Римский Пантеон: художественный образ и архитектурные особенности.

Пантео́ н (др.-греч. π ά ν θ ε ι ο ν — храм или место, посвящённое всем Богам, от др.-греч. π ά ν τ ε ζ — все и θ ε ό ζ — бог) — «храм всех богов» в Риме, памятник центрическо-купольной архитектуры периода расцвета архитектуры Древнего Рима, построенный во II веке н. э. при императоре Адриане на месте предыдущего Пантеона, выстроенного за два века до того Марком Випсанием Агриппой. Латинская надпись на фронтоне гласит: «М. AGRIPPA L F COS TERTIUM FECIT», что в переводе звучит как: «Марк Агриппа, сын Луция, избранный консулом в третий раз, воздвиг это». Представляет собой большое инженерное достижение античности. Располагается на площади Пьяцца-делла-Ротонда (Piazza della Rotonda).

Световой поток в куполе храма

Кирпично-бетонная ротонда Пантеона перекрыта полусферическим куполом (диаметр свыше 43 м). Купол состоит из окружностей, которые легко прочитываются благодаря кессонированному потолку. Купол со стенами образует единую оболочку, содержащую внутри всё пространство, соответствующее внутреннему объёму цилиндра и половине сферы. Ранее поверхность купола украшали звезды, но позже их растащили.[источник? ]

Отличается классической ясностью и целостностью композиции внутреннего пространства, величественностью художественного образа. Не исключено, что в строительстве храма участвовал Аполлодор Дамасский.

1 ноября 609 года языческий храм был переосвящён как церковь всех мучеников[источник не указан 310 дней]. С того времени дата 1 ноября у католиков и протестантов празднуется как День всех святых.

В Пантеоне погребены некоторые известные люди Италии, в частности, Рафаэль и короли Виктор Эммануил II и Умберто I.

Одна из особенностей Пантеона — отверстие в крыше. В полдень через него проникает наиболее сильный световой столб (ориентация на юг). Свет очень ощутим, он «не растекается», а остаётся в форме гигантского светового луча и становится почти осязаемым.

Через широкий круглый проем в вершине купола солнечный свет льется в помещение, не имеющее других окон, создавая мягкое естественное освещение интерьера. Тем же путем проникает сюда и дождь, но мраморный пол чуть заметно приподнят в середине, так что вода быстро скатывается к сточным желобам вдоль стен.

Пантеон, ставший настоящим шедевром архитектуры, много раз копировали, но никто не сумел превзойти Адриана. И хотя с тех пор храм неоднократно подвергался переделкам, а крыша его давно лишилась своих бронзовых черепиц, он до сих пор сохранил свое величие. В 609 г. император Фока передал здание папе Бонифацию IV, а тот приспособил языческий храм под церковь (Санта-Мария дель Мартири). С годами к портику были пристроены разные башенки. Но простота и лаконичная соразмерность огромного храма с куполом не нуждалась в улучшениях, и в конце концов поздние пристройки убрали.

Сегодня Пантеон является и национальной культурной святыней, и церковью одновременно. Кроме того, здесь находятся гробницы двух итальянских королей и одного титана Возрождения — Рафаэля. При этом Пантеон остается в значительной мере таким, каким он был при Адриане, являя совершеннейший образец античного зодчества.

Яркий луч солнца, пробивающийся через проем в потолке, заливает светом внутреннее пространство Пантеона, не имеющего других источников освещения. Этот проем круглой формы, вне всякого сомнения, символизировал всевидящее небесное око. А само сооружение служит зримым воплощением мира, в котором жил Адриан и который был пронизан идеальными представлениями и символами — земля, небо, мироздание, империя, а все боги греко-римского пантеона благосклонно взирали на Рим.

Мощный кессонный свод Пантеона величественно поднимается к круглому световому проему — потолочному отверстию 9 м в поперечнике, которое смотрит прямо в небо. Храм, заключающий в своей форме совершенную сферу диаметром 43 м, некогда обладал самым большим сводом в античном мире

Творчество Боттичелли.

Нет живописи более поэтичной, чем живопись Сандро Боттичелли (Botticelli, Sandro). Художник получил признание благодаря тонкости и выразительности своего стиля. Ярко индивидуальной манере художника присущи музыкальность легких, трепетных линий, прозрачность холодных, изысканных красок, одушевленность ландшафта, прихотливая игра линейных ритмов. Он всегда стремился влить душу в новые живописные формы.

Алессандро ди Мариано Филипепи родился 1 марта 1445 года в семье Мариано и Смеральды Филипепи. Подобно многим жителям этого района, его отец был дубильщиком. Получил хорошее образование. Прозвище Botticelli («бочонок») перешло к Сандро от его брата-маклера, который был толстяком. Учился живописи у монаха Филиппо Липпи и перенял у него ту страстность в изображении трогательных мотивов, которой отличаются исторические картины Липпи. Потом работал у известного скульптора Верроккьо. В 1470 г. организует собственную мастерскую.

Тонкость и точность линий он перенял у второго своего брата, который был ювелиром. Некоторое время учился вместе с Леонардо да Винчи в мастерской Верроккьо. Оригинальная же черта собственного таланта Боттичелли состоит в наклонности к фантастическому. Он один из первых внес в искусство своего времени античный миф и аллегорию, и с особенной любовью работал над мифологическими сюжетами. Особенно эффектна его Венера, которая нагая плывет по морю в раковине, и боги ветров осыпают её дождем из роз, и гонят раковину к берегу.

Лучшим творением Боттичелли считают начатые им в 1474 году фрески в Сикстинской капелле Ватикана. Предположительно Боттичелли был приверженцем Савонаролы. Согласно преданию, уже в старческом возрасте он сжёг свою юношескую картину на костре тщеславия. «Рождение Венеры» стало последней такой картиной. Усердно изучал Данте; плодом этого изучения явились гравюры на меди, приложенные к вышедшему в свет во Флоренции в 1481 году изданию дантова «Ада» (издание Магны).

Выполнил множество картин по заказам Медичи. В частности, расписал знамя Джулиано Медичи, брата Лоренцо Великолепного. В 1470-1480-х гг портрет становится самостоятельным жанром в творчестве Боттичелли («Человек с медалью», ок. 1474; «Юноша», 1480-е гг). Боттичелли прославился своим тонким эстетическим вкусом и такими произведениями, как «Благовещение» (1489—1490), «Покинутая» (1495—1500) и т. д. В последние годы своей жизни Боттичелли, по всей видимости, оставил живопись.

Боттичелли скончался 17 мая 1510 года и был погребен в семейной гробнице в церкви Оньисанти. Согласно завещанию, его похоронили вблизи могилы Симонетты Веспуччи, вдохновившей самые прекрасные образы мастера.

Анализ некоторых произведений

" Святой Себастьян" 1473 г.

Фигура святого лишена устойчивости, художник облегчает и удлиняет ее пропорция, для того чтобы прекрасная форма тела святого могла быть сравнима лишь с голубизной неба-пустого, кажущегося еще более недосягаемым из-за удаленности пейзажа. Ясная форма тела не наполнена светом, свет окружает материю, словно растворяя ее, а линия делает определенными тени и свет на фоне неба. Художник не превозносит героя, а лишь грустит о поруганной или поверженной красоте, которую мир не понимает, ибо ее источник находится за пределами мирских представлений, за пределами природного пространства, равно как и исторического времени.

" Весна" ок.1478 г.

Ее символическое значение разнообразно и сложно, идея ее может быть понята в разных ключах. Ее концептуальное значение доступно до конца лишь специалистам-философам, более того, посвященным, но оно ясно всем, кто способен проникнуться красотой рощи и цветущего луга, ритмом фигур, привлекательностью тел и лиц, плавностью линий, тончайшими. хроматическими сочетаниями. Еели смысл условных знаков не сводится более к тому, чтобы зафиксировать и объяснить действительность, в используется для того, чтобы преодолеть и зашифровать ее, то к чему тогда все богатство позитивного познания, которое было накоплено флорентийской живописью в первой половине века и которое привело к грандиозным теоретическим построениям Пьеро? А посему теряет смысл перспектива как способ изображения пространства, не имеет смысла свет как физическая реальность, не стоит заниматься передачей плотности и объема как конкретных проявлений материальности и пространства. Чередование параллельных стволов или узор из листьев на заднем плане " Весны" не имеют ничего общего с перспективой, но именно по сравнению с этим фоном, лишенным глубины, обретает особое значение плавное развитие линейных ритмов фигур, контрастирующих с параллельностью стволов, точно так же, как тонкие цветовые переходы получают особое звучание в сочетании с резко выделяющимися на фойе неба темными стволами деревьев.

Росписи в Сикстинской капелле 1481-1482 г

Фрески Боттичелли написаны на библейские и евангельские сюжеты, но трактованы не в " историческом" плане. Например, сцены из жизни Моисея призваны стать прообразом жизни Христа. Темы других росписей также имеют переносный смысл: " Очищение прокаженного" и " Искушение Христа" содержат в себе намек на верность Христа закону Моисея и, следовательно, на преемственность Ветхого и Нового заветов. " Наказание Корея, Дафана и Авирона" также намекает на преемственность закона божьего (что символически выражено аркой Константина на заднем плане) и на неизбежность наказания тех, кто его преступает, что недвусмысленно увязывается в сознании зрителя с еретическими учениями. Кое в чем можно усмотреть намек и на современных художнику лиц и обстоятельства. Но, связывая воедино исторически разновременные события, Боттичелли разрушает пространственно-временное единство и даже смысл самого повествования. Отдельные эпизоды, несмотря на разделяющее их время и пространство, спаяны друг с другом бурными взлетами линейного ритма, возникающими после длительных пауз, и этому ритму, утратившему мелодический, плавный характер, полному внезапных порывов и диссонансов, доверена теперь роль носителя драматизма, который не может быть более выражен через действия или жесты отдельных персонажей.

" Рождение Венеры" ок.1485

Это отнюдь не языческое воспевание женской красоты: среди заложенных в нее значений фигурирует и христианская идея рождения души из воды во время крещения. Красота, которую художник стремится восславить, -это в любом случае красота духовная, а не физическая: обнаженное тело богини означает естественность и чистоту, ненужность украшений. Природа представлена своими стихиями (воздух, вода, земля). Море, волнуемое ветерком, раздуваемым Эолом и Бореем, представляется голубовато-зеленой поверхностью, на которой волны изображены одинаковыми схематическими знаками. Символична и раковина. На фоне широкого морского горизонта развиваются с различной интенсивностью три ритмических эпизода - ветры, Венера, выходящая из раковины, служанка, принимающая ее с украшенным цветами покрывалом (намек на зеленый покров природы). Трижды ритм зарождается, достигает максимального напряжения и гаснет.

" Мистическое Рождество" 1500 г,

Возможно, самое аскетическое, но в то же время наиболее заостренно-полемическое из всех произведений его последнего периода. И сопровождает его апокалипсической надписью, в которой предсказываются огромные беды для грядущего века. Он изображает немыслимое пространство, в котором фигуры на переднем плане меньше, чем более удаленные, ибо так поступали " примитивы", линии не сходятся в одной точке, а зигзагообразно расходятся по пейзажу, словно в готической миниатюре, населенной ангелами.

Эта картина “Венера и Марс” написана художником по заказу известной флорентийской семьи Веспуччи. (Именно в честь одного из членов этой семьи – флорентийского мореплавателя Америго Веспуччи, Американский континент был назван “Америкой”) На картине изображена прекрасная богиня любви Венера и задиристый бог войны Марс. Как видим на картине – Марс спит, любовь усыпила войну. Известный лозунг времен 60-х годов прошлого века (во время войны США во Вьетнаме) “Make love not war” (делай любовь, а не войну) был актуален во все времена. Картина символизирует победу любви над войной, или пока любовь бодрствует, война спит.

Картины Боттичелли пользовались большой популярностью среди образованных флорентинцев. Однако во второй половине жизни художника, в его творчестве произошли значительные изменения. Сандро Боттичелли был очень страстным религиозным человеком, и поэтому его сильно захватили пылкие проповеди доминиканского монаха Савонаролы, который в них призывал всех каяться, угрожая быстрым концом света. (Такие фанатики и в наше время, к сожалению, встречаются) В своих фанатичных, экзальтированных проповедях Савонарола объявил непримиримую войну богатству, роскоши, различным земным развлечениям (особенно, таким как музыка и танцы). Его проповеди имели большой успех среди простых флорентинцев, и после смерти Лоренцо Медичи, Савонарола фактически стал править Флоренцией. Во внутреннем мире Боттичелли долгое время шла борьба между гуманистическими ценностями ренессансной культуры и призывами к покаянию и аскетизму, звучавшие из уст Савонаролы.

По всей Флоренции запылали костры, в которых последователи Савонаролы жгли книги, золотые и серебряные украшения, предметы роскоши, и в частности бесценные произведения искусства, картины, скульптуры. Боттичелли находясь в фанатичном восторге от варварских идей Савонаролы, собственноручно сжег несколько своих ранних картин. Под конец жизни, в своем творчестве Боттичелли полностью отказался от любых античных тем на своих картинах, а все его полотна стали посвящены сугубо христианским сюжетам.

Эта интересная картина, называется “Клевета”. Картина очень аллегорическая, символизирует многочисленные человеческие недостатки и в особенности один из них – именно Клевету. Клевету здесь выступает в образе красивой девушки, с якобы невинным лицом, которая влечет обвиняемого мужчину на суд к царю. Две другие девушки, которые заплетают волосы Клевете, символизируют Коварство и Ложь. Человек с факелом, который идет впереди Клеветы это Зависть. Сидящему на троне царю в два уха шепчут Невежество и Подозрение. В правой части картины Покаяние представлено в образе старушки одетой в черные траурные одежды, а возле нее обнаженная Истина смотрит куда-то вверх.

Это одна из первых картин, которая принесла художественную славу Ботичелли. Ее название “Поклонение волхвов”. Темой картины является известный библейский сюжет – к только что родившемуся младенцу Иисусу и Матери Божьей Марии пришли на поклон трое волхвов с востока. Однако в образе волхвов Боттичелли изобразил своих современников – благородных членов семейства Медичи, которые в то время правили городом Флоренция. На переднем плане в левой части картины художник нарисовал сам себя. Эта картина очень понравилась Лоренцо Медичи. (На тот момент он был старшим членом семейства) После этого Сандро Боттичелли стал художником при дворе Медичи, что было очень почетно.

Билет 14 (Сабирова)

Мозаики Равенны.

БАЗИЛИКА САНТ АПОЛЛИНАРИЙ НУОВО

Крупнейший мозаичный ансамбль эпохи Теодориха - мозаики Сант Аполлинарий Нуово, возникшие, скорее всего, в течение третьего десятилетия VI века. Сооруженная Теодорихом церковь, которая примыкала к его резиденции, была изначально посвящена Спасителю и предназначалась для арианского культа. После изгнания готов из Равенны базилику приспособили для католического богослужения. В это время часть мозаик была переработана. Последние уцелели лишь на боковых стенах большого нефа, где они размещаются тремя ярусами. В верхнем ярусе мы видим двадцать шесть сцен из жизни Христа (на левой части - чудеса, на правой - Страсти), ниже, между окнами, представлены фигуры пророков, а еще ниже, над аркадой, изображены дворец Теодориха и Порто ди Классе, из которых выходят мученики (справа) и святые девы (слева), следующие к Христу и Божьей Матери, сидящим на тронах.

-Ритм нижнего яруса с мучениками и мученицами частый и монотонный.

-Ритм среднего яруса (фигуры апостолов и пророков) - более разреженный. Он определен не мотивом хода, а предстоянием в зоне чистого света, отсюда его свобода, пространство и воздушность. Фигуры разделены не окнами, а потоками света, он является средой их существования.

(Сан Витале в Равенне. Купол 547 г.) Свод алтаря увенчивает главный христианский жертвенный символ — апокалиптический Агнец, венчающий мироздание. Медальон с Агнцем поддерживают четыре ангела — символы четырех сторон света — в окружении райских дерев и растений, птиц и животных.

(Ц.Сан Аполинаре-Нуово в Равенне. Св.жёны. До 526 г)

( Сан Витале в Равенне. Им. Феодора 547 г.)

(Сан Витале в Равенне Рука Феодора 547 г)

(Сан Аполинаре-Нуово в Равенне. Мария с младенцем.) В конце апсиды представлена Богоматерь на троне (голова полностью утрачена).Она придерживает сидящего на ее коленях Христа. Обе фигуры даны в строгих фронтальных позах. По сторонам стоят два ангела, чьи изображения пострадали от времени. Примечательной иконографической деталью мозаики является мандорла, обычная для Христа и необычная для Богоматери. По-видимому, сияние было перенесено с Христа на Марию с целью подчеркнуть, что она истинная Матерь Божия. Тем самым утверждалась непреложность догмы о божественности ее Сына с момента его рождения. По своду триумфальной арки расположены тринадцать медальонов с полуфигурами Христа и апостолов (уцелело десять медальонов) (табл. 67). По характеру довольно жесткого выполнения, с преобладанием тяжелых линий, они напоминают медальоны с бюстами апостолов и святых в Архиепископской капелле и Сан Витале в Равенне. Авторами мозаик Панагии Канакарии, возникших не позднее середины VI века, были, вероятнее всего, сирийские мастера.

(Сан Аполинаре- Нуово в Равенне. Поклонение волхвов)

( Импиратор Юстиниан 547 г. Часть мазаики «Юстиниан со свитой и епископ Максимиан».) Особое место среди мозаик Сан Витале занимают портреты Юстиниана и Феодоры, размещенные на боковых стенах апсиды, по сторонам от окон.

( Из свиты Феодоры 547 г)

( из свиты Феодоры)

(Троица 547)

(Христос на троне)

( Христос на престоле)

Все это в целом формирует представление о создании внутри храма замкнутого, идеального пространства, где нет суеты и изменчивости земных отношений. Этот мир не имеет теней и полутонов. Эти мозаики можно рассматривать как преддверие принципов византийской декорации и пример зрелого византийского языка.

МОЗАИКИ РАВЕННЫ

МАВЗОЛЕЙ ГАЛЛЫ ПЛАЦИДИИ

Обычно древнейшими из равеннских мозаик, дошедших до нас, считают мозаики так называемого Мавзолея Галлы Плацидии (вторая четверть V века). Он был украшен мозаиками дочерью Феодосия Великого и сестрой Аркадия и Гонория Галло. Название храма - условное, на самом деле он был дворовой часовней, посвященной мученику Лаврентию, заступнику династии Феодосия. Для ее декорирования Галла Плацидия, которая воспитывалась в Константинополе, привезла византийских мастеров. Высокое качество мозаик и их стиль не оставляют в этом сомнений. Небольшой храм в форме равноконечного греческого креста, перекрытого куполом на парусах, по типу и функциям был мартирием. Тематика мозаик связана с похоронными обрядами, но еще больше отражает общие истины христианства. Мозаики расположены лишь на верхних частях храма, вся нижняя часть на уровене роста человека облицована прозрачным мрамором немного желтоватого оттенка.

В мозаиках Мавзолея обращает на себя внимание любовь к синему фону. Все сцены и орнаменты представлены на синем фоне. Купол представляет собой синее небо, усыпанное звездами. В его центре золотой крест, большая сторона которого направлена на восток. С четырех сторон свода на стенах, соответствующих поздним парусам в византийских купольных церквях, размещены по грудь, на облаках, четыре эмблемы евангелистов: ангела, быка, льва, орла. Под куполом на четырех стенах, лежащих под арками, мозаикой образованы ниши в виде раковин, в которых по бокам окна стоят апостолы со свитками. Всего апостолов восемь. Между апостолами, под окнами, изображены жбаны с водой, по бокам которых по голубую. Коробовые своды в западном и восточном рукавах покрыты по синему фону орнаментом в виде кружков, которые то имеют вид цветов, то представляют собой монограмму Христа. Между этими кругами рассыпаны восьмилепестковые белые цветки. Коробовые своды в северном и южном рукавах покрытые орнаментом в виде двух побегов аканфа, по типу виноградной лозы, ветви которых образуют завитки, постепенно чередующиеся в направлении поддужной арки и уменьшающиеся кверху. Между этими лозами на среднем своде поверх расцветшей чашечки лиственнй виноградной кисти поставлена золотая человеческая фигура, крепко завернутая гиматием, покрывающим ее руки. Такая орнаментация расположена с обеих сторон монограммы Христа, которая представлена в центре свода. Всего в арках четыре человеческие фигуры. Их можно отнести к числу апостолов, изображенных в нишах под куполом. Таким образом устанавливается число всех двенадцати апостолов. На западной стене, над входом, под аркой, в люнете, среди горного пейзажа, изображен Добрый Пастырь. Он опирается, сидя на камне, одной рукой на древко креста, а другой ласкает овцу из своего стада. На восточной стене под аркой, в которой находится так называемый саркофаг Галлы Плацидии, изображен св. Лаврентий, который идет на мученическую смерть с крестом и книгой. Открытый шкаф демострирует книги четырех Евангелий, которые вдохновляют мученика на подвиг во имя Спасителя. На южной и северной стенах, под аркой среди завитков аканфовой лозы, два оленя, пьющие воду из природного источника, водоема, скрытого в зарослях (образ душ, приходящихся к источнику веры). Такова в целом роспись Мавзолея.

( Мавзолей Галлы Плацидии в Равенне. Внутри Мазаика. 1 пол 5 в.) Особенность общего замысла росписи позволяет понять контраст двух люнет: с мучеником Лаврентием и благим Пастырем. Сюжет первой росписи представлен прямо на синем фоне, который здесь не такой, как в других композициях. Он не ровный, а усиливается и представляет темные синие пятна в нижней части и по бокам фигуры св. Лаврентия, так что последняя резко выделяется на этом фоне, никаких других живописных деталей или пейзажа здесь нет. Одетый в светло-голубой хитон и белый гиматий, конец которого переброшен через левую руку, св. Лаврентий идет торопливо. В левой руке он несет книгу в красной обложке, а правой придерживает на плече длинный золотой процессионный крест. Главу Святого венчает золотой нимб. Перед ним, посередине изображения, стоит орудие его казни - решетки, под которыми виден огонь. На противоположной стороне стоит шкаф для книг, на полках которого стоят четыре Евангелия. Таким образом, это изображение мученика, идущего на страдания, т.е. изображение не символическое, а реальное, но поданное в условной обстановке. В мозаике Лаврентий охарактеризован человеком среднего возраста, с небольшой бородкой, коричневыми волосами. Его лицо удлиненное, глаза широко раскрыты (это свойственно всем равеннским типам). В исполнении фигуры св. Лаврентия особенно важно подчеркнуть, как и в фигурах апостолов, тщательное моделирование. Лишь конечности выполняются очень мягко, в полутонах, одежда богата этими полутонами.

ТВОРЧЕСТВО МАЗАЧЧО

Мазаччо используя перспкективу в арке пробивает пространство. Равномаштабность, прямая перспектива.

Мазаччо начал художественную работу в то время, когда Мазолино расписывал в церкви Санта Мария дель Кармине во Флоренции капеллуБранкаччи. Эта фресковая роспись считается самой значительной работойМазаччо, именно здесь он реализовал свое новаторство.

Дело в том, что до эпохи Возрождения никогда в искусстве не ставилась проблема изображения пространства. Поэтому одним из важных достиженийМазаччо была разработка системы глубинного изображения пространства с помощью прямой центральной перспективы, названной впоследствии итальянской.Она отражала новое отношение к миру, делая центр картины точкой схода перспективных линий. Также Мазаччо первым понял необходимость передачи фигур «в сокращении», если смотреть на них снизу, и преодолел прежнюю манеру письма, при которой все фигуры изображались на цыпочках. Он положил начало позам, движению, порыву в живописи, то есть изображению реальности.

На одной из картин кроме Христа, исцеляющего бесноватого, имеются еще прекрасные по перспективе дома, исполненные таким образом, что они одновременно показаны и изнутри и снаружи, так как он для большей трудности взял их не с лицевой стороны, а с угла.

Мазаччо больше других стремился изобразить и обнаженные тела. Он первым в живописи изобразил обнаженные тела Адама и Евы, изгнанных из рая(«Изгнание из рая»).

В своих произведениях Мазаччо отличался величайшей легкостью и любил большую простоту драпировок. Его кисти принадлежит сделанная темперой картина, где изображена коленопреклоненная Мадонна с младенцем на руках перед святой Анной. В церкви Сан Никколо помещена в простенке сделанная темперой картина кисти Мазаччо, на которой изображено Благовещение и тут же здание со множеством колонн, прекрасно переданное в перспективе: помимо совершенства рисунка оно сделано в ослабевающих тонах, так что, мало-помалу бледнее, оно теряется из виду.

В Санта Мария Новелла, там, где имеется трансепт, Мазаччо написал фреской изображение Троицы, расположенное над алтарем св. Игнатия, а по сторонам – Мадонну и св. евангелиста Иоанна, созерцающих распятие Христа. С боков находятся две коленопреклоненные фигуры, которые, насколько можно судить, являются портретами заказчиков фрески; но они мало видны, потому что закрыты золотым орнаментом. Кроме фигур там особенно замечателен полукоробовый свод, изображенный в перспективе и разделенный на квадраты, заполненные розетками, которые так хорошо уменьшаются и увеличиваются в перспективе, что кажутся условно вытесненными в стене. В работе над«Троицей» Мазаччо впервые использовал картоны – подготовительные рисунки, при помощи сетки квадратов перенесенные на стены. Такой этап работы над живописным произведением получил широкое распространение в эпохуВозрождения.

Мазаччо написал еще на доске в Санта Мария Маджоре возле боковой двери, ведущей к Сан Джованни, в капелле, Мадонну, св. Екатерину и св.Юлиана; на пределле изобразил он несколько небольших фигур из жития св.Екатерины, равно как св. Юлиана, убившего отца и мать, а посередине изобразил Рождество Иисуса Христа.

В церкви дель Кармине в Пизе на доске, внутри капеллы, помещающейся в трансепте, написана Мадонна с младенцем, а у ног их – несколько ангелочков, которые играют на музыкальных инструментах; один из них, играя на лютне, внимательно вслушивается в гармонию звуков. Посередине находится Мадонна, св. Петр, св. Иоанн Креститель, св. Юлиан и св. Николай – фигуры, полные движения и жизни. Внизу, на пределле находятся

«Мадонна с младенцем и св. Анной»

Средневековая иконография сюжета обычно именуемого «Св. Анна втроём» требовала изображения Анны, на коленях которой сидит Мария, а на коленях последней - младенец Христос. Иконографическая схема здесь сохранена, три фигуры слиты в трёхмерную, правильно построенную пирамиду. Грубоватыми формами масс, и прочной, лишённой грации посадкой Мария напоминает «Мадонну смирения» из Национальной галереи, Вашингтон, которую некоторые исследователи достаточно проблематично приписывают юному Мазаччо (очень плохое состояние сохранности не даёт возможности точно определить её авторство, несмотря на то, что Бернсон в своё время считал её работой Мазаччо).

Пространство картины состоит из параллельных планов (этот приём Мазаччо повторяет в некоторых композициях капеллы Бранкаччи): на первом плане колени Мадонны, на втором – младенец Христос и руки Мадонны, на третьем- туловище Мадонны, на четвёртом - трон, св. Анна, занавес и ангелы, и на последнем – золотой фон. Присутствие св. Анны в картине, возможно, имеет особый смысл; она символизирует дочернее послушание монахинь-бенедиктинок по отношению к матушке-настоятельнице (Вердон, 1988).

Портрет

В своём «Жизнеописании Мазаччо» Вазари упоминает три портрета. Историки искусства впоследствии отождествили их с тремя «портретами молодого человека»: из Музея Гарднер, Бостон, из Музея изящных искусств, Шамбери, и из Национальной галереи, Вашингтон. Большинство современных критиков считает, что два последние не являются работами Мазаччо, поскольку в них ощущается вторичность и более низкое качество. Они были написаны позже, или, возможно, скопированы с работ Мазаччо. Целый ряд исследователей считает достоверным только портрет из Музея Гарднер, а Берти и Раггьянти утверждают, что на нём изображен молодой Леон Баттиста Альберти. Портрет датируют периодом между 1423 и 1425 годами; Мазаччо создал его раньше, чем другой портрет Альберти, характерный профиль которого можно видеть в его фреске «Св. Пётр на троне» в капелле Бранкаччи, где тот изображён справа от самого Мазаччо.

Мазаччо. Портрет молодого человека (Альберти)Музей Изабеллы Гарднер, Бостон

Портрет молодого человека. Вашингтон, Национальная галерея.

Портрет молодого человека. Музей изящных искусств, Шамбери.

Изгнание из рая. В капелле бранкачо

На фреске изображён библейский сюжет – изгнание первых людей, Адама и Евы, из рая после того, как Ева нарушила божий запрет. Они, рыдая, удаляются из Эдема, над их головами путь на грешную землю указывает ангел на красном облаке с мечом в руке. Размеры фрески 208х88см.

Все исследователи согласны с тем, что она целиком выполнена Мазаччо. Присущий фреске драматизм резко контрастирует со сценой Искушения, написанной Мазолино на противоположной стене. Вопреки готической традиции, сцене Изгнания придана совершенно новая для того времени психологическая глубина. Адам изображён грешником, не утратившим своей духовной чистоты. Позу горько плачущей Евы Мазаччо явно позаимствовал у скульптуры олицетворяющей Воздержание, выполненной Джованни Пизано для кафедры пизанского собора. В качестве источника вдохновения для изображения Евы исследователи приводят также греко-римскую статую «Венеры Пудика». Аналогии среди скульптуры были найдены и для позы Адама – от «Лаокоона» и «Марсия» до более современных примеров, таких как «Распятие», созданное Донателло для флорентийской церкви Санта Кроче.

Во время перестройки храма в 1746-48 годах верхняя часть фрески была утрачена. Однако ещё раньше, около 1674 года, благочестивые священники распорядились прикрыть гениталии Адама и Евы листьями. В таком виде фреска существовала до последней реставрации, проведённой в 1983-1990х годах, когда они были удалены.

Чудо со статиром. Иллюзорная передача пространства

Мазаччо. Чудо со статиром.

Фреска «Чудо со статиром» со времён Вазари считается лучшим произведением Мазаччо (в некоторых русских книгах её именуют «Подать»).

Этот эпизод из жизни Христа взят из Евангелия от Матфея (17: 24-27). Иисус и апостолы, путешествуя с проповедями, пришли в город Капернаум. Для того, чтобы войти в город, надо было заплатить пошлину в один статир. Поскольку у них не было денег, Христос приказал Петру поймать рыбу в близлежащем озере и сотворить чудо, достав монету из её чрева. На фреске изображены сразу три эпизода. В центре - Христос в окружении апостолов указывает Петру то, что предстоит сделать; слева – Пётр, поймавший рыбу, достаёт монету из её чрева; справа – Пётр отдаёт монету сборщику налогов возле его дома.

Троица (1426-28), Церковь Сайта Мария Новелла

" Троица" - одна из первых в истории мировой живописи работ, в композиции которой были применены законы линейной перспективы, создающей иллюзию трехмерного пространства. Архитектурная рамка картины выдает здесь сильное влияние Брунеллески, а многие исследователи считают даже, что тот принимал непосредственное участие в создании фрески.

Под сводом массивной арки художник написал фигуры Святой Троицы. По сторонам распятия стоят Богородица и апостол Иоанн, а за пределами священного пространства, вне арки, - два коленопреклоненных. Скорее всего, это портреты людей, заказавших Мазаччо картину Ниже изображена гробница с надписью, обращенной к каждому из зрителей: " Я был как вы, и вы должны стать как я". Таким образом, гробница напоминает нам о неизбежности смерти, а образ Троицы рождает веру в спасение души.

Эта фреска одной из первых была создана с помощью картонов - больших, полномасштабных рисунков, их прикладывали к стене, а затем обводили контуры деревянным стилом. Как и в случае с любой фреской, написанной по свежей штукатурке, несмотря на то, что картина плохо сохранилась, исследователи могли установить, сколько времени художник продолжал работу. В данном случае Мазаччо потребовалось 28 дней (именно столько раз добавлялись участки свежей штукатурки). Больше всего времени он потратил на то, чтобы написать головы и лица.

Билет 17(Шушаник)

1. Собор в Реймсе (1211-1330 гг.), место коронации французских королей;

Предыдущая 1 2 3 4 5 6 78Следующая