Жертва» - традиционный художественный взгляд на положение женщины в обществе эпохи модернизма.

⇐ ПредыдущаяСтр 6 из 6

Мэри Уоллстонкрафт являлась одним из главных идеологов женского движения в Англии. Она выпустила работу под названием «В защиту прав женщин», которая стала настольной книгой многих представительниц прекрасной половины человечества. Она не боялась сказать свое слово, не боялась отстаивать свои убеждения. Одна из главных мыслей её книги звучит так: «Обучать искусству угождать – единственная цель женщины! Так ее воспитывают с самого детства и, именно, такие качества как угодничество, покорность и слабость считается главными достоинствами благородной девушки»[220]. Слабость и даже некая жертвенность – это основа успешного замужества. А, если тебе удалось выйти замуж, то твоя главная цель в жизни достигнута. С ранних лет родители прививали своим дочерям умение жить для других и ради других, не думать о себе и своим прихотях. Твой муж – вот кто твоя основная опора и поддержка по жизни, и поэтому ты должна делать так, чтобы он ни в чем не нуждался. Это основа воспитания для любой девушки. Отсюда и закладывается фундамент будущего порабощения и полной подчиненности мужчине. Именно, таких взглядов придерживалась Мэри Уоллстонкрафт.[221] Конечно, данный аспект не мог не коснуться направленности в творчестве различных художников.

С одной стороны, они пытались раскрыть «новую» женщину – уверенную и сильную, но с другой, образ жертвенной женщины был настолько прочен в культуре, что даже модернисты, стремившиеся раскрыть женскую силу, энергию, сексуальность, не могли пройти мимо него.

Одним из таких художников был Эдвард Мунк. Художник не раз обращался к образу болезненных и слабых женщин. Одной из таких работ является «Комната умирающего» (Приложение 7). На полотне образ самого умирающего отведен на второй план, мы не видим его мук, но зато видим реакцию окружающих его людей. На переднем плане изображена женщина, её руки сложены вместе, её взгляд обращен к зрителю, её лицо полно скорби и печали, она обессилена. Её взор будто ищет поддержки и понимания, она настолько слаба, что все её чувства ненароком переносятся на зрителя и приводят его в смятение.

И таких полотен у художника довольно много. Это и «Весна», и «Больная девочка», и «Девушка с распущенными волосами». Все эти полотна словно кричат обо всей слабости женщины, о её беззащитности.

Ещё один талантливый и всемирно известный мастер, представитель постимпрессионизма – Поль Сезанн. Он был выдающимся французским художником, открывший для зрителя новый взгляд на искусство. Его мало интересовал женский образ, но все, же его творчество в этом направлении достойно внимания.[222] За всю свою творческую карьеру он не так часто писал свою любимую модель и музу – Мадам Сезанн, но на каждом полотне она представлена в одном образе. Её плечи опущены, её взгляд добр, но печален, она смотрит вперед, но чувство, что не на зрителя, а через него, она меланхолична и даже болезненна. Такая интерпретация женского образа близка мастеру. Его работы «Женщина с кофейником» или «Юная итальянка» содержат такой же аспект чувств главных героинь. Не смотря на то, что иногда его героини крупной физической формы, они всегда вызывают лишь грусть и тоску[223]. И такая тенденция женской красоты свойственна многим мастерам эпохи. И, наверное, объяснения этому есть. Женщина, действительно, была в отчаянии. У неё было лишь три состояния. Во-первых, подчиниться мужу и жить как птица в золотой клетке, во-вторых, пытаться бороться за свои права и столкнуться со всей жестокостью общества, с его насмешками и издевкой, ну и, в-третьих, стать поистине лицемерной и «счастливой» назло всем и себе в том числе. После этого объяснения, какой ещё вывод можно сделать. Женщина XX века еще оставалась слабой и неуверенной в себе, но новый век придал новые силы и перевернул мир с ног на голову.

Следующим живописцем настоящей женской трагедии по праву считается Гюстав Моро. Его полотно «Сафо» (Приложение 7) - это образ греческой поэтессы. На утесе Песбос, родине героине, она стоит, оперившись на скалы. Это поистине сказочная, но в, то, же время трагичная история. Она является жертвой любви и не в силах больше страдать, она хочет броситься со скалы. Этот сюжет актуален для эпохи модерна. Образ отчаяния, несбывшихся надежд, волна перемен – все это накатывало ужас и неуверенность в завтрашнем дне. И не только горечь любви могла заставить юную деву броситься со скалы в глубины моря, но и простое непонимания общественности, неполноценность личности и отвращение к твоей рвущейся к свободе душе.

Густав Климт – творец женской красоты, мастер женского тела, открыватель женской души. Он видел каждую женщину по-разному, для него они были индивидуальными и не похожими не на кого. Образ «жертвы» присущ Климту, хоть и не так часто он к нему обращался. Он был творцом новой живописи, но и некая присущая девушкам и женщинам грусть и меланхолия никогда не ускользала из под его взора.[224]

«Портрет Фризы Ридлер», «Портрет Эмили Флеге», «Портрет Гермины Галии» - это образы красивых и очень нежных женщин. Все в полотнах, от палитры красок до изгиба шеи, дает окраску печали и легкого уныния. Эти героини так нежны и изящны, что, кажется, будто легкий ветерок сможет унести их в глубину полотна. Положение рук, наклон головы, неуверенность взгляда – они как цветы, такие же прекрасные и беззащитные. И, конечно, триумфом нежности и чистоты является «Портрет Серены Ледерер»[225] (Приложение 8). Её молочного цвета платье сливается с фоном полотна, девушка растворяется в картине и кажется, что это просто мираж и только нежное и романтичное личико героини доказывает её присутствие. Её нет, но она здесь – это своеобразный мотив данной картины и мотив времени. Женщина всегда была как приложение к мужчине, была единым целым с ним, полностью растворяясь в нем и его жизни, как Серена в полотне Климта.

«Распространено вульгарное убеждение, что женщина тем полезнее, чем она покорнее, а покорность достигается неведением».[226] Именно, такие слова произносила на своих курсах лекций Фрэнсис Райт, когда говорила про участь женщины в современном мире. Неведение – вот упущение любой женщины, она не стремится узнать и принять участие в чем-то. Она заперта в четырех стенах и довольствуется этим, меж тем как её муж строит этот мир и потом он, конечно, будет считать себя властителем мира, а женщину не принимать в счет. Он является частью мира публичного, а женщина – частного. Именно, на такие грани был разделен мир, и нужно было прорвать эту завесу, пробиться в публичный мир холодных и жестоких мужчин, чтобы тебя стали уважать.[227]

Но надо сказать, что художники эпохи модерн все еще видели в женщине лишь цветок, за которым нужно ухаживать, чтобы он приносил удовольствие. Образ женщины «цветка-хризантемы» стал вводить новые правила моды и вкуса. Идеальная женщина – это неземная, утонченная, праздная, с томным взглядом и вытянутой фигурой, с длинными волосами и романтичной улыбкой. Вся мода была выстроена под новый образ. Корсеты, утягивающие талию до невероятных размеров, длинные юбки, пышные прически. Одежда была настолько неудобной и сковывала все движение, что плавность походки становилась неотъемлемой частью жизни девушки. Все в образе говорило о том, что эта девушка не для работы или отстаивания своих избирательных прав, она живет в мире развлечений, ресторанов и театров, магазинов и парков. И даже цвета одежды говорили о меланхоличности женщины. Преобладали голубой, розовый, серый цвета, все придавало образу оттенок небольшой грусти[228].

Когда женщины начали борьбу за свои права были и такие, которые во всем пытались перечить моде и традициям. Например, Жорж Санд, писательница и ярая сторонница равноправия полов, настолько вошла в образ, что носила мужскую одежду, курила сигары и даже взяла себе мужской псевдоним, так как ее настоящим именем является – Аврора Дюнен. Она бросила вызов общественности и обрела себя. Она стала известной писательницей, а её романы стали важной частью новой эпохи только потому, что она писала истину такой, какая она есть, а не такой, какой её заставляли видеть мужчины[229].

«Теория праздного класса» американского экономиста Торстейна Веблена уже была упомянута в работе, так как является одной из основ понимания классического образа женщины в обществе. В его работе есть глава под названием – «Одежда как выражение эпохи денежных отношений».[230] Основа этой главы – это, то, что одежда женщины показывает достаток мужчины, что чем дороже она одета, чем больше на ней драгоценностей, тем больше достаток семьи, а, следовательно, её супруга. Но это не единственная функция имиджа зажиточной представительницы слабого пола. Веблен отмечает, что производительный труд не является подобающим для респектабельной женщины, и поэтому весь стиль дамы, конструкция её платья внушает всем окружающим мысль, что она просто не может заниматься тяжелой работой[231]. Весь образ девушки направлен на олицетворения неудобства, некой заторможенности движений, плавности походки, так как иначе в такой одежде просто невозможно передвигаться. Жизнь такой леди – это лишь походы по магазинам, посещение театра, музеев, ресторанов, общения с подругами и трата средств мужа и при всем этом выполнять эти функции женщина должна плавно и размеренно.

Пьер Жорж Сера – французский художник постимпрессионист, создатель уникального жанра в искусстве «пуантилизма». О пуантилизме см., например, Анри Перрюшо «Жизнь Сера».[232] Это уникального художественное направление, основой которого является эффект мозаики, вся картина усыпана мелкими квадратными мазками. Такие работы лучше всего смотреть издалека, так как чем дальше ты стоишь к работе, тем незаметнее становятся эти мелкие точки, и они, сливаясь в одно целое, создают превосходное зрелище.

Одна из его работ под название «Воскресная прогулка на острове Гран-Жатт» (Приложение 8), которую он выполнил в 1884-1886 годах, является наглядным пособием жизни богемы конца XIX века. Действие данного полотна происходит на реке Сене, к северо-западу от Парижа. Этот остров являлся излюбленным местом отдыха и развлечений парижан. На картине расположены множество фигур, как мужчины, так и женщины. Некоторые джентльмены сидят или лежат на траве, глядя вдаль или просто греясь на солнышке, дамы прогуливаются со своими детьми вдоль берега или тоже расположились на зеленой травке и общаются друг с другом, обсуждая свежие новости. Эта работа пронизана красотой и шиком, она символизирует обычное воскресное утро Парижа, прекрасную погоду и утонченную жизнь зажиточных парижан. Но нам интересна еще и одежда, в которую облачены, в первую очередь, дамы на полотне. Эти длинные платья, утянутые талии, шляпки и зонтики, элегантные походки и прямые осанки. Эти дамы как статуэтки гуляют по берегу Сены, что складывается ощущение, что они находятся в постоянном напряжении, они не расслаблены. Позы и жесты мужчин намного раскованнее и свободнее, чем их спутниц. Девушка высшего общества всегда должна выглядеть изящно и красиво.

Правила, установленные в обществе, которые характеризуют образ женщины, её поведение и манеру вести себя, её одежду и даже речь, настолько глубоко засели в сознания людей, что когда известный художник Джон Сингер Сарджент на своем полотне изобразил мадам Икс - Вирджинию Горте, светскую львицу, обладающую невероятной красотой и грацией, но отличающейся независимым поведением, общество было ошарашено. Эта картина вызвала массу негодования и критики, в результате чего карьера Сарджент в Париже была разрушена. А повлияло на столь ярую волну критики лишь спущенная бретелька на её платье. Публика посчитала оскорбительным показывать даму из высшего света в столь эротичном образе, это было непозволительно[233].

Эпоха модерна это как молот, топор, разрушающий все препятствия на своем пути. Он устанавливал свои правила, диктовал свои условия. И, да, пусть сначала публика давала негативную реакцию, пусть такие новые течения времени не прививались сразу и вызывали лишь шок и агрессию среди общественности, художники нового времени все равно шли вперед и доказывали свою правоту действием. Многие мастера, не находя понимания в одной стране уезжали в другие страны. Например, тот же Сарджент, Гоген, Пикассо и другие. Они были как отшельники, разъезжая по разным городам и странам, они искали себя и свой стили, открывали новые высоты и преображали затвердевший мир.[234]

Одним из таких скитальцев был и Модильяни. Несмотря на то, что он внес в искусство настоящий переворот в понимании женской красоты и чувственности, что вызвало немало скандалов в кругах общественности, его уникальная серия портретов Жанны Эбютерн невозможно обойти мимо. История этой любви безумно красива, но, к сожалению, трагична. После смерти самого художника Жанна не смогла смериться с этой утратой и выпрыгнула из окна, будучи на девятом месяце беременности. У них осталась маленькая дочь, которая впоследствии напишет занимательную работу «Попытки биографии», где расскажет о своем видение образа отца и его творчества[235].

Начало этой сказочной истории любви – серия портретов Жанны. Она стала его музой, и за два года жизни с ней он создал более ста новых картин, двадцать из которых это портреты любимой спутницы жизни. Эти работы отличаются особой интимностью, душевностью. На полотнах лишь она, прекрасная Жанна, красивая и изящная, с легким наклоном головы, с добрыми глазами и легкой улыбкой. Иногда она смотрит на зрителя своими голубыми глазами, а иногда как будто сквозь него. Её образ так нежен и чист, она так душевна и мила, она являет собой символ настоящей преданной подруги и жены, доброй матери и музы. Она осталась верна ему до конца дней и не смогла продолжить жизнь в одиночестве. Вторая надпись на их общей могиле гласит: «Верная спутница Амедео Модильяни, не захотевшая пережить разлуку с ним».[236] Это и есть настоящая жертвенность и преданность своему мужчине. Такой является муза одного из самых шокирующих мастеров эпохи. Он был настолько разным, у него было так много граней его творчества, что невозможно до сих пор ответить на вопрос – «Кто такой Амедео Модильяни? ».

Очень часто на его полотнах мы можем наблюдать сложенные руки. Для зрителя это символ некой скромности и застенчивости героя картины, его закрытости и даже слабости.[237] Такой эффект придает многим его работам простоту персонажа, его искренности. Например, «Портрет Поллеты Журден», «Портрет Торы Клинковстром», «Девушка в блузе». Эти героини скромны, их взгляд печален и неуверен. И такой факт всесторонности образа женского, разного подхода к пониманию женской сущности можно присвоить многим художникам эпохи модерн. Это время как мост между тем, что было и тем, что станет. Мост, который приведет к половому равноправию, к получению женщинами избирательных прав, к становлению женщины как индивидуальной единице, не зависящей от супруга не морально, не экономически.[238]

«Мать и дитя» - это направление в искусстве, которое олицетворяет нежную, ласковую, интимную, душевную теплоту между мамой и её ребенком. Это чистые отношения, которые длинной нитью проходят через все этапы становления мирового искусства.[239]

«Сикстинская Мадонна» - это святой лик Богоматери (Приложение 9). Она воплощает в себе христианскую духовность, настоящую материнскую заботу и чистоту. Мадонна Рафаэля во все времена была предметом поклонения для всех настоящих ценителей искусства. Эпоха модерна не стала исключением. XX век ввел много новых течений и образов, но вечное остается вечным. Образ матери предстает на полотнах художников не один раз, чем вызывает у зрителей лишь трепет и нежную тоску по ушедшим безмятежным годам своего детства[240].

Огюста Ренуара по праву называли художником счастья. Его полотна светятся солнцем и теплом, а его женщины по-настоящему нежны и прекрасны. Он является певцом женской душевности и доброты.[241] И, конечно, его творчество не могло пройти мимо темы материнства. Его картины «Мать и дитя» (Приложение 9) или «После обеда. Дети в Варжемоне» олицетворение искренней материнской теплоты и домашнего уюта. На первом полотне изображена женщина, кормящая свое дитя. Вся картина – это отражение непосредственности и живости происходящего. Полотно пропитано лаской и светом. Это гимн любви и доброты материнского сердца.

На втором же полотне показаны лишь дети. Они заняты каждый своим делом и только одна девочка смотрит на зрителя, меж тем как две другие не обращают никакого внимания. В скромной и уютной обстановке загородного дома чувствуется настоящая теплота детских чувств. Дом пронизан спокойствием и душевностью. Старшая девочка вышивает, средняя читает книгу. Это представительницы благородного семейства, которые с раннего детства приучаются к разного рода занятиям. Такого было воспитание юных барышень. С ранних лет они учились всевозможным искусствам – шитью, музыке, танцам, пению, языкам. Они должны были уметь все. Чем больше талантов у девушки, тем образованней она считалась в обществе. И не смотря на то, что в дальнейшем эти таланты в большей степени мог лицезреть только ее супруг, она все равно должна стараться быть лучше других, чтобы отыскать себе хорошую партию.[242] Но справедлив ли тот факт, что при всех способностях и умениях юных леди, она должны были довольствоваться только малым – удовольствием своего супруга.

«Три возраста женщины» (Приложение 10) - полотно довольно оригинальное, но это и не странно, ведь ее автор Густав Климт. На полотне три женщины – маленькая девочка, прижавшая её молодая девушка и старое тело женщины с выпуклым животом. Именно, на иссохшее тело женщины бросается взгляд в первую очередь. Она худощава и больна, её лицо скрыто от зрителя темными волосами, рука свисает вдоль тела, а другая прижата к лицу. Художник показал путь каждой женщины. Но что интересно, эта та интерпретация младенчества и свежей юности, которые на полотне показаны воедино – девушка держит в руках младенца. Она ласково прижала его к себе и на её лице лишь душевное спокойствие и ласка от теплоты чувств. Своеобразная аллегория материнства на полотне Климта очевидна. Он показал на картине единственную цель и радость жизни женщины – стать матерью. Когда она молода, она наслаждается этим чувством, но когда приходит старость, ничего кроме страдания и нескончаемой тоски уже не остается.

Ещё один образ материнства мы наблюдаем на полотнах Амедео Модильяни. Его полотна «Цыганка с ребенком» и «Материнство» - это две «мадонны», в которых художник впервые прочувствовал тему любви к родному существу. Картины очень схожи между собой. Две женщины смотрят на зрителя, в руках они держат своих детей. Образы душевные и очень мягкие, в них нет и капли притворства или наигранности. Мастер показал себя совсем с другой стороны и выразил всю гамму душевности в образах этих героинь[243].

Тулуз-Лотрек, Модильяни, Климт, Муха. Не важно к творчеству какого мастера мы обратимся с вопросом о понимание материнства. Для каждого художника тема «мать и дитя» была связана с теплотой и душевностью, с детскими годами беззаботного счастья и искреннего смеха, с нежной улыбкой матери и её ласковыми объятиями. Эта тема пронизана простой человеческой радостью и легкой грустью. Во все времена она будет вызывать у нас чувство неизбежной тоски и светлой радости. Эпоха модерн не стала исключением, и тема материнства на полотнах гениальных мастеров внесла свой неповторимый отпечаток в историю искусства нового времени.[244]

Что же такое образ «женщина-жертва»? Эта меланхолия, это тоска, это болезнь, это слабость, это уныние. Как выразить всю полноту чувств, которые испытывает девушка в моменты полного отчаяния? Многие мастера используют темные краски, которые наводят грусть на зрителя, некоторые художники помещают своих героинь в эпизоды отчаяния, например, смерти близкого человека, или усиливают тоску зрителя плохой погодой, например дождем или вьюгой. Но признанные мастера лишь сливают героиню с колоритом картины и уже не нужно лишних слов, её образ как сон или тень, она настолько воздушна, что кажется, что её просто нет, от чего степень потери и уныния достигает своего пика.[245] Таким полотном является «Женщина в розовом платье» художника Эдмона Франсуа Аман-Жана. Героиня помещена в водоворот красок, мазков кисти, она изображена в профиль и мы не видим, что олицетворяют её глаза. Она как мотылек или ветер, как момент или блеск в глазах от яркого солнца. Её образ настолько туманен и нереален, что сливается с полотном. Это женщина XX века для Аман-Жана просто фон полотна, её нет на самом деле.

Водные глади, бушующие волны, красота подводного мира – это новые фоны для эпохи модерн. Вода становится неотъемлемой частью нового искусства. И чаще всего в это пространство помещают женщин. Их связывают с образами русалок, рыб, морских владычиц.[246] Одним из представителей данного направления является Густав Климт. Невозможно не затронуть его работы «Ундины, серебряные рыбы» или «Водяные змеи I». На этих полотнах мы не видим женщин, мы видим обитателей морского мира. Они бессильны, беспомощны, связаны. Например, на первом полотне у них просто нет рук и тела как такого, только лица, прорывающиеся из своей скорлупы, а на втором полотне героини как будто спят или неживые вовсе, их тела переплетены и не выдают никаких признаков жизни[247]. Героини таких полотен красивы и изящны, но они не могут нечего сказать, они лишены права на свое слово. Такими мы и можем наблюдать женщин начала XIX века, голос они обретут позже в ходе тяжелой борьбы, в которой проявят свой истинный образ – сильной, уверенной в себе и своих силах, образованной женщины.

«Крик» (Приложение 10) - это полотно вызывает множество предположений и диспутов по поводу того, кого и что изображает данная картина. Эдвард Мунк смог одним полотном охарактеризовать всю эпоху модерн. Это крик природы, крик города, крик искусства, крик мужчины или крик женщины[248]. Природа может кричать о том, что её забыли, в водовороте событий она пала жертвой новых явлений, основой которых стала промышленная революция, город кричит от потока движений и людей, заполняющих его, искусство кричит от новых свежих идей, которые разрушают классическую основу, мужчина кричит от шока, от образа новой женщины XX века. Крик же женщины символизирует весь спектр эмоций, который она таила в себе на протяжении стольких столетий. Она кричит от боли, от непонимания, от агрессии, от грубости и отторжения общественности. Это крик злобы, крик отчаяния.[249]

Образ «жертвы» стал одним из двух основ эпохи модерн, символизирующих женский облик. Это не просто жертвенность и боль в прямом её смысле, это и образ материнства, образ угнетения и непонимания. Художники всеми возможными способами пытались показать женщину беззащитной. Они сливали её с красками картины, олицетворяли с образами водных богинь и существ, одевали в неудобную одежду, тем самым казалось, что женщина не способна не на что, кроме прогулок по парку и уходу за детьми. Для творчества многих мастеров эпохи характерно двусторонность женского образа – «роковой дамы» и «жертвенной девы», так как этому веку характерны черты переходности, поиска. Каждый мастер ищет свой стиль, свою манеру, так как искусство становится иным, уходит в прошлое классические и академические каноны красоты, на смену встают импрессионисты с их оригинальной работой со светом и конечно модерн с его новыми именами и взглядом на жизнь. Этот век открывает новую женщину, которая затмила всех своей красотой и властностью, а жертвенность и тоска отходят на второй план. Эти настроения лишь отголоски, остатки былой жизни, как эхо вдали или небольшой привкус сладости на губах после вкусного лакомства. Он остался и напоминает о себе, но от него уже не замирает сердце, уже не хочется пробовать тоже лакомство, хочется познать новый вкус. И этим «новым» становится женщина XX века, женщина-обольстительница, женщина-героиня и женщина-воин.

Заключение

Для периода эпохи модернизма характерны тенденции обновления и модернизации всех основ жизни общества. Эти явления связаны, в первую очередь, с чередом научных открытий, которые трансформировали основы общественного сознания. В результате обществу становиться необходимо принятие новых экономических, политических, социальных, а также культурных установок. Период конца XIX-XX века становится временем изменений в области человеческих отношений с государственной властью в рамках социально-экономической мировой революции.

Но чаще всего понятие «модернизм» анализируют с точки зрения именно искусствоведческой направленности. Данное направление представляет собой синтез религиозных, философских и культурологических характеристик. А, именно, для данного художественного направления характерен отказ от классических канонов в искусстве, от традиционных установок изображения действительности. Это течение представляет собой целую плеяду художников, архитекторов, скульпторов и др., которые привнесли в искусство иное видение реальности, которое трансформировало не только предметы обыденной действительности, но и образ женщины в современном мире.

Надо сказать, что основу художественной традиции в понимании женского образа заложили научно-философские и литературные труды многих видных деятелей. За эталон видения женской сущности мы берем эпоху Возрождения, стремление которой связаны с пониманием гармонии в обществе и в человеке. Это период становления идеологии гуманизма. Но, к сожалению, не смотря на то, что в центре всех гуманистических исканий был человек, вопрос женской индивидуальности был обойден стороной. Лишь в нескольких научных трудах-утопиях, в некоторых философских трактатах и литературных произведениях мы можем видеть женщину как участницу основных событий. Но даже эти работы скорее обожествляют и превозносят лишь внешние качества женщины, ее красоту, а внутренние характеристики не затрагиваются в этих работах. Похожая ситуация складывается и в художественном понимании женской сущности.

Эпоха Возрождения заложила основы классического женского образа в изобразительном искусстве. Используя религиозные и мифологические сюжеты, художники эпохи Возрождения выстроили идеал женского тела и пластики. На основе работ Рафаэля, Тициана, Микеланджело, Леонардо да Винчи и др. мы можем создать основные характеристики женской сущности, которая, прежде всего, выражается в материнстве и семье. Утонченные и чувственные фигуры героинь эпохи Возрождения являлись эталоном художественного мира на протяжении многих последующих веков, вплоть да конца XIX века. Начиная с этого времени, женский образ кардинально трансформируется, что связано с рядом причин.

Во-первых, в этот период времени происходят изменения в общественной жизни, которые выражены в женской борьбе за свои права, которая имеет название феминизм. Данное движение характеризуется резким усилением как легальных, так и подпольных методов борьбы. Появляются множество организаций, кружков, а также научных, философских и литературных работ, отстаивающих права женщин на равноправное положение с мужчинами.

Во-вторых, начиная еще со времен промышленных революций, женщина постепенно становится частью производственного процесса, так как государству требуется много людских ресурсов. В итоге, женщина получает доступ к материальной основе, как в обществе, так и в своей семье, становясь при этом равноправной участницей общественного прогресса. Эпоха модернизма усилила данные тенденции, вступив в новую стадию научно-технического прорыва.

В-третьих, происходит изменения в ячейке общества под названием семья. Если ранее отношения между мужчиной и женщиной строились на контрактной основе, были подвержены традиционным и родовым элементам, то теперь в частной жизни появляются понятия «интимности» и личных пристрастий. Т.е. женщина и мужчина уже одинаково подвержены чувствам, которые ставят их обоих в зависимость друг от друга.

В результате всех этих факторов появляется абсолютно новый женский образ в творчестве художников, который можно охарактеризовать как «роковая женщина». Данную трансформацию женской красоты мы можем видеть в работах Э. Мунка, Г. Климта, А. Тулуз-Лотрека и др. Тем не менее, пережитки былых времен дают о себе знать в наличии противоположной интерпретации – «женщина – жертва», который присущ тем же авторам. Надо сказать, что эпоха модернизма включает в себя характер постоянных исканий и поисков, новых экспериментов.

Итак, эпоха модернизма стала временем становления женской индивидуальности и независимости. На протяжении многих веков женщина была «закабалена» под гнетом мужского авторитета, она ассоциировалась лишь в рамках частной жизни. Она была переходным элементов и лишь посторонним наблюдателем общественного процесса, а мужчина был основой и главным звеном этого процесса. Эпоха модернизма сделала женщину равноправным участником событий, заставив посмотреть на себя не со стороны мужской точки зрения, а своими собственными глазами, что в итоге приводит к кардинальной трансформации образа женского как в социально-общественной жизни, так и в художественной интерпретации.

⇐ Предыдущая 1 2 3 4 56