Стиль рококо, его особенности и национальная специфика во Франции и Германии. Проблема синтеза искусств.

Стиль рококо, его особенности и национальная специфика во Франции и Германии. Проблема синтеза искусств.

Как это нередко бывало в истории, аристократическая культура на пороге той трагедии, которой обернулась для неё Французская революция 1789 года, переживала свой удивительный и уже неповторимый расцвет. И это предощущение конца, быть может, и сообщило ей тот налет чувственности, экзальтированной изысканности, самоиронии и грусти, которые Освальд Шпенглер поэтически называл " счастьем души, осознающей свое последнее совершенство».

Существовал в период кризиса абсолютизма, отразив тяготение к бегству от действительности в иллюзорный мир театральности. В архитектуре повлиял главным образом на характер декора, приобретшего манерно-утончённый, подчёркнуто изящный и усложнённый вид. (" Кто не жил до 1789 года, тот не знает сладости жизни".)

Рококо явилось первым стилем «малых форм», ориентированным не на государственную, либо религиозную сверхидею, а на человека, его масштаб, потребности, внутренний мир и внешние удобства. Развитие индивидуалистического начала стало одним из центральных процессов XVIII века, существенный вклад в который внесли и сентиментализм и предромантизм.

Именно в рококо впервые была разработана целостная стилевая система, программно поставившая все виды искусств на службу потребностям личности.

Ведущими женскими образами искусства рококо становятся нимфа и Венера.

Первое зафиксированное письменное упоминание термина «рокайль», применительно к обозначению специфического типа орнамента относится к 1736 году.

Слово «картелль» - картуш применялось еще в эпоху барокко, но слово «рокайль» было тогда новым. Корень термина «рокайль» - «roc» (франц.) — буквально переводится как скала, утес, камень. Он отсылает к парковым павильонам-гротам, стилизованным под естественные пещеры и украшенным раковинами, улитками и лепным декором в виде переплетающихся стеблей морских растений, которые были известны еще с позднего Ренессанса.

Так что слово «рокайль» буквально обозначает стилизованный декор, использующий разнообразные органические мотивы флоры и фауны подводного мира. Чуть позже, по ассоциации с французским словом «барокко», к термину «рокайль» было присоединено характерное окончание «-око», в результате которого получалось уменьшительное слово «рококо», изначально применяемое в несколько иронически-насмешливом смысле.

В 1750-х годах в парижских салонах слово «рококо» становится уже устойчивым термином.

«То что трогает меня я предпочитаю тому, что поражает»

Долгое время вообще ставилось под сомнение рассмотрение рококо в качестве самостоятельного стиля, его определяли либо как заключительную, «упадочную» фазу барочного искусства, либо как период барочного влияния внутри французского классицизма.

Главный формальный признак рококо - изогнутая линия, напоминающая очертания стилизованной морской раковины, причудливый завиток с двойным S и С- образным изгибом. При этом трактовка морской раковины чрезвычайно многообразна: то она распускается, словно волнистый веер или павлиний хвост, то распадается на отдельные волнообразные, причудливо изгибающиеся желобки, то предстает как неправильной формы картуш. В результате стилизации раковина превращается в условный, абстрактный орнамент - «рокайль», дополняющийся стилизованными волнами и хрящевидными сочленениями, образуя многочисленные вариации.

Освальд Шпенглер своем труде «Закат Европы» объявил «вершиной развития европейской культуры, ярчайшей осенью, богатой плодами и последней роскошной красотой, воплощением «сияющих осенних дней» европейского стиля и всей европейской культуры, в которых отражается счастье души, осознающей свое последнее совершенство».

Слияние стилей

Особенно необходимо отметить в стиле барокко слияние различных искусств в едином ансамбле, большую степень взаимопроникновения архитектуры, скульптуры, живописи и декоративного искусства. Это стремление к синтезу искусств — основополагающая черта барокко.

Отличие о барокко: Если для барокко необходима вся гамма эмоций — от радости до трагедии, то для наслаждающихся рококо — лишь изысканно тонких, изящных. В отличие, от барокко он не был чисто придворным искусством. Большинство построек рококо — это частные дома французской знати и загородные дворцы.

Французское рококо:

Первоначальный «классический» французский вариант рококо, ставшим образцом для многочисленных последующих подражаний.

Во Франции рококо как развивающийся эпохальный стиль, активно открывающий новые пути в искусстве существует на временном отрезке с 1680 по 1750-е года, причем основной его расцвет приходится на 1730-е годы. В то же время присутствие стиля рококо, рядом с утверждающимся неоклассицизмом во французской культуре вплоть до 1789 года несомненно, хотя оно уже более не было стилеобразующим и не ставило новых проблем.

1. В ранний период развития французского рококо (примерно до 1725) в отделку помещений вводился дробный орнамент, предметам обстановки придавались прихотливо изогнутые формы (так называемый стиль регентства).

2. Развитое рококо (примерно 1725—50) широко использовало в декоре резные и лепные узоры, завитки, разорванные картуши, рокайли, маски-головки амуров и т. д.; в убранстве помещений большую роль играли рельефы и живописные панно в изысканных обрамлениях (десюде-порты и др.), а также многочисленные зеркала, усиливавшие эффект лёгкого движения (так называемый стиль Людовика XV). Орнамент, направленность стиля рококо ограничила его влияние на тектонику и наружный облик сооружений. В архитектуре французских отелей (арх. Ж. М. Оппенор, Ж. О. Мейсонье, Ж. Бофран и др.) пышное оформление рокайльных интерьеров сочеталось с относительной, строгостью внешнего облика.

В архитектуре пышное оформление рокайльных интерьеров сочеталось с относительной строгостью внешнего облика здания. С 1760х годов на смену рококо, как ведущему стилистическому направлению, приходит классицизм в историческом контексте смены распадающейся аристократической культуры идеями просветительства.

Немецкое рококо:

Германия дает особенно яркий, полный и масштабный пример расцвета рокайльного искусства, причем, прежде всего в сферах, не востребованных французской традицией. Так именно в Германии сформировались такие уникальные явления, как летняя увеселительная резиденция и церковная архитектура рококо - области не получившие никакого распространения во Франции, хотя именно в них все формальные характеристики и эстетические возможности стиля проявили себя особенно убедительно и исчерпывающе. Наконец, германский регион на сегодняшний день сохраняет наибольшее количество памятников рококо, дающих наиболее последовательное и полное представление об этом искусстве.

В интернациональном же рококо и, прежде всего в Германии и Австрии, а вслед за ними - в странах Восточной Европы и России, расцвет стиля приходится на 1740-50-е годы, и здесь отсутствует столь четкая выраженность каждого этапа: черты Регентства и зрелого рококо вполне могут сосуществовать вместе, образуя своеобразный симбиоз.

При удивительном чувствовании очарования искусства рококо, Шпенглер совершенно не признавал его французских корней, для него рококо - это, прежде всего искусство германского региона, проявившееся в архитектуре Дрездена, Потсдама, Вюрцбурга и Вены, в музыке Моцарта и Гайдна.

СТАНКОВАЯ ЖИВОПИСЬ А.ВАТТО, Ж.ШАРДЕН

Из Версаля художественный центр перемещается в Париж. Придворное искусство с его апофеозом абсолютизма испытывало кризис. Господство исторической картины уже не было безраздельно, на художественных выставках становилось всё больше портретов и жанровых композиций. Трактовка религиозных сюжетов приобрела светский характер. Усиливалось влияние Фломанского и Голандского реализма 17 века. В эту переломную пору на рубеже 2х столетий, когда рушились старые идеалы, а новые только складывались возникло искусство Антуана Ватто.

Сторонник Рококо в Италии - архитектор Тьеполо - способствовал его распространению в Испании. Что касается Англии, то здесь Рококо оказал влияние в основном на прикладные искусства, например на инкрустацию мебели и производство серебряных изделий, и частично на творчество таких мастеров, как Хогарт или Гейнсборо, у которых утончённость образов и артистическая манера письма полностью соответствует духу Рококо. Стиль Рококо был весьма популярен в Центральной Европе вплоть до конца 18 века, тогда как во Франции и других западных странах интерес к нему ослабел уже в 1860-х гг. К этому времени он воспринимался как символ легковесности и был вытеснен неоклассицизмом.

Оноре Фрагонар.

Обучается в мастерской Буше. Затем становиться учеником французской академии в Риме. Много копирует и изучает античность. Фрагонар развивается как камерный художник, лирик захватывающий внутренние стороны человеческой души. Поэзия наслаждения (гедонизм) играет в его творчестве большую роль.

«Похищение рубашки Амуром»

Мифологический сюжет приобретает конкретный жизненный характер, переносит зрителя в интимную сферу бытия. Картина полна чувственной неги; плавные композиционные ритмы, мягкие трепетные тени, светлые и теплые красочные оттенки создают эмоциональную среду. Любовное томление соединяется с живым лукавством и дерзкой насмешливостью. Эмоциональная насыщенность искусства Фрагонара определила темпераментность его приёмов, свободу легкого и динамичного мазка, тонкость световоздушных эффектов.

«Качели»

Картина выполнена по сюжету заказчика, пожелавшего, чтобы его возлюбленная была на качелях. Интимный уголок парка выглядит кокетливым будуаром. Идеалистичность, кулисность присутствуют, но природа изображена реалистично, и кулисы не замкнуты, а изображение выходит за рамки картины. Порхающие движения грациозной фигурки, очертания её одежды, напоминает силуэт мотылька, жеманная игра томных взглядов — всё это создаёт образ пряной изысканности.

Влечение Фрагонара к натуре предавало жизненность его бытовым сценам, обогащало пейзажный жанр, заставляло оценить индивидуальность в портрете. Но заботой художника было не точное сходство и не сложность внутреннего мира, а волнение души, декоративный размах, красочность костюмов. Его увлекает декоративность.

Психея показывает своим сестрам дары амура (1753) Сюжет этой картины Фрагонар почерпнул из красивого мифа о любви земной девушки Психеи и бога любви Амура (скорее всего, он познакомился с ним в пересказе Лафонтена). На полотне мы видим Психею, показывающую сестрам подарки своего бессмертного возлюбленного. Сестры отчаянно завидуют ей и думают о том, как бы разбить ее " незаслуженное" счастье.
Легкое дыхание
Уже в начале 70-х годов XVIII века в художественной среде Франции появилось выражение " написано а ля Фрагонар". Это значит, что почерк художника в это время стал уже не только узнаваем, но и пользовался успехом у подражателей. Копировать зримую манеру фрагонаровских галантных сцен было не так уж сложно - пышная, несколько декоративная растительность, фарфоровые куколки-персонажи, лукавые Купидоны на заднем плане. Однако внешние декорации - только малая часть того, что мы, называем стилем Фрагонара. И совсем не в них, по большому счету, дело, а в стремительности, одухотворенности, в том, что легче холста, красок и даже воздуха. И копировать это невозможно. Постоянный творческий поиск не давал Фрагонару остановиться на чем-нибудь одном - будь то галантная живопись, сентиментальные семейные сценки или портреты-фантазии. Неизменным оставалось только одно - его " легкое дыхание". Оно чувствуется во всех лучших работах Фрагонара.

Воспитание делает все (1780) Милая и забавная сценка - девочка показывает своим приятелям дрессированных собачек. Дети с восторгом смотрят на мохнатых артистов. Юная дрессировщица полностью увлечена происходящим и все же при этом немного кокетничает. Фрагонар написал " Воспитание" в поздний период своего творчества, расставшись с галантными сюжетами и обратившись к созданию картин из жизни " простых людей".

1752 Побеждает в конкурсе Академии с картиной " Иеровоам поклоняется идолам".

1761 Возвращается в Париж. Начинает работу над полотном " Жрец Корез, жертвующий собой, чтобы спасти Каллирою".
1765 Становится кандидатом в члены Академии художеств. " Жрец Корез" производит сенсацию в Салоне, картину покупает король Людовик XV.

1788 В октябре умирает Генриетта Розали - по всей видимости, от чахотки. Тяжело переживает смерть дочери, сильно заболевает и уезжает в Грасс.
1789 Начало революции.
1792 Возвращается в Париж, но больше никогда не берется за кисти.
1793 При содействии Давида занимает пост хранителя Лувра.
1806 22 августа умирает в своем парижском доме.

Буше (Boucher) Франсуа (1703–1770), французский живописец. В 1755-1765 руководил Королевской мануфактурой гобеленов в Париже, с 1765 – директор Королевской академии живописи и скульптуры, “первый живописец короля”, один из ярких мастеров рококо. Сороковые годы XVIII века — период расцвета во французском искусстве стиля рококо, отразившего аристократические идеалы дворянского общества. Для стиля жизни этого времени характерно стремление к роскоши, изощренным, прихотливым формам. Особенность живописи рококо — ее тесная зависимость от архитектурно - декоративного окружения. Станковая картина создавалась в это время прежде всего как деталь украшения интерьера дворянского особняка, наряду с мебелью, фарфором, гобеленами и шелковыми тканями. Самым знаменитым художником рококо был Франсуа Буше, который, помимо живописи, работал во всех видах декоративного и прикладного искусства: он создавал картоны для шпалер, рисунки для севрского фарфора, расписывал веера, исполнял миниатюры и декоративные росписи. Живопись Буше в полной мере отразила декоративные принципы искусства его времени. Буше в начале творческого пути испытал влияние А.Ватто (гравировал его картины), в дальнейшем писал плафоны, панно, картины с мифологическими, пасторальными, жанровыми сценами, нарядно-кокетливые портреты, идиллические пейзажи, выдержанные в мягких серебристо-зеленых тонах (“Вид в окрестностях Бове", Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург). Одним из любимых жанров живописи рококо были пасторальные мотивы, сюжеты которых художники находили прежде всего в античной мифологии. В картине «Юпитер и Каллисто» Буше обратился к «Метаморфозам» римского писателя Овидия, пересказавшего миф о боге Юпитере, который, влюбившись в нимфу Каллисто и желая ее соблазнить, принял облик богини Дианы. Художник интерпретирует чувственный эпизод античной мифологии в характерном для рококо поверхностном, игривом духе.

" Похищение Европы" 1734, Собрание Уоллес, Лондон

" Портрет маркизы де Помпадур" 1756, Ст. пинакотека, Мюнхен

" Вулкан, вручающий Венере оружие для Энея" 1757, Лувр

" Купание Дианы" 1742, Лувр, Париж

" Одалиска на синей софе" 1745, Лувр, Париж

" Портрет мадемуазель О'Мерфи" 1752, Ст. пинакотека, Мюнхен

Грациозные, изящные фигурки его античных героинь похожи на фарфоровые статуэтки. Буше любил светлую живопись и отдавал предпочтение нарядным голубым, розовым и зеленым тонам. В некоторых картинах Буше 1720-1730-х годов, теплых и насыщенных по колориту (“Геркулес и Омфала”, Государственный музей изобразительных искусств, Москва), заметны отзвуки фламандского искусства. В более поздних работах (“Купание Дианы”, 1742, Лувр, Париж; портрет маркизы Помпадур, 1752, собрание Уоллес, Лондон) с обилием оттенков розового и голубого, извилистых сплетающихся линий и сложных ракурсов усиливаются свойственные рококо декоративность, чувственность, несколько жеманная грация, впечатление “фарфоровости” фигур.

Булле Этьен – В конце XVIII в. во Франции были предприняты утопические попытки создать новую архитектуру, основанную на стремлении к геометризации и функциональности форм, — так называемую «говорящую архитектуру». Серия бумажных проектов. Кенотаф Ньютона. Памятник-гробница, но там нет захоронения. Масштаб огромный деревья растут на сооружении. Аллеи вокруг. Отождествление с облаком, упавшим на землю. Здание монумент.

С приходом к власти Наполеона и еще ранее, с Директории, вместе с изменением исторической ситуации трансформировалось и ведущее художественное направление - неоклассицизм. Он стал более условным, холодным, более внешним. Неоклассицизм начала нового столетия называют ампиром, стилем Империи. Стиль ампир - монументальный, репрезентативный в экстерьере, изысканно-роскошный во " внутреннем убранстве, использующий древнеримские архитектурные формы.

Антонио Канова

Анто́ нио Кано́ ва (1 ноября1757, Поссаньо, обл. Венеция — 13 октября1822, Венеция) — итальянский скульптор, наиболее значительный представитель классицизма в европейской скульптуре, образец для подражания академистов XIX века (вроде Торвальдсена). Самые крупные собрания его работ находятся в парижском Лувре и в петербургском Эрмитаже.

Биография

Сын бедняка-каменотеса, Канова рано осиротел и поступил в услужение к венецианскому сенатору Фалиеро. Этот последний доставил ему возможность учиться ваянию. Имея всего 16 лет от роду, Канова исполнил для своего покровителя статуи Евридики и Орфея, а в 1779 г., для венецианского патриция Пизано, группу «Дедал и Икар».

В следующем году он отправился в Рим, где знакомство с классическими памятниками скульптуры быстро развило его врожденные артистические способности. Вскоре молодой художник занял выдающееся место среди тогдашних ваятелей, и известность его росла с появлением каждого нового его произведения, распространяясь далеко и за пределы Италии.

Со всех сторон от царственных особ и вельмож сыпались к нему заказы. Папа Пий VII в 1802 г. сделал его главным смотрителем всех художественных памятников в своих владениях. Наполеон I пригласил его в 1802 г. в Париж для приготовления колоссальной статуи (Наполеона) и для других важных работ. Шедевр этого времени — Полина Бонапарте в обличии победоносной Венеры.

После падения Наполеона, в 1815 г. Канова энергично способствовал тому, чтобы художественные сокровища, увезенные из Рима низложенным императором во Францию, были возвращены в Вечный город; в благодарность за это, равно как и за его необычайный художественный талант Пий VII приказал вписать его имя в Золотую книгу Капитолия и пожаловал ему титул маркиза д’Искиа.

Надгробие Кановы.

Несмотря на эти почести и на благорасположение со стороны Папы, знаменитый скульптор вследствие размолвки своей с кардиналами покинул Рим и последние годы своей жизни провел на родине, в Поссаньо, близ Бассано. Он умер в Венеции 13 октября 1822 г. и был похоронен в Поссаньо в мавзолее, который сам же спроектировал по образцу древнеримских храмов.

]Репутация

При жизни Канова имел репутацию самого значительного из скульпторов новейшего времени. В развитии классицистической скульптуры он сыграл столь же ключевую роль, что и Давид — в развитии классицистической живописи. Современники не жалели сильных эпитетов для описания своего преклонения перед даром Кановы, который, как тогда казалось, выдерживал сравнение с лучшими ваятелями античности. Его надгробия эффектны, портреты — идеализированы. Тем не менее ни «торжественное спокойствие композиции», ни «ясность и изящество пропорций» не уберегли Канову от обвинений в «холодной отвлечённости образов, сентиментальной слащавости и салонной красивости, безжизненности гладкой, отполированной поверхности мрамора», которые выдвигали против него многие позднейшие историки искусства и, в частности, авторы Большой советской энциклопедии.

«Поцелуй Амура и Психеи». Барочность образа. Классицизирование, идеализация, соизмерение с античностью.

«Три грации»

«Паолина Боргезе» - портретность, но нет конкретности. Условность, привязанность к античности.

«Надгробие Марии Сикстинской» формы египетской пирамиды.

Анто́ нио Кано́ ва — итальянский скульптор, наиболее значительный представитель классицизма в европейской скульптуре, образец для подражания академистов XIX века.

Вскоре молодой художник занял выдающееся место среди тогдашних ваятелей, и известность его росла с появлением каждого нового его произведения, распространяясь далеко и за пределы Италии.

Папа Пий VII в 1802 г. сделал его главным смотрителем всех художественных памятников в своих владениях. Наполеон I пригласил его в 1802 г. в Париж для приготовления колоссальной статуи (Наполеона) и для других важных работ. Шедевр этого времени — Полина Бонапарте в обличии победоносной Венеры.

Бертель Торвальдсен

«Памятник погибшим гвардейцам в Люсерне» - раненый лев. Марк Твен назвал этот памятник самым грустным памятником на свете

Бертель Торвальдсен (датск. Bertel Thorvaldsen; 19 ноября1770, Копенгаген — 24 марта1844, там же) — датский художник, скульптор, ярчайший представитель позднего классицизма.

]Биография

Сын исландского резчика по дереву, который обосновался в Дании. Учился в Копенгагенской Академии художеств. В 1797 г. уехал в Рим и провёл в Италии более сорока лет. Открытие мира античного искусства перевернуло его жизнь, и день прибытия в Рим он праздновал как свой день рождения.

За статую Ясона (1803) Торвальдсена похвалил сам Канова, и впоследствии датский ваятель стал восприниматься публикой как наследник великого венецианца. Трудно назвать в XIX веке художника, который бы получил столь всеобщее признание, как Торвальдсен. Заказы сыпались к нему изо всех стран Европы. Его посещение Копенгагена в 1819 году вылилось в подлинную триумфальную процессию: с восторгом встречали его и в Вене, и в Берлине, и в Варшаве.

На склоне лет, в 1838 году, Торвальдсен принял решение вернуться из Италии в Данию, и известие об этом было отмечено там как веха национальной истории. В следующем году началось строительство Музея Торвальдсена в Копенгагене, которому было суждено стать и его мавзолеем.

Работы

Ганимед, кормящий Зевсова орла (1817).

Торвальдсен был одним из самых плодовитых скульпторов в истории искусства. Почти все его лучшие вещи — на античные сюжеты. Современникам казалось, что именно он смог прочувствовать и воссоздать суть классического искусства Греции и Рима. Грандиозный фризс изображением деяний Александра Македонского в Квиринальском дворце он создал в 1812 г. всего за три месяца, с расчётом на предстоящий визит в Рим Наполеона. Среди других известных работ — скульптуры Ганимед с чашей и орлом (1804), Амур и Психея (1807), Венера с яблоком (1813—1816), медальоны День и Ночь (1814—1815), Меркурий со свирелью(1818), Ганимед, кормящий Зевсова орла (1817), Три грации (1817—1819) и проч.

Идеализированные портретные бюсты Торвальдсена пользовались спросом по всей Европе. Он увековечил в мраморе не только монархов (напр., Александра I), но и многочисленных представителей аристократии различных государств (в том числе и русской). Одно из лучших его портретных изображений — автопортрет (1839). Торвальдсен также является автором памятников Юзефу Понятовскому (1820—1829), Н. Копернику (Варшава, 1829—1830), Дж. Байрону (Кембридж, 1830—1831), Ф. Шиллеру (Штутгарт, 1835—1839).

Помимо портретной и мифологической скульптуры, Торвальдсен довольно много разрабатывал библейские и христианские темы. Правда, уже при жизни автора его религиозные работы обвиняли в холодности и бездушности: отстранённая от предмета античная форма отказывалась сочетаться с горячей христианской проповедью. Подобно другим мастерам классицизма, со второй половины XIX века в кругах искусствоведов началась реакция против Торвальдсена. Его произведения называли напыщенными, лишёнными подлинного чувства, его мрамор сравнивали с глыбами льда. Только в Дании культ Торвальдсена без изменений сохранился до наших дней.

Бертель Торвальдсен родился в Копенгагене 19 ноября 1770 года. Отец, исландец по происхождению, был резчиком по дереву. Он не имел большого таланта, но зато сумел привить сыну интерес к скульптуре и рисованию. «Я испытывал страсть к рисованию, - вспоминал позднее скульптор. - Увидев однажды, как я занимаюсь этим на дверях и стенах дома, один из приятелей отца заметил, что у меня определенно есть дар, и спросил отца, не собирается ли тот отдать меня в Академию художеств. Я, мечтая об этом, упросил настоять на таком решении моей судьбы». Так в 1781 году Бертель становится учеником Королевской академии художеств в Копенгагене.
Вскоре юноша был награжден по классу скульптуры малой и большой серебряными медалями, в 1791 году - малой золотой. Одному из своих учителей - Николаю Абильгору - он помогает в отделке королевской резиденции в Копенгагене - Амалиенборге.
Главным его наставником в Копенгагене был даровитый датский скульптор Видевельт, который научил Торвальдсена любить и понимать античное искусство.
В 1793 году Торвальдсен получил Большую золотую медаль за рельеф «Петр исцеляет хромого», а с ним право пенсионерства в Италии. Это давало возможность получать стипендию и продолжать учебу в Италии. Однако прибыть в Рим Торвальдсен смог лишь 8 марта 1797 года. Отныне этот день он отмечает как день своего рождения.
В Риме Торвальдсен попал в ближайший круг друзей самого Гете, группировавшихся вокруг Вильгельма фон Гумбольдта. Много времени проводит Торвальдсен и в галереях Ватикана.
В Италии Торвальдсен провел большую часть своей жизни, около сорока лет, никогда не забывая своей маленькой родины. Он постоянно был связан с Копенгагеном, посылал туда закупаемые им антики, а перед смертью завещал все свои произведения городу.
Успеху в Риме и продлению командировки способствовало создание группы «Вакх и Ариадна», а особенно скульптуры «Язон» (1803). «Язон» представил все основные черты стиля великого мастера совершенную простоту и ясность композиционного построения, предпочтение мужественным и благородным характерам; крепкую, уверенную лепку формы.
О статуе Торвальдсена «Язон» Антонио Канова сказал, что это новое слово в скульптуре. Благодаря «Язону» молодой скульптор быстро приобрел известность в кругах любителей искусства. К нему поступает множество заказов. Художника посещают знатные путешественники, у него появляются средства, чтобы расширить мастерскую, привлечь для работы учеников и подмастерьев.
При всей любви к творчеству античных скульпторов, например Фидия или Праксителя, Торвальдсен, однако, не стал их слепым подражателем. Античное искусство было для Торвальдсена, в сущности, лишь источником вдохновения, в самом же творчестве своем он всегда оставался в высшей степени индивидуальным, верным своему своеобразному гению, одинаково сильному и в области статуи, и в области рельефа.
Для выражения мощных художественных идей служили Торвальдсену крупные статуи, рельеф же давал исход целому сонму грациозно-шаловливых, нежно-любовных и других мыслей и чувств, постоянно волновавших его фантазию. Работал Торвальдсен неутомимо, причем обыкновенно, прежде чем приступить к лику задуманной модели, набрасывал ее карандашом и разрабатывал в эскизах, иногда до двадцати и более раз. С 1803 по 1819 год Торвальдсен исполнил множество крупных и мелких статуй и рельефов.
Им были, в частности, созданы «Амур и Психея», «Адонис», «Марс и Амур», «Венера с яблоком», «Геба», «Ганимедсорлом», «Пастух», «Поход Александра Македонского», «Танцовщицы», «Три грации»; рельефы «Ахилл и Брезенда», «Приам, умоляющий отдать тело Гектора» и ряд других.
В 1818 году Торвальдсен заканчивает работу над скульптурой «Меркурий со свирелью». История происхождения этой удивительной статуи в высшей степени характерна для уяснения того, как работал Торвальдсен. Однажды, отправляясь обедать, Торвальдсен заметил полусидящего, полустоящего в дверях дома молодого итальянца. Красота и оригинальность позы поразили скульптора. Он прошел было мимо, но с полдороги вернулся и, застав юношу все в той же позе, не замедлил хорошенько запомнить детали положения. Затем, наскоро пообедав, Торвальдсен вернулся домой, чтобы засесть за эскиз новой статуи, а на другой день уже серьезно взялся за работу над моделью «Меркурия».
Торвальдсен выбрал из сюжета, казалось, спокойный, а на самом деле захватывающий момент. Безобидно-праздное положение полусидящей, полустоящей фигуры Меркурия с только что отнятою от губ свирелью маскирует кровавый замысел. Правая нога на самом деле прижимает пяткой ножны меча, чтобы легче было вытащить последний свободною рукою. Черты лица и поза фигуры выражают напряженную бдительность и готовность перейти к действию. Последнее передано в особенности превосходно - так и кажется, что Меркурий сейчас встанет и выхватит меч.
В 1820 году Торвальдсену поручают скульптурное оформление главного собора Копенгагена - собора Богоматери. Художник создает ансамбль, включающий в себя двенадцать фигур апостолов, размещенных вдоль стен центрального нефа собора, фигуру Христа в апсиде и изображение коленопреклоненного ангела. Все статуи Торвальдсен исполнил в величину, больше натуральной.
«В фигуре Христа, - пишет Малинковская, - сочетаются движение навстречу людям и статичность. Его руки словно закрывают собой людей, оберегают их и в то же время отстраняют, не подпускают к себе. Застывшие, как бы погруженные в себя образы апостолов создают у входящего в храм настроение самоуглубленности, сосредоточенности, отречения от мирской суеты».
В том же двадцатом году Торвальдсен возвращается в Италию, где много работает над заказами разных европейских стран Польши, Германии, Англии, Италии, Дании. В основном это памятники-монументы Копернику для Краковского собора (1823), Шиллеру в Штутгарте (1835), Байрону в Кембридже (1831), папе Пию VII в соборе Святого Петра в Риме (1824-1831) и т.д.
Торвальдсен проявил себя и как блестящий портретист. Он создал немало великолепных портретов. Среди тех, кого изобразил скульптор, были царствующие особы - Наполеон, Александр I, польский король Понятовский, а также и великие поэты - лорд Байрон, Шиллер.
Воистину, образцом гармонии, ясности, чистоты формы стала портретная статуя княгини Марии Федоровны Барятинской, жены известного русского дипломата И.И. Барятинского.
«Барятинская изображена в задумчивой позе, голова чуть склонена вправо, - пишет Малинковская. - Левая рука придерживает ниспадающую шаль, правая поднята к лицу. Идеально прекрасен овал лица княгини, чудесно сложена фигура, угадывающаяся сквозь складки одежды. Грациозна и в то же время исполнена достоинства поза. Безупречной линией очерчивает Торвальдсен силуэт, складки одежды струятся, образуя плавный ритм. Портрет Барятинской, созданный в 1818 году, признан одним из выдающихся произведений европейской пластики первой трети XIX века».
В 1825 году Торвальдсена избирают президентом Римской академии святого Луки, а в 1833 году - президентом Академии художеств в Копенгагене. Он был также почетным членом Французской и Российской академий художеств, академий Берлина, Мюнхена, Флоренции, Милана.
В 1838 году Торвальдсен решил окончательно вернуться на родину. Здесь ему был оказан грандиозный прием. Остальные годы своей жизни великий скульптор посвятил отечеству. Крупными его работами в этот период являются фризы «Въезд Христа в Иерусалим» и «Шествие на Голгофу». Кроме них, он исполнил много мелких произведений и усиленно занимался разработкой плана и устройством (на средства, собранные всенародной подпиской) музея, в котором должны были поместиться все его произведения.
В завещании скульптора говорится «Я передаю в дар городу Копенгагену в Дании произведения искусства, из числа принадлежащих мне картин, скульптур, барельефов, гравюр и литографий, медалей и т.п., предметов как античных, так и современных, а также работ по камню, золотых изделий, античной бронзы, этрусских ваз, терракоты, книг, египетских и греческих древностей и других предметов, относящихся к наукам и изящным искусствам».
Торвальдсен скончался в Копенгагене 24 марта 1844 года, присутствуя на вечернем спектакле в Королевском театре. Тело Торвальдсена погребено под простой каменной плитой в середине двора, образуемого четырьмя флигелями музея его имени, в котором собрано 80 статуй, 130 бюстов и 240 рельефов прославленного мастера.

История создания Бертелем Торвальдсеном
скульптуры М.Ф. Барятинской

Уверен, никто из посетителей Государственного музея изобразительных искусств имени А. С. Пушкина в Москве не пройдет мимо, в одном из залов и не остановится восхищенный перед беломраморной фигурой княгини Марии Федоровны Барятинской, исполненной великим датским скульптором Бертелем Торвальдсеном, вероятнее всего, в 30-х годах XIX столетия. Она предстает перед нами в изящно ниспадающих одеяниях греческой богини. Словно Венера или Геба. В ослепительной красоте, величии, благородстве и очаровании.

Но есть в этом божественном видении некое, чуть заметное проявление земного чувства. Обратите внимание на шаловливо поднятый к подбородку пальчик руки княгини. Именно этот подмеченный художником жест, наверно свойственный Марии Федоровне, возвращает мифологическую Венеру с недосягаемых высот на землю, к реальным человеческим настроениям, делает ее вполне земной женщиной. На ее лице мы также замечаем еле уловимую тень земной задумчивости, легкой, воздушной, очаровательной.

Мария Федоровна Барятинская, урожденная графиня Келлер, жена князя Ивана Ивановича Барятинского, одного из знатнейших и богатейших русских вельмож, действительно славилась ослепительной, неотразимой красотой, острым умом, образованностью, великодушием и добротой. Боготворивший ее Иван Иванович Барятинский именно в ее честь назвал свое имение " Марьино". А будучи в Риме, заказал исполнить ее мраморную фигуру первейшему мастеру в Европе, прославленному Торвальдсену. Тот охотно согласился. Работ

12 3 4 5 6 Следующая ⇒