Архитектура Аудит Военная наука Иностранные языки Медицина Металлургия Метрология
Образование Политология Производство Психология Стандартизация Технологии 


А. Ватто. Жанровая структура творчества мастера и его новаторство.




Жан Антуан Ватто,создавший в искусстве свой, неповторимый образ. Ватто нашел себя, свою тему, когда приехал в Париж: это так называемые галантные празднества - аристократическое общество в парке, музицирующие, танцующие, праздное; живопись, в которой как будто нет ни действия, ни сюжета, - сцены беспечной жизни, переданные с утонченной грацией. Все это увидено как бы со стороны тонким, чуть ироничным наблюдателем с налетом меланхолии и грусти. Колорит Ватто - одно из сильнейших качеств его дарования - построен на тонких нюансах серых, коричневых, бледно-сиреневых, желто-розовых тонов. В картинах Ватто никогда нет чистого тона. Как в цвете даны все тончайшие оттенки любовного чувства. В 1717 году художник создал одно из самых больших произведений "Паломничество на остров Цитеру 1717". В этой картине отражена тончайшая палитра чувств, которая прежде всего создана самим цветом. Но все это не любовь, а игра в любовь, театр. Он не скрывает театрального приема в композиции.

 

Ватто вообще очень близко знал актерский быт и не раз писал актеров итальянской и французской комедии. Делакруа называл технику Ватто изумительной, объединившей Фландрию и Венецию. В самом конце жизни Ватто создал свою последнюю работу - это вывеска антикварной лавки, которая так и называется "Лавка Жерсена". В ней он возможно хотел показать, как быстротечна "слава мира", как коротка власть и сама жизнь, а вечно лишь одно искусство.

Сын кровельщика не получивший никакого систематического образования.

Ранний период творчества — жил и работал среди живописцев. В мастерской безызвестного ремесленника, делает копии с голландских жанристов. Воспринял фламандские эмоциональные и национальные традиции. Интерес к обычному человеку; лирическая теплота образа, наблюдательность и уважение к зарисовкам с натуры — всё это зародилось в юнешеские годы.

Ватто обучался к декоративному искусству, тяготел :

—современным костюмам.

—театральным сюжетам.

—к сельским празднествам.

Работа в мастерских Французских учетелей ЖИЛЮ И ОРДАЛА способствовало его интересу к декоративному панно. Этот жанр , своей изысканностью повлиял на композиционные принципы его станковых работ: 1.Использует пейзаж, как декорации (кулисы).Но кулисы не плоские, они имеют прорыв в пространство. Ненавязчиво окутывает людей.

2.Движение происходит от какой либо точки отсчета (перетикает от группы к группе)

3.Передний план уплотняется ( приёмы старых мастеров). Средняя часть высветляется.Свет дает выход во вне, как прорыв и перетекание пространства.

Колористические принципы:

— цветовая гамма всегда теплая

— растушёвывает грани, нет резких контрастов света и тени.

— сопоставление масс относительно друг друга.

— малыми средствами достигает больших результатов.

— вызывает цвет с помошью другого.

— мазки накладывает под определнным углом. (чтобы не коробить естественного восприятия зрителя)

В свою очередь существуют элементы декоративного искусства рококо складывались в начале века под воздействием новых исканий Ватто.

 

В « свой ранний период творчества» он работает и над «военными жанрами».

«Военные жанры» Ватто — не сцены войны. В них нет ни ужасов войны, ни трагизма. Это солдатовские привалы,- отдых беженцев, движение отряда. В фигурков офицерев и беженок есть кукольные изящество — оттенок изысканности. Но главное отличаются убедительностью рассказа и богатства наблюдения. Тонкая выразительность поз, жестов сочитается с леризмом пейзажа. «Выступление отряда солдат» «Бивуак»

В ранних работах Ватто нет той горечи и меланхолии, которые характерны для зрелого искусства. Сюжеты раннего периода:

—Театральные эпизоды

—Сценки городской жизни

—Военные жанры

- «Савояр с сурком» 1716 г.40,5 X 32,5 см.— замечателен своей лирической проникновенностью. «Савояр», несмотря на совершенство исполнения, долго считался одним из самых ранних, почти ученических произведений Ватто (1706—1708 гг.). Это мнение обосновывалось тем, что следы воздействия фламандской живописи, заметные в картине, были, якобы, характерны только для раннего периода творчества художника, и, кроме того, принадлежностью «Савояра» и, ныне утраченной, парной ему картины «Пряха» К. Одрану — учителю Ватто. Но эти доказательства легко опровергнуть: фламандские воздействия заметны и в зрелых работах Ватто, а Одран мог получить картины уже после того, как юный художник покинул его мастерскую.



Настоящая дата написания картины установлена следующим образом: сохранился этюд, на котором, кроме прядущей девушки, изображена головка другой, частично перекрытая фигуркой пряхи. Эта же головка постоянно встречается в произведениях Ватто 1715—1716 годов. Значит, к тому же времени относится и этюд ее, а «перекрывающий» его набросок «Пряхи» естественно не может быть более ранним. Парная к «Пряхе» картина «Савояр» выполнена одновременно с ней, т. е. в период расцвета творчества художника.

Зрелый период.

Ватто сближается с Лесажем — писателем—сатириком и коллекционером Кроза, через которого знакомится с работами—шедеврами старых мастеров и знакомится с именитыми живописцами—рубенистами. Все это постепенно превращало Ватто из ремесленика—жанриста в популярного живописцами галантных празднеств. Но если галантные празднества Ватто не были чистой фантазией (его персонажи были узнаваемы — дань реальности), то образный строй был далек от повседневности.

«Праздник любви»

— нюансы эмоций сменяются от фигурки к фигурке, от группы к группе, находящие отзвук в хрупких сочетаниях цвета

— крохотные мазки соединяют в нежные созвучия — вариации создающие впечатление вибрации красочной поверхности.

— ряды деревьев подобны театральным кулисам, но прозрачность ветвей делает кулису пространственной.

Поиски эмоциональности влекут Ватто к наследию Рубенса. Но Рубеновкая страстность уступает место меланхолическому томлению, полнота чувств — трепетности их оттенков.

 

Метод Ватто: « Не терять времени на дальнейшее прибывание у какого—либо учителя, а идти дальше, направлять свои усилия на учителя учителей — природу...»

 

Ватто подчинял разнообразные элементы, из которых он создавал картины господствующему эмоциональному мотиву. В галантных празднествам ощущается отсраненности художника от изобрадаемого. Ватто неизменно влечет к тончайшей поэзии бытия, его искусству свойственна музыкальность. Узкие границы, в которых развивались искания живописца, поставили этим исканиям неизбежный придел. Ватто менялся от сюжета к сюжету.

Внутренний разлад — отражение противоречий искусства Ватто.

«Поломничество на острове Киферу»

—Выполнена в золотистой гамме с сквозь которую проступает серебристо голубая тональность.

—Пары следуют одна за другой — подхватывая лирическую тему.

—Изысканный колоризм: на золотистом фоне загораются светлые световые акценты оранжевых, нежно—зеленых и розовато красных тканей одежд.

Многие композиции Ватто напоминают театральные сцены. Но реальное содержание современных спектаклей обусловило интерес Ватто к театру и театральным сюжетам. В последние годы возникли самые значительные работы этого цикла.

«Итальянские комедианты» — изобразительная финальная сцена спектакля.

«Изображение актеров французской комедии» — эпизод одного из спектаклей этого театра. Нагромождение арх. элементов и пышность костюмов дополняют смешной пафос №»римлян», их салонные манеры и нелепые позы. самое замечательное произведение Ватто связанное с театром. Композиционное решение картины — загадочно. Композиционная разобщённость фигуры Жиля и не связанных с ним каким—либо действием персонажей второго плана может быть объяснена предположением, что эта картина была исполнена как вывеска для одного из ярмарочных сезонов театра Итальянской комедии. Живописная манера свидетельствует о многообразии исканий Ватто, о новаторстве его искусства. Цветовая гамма Жиля по сравнению с Паломничеством на остров Каферу кажется более холодной, голубоватой как и вообще колорит поздних работ. Работа написана гараздо более широко, чем галантные празднества, в ней ощущается свободное движение цвета и, самое важное,— цветные тени на белой одежде актера — желтоватые, голубые, сиреневый и красный. Графика Ватто — Была одной из самых замечательных страниц 18 века.

Художник рисовал обычно в три цвета , пользуясь черным Итальянским карандашом, сангиной и мелом. Его рисунки основаны на живом наблюдении:

—Пейзажные рисунки

—Женские головки — в разнообразных поворотах и движениях.

—Поиски позы и жеста.

Лёгкие штрихи и волнистые линии воссоздают пространство, скользящие блики света, переливчивость блестящих тканей, нежность воздушной дымки. В рисунках Ватто тоже тонкое поэтические очерование. Последней работой Ватто была «Вывеска Жерсена» вывеска для антикварной лавки. Она изображает внутренность этой лавки с её обычными посетителями. Вывеска конкратезирует, больше чем когда бы то ни было раньше, живым и реальным повествованием. Лавка , будто сцена, раскрыта на улицу. От фигуры дамы в розовом платье, вступающей в интерьер начинается развитее сюжета, характерное для комп. Ватто цепь движений и поворотов, ретмическое чередование мезансцен и пространственных цезур между ними. Хрупкие и нежные цветовые созвучия преобретают сдержанность и пластическую определенность. Вывеска Жерсена — выразительное повествование о людях того времени, предвосхещение новых завоеваний реализма 18 века. Воздействие Ватто на искусство 18 века было гораздо шире : он открыл пути к современным сюжетам, к собственному восприятию лирических оттенков чувств, поэтическому общению с природой, тонкому ощущению цвета.

Еще работы:

"Танец" 1716-1718
Государственный музей, Берлин

Паломничество на остров Цитеру 1717

Лавка Жерсена 1720/182 * 307.8 см

Савояр с сурком 1716 г.40,5 X 32,5 см.

Праздник любви

"Танец" 1716-1718
Государственный музей, Берлин

"Любовная песня" 1717

Национальная галерея, Лондон

"Купание Дианы"
1720, Лувр, Париж

"Капризница" 1718
Эрмитаж, С-П

"Итальянская Комедия"
1718

"Суд Париса"
1720

"Веселая компания на отдыхе" 1716-1719

"Жиль"
1717-1719

 

Оноре Фрагонар.

Обучается в мастерской Буше. Затем становиться учеником французской академии в Риме. Много копирует и изучает античность. Фрагонар развивается как камерный художник, лирик захватывающий внутренние стороны человеческой души. Поэзия наслаждения (гедонизм) играет в его творчестве большую роль.

«Похищение рубашки Амуром»

Мифологический сюжет приобретает конкретный жизненный характер, переносит зрителя в интимную сферу бытия. Картина полна чувственной неги; плавные композиционные ритмы, мягкие трепетные тени, светлые и теплые красочные оттенки создают эмоциональную среду. Любовное томление соединяется с живым лукавством и дерзкой насмешливостью. Эмоциональная насыщенность искусства Фрагонара определила темпераментность его приёмов, свободу легкого и динамичного мазка, тонкость световоздушных эффектов.

«Качели»

Картина выполнена по сюжету заказчика, пожелавшего, чтобы его возлюбленная была на качелях. Интимный уголок парка выглядит кокетливым будуаром. Идеалистичность, кулисность присутствуют, но природа изображена реалистично, и кулисы не замкнуты, а изображение выходит за рамки картины. Порхающие движения грациозной фигурки, очертания её одежды, напоминает силуэт мотылька, жеманная игра томных взглядов — всё это создаёт образ пряной изысканности.

Влечение Фрагонара к натуре предавало жизненность его бытовым сценам, обогащало пейзажный жанр, заставляло оценить индивидуальность в портрете. Но заботой художника было не точное сходство и не сложность внутреннего мира, а волнение души, декоративный размах, красочность костюмов. Его увлекает декоративность.

Психея показывает своим сестрам дары амура (1753)Сюжет этой картины Фрагонар почерпнул из красивого мифа о любви земной девушки Психеи и бога любви Амура (скорее всего, он познакомился с ним в пересказе Лафонтена). На полотне мы видим Психею, показывающую сестрам подарки своего бессмертного возлюбленного. Сестры отчаянно завидуют ей и думают о том, как бы разбить ее "незаслуженное" счастье.
Легкое дыхание
Уже в начале 70-х годов XVIII века в художественной среде Франции появилось выражение "написано а ля Фрагонар". Это значит, что почерк художника в это время стал уже не только узнаваем, но и пользовался успехом у подражателей. Копировать зримую манеру фрагонаровских галантных сцен было не так уж сложно - пышная, несколько декоративная растительность, фарфоровые куколки-персонажи, лукавые Купидоны на заднем плане. Однако внешние декорации - только малая часть того, что мы, называем стилем Фрагонара. И совсем не в них, по большому счету, дело, а в стремительности, одухотворенности, в том, что легче холста, красок и даже воздуха. И копировать это невозможно. Постоянный творческий поиск не давал Фрагонару остановиться на чем-нибудь одном - будь то галантная живопись, сентиментальные семейные сценки или портреты-фантазии. Неизменным оставалось только одно - его "легкое дыхание". Оно чувствуется во всех лучших работах Фрагонара.

Воспитание делает все (1780)Милая и забавная сценка - девочка показывает своим приятелям дрессированных собачек. Дети с восторгом смотрят на мохнатых артистов. Юная дрессировщица полностью увлечена происходящим и все же при этом немного кокетничает. Фрагонар написал "Воспитание" в поздний период своего творчества, расставшись с галантными сюжетами и обратившись к созданию картин из жизни "простых людей".

1752 Побеждает в конкурсе Академии с картиной "Иеровоам поклоняется идолам".

1761 Возвращается в Париж. Начинает работу над полотном "Жрец Корез, жертвующий собой, чтобы спасти Каллирою".
1765 Становится кандидатом в члены Академии художеств. "Жрец Корез" производит сенсацию в Салоне, картину покупает король Людовик XV.

1788 В октябре умирает Генриетта Розали - по всей видимости, от чахотки. Тяжело переживает смерть дочери, сильно заболевает и уезжает в Грасс.
1789 Начало революции.
1792 Возвращается в Париж, но больше никогда не берется за кисти.
1793 При содействии Давида занимает пост хранителя Лувра.
1806 22 августа умирает в своем парижском доме.

 

Буше (Boucher) Франсуа (1703–1770), французский живописец. В 1755-1765 руководил Королевской мануфактурой гобеленов в Париже, с 1765 – директор Королевской академии живописи и скульптуры, “первый живописец короля”, один из ярких мастеров рококо. Сороковые годы XVIII века — период расцвета во французском искусстве стиля рококо, отразившего аристократические идеалы дворянского общества. Для стиля жизни этого времени характерно стремление к роскоши, изощренным, прихотливым формам. Особенность живописи рококо — ее тесная зависимость от архитектурно - декоративного окружения. Станковая картина создавалась в это время прежде всего как деталь украшения интерьера дворянского особняка, наряду с мебелью, фарфором, гобеленами и шелковыми тканями. Самым знаменитым художником рококо был Франсуа Буше, который, помимо живописи, работал во всех видах декоративного и прикладного искусства: он создавал картоны для шпалер, рисунки для севрского фарфора, расписывал веера, исполнял миниатюры и декоративные росписи. Живопись Буше в полной мере отразила декоративные принципы искусства его времени. Буше в начале творческого пути испытал влияние А.Ватто (гравировал его картины), в дальнейшем писал плафоны, панно, картины с мифологическими, пасторальными, жанровыми сценами, нарядно-кокетливые портреты, идиллические пейзажи, выдержанные в мягких серебристо-зеленых тонах (“Вид в окрестностях Бове", Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург). Одним из любимых жанров живописи рококо были пасторальные мотивы, сюжеты которых художники находили прежде всего в античной мифологии. В картине «Юпитер и Каллисто» Буше обратился к «Метаморфозам» римского писателя Овидия, пересказавшего миф о боге Юпитере, который, влюбившись в нимфу Каллисто и желая ее соблазнить, принял облик богини Дианы. Художник интерпретирует чувственный эпизод античной мифологии в характерном для рококо поверхностном, игривом духе.  

 

 
   

 

   
"Похищение Европы" 1734, Собрание Уоллес, Лондон "Портрет маркизы де Помпадур" 1756, Ст. пинакотека, Мюнхен

 

 
   

 

 

 
   

 

"Вулкан, вручающий Венере оружие для Энея" 1757, Лувр "Купание Дианы" 1742, Лувр, Париж

 

 
   

 

 

 
   

 

"Одалиска на синей софе" 1745, Лувр, Париж "Портрет мадемуазель О'Мерфи" 1752, Ст. пинакотека, Мюнхен

 

Грациозные, изящные фигурки его античных героинь похожи на фарфоровые статуэтки. Буше любил светлую живопись и отдавал предпочтение нарядным голубым, розовым и зеленым тонам. В некоторых картинах Буше 1720-1730-х годов, теплых и насыщенных по колориту (“Геркулес и Омфала”, Государственный музей изобразительных искусств, Москва), заметны отзвуки фламандского искусства. В более поздних работах (“Купание Дианы”, 1742, Лувр, Париж; портрет маркизы Помпадур, 1752, собрание Уоллес, Лондон) с обилием оттенков розового и голубого, извилистых сплетающихся линий и сложных ракурсов усиливаются свойственные рококо декоративность, чувственность, несколько жеманная грация, впечатление “фарфоровости” фигур.

 





Рекомендуемые страницы:


Читайте также:



Последнее изменение этой страницы: 2016-04-10; Просмотров: 729; Нарушение авторского права страницы


lektsia.com 2007 - 2021 год. Все материалы представленные на сайте исключительно с целью ознакомления читателями и не преследуют коммерческих целей или нарушение авторских прав! (0.024 с.) Главная | Обратная связь