Билет №13 вопрос №2 Сюжеты и образы Нового Завета. Притчи Христа.

У одного человека было два сына. Однажды младший попросил отца отдать причитающуюся ему долю наследства. Отец исполнил просьбу, и сын пошел в дальнюю страну. Там, живя беспечно и распутно, он вскоре промотал все свое имущество. Вскоре отвернулись от него и бывшие друзья. К несчастью, в стране начался голод, и, чтобы не умереть, сын вынужден был попроситься на любую работу. Ничего он делать не умел, а потому хозяин послал его пасти свиней. Но и это не спасло бедного юношу. Хозяин, у которого он работал, почти не кормил его. Радовался он даже пище из одного корыта с грязными свиньями. Часто теперь вспоминал он отца, раскаивался в поступках. Наконец, решил возвратится к нему и просить любую работу, лишь бы не умереть с голоду.

Узнал отец о возвращении блудного сына. Дрогнуло его сердце при виде голодного и обнищавшего сына. Сжалился над ним и велел слугам принести лучшую одежду и накормить. Другому сыну, возвратившемуся в это время с поля, он так объяснил свой поступок: «Сын мой был мертв и ожил; пропадал и нашелся».

Притча о блудном сыне послужила основой для создания многих произведений искусства. Нидерландский художник И. Босх написал картину «Блудный сын»(1500г.), Рембрандт «Возвращение блудного сына» (1669г.)

Александр Дейнека «Оборона Севастополя» (1942г)

А.Дейнека создал " Оборону Севастополя" (1942) – одну из самых сильных своих картин и одну из самых драматических работ всего советского искусства того времени – скорбную и величественную героическую эпопею о подвиге защитников Севастополя. В феврале 1942 года А. Дейнека вместе со своим другом художником Г. Нисским уехал в район боевых действий под Юхнов. Они мчались на попутных машинах, обгоняя боевую технику и маршевые роты, по земле, только что освобожденной от врага. Повсюду виднелись следы тяжелых сражений, глубокие траншеи, зияющие воронки от бомб и снарядов...

Работу над картиной художник начал в конце февраля 1942 года, а закончил ее к выставке " Великая Отечественная война", которая открылась осенью того же года. Сам он вспоминал впоследствии: " Моя картина и я в работе слились воедино. Этот период жизни выпал из моего сознания, он поглотился единым желанием написать картину."
А.Дейнека тогда отошел от документального воспроизведения батальных сцен и изобразил на полотне символическую схватку двух непримиримых сил - жизни и смерти, светлых сынов народа и темных вражеских полчищ.
...Рушатся здания. Черные клубы дыма уходят в небо. Охваченный огнем, пылает Севастополь. В смертельной схватке столкнулись советские моряки с фашистами. Идет жестокий рукопашный бой. Моряки преграждают путь врагу, и битва достигла уже своей кульминационной точки. Правое дело, за которое сражаются севастопольцы, особенно ярко символизирует фигура матроса на первом плане картины. Эта крупная фигура раненного бойца, бросающего связку гранат, - " нерв" всей картины - была найдена художником уже в первом беглом карандашном наброске.

На первом плане в полный рост, в стремительном движении изображен черноморец, бросающий связку гранат. В его позе, в том как он стоит на широко расставленных крепких ногах, в развороте его сильного торса, в крепко держащих связку гранат руках, в решительном лице - во всем чувствуется наивысшее напряжение сил, самоотверженность и готовность даже ценой собственной жизни остановить врага. Его фигура создает впечатление ураганной сокрушительности предстоящего удара. На фоне алого пламени пожарища, багрового неба контрастно выделяется его фигура в белой форменке.

Особое место моряка в композиции подчеркивается и тем, что именно с него начинается построение шеренги моряков, кроме того, эта фигура значительно крупнее остальных, она находится на первом плане, вокруг моряка мертвая зона с трупами фашистских солдат.
" Всем живописным строем, - писал Дейнека, - я стремился убедить зрителя в непобедимости таких людей, как моряк со связкой гранат, людей, готовых на самопожертвование во имя торжества нашего дела".

Дейнека показывает лишь небольшую группу врагов, которые рвутся к берегу, но мы ощущаем, что вслед за ними волна за волной надвигается новая лавина немецких войск. Этому способствует своеобразный композиционный прием, использованный художником: краем картины срезан ряд штыков, фигур немцев за ними не видно, но невольно чувствуешь их присутствие. Напряжение боя, ожесточенность схватки ощущается во всем: в композиции картины, развернутой по горизонтали, в резких ракурсах фигур, в колористическом строе, основанном на контрастных сопоставлениях; светлые фигуры моряков выступают на темном фоне, темные фигуры немцев на светлом фоне. И это не просто формальный прием, а образное воплощение замысла - столкновение двух враждебных сил.
Сюжетную динамику и напряженность картины дополняет и расширяет пейзажный фон. Сумрачная синева моря, освещенные призрачным светом руины домов, плиты набережной, красно-черное от зловещего пламени и дыма небо - все оттеняет накал смертельной рукопашной схватки.

Леонардо да Винчи «Мона Лиза» (1503-1505гг)

Леонардо да Винчи, гений Ренессанса, был не только одним из величайших художников, но и великим скульптором, музыкантом, архитектором, исследователем естествознания и талантливым изобретателем. Родился он в 1452 году, умер в 1519 году. Он один из светочей того блистательного периода европейской истории 15-16-го веков, которые дали миру величайших художников.

«Мона Лиза» считается самой известной картиной Леонардо. Мы можем видеть её в Париже, в Лувре. Полное название картины итал. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo — «Портрет госпожи Лизы Джокондо». По-итальянски ma donna значит «моя госпожа» (ср. англ. «миледи» и фр. «мадам»), в сокращённом варианте это выражение преобразовалось в monna или mona. Вторая часть имени модели, считающаяся фамилией её мужа — del Giocondo, по-итальянски также имеет прямое значение и переводится как «весёлый, играющий» и соответственно la Gioconda — «весёлая, играющая» (ср. с англ. joking).Впервые название «La Joconda» упоминается в 1525 году в списке наследства художника Салаи, наследника и ученика да Винчи, который оставил картину своим сёстрам в Милане. Надпись описывает её как портрет дамы по имени Ла Джоконда

Картина — всего лишь 30 дюймов в высоту, и Мона Лиза изображена сидящей на низком складном стуле; её тело повёрнуто влево, правая рука покоится на левом предплечье. Лицо обращено к зрителю слегка под углом, тогда как карие глаза смотрят прямо на вас.Каштановые волосы, разделённые на пробор посредине и гладко зачёсанные к вискам, ниспадают красивыми мягкими локонами на плечи. Прозрачная вуаль наброшена на голову и вьётся поверх плечей. Платье изначально зеленоватого цвета с глубоким вырезом оживлено более светлыми рукавами, которые когда-то, должно быть, были жёлтыми.На заднем плане — фантастический пейзаж с холмами и горами, тёплых и мягких тонов, над ним постепенно светлеющее небо. Две колонны по краям пейзажа закрывает нынешняя рама картины. В этом полотне прекрасны все детали, но внимание прежде всего захватывает лицо. Картину невозможно описать словами: чем дольше мы смотрим на неё, тем больше возрастает её воздействие на нас, и мы начинаем чувствовать то удивительное очарование, которое покоряло стольких людей на протяжении веков.

Известный итальянский архитектор и историк Вазари, живший в ту блестящую эпоху, так писал о «Моне Лизе»: «Леонардо согласился написать для Франческо дель Джокондо портрет Моны Лизы, его жены. Он писал его четыре года и затем оставил, не завершив. Сейчас этой картиной владеет французский король Франциск. Тот, кто хочет узнать, как близко искусство может подойти к природному оригиналу, должен внимательно рассмотреть эту прекрасную голову.Все детали её исполнены с величайшим усердием. Глаза имеют тот же блеск и так же увлажнены, как в жизни. Вокруг них мы видим слабые красновато-синие круги, а ресницы могли быть написаны только очень искусной кистью. Можно заметить, где брови шире, а где становятся тоньше, появляясь из пор кожи и закругляясь книзу. Всё настолько естественно, насколько это вообще можно изобразить. Маленькие, красиво вырезанные ноздри, розоватые и нежные, исполнены с величайшей правдивостью. Рот, уголки губ, где розовый оттенок переходит в естественный живой цвет лица, написаны так превосходно, что кажутся не нарисованными, а как бы живой плотью и кровью.Тому, кто внимательно смотрит на впадинку на шее, начинает казаться, что он вот-вот сможет увидеть биение пульса. Действительно, этот портрет написан так совершенно, что заставляет любого сложившегося художника, да и вообще любого, кто на него смотрит, трепетать от волнения.