Образ «роковой женщины» в искусстве.

⇐ ПредыдущаяСтр 5 из 6Следующая ⇒

При переходе от классики к модерну сформировался образ «роковой женщины». В этот термин можно вложить много значений. Это и сила, и красота, и даже ненависть, которая стала присуще женщине нового поколения. Примеров интерпретации данного образа достаточно много. Одним из самых ярких и распространенных стала Юдифь.

Юдифь во все времена была неким образом героической и довольно сильной женщины, однако, эта сила понималась во все времена по-разному. Поэтому в трансформации отношения к образу Юдифь можно проследить и трансформацию отношения к «женскому».

Юдифь – иудейская героиня, патриотка и символ борьбы иудеев против их угнетателей в древности на Ближнем Востоке. После того, как войска ассирийцев осадили её родной город, она прокралась в стан врага, заворожила их полководца, и когда он напился, отрубила ему голову, которую впоследствии доставила в свой город[193]. Персонаж Юдифь очень часто был используем в работах эпохи Возрождения, и стал символом новой эпохи – модерна.

Одной из самых известных картин, посвященной этому мифологическому сюжету, является по праву «Юдифь» Джорджоне (Приложение 1). Джорджоне является представителем золотого века в искусстве – эпохи Возрождения. Работа была написана в начале XVI века и как нельзя точно охарактеризовала силу женской привлекательности. Ничто не сравнится с женскими чарами и даже самые храбрые и жестокие правители падали у ног своих возлюбленных.

Но образ Юдифь в эпоху Возрождения имеет свои отличительные черты. На картине Джорджоне мы видим не жестокую и мстительную женщину, которая с ненавистью отрезает голову своему врагу, мы видим красивую античную богиню, которая отражает благочестие и жертвенность. Она символ добродетели, преданности своему народу.

Эпоха модерна подарила зрителю совсем другой образ Юдифь. Работы известного австрийского художника Густава Климта «Юдифь I» (Приложение 1) и «Юдифь II» - это символы не добродетели, это зеркало женской души нового времени – образа «роковой женщины». Первая картина показывает нам современницу художника, богатую жительницу Вены. На ней дорогое золотое колье и она вся окружена золотом. На полотне изображена гордая и свободная женщина, но в, то, же время загадочная и чарующая, дама, которая ценит себя выше, чем мужчину-зрителя.[194] Но если первая работа художника отображает лишь высокомерие и властность женщины, то вторая картины – это поток злости и даже ненависти. В этом полотне нет лести и угодничества, это надрыв души – это крик задыхающейся от несправедливости общества женщины.

Образ «роковой женщины» становится символом новой эпохи. Женщина перестает восприниматься как нежное, беспомощное создание, теперь она имеет право голоса и этот голос кричит со всех работ художников эпохи модерна.[195]

На протяжении всего существования человеческого рода, от варварства до XX века, образ идеальной женской красоты прошел множество этапов. Для каждой культуры, для каждой национальности они были своими, но определенные пропорции женского тела были похожи в разные промежутки времени. Начиная с доисторического периода, мы наблюдаем культ плодовитости. В то время женщина была символом новой жизни, она рожала детей и берегла дом, поэтому идеальной женщиной считалась упитанная, сильная и здоровая женщина. О таком выводе может свидетельствовать одна из самых удивительных находок археологии – венера из валендорфа[196].

В то же время для египетской цивилизации изображение идеальной женщины подчинялось определенным канонам. Для этой культуры характерно обнаженное, тонкое тело девушки, она должна была быть высокого роста, с темными волосами, атлетического телосложения, широкими плечами и узкими бедрами. Элементами женской привлекательности были раскрепощенность и сексуальность.[197]

В культуре Древней Греции огромную роль играло физическое воспитание, поэтому, так же как и у египтян, значение придавалось тренированному телу. Женщины изображались окутанными в длинные туники, которым не удавалось, однако, скрывать сильного спортивного тела. Большим сходством обладали и идеалы Древнего Рима, для которого важным в женщине была статичность, медлительность и некая величественность.[198]

Эпоха Возрождения внесла свои значительные коррективы в образ идеальной женской красоты. Вместо спортивных и величественных тел Античности и удлиненных слабых тел Средневековья, появляются пышные и здоровые, румяные и счастливые девушки золотого века в искусстве.

Рафаэль Санти – один из величайших художников эпохи Возрождения. Он был настоящим певцом женской красоты. Его Мадонны пылали свежестью и здоровьем, его героини отражали счастье и блеск жизни.[199] Его полотно «Три грации» - жемчужина творчества мастера. На нем изображены три красивые девушки, которые держат в руках то злосчастное яблоко. Каждая из них смотрит на него в своих руках и мысленно уже тянется его откусить, но пока не делает этого. Это момент сомнения, момент выбора, с которым и сталкивается как раз женщина эпохи модерн. Она стоит перед непростым шагом – оставить все как есть и остаться угнетенной до конца дней или бороться за свою свободу и доказать свою независимость всему обществу.

Рыжеволосая женщина – признак страсти и роковой привлекательности. Такое утверждение связано с творчеством многих художников эпохи и не в последнюю очередь с именем талантливого Анри Тулуз-Лотрека. Этого мастера можно назвать поистине уникальным. Он стал первооткрывателем женщины легкого поведения. Он не боялся показать всю правду женской доли и ознакомить с этой правдой окружающих. Он находил воодушевления, сидя за крайним столиком в борделях Франции и наблюдая, как смеются, танцуют и разговаривают незнакомые ему люди. В этой толпе интересных персонажей он высмотрел одну, приглянувшуюся только ему и ставшей ему настоящей музой. Её звали – Рыжая Роза. Она стала его любимой натурщицей и подругой.[200]

На портрете «Роза ля Руж – Монтруж» (Приложение 2) она представлена, стоящей в белой рубашке на фоне застекленной двери, сквозь которую проникает слабый свет. Её поза напряженная и скованная, модель отвернулась от зрителя, о её лице, скрытом выбивающимися из прически волосами, можно судить лишь по вырисовывающейся линии носа и подбородка. [201] Она не пожелала открыть лицо зрителю, она не впускает его в свой мир. Именно такой и видел Лотрек женщину конца XIX века – закрытую, одинокую, но в, то, же время властную.

Еще многие его работы представляют нам именно рыжеволосых красавиц. Например, «Татуированная женщина», «Туалет», «В ресторане Мье» и другие. Все эти полотна отображают разных женщин, разные ситуации и разных персон рядом с ними, но все работы Лотрека – это правда жизни, правда женской участи и уготованной ей судьбы.

Густав Климт – один из основоположников модерна, самый значительный и самобытный художник Австрии, которого по праву можно отнести к изысканным творцам эпохи. В начале XX века его работы шокировали публику. Многие считали его гением, но были и такие, кто называл его извращенным декадентом. Но мастер не боялся осуждения и непонимания, он всегда шел по своему пути[202].

«Афина Паллада» (Приложение 2), написанная в 1898 году, открыла целую серию картин с изображением «суперженщин» в искусстве Климта. В ее руках скипетр и шар державы, на котором изображена девушка в эротической позе, бросающая вызов всему обществу, но в первую очередь мужчинам. Это сильная и властная женщина, которая ослеплена золотом как божественным светом, она гордо смотрит вперед и не боится упреков общественности.

Афина – это древнегреческая богиня войны, военной стратегии и мудрости. Она была одна из наиболее почитаемых богинь Древней Греции, и очень часто ее образ становился сюжетом полотен художников разных эпох. Она всегда выступала воинственной владычицей и символом женской силы[203]. Но в полотне Густава Климта мы видим не просто древнегреческую богиню, мы видим образ женщины XX века, страстную и откровенную.

Еще одним выдающимся художником эпохи является Эдвард Мунк, написавший всеми известную работу – «Крик». Не смотря на то, что именно это полотно принесло ему всемирную популярность, он является одним из первооткрывателей образа «рыжеволосой женщины».[204] На его полотне «Вампир» (Приложение 3) он изображает женщину-вампира, которая кусает в шею мужчину. У нее длинные рыжие волосы, которые придают картине еще больший оттенок страсти и эмоциональной подпитки. Или полотно «Ревность», где на заднем плане изображена героиня, окрашенная в красный цвет. Она является причиной переживаний главного персонажа на переднем плане. Девушка срывает яблоко с дерева и отдает его другому мужчине, что является символом предательства и греха.

Греховность – немаловажный термин нового искусства XX века. Это странное и откровенное понятие для искусства, но оно имеет место быть. Художники нового стиля уже не видят в женщине только идеальный цветок, который приносит радость мужчине, уже нет тех Венер Тициана или Мадонн Рафаэля. Это время правды и истины человеческое бытия. Искусство отражает обыденную жизнь девушки, её настоящие эмоции и чувства, тягость ее участи, важной вехой которой является грех.[205]

Персона Амедео Модильяни уже была затронута в работе, но лишь отчасти. Его вклад в олицетворении эротичности женского начала уникален. Его полотна самобытны и невероятно притягивают внимание обычного наблюдателя. Удлиненный нос, узкие черные глаза, длинные шеи – характерные черты его портретов. Он начинал как скульптор и хотел связать свою жизнь именно с этим видом искусств, но судьба распорядилась иначе. Период с 1916 по 1920 в его творчестве наполнен уникальными полотнами натурщиц в стиле ню[206].

«Лежащая обнаженная» - настоящая жемчужина живописного искусства. Это один из самых красивых портретов Модильяни. Картине присуще экспрессия, но в, то, же время чистота и изящество линий[207]. Он отобразил всю красоты женского тела, добавив в полотно нотку нежности и утонченности. Данному временному отрезку в творчестве мастера принадлежат такие работы как «Стоящая обнаженная», «Большая ню», «Обнаженная, лежащая на левом боку» и все они уникальны. Это не просто полотна эротического содержания, это Мадонны XX века. Они нежны, изящны, грустны и печальны, а иногда на их лицах лишь безразличие к жизни, но они отзвуки эпохи. Это женщины такие, какие они есть, без краски и лишних предметов, без прикрас – оголенные алмазы.[208]

Афиша для кабаре – значимая часть заведения. Она притягивает или не производит никакого внимания прохожего, она запоминается надолго или проносится мимоходом среди множества невзрачных вывесок. Афиша «Мулен Руж» (Приложение 3) - это символ славы для Тулуз Лотрека. Именно, эта работа стала его визитной карточкой и прославила на многие годы. Используя любую возможность показать свой талант, он согласился на этот заказ и не прогадал. Эта афиша поистине открыла его дарования и настоящий талант. На ней изображена Ла Гулю, виртуозная танцовщица, известная своим канканом. Очень важно было найти тот самый образ, который был бы узнаваем и запомнился бы надолго в глазах зрителя. И, именно, такой и была эта известная девушка. Но вот, что примечательно – то, в какой позе изобразил художник свою музу. В зажигательной пляске она бесстыдно вскинула ногу вверх, отчего юбка пикантно задралась, и взорам присутствующих открылись панталоны Ла Гулю, облегающие её бедра.[209]

Эту афишу знали все парижане, и на ней впервые было написано имя мастера. Но интересно не это, а на какой риск пошел Лотрек, не побоясь осуждения и непонимания. Он изобразил естественную и энергичную женщину, которая не боится критики и смеха со стороны окружающих, она делает, что ей вздумается и от этого получает удовольствие.

Вообще Тулуз-Лотрек отличался необычайной простотой в изображении женщин. Для него они были обычными героинями, смешными или грустными, добрыми или злыми, одетыми или обнаженными, но они были такие, какими хотели быть.

Картина «Туалет» безумно напоминает творчество Дега. Девушка сидит спиной к зрителю, она наполовину обнажена, у неё немного даже мужская поза и она находится в задумчивости от всего мира. Возможно, она устала за весь день, работая не покладая сил, возможно, поссорилась с мужем или поругала детей за не послушание. Мы не знаем. Мы видим лишь её спину и плечи, поникшие от усталости. Её жизнь однообразна и скучна, и лишь этот таз является свидетелем её грустных глаз. Это лишь небольшая передышка перед новой битвой, момент отчаяния и снова в жизнь.

Равенство полов или даже господство женщины над мужчиной – одна из основных тем эпохи и одна из граней образа роковой женщины. Искусство модерна пестрило различными аллегориями власти женщины, обращаясь очень часто к мифологическим, античным, классическим сюжетам. Одним из таких обращений является образ «Данаи».

«Даная» - дочь Акрисия, царя Аргосского, который заключил её в подземный дом, так как ему было предсказано, что он будет убит сыном своей дочери. Зевс, плененный её красотой, проник к ней в покои в виде золотого дождя и оплодотворил ее. У Даная родился сын Персей.[210] Эта легенда известна всем. Образ красивой и утонченной Данаи использовали в своих полотнах многие художники предыдущих эпох и, в первую очередь, эпохи Возрождения. Одной из самых известных работ является «Даная» Рембрандта (Приложение 4).

Весь её облик озарен необъяснимым очарованием женственности. Её лицо буквально излучает любовь и нежность. Она – само воплощение ожидания. Образ Данаи – это образ идеальной женщины эпохи Возрождения и Барокко. Она подчинилась воли отца и переступила через свое слово, она лишь женщина, хрупкая и покладистая, её жизнь в руках других и эти другие – мужчины[211].

Но Густав Климт пренебрегает всеми стереотипами прошлого. Он видит свой образ «Данаи» (Приложение 4). Он изображает её в полном одиночестве, вне какой-либо её связи с окружающим миром, она обернута в роскошные ткани, которые обволакивают её тело, представляя на суд зрителю её бедра. Эта работа – символ невероятной силы женской привлекательности. Климт лишь использовал всем известный образ для того, чтобы отобразить физическое и психологическое женское удовлетворение. Его героиня не боится быть некрасивой или странной, она лежит в крайне неудобной и даже откровенной позе, напоминая нам зародыша в материнском утробе. Это полотно символ нового рождения женской сущности – рождения нового человека.

Франц фон Штук – немецкий художник эпохи модерн. За всю свою творческую карьеру он искал постоянно новые художественные направления. Его работы чаще всего олицетворяют неприкрытую сексуальность. С его работ на нас смотрят обнаженные мужские и женские тела, которые несут в себе частичку «истеричности».[212]

Роковая женщина, власть над мужчиной чаще всего олицетворяют с греховностью. Женщина эпохи модерн ошибочно стала представлять собой грех в чистом его проявлении, что отразил в своем полотне Штук. Его работа «Грех» - это неприкрытая страсть, ненависть и в то же время женская сила. История сделала женщину жестокой и мстительной, готовой на любые поступки для достижения своей цели и главное ее оружие – её красота. Это очень явно отражено во многих работах немецкого мастера. Например, «Юдифь и Олоферн», «Саломея» и другие.

Похожих взглядов придерживался и известный скандальный художник – Эдуард Мане. Его полотно «Олимпия» (Приложение 5) вызвало бурное негодование публики. Что интересно, прототипом к этой картине можно считать «Венеру Урбинскую» (Приложение 5) Тициана. Эта тонкая нить проносится через века, отражая всю суть женской участи на протяжении многих поколений. Лучше всех понял и прочувствовал работу Мане поэт Поль Валери: «Голая и холодная Олимпия, чудовище обыденной любви, принимающая поздравления негритянки, шокирует, вызывает священный ужас и торжествует…»[213] Но надо отметить, что поза девушки уверенна и взгляд направлен прямо на зрителя, она не стесняется своего положения, жизнь заставила ступить её на этот путь и она вынуждена быть такой. Таким был XX век. И уже «Венера» Тициана или «Спящая Венера» Джорджоне не могли стать образом новой эпохи. На полотнах эпохи Возрождения мы видим лишь изящных и красивых нимф, богинь, а на работах мастеров XX века – истинный исход событий. Эта трансформация происходила на протяжении многих веков, но никто не хотел замечать правды сегодняшнего дня. Художники модерна своими работами открывают глаза слепому потребителю, они кричат во все горло, а их стараются не замечать, они шокируют, но зритель уходит, раскрыв рот, но, не предпринимая нечего, чтобы изменить ход вещей.

Великой музой эпохи была и актриса Сара Бернар. В начале XX века её называли «самой знаменитой актрисой за всю историю». Она добилась огромного успеха сначала в Европе, а потом с успехом гастролировала и в Америке. И, именно, с её именем связана уникальная работа начинающего художника – Альфонса Мухи. Он был начинателем оригинального подхода в искусстве, сторонником эпатажных идей. Он получил заказ от актрисы на театральный плакат в 1896 году, прямо перед Рождеством. Эта работа сделала художника невероятно популярным и принесла ему множество последующих заказов[214]. Плакат для «Жисмонды», пьесы Викториена Сарду, поистине привлек огромное внимание парижской публики и очаровал саму Бернар. За последующие годы он выполнит не одну работу для этой актрисы и внесет свой неповторимый вклад в становление нового искусства. Но, именно, эта работа привлекает к себе пристальное внимание. На полотне прекрасная ожившая статуя в длинном костюме с падающими на каменный постамент тяжелыми складками. Возле её ног также разворачивается действие. Кто-то как будто прячется в подоле её одеяния. Искусство модерна пронизано различными символами и знаками. Знак данного полотна – прячущейся в подоле напуганный зритель, для которого эта женщина стала настоящей музой восхищения и почитания. Муха создал определенный тип женщины, который стал в последующем его визитной карточкой. Он отразил его в своей скульптурной работе – «Природа». Эта дама с неопределенным, непостоянным характером, у неё капризный нрав, но она любит и уважает себя и заставит уважать себя других. «Природа» - это образ естественной красоты девушки, которая наслаждается вниманием других, у неё закрыты глаза и она отстранена от общества, она как будто говорит: «Смотрите, как я красива, насладитесь моим телом, ведь это все, что вам нужно от женщины».

«Мадонна» - это святой образ. Мадонну рисовали все великие живописцы всех времен и народов, она символ чистоты, непорочности и женской красоты. «Мадонна» Леонардо да Винчи – полуопущенные веки, едва уловимая улыбка, одухотворенность; «Мадонны» представителя Венецианской школы Джанбелинно – простые, серьезные, не печальные и не улыбающиеся, погруженные в задумчивость; для Рафаэля «Мадонна» была главным персонажем его творческого пути, он рисовал её образ множество раз, она стала для него своеобразной визитной карточкой и настоящим символом той золотой эпохи[215]. Но «Мадонна» эпохи модерн – это «Мадонна» (Приложение 6) Э.Мунка 1895 года. Это персонаж настоящей роковой женщины, демонстрирующую женскую власть над мужчиной. Она не скрывает своего обнаженного тела и лишь пряди волос слегка прикрывают её вульгарную позу, она притягательна и властна и способна покорять лишь одним своим взглядом. Ушли в прошлое покладистость, чистота и робость, на смену взошли новые персонажи.

Беременность – это запретная тема предыдущих столетий. Было невозможно изображать женщину в этот период её жизни. Это было признаком излишней откровенности и вызова. Модерн – это эпоха ломки старых стереотипов. И самый большой топор принадлежал неповторимому Густаву Климту. Его «Надежда I» (Приложение 6) изображена беременной. Она стоит боком к зрителю, чем ещё больше выдает свое положение. Рыжие волосы, стройное тело, уверенный взгляд. Все, что осталось от чистоты, это венок из цветов, украшающий её волосы. Она остается надменной и сильной, не смотря на свое положение. Именно, материнство первоначально посадило в клетку женщину и на протяжении веков не давало ей вздохнуть свободно. Женщина XX века не боится бросать вызов, она больше не будет слабой, её уже нечем не сломить.

Саломея – иудейская царевна, впоследствии царица Халкиды и Малой Армении. По легенде танец юной красавицы на празднование дня рождения Ироды Антипы так понравился ему, что он согласился выполнить любое её желание. Она потребовала убить пророка Иоанна Крестителя и его голову принесли ей на подносе. Эта история символизирует как нельзя лучше силу женской красоты и привлекательности. Царица является одним из главных символов эпохи. Интересной и занимательной, например, является работа англичанина О. Бердсли. Он изобразил героиню в духе времени – бледной, с накрашенными губами и глазами. Эта картина символизирует влияние Востока, которое было модно в эпоху модерна. Это образ утонченной женщины, грациозной, коварной и порочной.[216]

Влияние японских мотивов, действительно, стало очень модным и актуальным в эпоху модерна. В работах многих художников встречались, так или иначе, мотивы Востока. И у Г.Климта, и у Г.Моро, у Ф.ф.Штука и многих других. Это связано со многими явлениями. Во-первых, модерн – это слияние всего и сразу, художники искали новые стили и, конечно, загадочный мир Востока не мог остаться незамеченным, во-вторых, это и уникальность культуры – узоры, вышивки, пластика, ну и, в-третьих, загадочность восточной женщины не давала покоя художникам нового времени. Кто она – грешница или преданная жена, властная обольстительница или покладистая марионетка в руках мужа. Точно можно сказать только то, что женщина Востока была загадкой для всего остального мира, а тайна – это один из основных символов новой эпохи.[217]

Изменения нового мира привели в движение все вокруг и, конечно, художники не могли остаться в стороне от этих изменений. Это время проб и ошибок, новых приемов и техник. Но основными музами любого художника во все времена оставались женщины. Они были разные – красивые или ужасные, худые или полные, грустные или веселые. Они все равно главные героини любого периода в истории. И, именно, модерн стал временем пробуждения женской силы и власти. Они показали себя такими, какие они являются на самом деле. В своем цикле работ «Новые одалиски» всемирно известный художник Дега показал женщин без прикрас. В ответ насмешкам и критики он отвечал: «Вы все еще чаете видеть нагих богинь, нимф и одалисок? Я покажу вам их, но только такими, какие они есть в действительности, какими делают их условия нашей городской буржуазной жизни».[218]

Эта серия работ открывала совсем иной мир женской красоты. Его полотна «После ванной», «Женщина, почесывающая спину», «Женщина, вытирающая ноги», «Женщина, расчесывающая волосы» - это естество в неприкрытой форме. Дега кидает вызов идеализированному образу красоты, положенный в эпоху Античности и продолженный мастерами Возрождения. Новая эпоха утверждает новые правила. Женщина стала работницей, обеспечивающей себя и свою семью, она опустилась до роли соблазнительницы чужих мужчин, так как не смогла найти другого места в этом мире, она выбралась из семейных оков и стала искать свой собственный путь, она откинула на второй план такие качества как податливость и лицемерие, а набралась уверенности и смелости, чтобы противостоять мужчине, она осознала силу своей красоты и научилась пользоваться этим по достоинству.[219]

Изменения, которые происходили, связаны, прежде всего, с завоеванием женщинами новых сфер деятельности и их выхода из частной жизни общества в публичную, мужскую сферу жизнедеятельности.. Женщину, затянутую корсетом и задрапированную с ног до головы, сменяет свободная красотка, уверенная в себе, открыто смотрящая в будущее, не боящаяся преград и способная покорить того, кто еще недавно был выше её. Это «роковая женщина» - новый символ эпохи модерн, символ проснувшегося женского движения за свои права в этом жестоком и хладнокровном мужском мире.

⇐ Предыдущая 1 2 3 456 Следующая ⇒