Искусство Древнего Египта. Периоды и особенности развития (Додинастический период, Древнее царство, Среднее царство, Новое царство).

Додинастический период – 4 тыс. до н.э.; Древнее царство – 3 тыс. до н.э.; Среднее царство – к. 3 тыс. до н.э. – нач. 2 тыс. до н.э.; Новое царство – сер. и 2 пол. 2 тыс до н.э.

Предпосылки: 1) географическое положение(защищенность со всех сторон, теплый климат, Нил – главная транспортная артерия и источник воды) 2) религия (идея загробной жизни) 3) рабовладельческий строй (дешевый труд, деспотия).

В период Древнего царства сложились основные виды и жанры древнеегипетского искусства, все они подчинены идее загробной жизни, образуют устойчивое единство. Преобладает архитектура, которая объединяет остальные виды.

Развивается культовая (пирамиды и храмы) и светская (жилища) архитектура.
Эволюция пирамиды: мастаба (скамья) - усеченная, ступенчатая пирамида (Джосера), “гладкая” (Хеопса).По размеру самые крупные пирамиды относятся к Древнему царству.

Храмы равнинные (З-хчастные –колонный двор, колонный зал, святилище – прямоугольные, расположенные на одной оси. Храмы в Карнаке и Луксоре) и скальные (система пандусов и террас перед святилищем в скале. Заупокойный храм царицы Хатшепсут). Становление ордера. Материал – камень, протобетон.

Светская архитектура почти не сохранилась, судим о ней по изображени ям. Материал – кирпич-сырец, глина, тростник, терракота.

Монументальная живопись покрывала все общественные постройки. Сюжеты: религиозные, исторические, бытовые. Техника: фреска, секко, энкаустика, темпера, клеевые краски. Монументальные рельефы (барельеф, контррельеф) близки живописи по характеру, стилистике, расположению - раскрашивались. Колорит декоративный, контрастный, близок природе Египта. (Роспись “Туалет знатной египтянки”, рельеф “Зодчий Хесира”)

Все изображения каноничны (суммарность, разномасштабность, соединение изображения и текста, плоскостность, монументальность, фризовое расположение). Круглая сульптура была представлена монументами (Большой сфинкс в Гизе), станковыми фигурами ( фараон Хефрен), мелкой пластикой (“ушебти”). Каноничные позы в круглой скульптуре: “поза шага”, “сидящих на троне”, “поза писца”. ( “Сельский староста”, статуи царевича Рахотепа и его супруги Нофрет, статуя писца Каи). Статичность, фронтальность, ритуальная отстраненность, обобщенные формы, раскраска.

Декоративно-прикладное искусство: костюм, текстиль, ювелирное искусство, керамика, глиптика, мебель.

В период Среднего царства продолжалось развитие основных видов и жанров изобразительного искусства и архитектуры. Сложность социально-экономической ситуации привела к уменьшению масштабов построек и их декора. Шло изучение натуры при обязательном соблюдении канона.

Традиционное развитие искусства Нового царства было прервано в правление фараона Эхнатона (искусство Амарны, 14 в. до н.э.). Религиозная, политическая реформы молодого фараона привели к некоторому освобождению общества в целом и искусства в частности. Отход от канона, реализм, лиризм, индивидуальность (п-ты Нефертити работы Тутмеса, п-ты Эхнатона, роспись “Фараон на охоте”).

3. Искусство Древней Греции. Периоды и особенности развития (Гомеровский, архаический период, классический период, эллинизм).

Гомеровский период – 11-8 вв до н.э.; архаика – 7-6 вв до н.э.; классика – 5-4 вв до н.э.; эллинизм – 3-1 вв. до н.э.

Предпосылки: эгейская культура как база для дальнейшего развития; рабовладельческий строй ( дешевый труд рабов), “усеченная демократия” (гражданственность, равенство, дух свободы); антропоморфность (человекоподобие ) религиозных представлений.

Архаическое искусство заложило основу будущего расцвета древнегреческого искусства (классика, эллинизм). Все виды искусства получают в это время быстрое развитие. Художественная культура была общим достоянием, произведения выставлялись на всеобщее обозрение, изображали только молодых и прекрасных (идеализация), достойными изображения считали только богов, героев и атлетов-олимпийцев.

Архитектура (культовая и светская) объединяет все виды изобразительного и прикладного искусства. Эволюция культовой архитектуры от храма в антах (Сокровищница афинян в Дельфах) до периптера (храм Посейдона в Пестуме). Ордер (дорический, ионический, коринфский) как образная и конструктивная система. Материалы: дерево, кирпич-сырец (архаика), камень (классика, эллинизм).

Афинский акрополь (5 в. до н.э.) – гармония натуры и культуры, культового и светского начал, синтез искусств. Художественный руководитель – Фидий. Парфенон (Иктин и Калликрат), храм Нике Аптерос (Калликрат), Пропилеи (Мнесикл), Эрехтейон (Архилох и Филокл), Пинакотека, театр Диониса. Скульптурное оформление (школа Фидия).

Скульптура (монументальная, станковая, мелкая пластика) прошла путь от статичных куросов и кор с “архаическими улыбками” до свободной пластики эллинизма (Нике Самофракийская). Материалы: мрамор, бронза, дерево, хризоэлефантинная техника, терракотта, драгоценные камни. Многие скульптуры раскрашивались. Классика: гармония, идеализация, статика. Эллинизм: трагизм (темы войны, борьбы, смерти, обреченности), динамика, психологизм (Пергамский алтарь, “Лаокоон с сыновьями”, “Умирающий галл”), высокий профессиональный уровень.

Мастера: 1) Мирон (“Дискобол”, “Афина и Марсий”), Фидий (скульптура афинского Акрополя), Поликлет(“Раненная амазонка”, “Дорифор”, трактат о пропорциях “Канон”), Скопас (“Менада”), Пракситель (“Отдыхающий сатир”, “Афродита Книдская”), Лисипп (п-т Александра Македонского, “Апоксиомен”), Агесандр (“Лаокоон с сыновьями”).

Живопись (монументальная, станковая) была столь же развита, как и скульптура, но не сохранилась. Судим о ней по римским копиям (Помпея), описаниям и вазописи( чернофигурная, краснофигурная. Эксекий, Брига).

Декоративно-прикладные искусства: костюм, ювелирное, керамика, стекло, глиптика, металл, мебель.

Искусство Древнего Рима. Развитие основных видов и жанров.

Период Республики: 5 -1 вв. до н.э., период Империи: 1-5 вв. н.э.

Предпосылки: этрусская культурная база, влияние древнегреческой культуры, эффективная внешняя и внутренняя политика.

Архитектура: “Польза, красота, прочность” (Витрувий) – основные качества римской архитектуры. Изобретение бетона помогло появлению новых конструкций – арки и купола. Тосканский и композитный ордера дополнили систему древнегреческих ордеров. Храмы – периптеры, псевдопериптеры, центрические купольные (Пантеон). Базилики – административные и торговые здания прямоугольной формы. Форумы – городские площади. Термы – бани (Каракаллы). Амфитеатры (Колизей) и театры. Акведуки (водопроводы). Виллы - загородные дома богатых римлян, состоящие из двух частей: официальной с атриумом в центре и частной с перистилем. Триумфальные арки и колонны (Траяна, Адриана). Грандиозные масштабы и пафос римской архитектуры.

Помпея – модель древнеримской культуры. 4 стиля помпейской живописи: инкрустационный, перспективный, канделябрный, перспективно-архитектурный. Техники монументальной живописи: фреска, секко, энкаустика, мозаика. Сюжеты – мифологические, исторические, бытовые. Станковая живопись – фаюмские портреты (энкаустика).

Влияние христианства повлекло за собой постепенный отход от реализма, появление условности, символичности (п-ты императора Константина, росписи катакомб).

Скульптура монументальная, станковая, мелкая пластика. Переплетение этрусских и греческих форм (“Капитолийская волчица”). Веризм – достоверность – главное качество. Материалы: мрамор, бронза, терракота.

Римский скульптурный портрет – главное завоевание римского изобразительного искусства. Эволюция от небольших натуралистичных бюстов республиканского периода до памятников (конная статуя Марка Аврелия) и сложных психологических портретов имперского.

Искусство Фландрии 17 в.

В 17 в. Нидерландское искусство разделилось на две школы – фламандскую и голландскую – в связи с разделением самих Нидерландов на две части: север стал Голландией, юг – Фландрией (современная Бельгия). Историческое и культурное развитие их пошло разными путями. Фландрия осталась феодальной и католической страной под контролем Испании. Голландия завоевала национальную независимост, стала протестантской и капиталистической. Во фламандской школе преобладало барокко, в голландской – реализм.

Главным заказчиком искусства во Фландрии была католическая церковь, социальная верхушка. Востребованы были крупноформатные картины для украшения роскошных интерьеров на библейские, мифологические сюжеты, сцены охот, декоративные натюрморты. Крупнейшим мастером был П.П. Рубенс. (см. в. 24)

Каждый из учеников разивал отдельную линию в творчестве Рубенса. Ван Дейк – мастер аристократического портрета, много сделавший для становления английской портретной живописи. («П-т Карла 1», «Автопортрет»). Йорданс – продолжатель крестьянской темы, бытового жанра («Сатир в гостях у крестьянина»). Тенирс и Браувер также специализировались на изображении сцен народной жизни. Снейдерс – автор «Лавок» (рыбных, мясных, фруктовых) – огромных декоративных натюрмортов с элементами бытового, анималистического, интерьерного жанров. Все они работали в стиле барокко.

10. ИСКУССТВО ИСПАНИИ

Конец 16 — первая половина 17 в. — период блестящего расцвета испанской культуры. В Испании подъем искусства наступает позднее, чем в передовых для того времени странах Европы — Италии и Нидерландах. Католическая религия, игравшая большую роль в жизни Испании, оказывала сильное влияние на изобразительное искусство, на его тематику.

. Большое влияние на развитие испанского искусства оказали арабская культура и искусство, отличавшиеся живописностью, декоративностью, динамичностью.

Испанское искусство второй половины 16 в. несет печать мрачного величия и трагизма. В Испании распространялось проникшее из Италии течение маньеризма, сохранялись пережитки готики. Подъем национального реалистического искусства начался с конца 16 в.Особое место в испанской живописи второй половины 16 — начала 17 в. занимает Эль Греко, художник философского мышления и мятежных порывов. Трагизм образов Эль Греко, их повышенная выразительность отразили дух современной ему жизни.

Самое значительное произведение Эль Греко периода расцвета - «Погребение графа Оргаса»- раскрывает основные черты искусства художника, его размышления о неизбежности смерти, о моральных подвигах, вознаграждаемых в потустороннем мире. Свое понимание человеческих характеров Эль Греко выразил в образах апостолов Петра и Павла.

Расцвет испанской реалистической школы, развивавшейся в основном в рамках религиозной живописи в борьбе с идеализирующим придворным направлением, наступил в первой половине 17 в.

Одним из первых представителей реалистической школы Валенсии был Хусепе Рибера, живописец и график.В однофигурных композициях Рибера шел от этюдов с натуры: изображал рыбаков, уличных бродяг. Темпераментная лепка пастозным мазком придает пластическую силу суровым фигурам его героев в рубищах и нищенских лохмотьях(«Святой Иероним, внимающий звуку небесной трубы»).

Александр Андреевич ИВАНОВ

«Приам, испрашивающий у Ахиллеса тело Гектора

«Иосиф, толкующий сны заключенным с ним в темнице виночерпию и хлебодару

«Беллерофонт отправляется в поход против Химеры».

“Явление Христа народу”.

Работы воспринимались в контексте современной политической жизни (как обещание скорых перемен), отличались высоким профессионализмом, желанием обновить архаические традиции классицизма. Иванов первый начал работать на пленэре, поднимаясь в своих произведениях от конкретно-реалистических сцен до монументального эпоса.

Творчество Федотова.

Творчество П.А. Федотова(1815—1852) открывает этап критического реализма в русском искусстве. Офицер, посещал рисовальные классы, учился у “малых голландцев”, работы ограничиваются рисунками и эскизными набросками. Они сильно отзываются влиянием Хогарта. Прошел творческий путь от карикатур и бытовых зарисовок. Его произведения проникнуты духом социальной сатиры. не столько добивается точного воспроизведения действительности, сколько успевает рельефно выставлять напоказ общечеловеческие слабости и недостатки и осмеивать пошлые или тёмные стороны современных ему русских нравов. Сочинение этих произведений отличается сложностью и запутанностью; их основная идея, так сказать, подчеркивается прибавкою к выражающей её главной сцене побочных эпизодов; художник не скупится на аксессуары, способные усилить вразумительность сюжета, и иногда совершенно загромождает ими свою композицию; движение человеческих фигур хотя и характерно, но угловато и утрированно; то же самое надо сказать и о лицах, которых тип и экспрессия переходят в гримасу. Шедевры Федотова — портрет Н. П. Жданович за фортепиано (1849), «Свежий кавалер. Утро чиновника, получившего первый крестик» (1846), «Разборчивая невеста» (1847), «Сватовство майора» (1848), «Завтрак аристократа» (1849—1851), «Вдовушка» (1851 — 1852), «Анкор, еще анкор! » (ок. 1851). Федотовское направление (как говорили уже в 1850-х годах) — стало школой для мастеров русской реалистической живописи середины и второй половины XIX века.

Творчество Микеланджело.

Титан Возрождения (Высокое, Позднее). Скульптор, живописец, архитектор, график, поэт. Работал во Флоренции, Риме. Учился у Гирландайо, затем – в «садах Медичи». Ранний период творчества воплощает идеи Высокого Возрождения – оптимизм, гуманизм, универсализм, изучение античности. («Бахус», «Пьета», «Давид», гробница Юлия II, роспись плафона Сикстинской капеллы). Поздний период проникнут трагизмом заката Возрождения (скульптуры Капеллы Медичи, роспись «Страшный суд» в Сикстинской капелле, «Пьета Ронданини»). Архитектура Микеланджело: проект собора св. Петра в Риме (осуществлен купол), Капелла Медичи. В поздних работах – предвестник маньеризма, барокко.

Творчество Микеланджело, прожившего долгую жизнь, захватившего и Высокое, и Позднее Возрождение, дает возможность провести сравнительный анализ искусства этих периодов. Микеланджело был универсален- скульптор, живописец, архитектор и поэт, определяющее значение для его творческого развития имело знакомство с работами Джотто, Донателло, Мазаччо, изучение памятников античной пластики. Уже в юношеских произведениях (рельефы " Мадонна у лестницы", " Битва кентавров" )определились главные черты творчества скульптора - монументальность и пластическая мощь, внутренняя напряженность и драматизм образов, благоговение перед человеческой красотой. Работая в конце 1490-х годов в Риме, Микеланджело отдал дань увлечению античной скульптурой в статуе " Вакх". Новое гуманистическое содержание, яркую убедительность образов он внес в каноническую схему группы " Оплакивание Христа" .В 1501 Микеланджело возвратился во Флоренцию, где создал колоссальную статую " Давид" , воплотившую героический порыв и гражданскую доблесть флорентийцев. В 1505 папа Юлий II пригласил Микеланджело в Рим и поручил ему создание собственной гробницы. Для гробницы Юлия II, Микеланджело создал ряд статуй, в том числе наделенного могучей волей, титанической силой и темпераментом " Моисея", исполненных трагизма " Умирающего раба" и " Восставшего раба" , а также 4 неоконченные фигуры рабов, в которых хорошо виден процесс работы скульптора, смело углубляющегося в каменный блок в одних местах и оставляющего другие места почти необработанными. В живописном цикле, выполненном Микеланджело на своде Сикстинской капеллы в Ватикане, художник создал грандиозную композицию, воспринимаемую как гимн физической и духовной красоте, как утверждение безграничных творческих возможностей Бога и созданного по его подобию человека. В 1516-1534 годах Микеланджело работал во Флоренции над проектом фасада церкви Сан-Лоренцо и архитектурно-скульптурным ансамблем усыпальницы рода Медичи, а также над скульптурами для гробницы папы Юлия II. Поздние живописные произведения мастера поражают трагической силой образов (фреска " Страшный Суд" на алтарной стене Сикстинской капеллы в Ватикане), пронизаны горькими размышлениями о тщете человеческой жизни, о мучительной безнадежности поисков истины. К последним скульптурным работам Микеланджело относятся отмеченные трагической экспрессией художественного языка " Пьета" для флорентийского собора Санта-Мария дель Фьоре и скульптурная группа " Пьета Ронданини, предназначенная им для собственного надгробия и не законченная. Для позднего творчества Микеланджело характерны постепенный отход от живописи и скульптуры и обращение к архитектуре и поэзии. С 1546 Микеланджело руководил в Риме возведением собора Св.Петра и строительством ансамбля площади Капитолия (обе работы были завершены после его смерти). Творчество Микеланджело, ставшее блестящим заключительным этапом итальянского Возрождения, сыграло огромную роль в развитии европейского искусства, во многом подготовило становление маньеризма, оказало большое влияние на сложение принципов барокко.

Творчество Франсиско Гойи.

Стал придворным художником, написал большое количество портретов (п-ты семьи Карла IV, герцогини Альба, Ховельяноса). «Махи» - национальный испанский идеал красоты. «Расстрел в ночь на 3 мая» - обличение преступной войны, как и серия офортов «Бедствия войны» - листы «Какая доблесть», «Хоронить и молчать». Серии «Каприччос», «Диспаратес» - сатира на нравы, философские аллегории, политические подтексты («Сон разума рождает чудовищ»). «Тавромахия» - самая позитивная офортная серия - посвящена корриде. Поздние росписи «Дома глухого» - трагическая фантастика, навеянная сложной ситуацией в стране, болезнью и старостью. Творчество Гойи — одна из вершин испанской и мировой живописи.

Франсиско Гойя (1746-1828) - испанский живописец, гравер, рисовальщик. Выполнил для королевской мануфактуры свыше 60 гобеленов с насыщенными по цвету и простыми по композиции сценами повседневной жизни и народных развлечений (" Зонтик", " Игра в пелоту", " Игра в жмурки" ). С начала 1780-х годов Гойя получил известность и как автор выполненных в тонкой цветовой гамме портретов, фигуры и предметы в которых как бы растворяются в тонкой дымке (" Семья герцога Осуна"; портрет маркизы А.Понтехос). В 1780 Гойя был избран в мадридскую Академию художеств, в 1799 -" первый живописец короля".. Уродство ее моральных, духовных и политических основ он раскрывает в гротескно-трагической форме, питающейся фольклорными истоками, в большой серии офортов " Капричос" (80 листов с комментариями художника, 1797-1798). В 1790-х - начале 1800-х годов исключительного расцвета достигло портретное творчество Гойи, в котором звучат тревожное чувство одиночества (портрет сеньоры Бермудес), мужественное противостояние и вызов окружающему (портрет Ф.Гиймарде), аромат тайны и скрытой чувственности (" Маха одетая" и " Маха обнаженная" ). С удивительной силой обличения запечатлел художник надменность, физическое и духовное убожество королевской семьи в групповом портрете " Семья Карла IV".Глубоким историзмом, страстным протестом проникнуты большие картины Гойи, посвященные борьбе против французской интервенции (" Восстание 2 мая 1808 года в Мадриде", " Расстрел повстанцев в ночь на 3 мая 1808 года" ), философски осмысляющая судьбы народа серия офортов " Бедствия войны" (82 листа, 1810-1820). В загородном доме " Кинто дель Сордо" (" Дом глухого" ), стены он расписал маслом. В созданных здесь сценах (ныне в Прадо, Мадрид), включающих невиданно смелые для своего времени устрашающие символико-мифологические образы, он воплощал идеи противостояния прошлого и будущего, бесконечно-ненасытного дряхлого времени (" Сатурн" ) и освободительной энергии юности (" Юдифь" ). С 1824 Гойя жил во Франции, где писал портреты друзей, осваивал технику литографии. Искусство Гойи повлияло на формирование многих художественных явлений 19 века. Его воздействие ощущается в творчестве Жерико, Делакруа, Домье, Эдуард Мане. Влияние его творчества на живопись и графику имело общеевропейский характер и сказывается до сих пор.

Творчество Ильи Репина.

Русский художник 2-ой пол. 19 – нач. 20 вв. Реалист, демократ, передвижник, работал во всех основные жанрах живописи, графики. Был незаурядным скульптором, писателем, педагогом. Уроженец Украины, закончил Академию художеств в С-Пб, получил за дипломную картину Большую золотую медаль и уехал в пенсионерскую поездку во Францию. Его бытовые картины - “Бурлаки на Волге”, “Крестный ход в Курской губернии”. Историко – революционные – “Арест пропагандиста”, “Отказ от исповеди”, “Не ждали”. Исторические – “ Иван Грозный и сын его Иван”, “Царевна Софья”. Портреты – “П-т Мусоргского”, “Протодьякон”, п-т Толстого, “Торжественное заседание Государственого Совета”. Все его произведения отличаются народным духом, реализмом, демократизмом.

И.Е.Репин принадлежит к числу выдающихся русских художников второй половины 19 века. Его творчество олицетворяет собой высшие достижения живописи передвижников, стремившихся сделать искусство понятным и близким народу, актуальным, отражающим основные закономерности жизни.

Репин был величайшим реалистом. Окружающим часто приходилось слышать от него жалобы на бедность фантазии. Но дело не в бедности фантазии художника, а в том, что по характеру своего дарования он не мог писать «от себя», по воображению, не мог увлечься придуманным - только многокрасочная жизнь, яркие события и человеческие характеры рождали в нем творческое горение.

Ему было свойственно глубокое проникновение в существо предметов и явлений. Он выступал (за искусство, «просвещенное светом разума». «Судья теперь мужик», (утверждал художник- демократ Репин и требовал от искусства беззаветного служения интересам народа. Все это позволило художнику создать на глубоко реалистичной основе искусство высокого стиля, отвечающее на большие общечеловеческие вопросы, являющиеся зеркалом своего времени.

1864 - принят вольнослушателем, а затем учеником в Академию художеств. Знакомство с И.Н. Крамским, В.Д. Поленовым, В.М. Максимовым, К.А. Савицким.
1864 - 1871 - Учился в Академии художеств у П.В. Васина, А.Т. Маркова, пользовался советами И.Н. Крамского, позже П.П. Чистякова, посещал рисовальные вечера С.-Петербургской артели художников.

«Воскрешение дочери Иаира» (1871) - конкурсная программа на евангельский сюжет, за которую художник получил золотую медаль и право пенсионерской поездки за границу.

В мае 1873 года художник отправился в Европу в качестве пенсионера Академии художеств. Обосновался в Париже.

Летом 1876 года Репин снова на родине. Ненадолго поселившись в окрестности Петербурга, он пишет там красивую и лиричную картину «На дерновой скамье» (1876). На ней изображены жена художника Вера Алексеевна Репина, ее родители и брат с супругой. В картине соединены все те художественные уроки, которые Репин мог получить во Франции. Это не откровенно импрессионистическая манера, но в то же время это работа художника, который знает и учитывает открытия современной импрессионистической живописи.

Работы Репина:

«Бурлаки на Волге» «Садко» «Крестный ход в Курской губернии» «Мужик с дурным глазом» «Мужичок из робких» «Арест пропагандиста»

«Не ждали» «Иван Грозный и сын его Иван» (Иван Грозный убивает своего сына)

Творчество Карла Брюллова.

Русский художник 1- ой пол 19 в, представитель классицизма. Закончил Академию художеств в С-Пб. с большой золотой медалью и уехал в Италию. Писал там пейзажи, бытовые сцены (“Итальянское утро”, “Итальянский полдень”). Главная работа – картина “Последний день Помпеи” 1833г. (исторический жанр, переплетение классицистических, реалистических, романтических тенденций). Имела огромный успех в Европе, ассоциировалась с политической ситуацией в России в последекабристское время. Следущая большая историческая работа “ Осада Пскова” не была завершена.

Мастер портрета.Эволюция – от блестящих парадных (“Всадница”, “Портрет графини Самойловой” до камерных психологических (“Автопортрет”, “Археолог М.Ланчи”)

С 1809 по 1821 год занимался живописью в Академии художеств в Петербурге, был учеником Андрея Ивановича Иванова. Блестящий студент, получил золотую медаль по классу исторической живописи. К 1820 году относится его первая известная работа «Нарцисс».

В 1822 году Брюллов был откомандирован в Италию на средства Общества поощрения художников. Он посетил Дрезден, Мюнхен; обосновался в Риме. Жанровые картины: «Итальянское утро» (1823) и «Итальянский полдень» (1827). После копии с фрески Рафаэля «Афинская школа» Брюллов приступает к работе над большой картиной с историческим сюжетом — «Последний день Помпеи» (1827—33), заказанной ему Анатолием Николаевичем Демидовым. Замысел «Последнего дня…» связан с возникшей тогда модой на археологию и с актуальностью: в 1828 году произошло мини-извержение Везувия. Брюллов был в Помпеях и сделал на месте ряд эскизов: пейзажа, руин, окаменелых фигур.

К этому времени относится его знакомство с Юлией Самойловой, аристократкой из рода Скавронских, то есть родственников Екатерины I. Портреты: «Ю. Самойловой, с воспитанницей и арапчонком», «Всадница» (1832), а также картина «Вирсавия» (1832) связаны с этим этапом жизни Брюллова.

В Петербурге его ожидает торжественный приём в Академии художеств и триумф «Последнего дня Помпеи»; картина успела побывать в Париже(Лувр, 1834), где была холодно принята парижской критикой. До 1849 года Брюллов живёт и работает в Петербурге расписывает лютеранскую церковь на Невском проспекте, Исаакиевский собор (1843—47), пишет большую картину «Осада Пскова» (1839—43; не окончена).

Многочисленные портреты: Нестора Кукольника (1836), В. А. Жуковского (1837—38), И. А. Крылова (1839); Ю. П. Самойловой с воспитанницей (1839); «Автопортрет», (1848).

В 1850 году Брюллов возвращается в Италию. Наиболее важные работы этого периода — портреты членов семьи Титтони и «Портрет Микеланджело Ланчи».

Декоративно-прикладное искусство: костюм, текстиль, ювелирное искусство, керамика, глиптика, мебель.

Гомеровский период – 11-8 вв до н.э.; архаика – 7-6 вв до н.э.; классика – 5-4 вв до н.э.; эллинизм – 3-1 вв. до н.э.

Декоративно-прикладные искусства: костюм, ювелирное, керамика, стекло, глиптика, металл, мебель.

12 3 4 5