лёгких. Был похоронен в церкви Святого Себастьяна.

В его юношеских произведениях можно обнаружить характерные особенности веронской школы с её нежным колоритом , но вместе с тем и известную свободу в создании художественных образов, которой автор был обязан влиянию рафаэлевской школы. В возрасте 27—28 лет был призван в Венецию для украшения ризницы церкви Святого Себастьяна и так хорошо исполнил возложенную на него задачу, что до 1570 года постоянно привлекался к работам для этой церкви и существовавшего при ней монастыря, а по смерти удостоился чести быть погребенным в этом храме. Его работы в церкви Святого Себастьяна отличаются легкостью рисунка и нежным, теплым колоритом:

В своих изображениях евангельских сцен с участием в них Христа Веронезе своеобразно соединил библейское с современным: в венецианском интерьерах XVI века , на фоне архитектуры эпохи Возрождения, пируют в венецианских же костюмах современники художника . Перед нашими глазами оживает все великолепие пиров тогдашнего времени; мы видим ту жажду удовольствий и ту любовь к роскоши и нарядам, которыми отличались венецианцы — современники Веронезе.

Во произведениях зрелого периода Веронезе соединяет умелый и изящный рисунок с богатством замысла и блеском и теплотой колорита. Как портретист Паоло Веронезе близко подходит к манере Тинторетто , но при этом остается неизменно оригинальным.

Интересны также его декоративные работы, многие из которых до нас не дошли; работы эти отличаются смелостью замысла, свободой исполнения, свежестью колорита; они хорошо вписываются в архитектурные формы. Сильную сторону его таланта составляет стенная и плафонная живопись.

После смерти Веронезе его сыновья Карлетто и Габриеле вместе с его братом Бенедетто образовали товарищество художников, которое выпускало картины за подписью «наследники Павла» (Heredes Paoli). Переняв манеру Веронезе, они не унаследовали его таланта и в своих произведениях не достигли декларируемого качества.

[15] Итальянский художник эпохи Ренессанса, гениальный график и мастер архитектурных решений, Рафаэль Санти впитал опыт умбрийской школы живописи. В его полотнах, как в зеркале, отразились идеалы Возрождения. Мир стал добрее и чище, когда на него посмотрели глаза рафаэлевских мадонн – Сикстинской, Конестабиле, Пасадинской, Орлеанской.

Живописец родился весной 1483 года в 15-тысячном городке Урбино на востоке Италии. Отец Джованни деи Санти работал придворным художником герцога, мать Марджи Чарла растила сына и вела домашнее хозяйство. Семья Рафаэля располагала средствами для оплаты кормилицы, но Джованни настоял, чтобы супруга выкормила малыша самостоятельно. В детстве Рафаэль Санти проявил способности к живописи. Отец заметил это, когда брал мальчика в замок, где работали мэтры, виртуозно владевшие кистью, – герцог привечал искусство, выделяя художников.

Паоло Уччелло, Лука Синьорелли – имена живописцев, известные каждому итальянцу. Мэтры рисовали портреты герцога и его родни, расписывали дворцовые стены. За кистью мастеров пристально наблюдали глаза юного Рафаэля. Вскоре Санти понял, что сын оставит в тени и его, и Уччелло с Синьорелли. Рафаэль Санти рано осиротел: едва ему исполнилось 8 лет, умерла мама. Уход самого дорогого человека оставил след в творческой биографии живописца. Его мадонны и портреты любимых женщин словно светятся материнской любовью, которой художник недополучил в детстве.

Вскоре в доме появилась мачеха Бернардина, для которой сын мужа был чужим ребенком. В 12 художник остался круглым сиротой. Уже тогда подросток демонстрировал удивительное мастерство, и его определили в мастерскую художника Пьетро Перуджино. Живописец учил мальчика до тех пор, пока искушенные знатоки перестали отличать копии Рафаэля от полотен Перуджино. Санти как губка впитывал опыт учителей и оставил позади всех учеников, при этом не заносился и дружил с ними.

В 1504 году 21-летний Рафаэль Санти очутился во Флоренции: молодой живописец переехал в колыбель Возрождения следом за Перуджино. Переезд благотворно сказался на карьере и мастерстве юноши – учитель познакомил Рафаэля с именитыми живописцами, скульпторами и архитекторами. В городе на берегу Арно Санти встретил Леонардо да Винчи . Об утерянной картине гениального Леонардо «Леда и лебедь» мы знаем благодаря копии Рафаэля Санти.

 «Мадонна Конестабиле» – ранняя работа 20-летнего художника, написанная в Умбрии в 1502-04 годах. Это неоконченная миниатюра, завершить которую Рафаэль не успел из-за переезда во Флоренцию. Ее второе название - «Мадонна с книгой». Богоматерь с грустью смотрит на улыбающегося младенца, взявшегося рукой за книгу (предположительно Священное Писание).

В 1871 году царь Александр II купил миниатюру для жены. Спустя 10 лет картину перевели с дерева на холст, качество изображения пострадало. Зато под верхним слоем обнаружили, что первоначально в руке мадонны была не книга, а гранат – символ пролитой крови Христа . Огромную ценность представляет рама: она одного возраста с картиной и предположительно сделана по эскизу самого Рафаэля Санти.

Рафаэль Санти писал не только картины религиозной тематики, живописец известен и как портретист. Сейчас интерес к творчеству Рафаэля Санти так же высок, а его творения бесценны. Талант художника оценили при жизни: покровители, не желая, чтобы мастера переманили французы, оплачивали его труд щедро. У Рафаэля был особняк в античном стиле, построенный по авторскому проекту. Выдать дочь замуж за именитого живописца мечтали купцы и герцоги, но тонкий ценитель женской красоты держался стойко. Кардинал Биббиена, желавший породниться с Санти, добился помолвки Рафаэля с племянницей, но маэстро отказался в последний момент.

Женщиной, которая смогла покорить сердце 30-летнего Рафаэля, стала дочь булочника, которую Санти прозвал «Форнарина» (булочка, пышка). 17-летнюю Маргариту Лути художник увидел в саду Киджи, где трудился над образами Амура и Психеи. Рафаэль Санти заплатил булочнику 50 золотых, чтобы дочь позировала ему, да так увлекся юной красавицей, что выкупил у отца за 3 тысячи монет.

Шесть лет Маргарита была музой художника, вдохновлявшей на шедевры. После смерти Рафаэля «Форнарина», получив в наследство дом и содержание, отказалась от всего и ушла в монастырь. В записях монастыря Маргарита значится как вдова живописца.

Причина смерти художника неизвестна. По версии современника Рафаэля, живописца и писателя Вазари, смерть 37-летнего маэстро стала следствием распутства. После бурной ночи Санти вернулся домой и пожаловался на недомогание. Врач сделал кровопускание, которое ухудшило состояние больного, и он скончался. Вторая версия гласит о простуде, которую Рафаэль подхватил в погребальных галереях, где участвовал в раскопках.

Умер художник 6 апреля 1520 года. Местом последнего приюта стала гробница в римском Пантеоне. На плите, укрывшей останки, выгравирована эпитафия: «Здесь покоится великий Рафаэль, при жизни которого природа боялась быть побежденной, а после его смерти она боялась умереть».

 

[16]

Микела́нджело Буонарро́ти, полное имя Микела́нджело ди Лодо́вико ди Леона́рдо ди Буонарро́ти Симо́ни ( 6 марта 1475 , Капрезе — 18 февраля 1564 , Рим )итальянский скульптор , художник , архитектор , поэт , мыслитель . Один из крупнейших мастеров эпохи Возрождения и раннего барокко . Его произведения считались наивысшими достижениями искусства Возрождения ещё при жизни самого мастера Микеланджело прожил почти 89 лет, целую эпоху, от периода Высокого Возрождения к истокам Контрреформации . За этот период сменилось тринадцать Пап Римских — он выполнял заказы для девяти из них. Сохранилось много документов о его жизни и творчестве — свидетельства современников, письма самого Микеланджело, договоры, его личные и профессиональные записи. Микеланджело также был первым представителем западноевропейского искусства, чья биография была напечатана ещё при его жизни. Среди самых известных его скульптурных работ — « Давид », « Бахус », «Пьета», статуи Моисея , Лии и Рахили для гробницы папы Юлия II . Джорджо Вазари , первый официальный биограф Микеланджело, писал, что «Давид» «отнял славу у всех статуй, современных и античных, греческих и римских». Одним из самых монументальных произведений художника являются фрески потолка Сикстинской капеллы , о которых Гёте писал, что: «Не увидев Сикстинской капеллы, трудно составить себе наглядное представление о том, что может сделать один человек». Среди его архитектурных свершений — проект купола Собора Святого Петра , лестницы библиотеки Лауренциана , площадь Кампидольо и другие. Исследователями считается, что искусство Микеланджело начинается и завершается изображением человеческого тела.

Микеланджело родился 6 марта 1475 года в тосканском городке Капрезе к северу от Ареццо, в семье обедневшего флорентийского дворянина Лодовико Известно, что Лодовико гордился своим аристократическим происхождением, ведь род Буонарроти-Симони претендовал на кровное родство с маркграфиней Матильдой Каносскою , хотя не нашлось достаточных документальных данных для подтверждения этого. Асканио Кондиви утверждал, что сам Микеланджело в это верил, вспоминая аристократическое происхождение рода в своих письмах к племяннику Леонардо. Уильям Уоллес писал:

«До Микеланджело очень мало художников претендовали на такое происхождение. Художники не имели не только гербов, но и настоящих фамилий. Их называли в честь отца, профессии или города, и среди них такие известные современники Микеланджело как Леонардо да Винчи и Джорджоне »

Согласно записи Лодовико, который хранится в музее «Каза Буонарроти» ( Флоренция ), Микеланджело родился « (...) в понедельник утром, в 4 или 5:00 до рассвета». В этом реестре также указано, что крестины состоялись 8 марта в церкви Сан Джованни ди Капрезе, и перечислены крестные родители:

О своей матери, рано вышедшей замуж и умершей от истощения частыми беременностями в год шестилетия Микеланджело, последний ни разу не упоминает в своей объёмной переписке с отцом и братьями Лодовико Буонарроти не был богатым, и дохода от его маленького владения в деревне едва хватало на то, чтобы содержать множество детей. В связи с этим он вынужден был отдать Микеланджело кормилице, жене «скарпелино» из той же деревни, называвшейся Сеттиньяно. Там, воспитанный супружеской парой Тополино, мальчик научился разминать глину и владеть резцом раньше, чем читать и писать. Во всяком случае, своему другу и биографу Джорджо Вазари сам Микеланджело потом говорил:

«Если есть что хорошее в моём даровании, то это от того, что я родился в разрежённом воздухе аретинской вашей земли, да и резцы, и молот, которыми я делаю свои статуи, я извлёк из молока моей кормилицы» [15] [8] .

Микеланджело умер 18 февраля 1564 года в Риме, не дожив совсем немного до своего 89-летия. Перед смертью он продиктовал завещание со всей свойственной ему немногословностью: «Я отдаю душу Богу, тело земле, имущество родным». В начале марта тело скульптора было тайно перевезено во Флоренцию и торжественно погребено 14 июля 1564 года в францисканской церкви Санта-Кроче , недалеко от могилы Макиавелли. Гений Микеланджело наложил отпечаток не только на искусство Возрождения, но и на всю дальнейшую мировую культуру. Деятельность его связана в основном с двумя итальянскими городами — Флоренцией и Римом. По характеру своего дарования он был прежде всего скульптор. Это ощущается и в живописных работах мастера, необычайно богатых пластичностью движений, сложных поз, отчётливой и мощной лепкой объёмов. Во Флоренции Микеланджело создал бессмертный образец Высокого Возрождения — статую « Давид » (1501—1504), ставшую на многие века эталоном изображения человеческого тела, в Риме — скульптурную композицию «Пьета́» (1498—1499), одно из первых воплощений фигуры мёртвого человека в пластике. Однако наиболее грандиозные свои замыслы художник смог реализовать именно в живописи, где он выступил подлинным новатором цвета и формы. По заказу папы Юлия II он выполнил роспись потолка Сикстинской капеллы (1508—1512), представляющую библейскую историю от сотворения мира до потопа и включающую более 300 фигур. В 1534—1541 годах в той же Сикстинской капелле для папы Павла III исполнил грандиозную, полную драматизма фреску «Страшный суд» . Поражают своей красотой и величием архитектурные работы Микеланджело — ансамбль площади Капитолия и купол Ватиканского собора в Риме.

Искусства достигли в нём такого совершенства, какого не найдешь ни у древних, ни у новых людей за многие и многие годы. Воображением он обладал таким и столь совершенным и вещи, представлявшиеся ему в идее, были таковы, что руками осуществить замыслы столь великие и потрясающие было невозможно, и часто он бросал свои творения, более того, многие уничтожал; так, известно, что незадолго до смерти он сжег большое число рисунков, набросков и картонов, созданных собственноручно, чтобы никто не смог увидеть трудов, им преодолевавшихся, и то, какими способами он испытывал свой гений, дабы являть его не иначе, как совершенным.

— Джорджо Вазари. « Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих .» Т. V. М., 1971.

Поэзия Микеланджело считается одним из ярчайших образцов эпохи Возрождения До наших дней сохранилось около 300 стихотворений Микеланджело. Основные темы — воспевание человека, горечь разочарования и одиночество художника. Любимые поэтические формы — мадригал и сонет. По Р. Роллану, Микеланджело начал писать стихи ещё в детстве, однако, их осталось не так много, поскольку в 1518 г., он сжег большинство своих ранних стихов, а ещё часть уничтожил уже позже, перед смертью Таким образом, при жизни собрание его стихов не печатались, а первый сборник был опубликован только в 1623 году его племянником Микеланджело Буонарроти (младшим) под названием «Стихи Микеланджело, собранные его племянником» во флорентийском издательстве «Джунтине»

Ещё при его жизни часть стихотворений была положена на музыку. Среди самых известных композиторов-современников Микеланджело — Якоб Аркадельт Бартоломео Тромбончино, Констанца Феста Жан где Также на его слова писали музыку такие композиторы, как Рихард Штраус (цикл из пяти песен — первая на слова Микеланджело, остальные — Адольфа фон Шака, Хуго Вольф (вокальный цикл «Песни Микеланджело» и Бенджамин Бриттен (цикл песен «Семь сонетов Микеланджело», 31 июля 1974 года Дмитрий Шостакович написал сюиту для баса и фортепиано (опус 145). В основу сюиты легли восемь сонетов и три стихотворения художника.

В 2006 году сэр Питер Максвелл Дейвис завершил работу над «Tondo di Michelangelo» (для баритона и фортепиано). В произведение вошло восемь сонетов Микеланджело. В 2010 году австрийский композитор Мэтью Дьюи написал произведение «Il tempo passa: music to Michelangelo» (для баритона, альта и фортепиано). В нём используется современный перевод стихов Микеланджело на английский язык.

Описывая внешность Микеланджело, Ромен Роллан избрал за основу портреты Конте и д'Оланда^[49]:

«Микеланджело был среднего роста, широкий в плечах и мускулистый (...). Голова у него была круглая, лоб квадратный, изрезанный морщинами, с сильно выраженными надбровными дугами. Черные, довольно редкие волосы, слегка кучерявились. Небольшие светло-карие глаза, цвет которых постоянно менялся, усеянные желтыми и голубыми крапинками (...). Широкий прямой нос с небольшой горбинкой (...). Тонко очерченные губы, нижняя губа немного выпирает. Жиденькие бакенбарды, и раздвоенная негустая бородка фавна (...) скуластое лицо со впалыми щеками.»

Микеланджело не оставил после себя ни одного задокументированного автопортрета В 1536 году в Рим приехала Виттория Колонна , маркиза Пескара, где эта 47-летняя вдовая поэтесса заслужила глубокую дружбу 61-летнего Микеланджело. Виттория стала единственной женщиной, имя которой прочно связывают с Микеланджело. Исследователь Нортон утверждал, что «его стихи к ней… подчас трудно отличить от сонетов к юноше Томмазо Кавальери, к тому же известно, что Микеланджело сам подчас заменял обращение "синьор" на "синьора" перед тем, как пустить свои стихи в народ» В будущем его стихи были подвергнуты цензуре внучатым племянником перед опубликованием.

Сонет № 60

И высочайший гений не прибавит
Единой мысли к тем, что мрамор сам
Таит в избытке, — и лишь это нам
Рука, послушная рассудку, явит.

Жду ль радости, тревога ль сердце давит,
Мудрейшая, благая донна, — вам
Обязан всем я, и тяжел мне срам,
Что вас мой дар не так, как должно, славит.

Не власть Любви, не ваша красота,
Иль холодность, иль гнев, иль гнет презрений
В злосчастии моем несут вину, —
Затем, что смерть с пощадою слита
У вас на сердце, — но мой жалкий гений
Извлечь, любя, способен смерть одну.

Микеланджело

Биографы знаменитого художника отмечали, что «переписка этих двух замечательных людей представляет не только высокий биографический интерес, но и является прекрасным памятником исторической эпохи и редким примером живого обмена мыслей, полных ума, тонкой наблюдательности и иронии»

Исследователи писали по поводу сонетов, посвящённых Микеланджело Виттории: «Нарочитый, вынужденный платонизм их отношений усугубил и довёл до кристаллизации любовно-философский склад микеланджеловской поэзии, отразившей в значительной мере воззрения и стихотворчество самой маркизы, игравшей в течение 1530-х годов роль духовной руководительницы Микеланджело. Их стихотворная „корреспонденция“ вызывала внимание современников; едва ли не самым знаменитым был сонет 60, ставший предметом специального толкования.

Микеланджело Буонарроти один из величайших мастеров эпохи Возрождения . Он еще при жизни получил признание и считался гением мирового значения. Родившись 6 марта 1475 года, он прожил долгую жизнь, умерев в 1564 г. За свои 88 лет он создал столько великолепных работ, что их хватило бы на добрый десяток. Кроме того, что Микеланджело Буонарроти был великим художником, скульптором и архитектором, он является также крупнейшим мыслителем и известным поэтом Ренессанса. скульптуры Давида и Моисея, фрески потолка Сикстинской капеллы. К слову статуя «Давид», по словам великих современников мастера, «отнял славу у всех статуй, современных и античных, греческих и римских». Она и до сих пор считается одним из самых известных и совершенных произведений искусства. этот выдающийся деятель обладал весьма неказистой внешностью. Может именно поэтому Микеланджело не оставил ни одного автопортрета? По описанию людей, знавших мастера, он имел редкие, немного вьющиеся волосы, жиденькую бороденку, круглое лицо с квадратным лбом и впалыми щеками. Широкий нос с горбинкой и выпирающие скулы не делали его привлекательным, а скорее наоборот. Но это совершенно не мешало правителям того времени и самым знатным людям с благоговейным трепетом относиться к невиданному до тех пор гению искусства.

В Древнем Риме знатные и богатые граждане жаловались, что в продаже стало появляться слишком много различных подделок еще более древних шедевров искусства. Во времена великого итальянца, о котором мы рассказываем, этим также грешили талантливые умельцы. Однажды Микеланджело сделал копию одной известной греческой статуи. Она была очень хороша, и близкий друг сказал ему: «Если ты закопаешь ее в землю, то через несколько лет она буде выглядеть как оригинал». Недолго думая молодой еще гений последовал этому совету. И действительно, в прошествии некоторого времени он весьма удачно и за высокую цену продал «древнюю скульптуру».история фальшивок и всевозможных подделок стара, как мир. Известно, что Микеланджело никогда не подписывал своих произведений. Однако тут имеется единственное исключение. Он подписал скульптурную композицию «Пьета». Говорят, Когда шедевр был готов и выставлен на всеобщее обозрение, молодой 25-летний мастер затерялся в толпе и пытался определить, какое впечатление оказывает его работа на народ. И вот к своему ужасу он услышал, как двое жителей итальянского города Милана активно рассуждали о том, что такую дивную вещь мог создать только их земляк. Будучи же коренным жителем Флоренции, наш герой не стерпел гнусного обвинения в том, что он миланец и пробрался ночью в собор, прихватив с собой необходимые резцы и прочие инструменты. При свете лампы он высек на поясе Мадонны гордую надпись: «Микеланджело Буонарроти, флорентиец». После этого никто не смел «приватизировать» происхождение великого мастера. Однако говорят, что он потом жалел об этой вспышке гордости.

Когда художник работал над фреской «Страшный суд», римский папа Павел III нередко посещал его и наблюдал за продвижением дела. Нередко он приходил смотреть фреску со своим церемониймейстером Бьяджо да Чезена. Однажды Павел III спросил у Чезена о том, как ему нравится создаваемая фреска. - Ваша светлость, - отвечал церемониймейстер, - эти изображения скорее подходят для какого-нибудь трактира, а не для вашей святой капеллы. Услышав это оскорбление, Микеланджело Буонарроти на фреске изобразил своего критика в виде царя Миноса, судьи душ умерших. У него были ослиные уши и обмотанная змеей шея. В следующий раз Чезена сразу же заметил, что этот образ написан с него. Придя в ярость, он настойчиво просил папу Павла, чтобы тот приказал Микеланджело стереть его изображение. Но римский папа, забавляясь бессильной злобой своего придворного сказал: - Мое влияние распространяется только на небесные силы, а над представителями ада я, к сожалению, не имею никакой власти.

В начале своего творческого пути Микеланджело Буонарроти очень слабо разбирался в особенностях строения человеческого тела .  для восполнения недостающих знаний юный мастер много времени проводил в морге, который находился при монастыре, где он изучал трупы умерших людей. К слову сказать, великий Леонардо да Винчи промышлял в своих научных изысканиях подобным образом.

Гениальные способности будущего мастера проявились очень рано. Обучаясь в школе скульпторов, которой покровительствовал сам Лоренцо де Медичи, глава Флорентийской республики, он нажил себе немало врагов не только необычным дарованием, но и упрямым характером. Известно, что однажды один из учителей по имени Пьетро Торриджано ударом кулака сломал нос Микеланджело Буонарроти. Говорят, что он не совладал собой из-за дикой зависти к талантливому ученику.

Интересен факт, что великий гений до 60 лет не имел близких отношений с женщинами. По всей видимости, искусство всецело поглотило его, и всю свою энергию он направил только для служения призванию. Однако в 60 лет он повстречал 47-летнюю вдову, которую звали Виктория Колонна, маркиза Пескара. Но даже тогда, когда он писал ей множество сонетов исполненных сладостной тоски, по мнению многих биографов у них не было более близких отношений, чем платоническая любовь. Когда Микеланджело Буонарроти работал над фресками Сикстинской капеллы, он серьезно подорвал свое здоровье. Дело в том, что он без помощников, целых 4 года не покладая рук трудился над этим мировым шедевром. Свидетели сообщают, что он неделями мог не снимать обувь и, забывая о сне и еде, расписывал тысячи квадратных метров потолка собственноручно. При всем этом он дышал вредными парами красок, которые, к тому же, постоянно попадали в глаза. Напоследок стоит лишь добавить, что Микеланджело отличался резким и чрезвычайно сильным характером. Его воля была тверже гранита, и этот факт признавали многие современники, имевшие с ним дело. Рассказывают, что Лев X говорил про Микеланджело: «Он страшен. С ним нельзя иметь дела!». Чем мог великий скульптор и художник так запугать всемогущего римского папу – неизвестно.

 

[17] Выдающийся итальянский художник Караваджо (1571-1610 гг.)   Сразу нужно сказать, что картины Караваджо по-настоящему впечатляют даже тех, кто не силен в искусстве. Дело в том, что художник использовал технику «кьяроскуро»(светотень), которая заключается в резком противопоставлении света и тени. Именно за счет этого приема маэстро особенным образом подчеркивал эмоции и переживания своих героев. Интересен факт, что Караваджо, за свою недолгую жизнь (а прожил он всего 38 лет), не оставил ни одного рисунка или эскиза.  Родившись в небольшом итальянском городке Караваджо, который расположен недалеко от Милана, Микеланджело Меризи в возрасте 13 лет идет в мастерскую Петерцано. Там он знакомится с искусством живописи, и уже к 20 годам своей жизни, молодой художник Караваджо подает большие надежды. Однако его чрезвычайно резкий и вспыльчивый характер мешает ему строить карьеру. Постоянные скандалы, драки и тюремные заключения сопровождали его всю жизнь. Из Милана он вынужден был срочно уехать в Рим после того, как карточная игра закончилась скандалом и убийством. наблюдение итальянского священника Борромео, который охарактеризовал его так: «Человек неотесанный и грубый, вечно скитающийся по улицам и спящий где придется, он рисует бродяг, нищих и пьяниц, и кажется вполне счастливым человеком». После очередной драки, Караваджо снова попадает в тюрьму, где встречается с Джордано Бруно. В 1593 он несколько месяцев был на грани жизни и смерти, так как серьезно заболел римской лихорадкой (малярия). На стадии выздоровления он пишет свой первый автопортрет. Более же всего славы ему принесли картины на библейские сюжеты. Непонятно, каким образом Караваджо умудрялся соединять их с разгульной жизнью и постоянными скандалами. Он без разбора бросался со шпагой на любого, кто плохо отзывался о его художественных произведениях. В 1606 году маэстро был объявлен папой Павлом V вне закона. А это значило, что любой человек мог его не только убить, но еще и получить за это награду. Конечно, для такого серьезного решения у папы были основания.

Случилось так, что в ходе игры в мяч началась драка между двумя компаниями. В одной предводительствовал Караваджо, а в другой - Рануччо Томассони. В конечном счете, Рануччо Томассони был убит, а художника обвинили в преступлении. Поддавшись в бега, он скрывается в имении Колонна, где пишет мрачные картины «Святой Франциск в раздумье» и «Ужин в Эммаусе». После этого он переезжает в Неаполь, а через год - на Мальту. Но тут он снова оказывается замешанным в какой-то скандал, и вновь попадает в тюрьму. Его посадили в так называемый каменный мешок, но он каким-то образом умудрился оттуда бежать. В 1608 г. Караваджо приплыл на Сицилию в город Сиракузы. Переезжая по сицилийским городам, он пишет свои знаменитые картины. В прошествии нескольких лет, кардинал Гонзага начинает вести переговоры с римским папой Павлом V о том, чтобы помиловать Караваджо. В надежде на положительное решение, художник планирует тайно перебраться поближе к Риму. Однако отплыв от Неаполя, он пропадает, и о дальнейшей его судьбе ничего не известно. Есть только сведения, которым не все историки доверяют, что он, якобы, был задержан в крепости Пало, а затем пешком отправился в Порто-Эрколе. Именно там 18 июля по неизвестным причинам мастер умер в возрасте 38 лет. А уже 31 июля обнародовали указ о помиловании Караваджо. Параллельно с ним было опубликовано и сообщение о смерти художника. Очевидцы рассказывают, что когда он писал картину «Воскрешение Лазаря», ему нужны были реальные образы. Будучи фанатом своего дела, он приказал принести в мастерскую недавно убитого человека, которого выкопали из могилы. Два нанятых натурщика наотрез отказались позировать, вместе с начавшим разлагаться трупом. Недолго думая, Караваджо выхватил кинжал, и силой принудил их подчиниться собственной воле.

[18] Тьеполо — великий художник итальянского рококо, гений фресок и гравюр,а также истинный пионер «3D арта»: Тьеполо (Giovanni Battista Tiepolo, 5 марта 1696, Венеция — 27 марта 1770, Мадрид) — один из первых художников 3D: расписывавший потолки палаццо, он использовал визуальные эффекты, «возвышая» потолок и придавая небесам удивительную реальность. Облака выплывают из-за колонн, а ангелы так и парят — того и гляди,приземлятся на плечо восхищенному зрителю! Античность и библейские мотивы в рамках одной работы одновременно — таково совершенно уникальное видение Тьеполо. Александр Бенуа, русский художник и большой поклонник Тьеполо, говорил еще и о «сказочности» его сюжетов. Мы вполне согласны — сказочные работы, в прямом и переносном смысле.  «Визитка» Тьеполо — расписные плафоны. «Все лучшее, созданное Тиеполо, — плафоны, — писал Александр Бенуа. — … Если разглядывать в бинокль гениальный плафон Тьеполо на вилле Гримани в Стра, то моментами иллюзорность доходит до чего-то жуткого. Просто не хочется верить, что эти улыбающиеся, весёлые, полные жизни существа, ныряющие и плавающие среди серых туч, и сами эти тучи были только живописью, пятнами красок по штукатурке». Жена — Сесилия Гварди — подарила ему не только «пропуск» в высший круг творцов(Гварди — одно из самых влиятельных семейств художественного мира того времени), но и 10 детей, двое из которых тоже стали художниками. Доменико и Лоренцо помогали расписывать дворец испанского короля Карла Третьего. Пожилого художника в 1761 г. пригласили на работу, от которой он не смог отказаться, и в 70-летнем возрасте Тьеполо вновь явил миру чудо своего творчества. Семейного! Работа, которая принесла международную славу творцу и наиболее известна в наши дни — росписи резиденции князя-епископа в Вюрцбурге (1750−1753 годы). Фрески на потолке над лестницей — крупнейшая в мире и посвящена частям света: Европе,Азии и Африке, с соответствующими пейзажами, персонажами и животными. Сегодня о Тьеполо мы нередко слышим в новостях аукционных домов. Современные финансовые рекорды таковы: 5 906 500 долл. за работу«Прибытие Генри III на виллу Кантарини» 25 января 2012 г.,… и 542 500. долл. за рисунок углем на бумаге «Пульчинеллы готовят на обед клецки с пармезаном» 31 января 2013 г. Неплохие блюда готовит Christie’s ! Эрмитаж гордится коллекцией из 10 произведений Дж. Б. Тьеполо, среди которых — пять больших декоративных полотен на сюжеты из истории Древнего Рима, составляющие половину картин серии, написанной мастером ок. 1725 года для венецианского дворца Дионисио Дольфин (остальные хранятся в Художественно-историческом музее Вены и в музее Метрополитен). Также из «эрмитажных» широко известна небольшая картина Тьеполо«Меценат представляет императору Августу свободные искусства». И это — заказ! Граф Альгаротти, покровитель Тьеполо (он, кстати, после смерти творца сохранил около 300 его набросков к фрескам), в 1743 г. решил сделать презент графу Брюлю — саксонскому министру и советнику по вопросам искусства курфюрста саксонского и короля польского Августа III. …Надо ли говорить, что образы императора Августа и Мецената схожи с ликами Августа III и графа Брюля? Из собрания этого графа картина и попала в Эрмитаж.
В 2008 году имя Тьеполо было у всех на устах в арт-мире: картину мастера нашли на чердаке французского имения! Стыдливые бабушка и дедушка нынешних владельцев припрятали шикарную даму «топлесс» от греха подальше. Благодаря этому картина отлично сохранилась! Предполагают, что ее заказывала российская императрица Елизавета для украшения Зимнего дворца — имеются аналогичные образы серии. Полотно назвали «Портрет леди в образе Флоры» и вскоре продали с аукциона Christie’s за 4 227 780 долларов, почти втрое «перекрыв» немалый эстимейт.

Еще одна «обнаженка» Тьеполо в 2008, еще и со скандалом: премьер-министр Италии Сильвио Берлускони перед визитом премьер-министра Ирака Нури аль-Малики Берлускони «прикрыл» соски Правды! Точнее — вроде бы приказал заретушировать натуру на картине Джованни Баттисты Тьеполо 260-летней давности «Время разоблачает правду». Работа хранится в римском палаццо Киджи (Chigi), где Берлускони проводит пресс-конференции. Журналисты «цензуру» заметили и растрезвонили на весь мир. Правда, быстро выяснилось, что Правду не испортили, а только скрыли: полотно временно заменили «подмазанной» копией. И теперь во дворце — все та же голая Правда! Отлично высказался известнейший искусствовед Италии Витторио Сгарби: «Они все сошли c ума! Что же нам теперь делать со всеми женскими изображениями, хранящимися в десятках итальянских музеев, бюстам которых позавидует даже Памела Андерсон?»

Работы Джованни Баттиста Тьеполо — оригинальные рисунки, — имеются и в коллекции Национальном музее Львова (Украина). Это 5 рисунков, бесспорно,работы самого мастера, и еще 3 — возможно, также его руки. Самый известный — «Медный змий» («Фурии»). Интересен и рисунок «Этюд всадника» работы старшего сына художника — Джованни Доменико Тьеполо (1727−1804). А «Рисунок аллегорической фигуры старца и головы» — скорее всего, совместная работа отца и сына, интересны и две работы, возможно, еще одного сына мастера — Лоренцо Тьеполо. Все работы, а также оригинальные рисунки Тициана, Микеланджело, Ван Дейка, Франсиско Гойи и других можно было увидеть в рамках только что заварившейся двухнедельной выставки «Западноевропейский рисунок XVI—XVIII столетий» из собрания музея. Жемчужины экспозиции, наряду с рисунками Тьеполо — работы«Иисус Христос со святыми» Тициана, «Апостол» Микеланджело, «Снятие с креста» Ван Дейка. Уникальную коллекцию графики 100 лет тому передал музею в дар митрополит Андрей Шептицкий, коллекционер и меценат. Уникальное собрание последний раз выставляли на публику в 1932 году, а в 2014 ради сохранности работ окна залов были заклеены бумагой и черной пленкой: свет разрушает, но работы — сияют!

 

[19] Родился в Ренелле, неподалеку от Неаполя, 20 июня 1615 , был воспитан в монастыре и готовился принять духовный сан, но вскоре почувствовал непреодолимое влечение к искусству и стал учиться сначала музыке , а потом живописи . Кроме художников развитию таланта Р. в значительной степени способствовало писание им этюдов с натуры без чьей-либо помощи. Восемнадцати лет от роду он пустился странствовать по Апулии и Калабрии , попал в руки тамошних разбойников и прожил некоторое время среди них, изучая их типы и нравы, после чего работал в Неаполе .

В 1634 г. переехал в Рим , где не замедлил приобрести себе известность изображениями характеристичных, полных жизни сцен из быта пастухов, солдат и бандитов, но, благодаря своим сатирам до такой степени восстановил против себя римское общество, что должен был удалиться в Неаполь . Когда там вспыхнула революция Мазаниелло, он участвовал в ней. С 1650 по 1660 гг. работал во Флоренции , при дворе великого герцога Дж.-К. Медичи , по временам посещая Рим. Наконец, снова поселился в этом городе, где и умер 15 марта 1673 . Принадлежа по направлению дарования к натуралистам неаполитанской школы живописи, имея некоторое сродство со своими учителями, Риберой и Фальконе , Роза тем не менее выказал, при большом разнообразии в выборе сюжетов, много оригинальности в их трактовке. В картинах на исторические темы он умел соединять реалистичность изображения с благородством оживленной композиции и с сильным выражением идеи. Портреты работы Розы очень характерны и экспрессивны, что заставляет предполагать об их сходстве с позировавшими перед ним лицами. Роза является превосходным, совершенно самобытным мастером, проникнутым поэзией , когда изображает суровые горы, дикие ущелья, глухие лесные чащи, особенно тогда, когда пишет на полотнах небольшой величины. Есть немало его картин, в которых пейзаж играет второстепенную роль, а главное содержание составляют человеческие фигуры — по большей части фигуры солдат и разбойников. Такие картины можно видеть в Императорском Эрмитаже («Солдаты, играющие в кости»), в венской, мюнхенской, гаагской и др. галереях. Наконец, Роза прекрасно писал очень сложные картины сражений, Относительно колорита Р. должно сказать, что он вообще не отличается большим блеском, но чрезвычайно приятен по своей теплоте и по выдержанности светотени. В последние годы своей жизни Роза усердно занимался гравированием. Всего им исполнено 86 офортов собственной композиции, из которых многие могут быть причислены к лучшим созданиям художника и в хороших оттисках очень ценятся любителями эстампов, Роза сочинил несколько драм, в которых иногда выступал в качестве актера, а также ряд едких сатир.

 

[20] Анто́нио Кано́ва ( 1 ноября 1757 , Поссаньо — 13 октября 1822 , Венеция ) — итальянский скульптор , наиболее значительный представитель классицизма в европейской скульптуре, Самые крупные собрания его работ находятся в парижском Лувре и в петербургском Эрмитаже . Сын бедняка-каменотёса, Канова рано осиротел и поступил в услужение к венецианскому сенатору, который предоставил ему возможность учиться ваянию. Будучи всего 16 лет от роду, Канова сделал для своего покровителя статуи Эвридики и Орфея , а для венецианского патриция группу « Дедал и Икар ». В следующем году он отправился в Рим , где знакомство с классическими памятниками скульптуры быстро развило его врождённые способности. Вскоре молодой художник занял выдающееся место среди ваятелей того времени, и известность его росла с появлением каждого нового произведения, распространяясь и далеко за пределы Италии. Со всех сторон от царственных особ и вельмож сыпались к нему заказы. Папа Пий VII в 1802 г. сделал его главным смотрителем всех художественных памятников в своих владениях. Наполеон I пригласил его в 1802 г. в Париж для изготовления колоссальной статуи (Наполеона) и для других важных работ. После падения Наполеона, в 1815 году, Канова энергично способствовал тому, чтобы художественные сокровища, увезённые из Рима низложенным императором во Францию, были возвращены в Вечный город ; в благодарность за это, равно как и за его необычайный художественный талант, Пий VII приказал вписать его имя в Золотую книгу Капитолия и пожаловал ему титул маркиза д’Искиа. Несмотря на эти почести и на благорасположение со стороны Папы, знаменитый скульптор вследствие размолвки с кардиналами покинул Рим и последние годы своей жизни провёл на родине, в Поссаньо, близ Бассано. Он умер в Венеции 13 октября 1822 г. и был похоронен в соборе Санта-Мария Глориоза деи Фрари в мавзолее , который сам же спроектировал по образцу древнеримских храмов. После смерти Кановы в 1822 году Академия решила поместить сердце Кановы в порфировую урну, При жизни Канова имел репутацию самого значительного из скульпторов новейшего времени. В развитии классицистической скульптуры он сыграл столь же ключевую роль, что и Давид — в развитии классицистической живописи. Современники не жалели сильных эпитетов для описания своего преклонения перед даром Кановы, который, как тогда казалось, выдерживал сравнение с лучшими ваятелями античности. Его надгробия эффектны, портреты — идеализированы. Тем не менее ни «торжественное спокойствие композиции», ни «ясность и изящество пропорций» не уберегли Канову от обвинений в «холодной отвлечённости образов, сентиментальной слащавости и салонной красивости, безжизненности гладкой, отполированной поверхности мрамора», которые выдвигали против него многие позднейшие историки искусства и, в частности, авторы Большой советской энциклопедии .

 

[21] Италия. Флоренция, 1460-е гг. Рельефы одного из крупнейших флорентийских скульпторов эпохи кватроченто, Антонио Росселлино, отличаются утонченностью и живописной мягкостью. "Мадонна с Младенцем" относится к числу его лучших произведений. В его очень юной, хрупкой, с тонкими чертами лица и своеобразным разрезом глаз Мадонне представлен тот тип утонченной красоты, который во второй половине XV столетия был особенно популярен во Флоренции. Несмотря на то, что высота рельефа незначительна, скульптор, показав фигуру сидящей в кресле Марии в легком повороте, точно передал объем и положение тела в пространстве. Фон рельефа в подобных композициях обычно оставляли гладким, а Росселлино изображает легкие слоистые облака, в которых возникают головки ангелов. Смягчая контур фигур, он добивается впечатления прекрасного видéния, исчезающего в облачном небе. Такие рельефы получили название "живописных". В пост. экспозиции не представлена.

 

⇐ Предыдущая1234567

Поделиться: