Архитектура Раннего Царства I-II династии (3000 год до н.э.)

Что такое стиль в искусстве

Cтиль (лат. stylus от греч. stylos – палочка для письма) — единство морфологических особенностей, отличающее творческую манеру отдельного мастера, национальную или этническую художественную традицию, искусство эпохи, цивилизации и т.д.
Наиболее наглядно особенности того или иного стиля проявляются в архитектуре и уже оттуда проникают в живопись, скульптуру, литературу, музыку.
Иногда понятие стиля употребляют и для обозначения особенностей искусства той или иной страны или великого художника, композитора. Например, можно говорить об устойчивых признаках китайского стиля или греческого, а также стиля Рембрандта или Скрябина.
Стиль крупного художника обычно рождает направление в искусстве, которое принято называть школой. Известны школы Рафаэля, Кандинского.
Отметим также, что отдельные стили могут развиваться одновременно или даже проникать друг в друга. Так, в живописи второй половины XIX — начала XX века очень заметно смешение приемов различных стилей, чаще всего реалистического и стиля модерн (творчество Л.Андреева, Б.Зайцева, В.Поленова, И.Репина).
Для некоторых стилей, например модернизма, характерна достаточно быстрая смена направлений развития, причиной которой является интенсивный творческий поиск художника.

АБСТРАКТНОЕ ИСКУССТВО (АБСТРАКЦИОНИЗМ) — беспредметное искусство, нонфигуративное искусство, направление художественного творчества, не использующее изображение окружающего мира в привычных формах. Предметы и свои эмоции абстракционисты передают с помощью определенных элементов художественной формы (цветовое пятно, линия, фактура, объем). Не изобразительные картины сложно организованы по ритмике и цвету. Абстрактное искусство возникло в 1910-13 гг. в ходе расслоения кубизма, экспрессионизма, футуризма. В России абстрактное искусство после Октябрьской революции развивалось как андерграунд. С 1990 г. оно выступает на одном уровне с другими формами художественного творчества.

АВАНГАРДИЗМ — условное наименование различных художественных направлений в искусстве XX века для которых характерно стремление к коренному изменению принципов и традиций художественной практики — кубизм, ФУТУРИЗМ, экспрессионизм, дадаизм, сюрреализм, абстрактное ИСКУССТВО, аналитическое ИСКУССТВО, ЛУЧИЗМ, КОНСТРУКТИВИЗМ, кубофутуризм, супрематизм, концептуализм, минимализм, постмодернизм, поп-арт и др. Авангардисты стремятся к новым средствам выражения и формам произведений. Некоторый спад авангардизма произошел перед второй мировой войной. После ее окончания происходит оживление авангардистских тенденций, возникает неоавангардизм.

АМПИР — стиль в архитектуре, декоративно-прикладном и изобразительном искусстве первой трети XIX в. в странах Европы. Ампир черпал в искусстве Древней Греции, императорского Рима и Древнего Египта, с одной стороны, монументализм, лаконизм, а с другой — идею утверждения имперского величия через посредство многочисленных атрибутов и символов. В России ампир (высокий классицизм) получил наибольшее распространение в градостроительных ансамблях центра Петербурга и Москвы.

БАРОККО (итал. barocco — причудливый, странный) — один из главенствующих стилей в архитектуре и искусстве европейских стран конца XVI — середины XVIII вв. Искусство барокко характеризует грандиозность, пышность, интенсивность чувств, сильные контрасты: иллюзорного и реального, масштабов и ритма, света и тени, материалов и фактур. Эпоха барокко отмечена подъемом и синтезом архитектуры, монументального и декоративно-прикладного искусства. В России этот подъем пришелся на первую половину XVIII в.: городские и усадебные ансамбли отличаются торжественной ясностью и цельностью композиции зданий и архитектурных комплексов.

ВОЗРОЖДЕНИЕ — одна из величайших культурно-исторических эпох, переломный для истории Европы этап между Средними веками и Новым временем. Термин «Возрождение» является калькой французского термина «Ренессанс». Эпоха Возрождения характеризуется кардинальными сдвигами в ориентации и содержательном пафосе культуры и искусства, провозглашением реального мира и человека как высшей ценности, обращением к античной культуре как к высшему духовному авторитету, источнику знаний, этических и эстетических ценностей.

ИМПРЕССИОНИЗ М — направление в искусстве XIX — начала XX вв. Появилось во Франции после выставки 1874 г., на которой была экспонирована картина К. Моне «Впечатление. Восходящее солнце». В своих картинах импрессионисты стремятся запечатлеть как бы случайно пойманный взглядом преходящий момент непрерывного течения жизни, сохранить свежесть первого впечатления. Под влиянием французского импрессионизма сложилось творчество таких русских художников, как К. А Коровин, В.А. Серов, Н.Э. Грабарь и др.

КЛАССИЦИЗМ — художественный стиль в европейском искусстве XVII — начала XIX вв., одной из важнейших черт которого было обращение к формам античного искусства как к идеальному эстетическому эталону. В искусстве классицизма главенствуют уравновешенность и симметрия, статика, четкие геометрические формы. В русском искусстве развитие классицизма приходится на последнюю треть XVIII — первую треть XIX в. Все лучшие архитектурные ансамбли различных городов появляются именно в этот период. В живописи наиболее ярко классицизм проявился в произведениях исторического и мифологического жанров.

КОНСТРУКТИВИЗМ — направление в советском искусстве начала XX в. Конструктивисты поставили себе задачу «конструирования» окружающей среды, стремились осмыслить возможности новой техники, исследовали эстетику таких материалов, как металл, стекло, дерево. В борьбе за практичность были разработаны проекты домов культуры, рабочих клубов, фабрик-кухонь, модели рабочей одежды. К конструктивистам принадлежали художники А. Родченко, В. Татлин, В. Степанова и др.

КОНЦЕПТУАЛИЗМ — одно из направлений в искусстве авангарда, зародившееся в 1960-е гг. Особенность этого стиля состоит в принципиальном отказе от воплощения идеи в материале, то есть в сведении искусства исключительно к феноменам сознания. Произведения концептуального искусства связаны с текстами, надписями, документами, то есть с областью языка. При этом материальные средства выполняют роль лишь возбудителя представлений; предметом созерцания является мысленная форма. В русском искусстве художниками-концептуалистами традиционно считаются такие авторы, как И. Кабаков, И. Чуйков, В. Пивоваров, Д.А. Пригов, группы «Коллективные действия», «Мухомор», «Гнездо», «Медицинская герменевтика» и др.

КУБИЗМ — модернистское течение, возникшее в первой четверти XX в. Отказавшись от традиционного реалистического искусства, представители направления обратились к первичным элементарным формам (куб, шар, цилиндр, конус), конструировали объемные формы на плоскости. Сильное влияние на развитие кубизма оказали Писассо, Брак, Грис. В России кубизмом увлекались Малевич, Татлин и др.

МОДЕРН (фр. moderne — новеиший, современный) — стиль в искусстве рубежа XIX-XX вв В идеале модерн должен был стать единым стилем жизни общества, создать вокруг человека единую эстетическую среду (от архитектуры жилища до деталей костюма). Одним из основных выразительных средств в искусстве модерна был орнамент, часто растительный, пронизанный экспрессивным ритмом, подчиняющий себе композицию произведения. Большое развитие в модерне получила графика — книжное дело, плакаты. В России на примере Абрамцевского кружка можно увидеть программный универсализм художников, работавших в стиле модерн: они одновременно могли быть и декораторами, и графиками, и керамистами и живописцами и скульпторами.

МОДЕРНИЗМ — общее определение разноплановых явлений искусства XX в., которым свойственно отрицание старого, традиционного искусства. Сюда можно отнести и фовизм, и экспрессионизм, и футуризм, кубизм, сюрреализм и др. Модернизм провозглашает превосходство искусства над реальностью.

РОКОКО — стиль, возникший во Франции, получивший распространение в европейском искусстве начала XVIII в. Характеризуется орнаментальной декоративной направленностью, ярко выраженной в архитектуре. В отделку помещений вводится дробленый орнамент, причудливые предметы обстановки. Для живописи эпохи рококо характеры галантные сцены, пасторальные, эротико-мифологические сюжеты. В России влияние рококо проявилось преимущественно в отделке дворцовых интерьеров, лепном декоре здании, в декоративном искусстве — резьбе по дереву, ювелирном деле.

СУПРЕМАТИЗМ — условное наименование направления в авангардизме, созданного в середине 1910-х гг. в России Малевичем. Основная задача течения — выражение высшей, абсолютной реальности в простых формах. Картину Малевича «Черный квадрат» считают изобразительным манифестом супрематизма. Как разновидность абстрактного искусства супрематизм воплощался в сочетаниях простейших разноцветных и разновеликих геометрических фигур, образующих пронизанные внутренним движением и гармонически уравновешенные композиции.

СЮРРЕАЛИЗМ — одно из ведущих авангардистских направлений в художественной культуре XX в. В 1924 г. вышел «Манифест сюрреализма» Бретона. Опираясь на интуитивизм Бергсона и на теорию психоанализа Фрейда, сюрреализм ратовал за раскрепощение подсознательных процессов человеческой психики, высвобождение подавленных болезненных состояний, комплексов. В изобразительном искусстве основные методы — вычленение конкретных объектов из их среды, парадоксальное соединение их с другими объектами. Мастера этого направления Эрнст, Дали.

ЭКСПРЕССИОНИЗМ — одно из главенствующих направлений в европейском искусстве середины 1900 -1920-х гг. Девиз экспрессионистов — «от изооражения к выражению», основные методы — гротеск, гипербола, предельно концентрированные контрасты света и тени, резкое пространственное смещение формы, яркие цвета.

5. Материальное и нематериально в произвед. Ис-ва.

с точки зрения общественной практики культура представляет собой постоянное движение: создание, воспроизводство, переделка и разрушение предметов, идей, привычек, оценок и пр. в процессе индивидуальной и совместной деятельности людей, общения и обмена между ними. Поэтому ее нужно рассматривать в нескольких планах: и типологии, и отличия от природы, и структуры. Материальная и духовная культура. Культура представляет собой целостный системный объект, обладающий сложной структурой. При этом само бытие культуры выступает как единый процесс, который можно разделить на две сферы: материальную и духовную.
Материальная культура подразделяется на:
— производственно-технологическую культуру, представляющую собой вещественные результаты материального производства и способы технологической деятельности общественного человека;
— воспроизводство человеческого рода, включающего в себя всю сферу интимных отношений между мужчиной и женщиной.
Следует заметить, что под материальной культурой понимается не столько создание предметного мира людей, сколько деятельность по формированию «условий человеческого существования». Сущностью материальной культуры является воплощение разнообразных человеческих потребностей, позволяющих людям адаптироваться к биологическим и социальным условиям жизни.
Понятие духовной культуры:
— содержит в себе все области духовного производства (искусство, философию, науку и пр.),
— показывает социально-политические процессы, происходящие в обществе (речь идет о властных структурах управления, правовых и моральных нормах, стилях лидерства и пр.).
Древние греки сформировали классическую триаду духовной культуры человечества: истину — добро — красоту. Соответственно были выделены и три важнейших ценностных абсолюта человеческой духовности:
— теоретизм, с ориентацией на истину и созданием особого сущностного бытия, противоположного обычным явлениям жизни;
— этим, подчиняющий нравственному содержанию жизни все иные человеческие устремления;
— эстетизм, достигающий максимальной полноты жизни с опорой на эмоционально-чувственное переживание.
Обозначенные выше стороны духовной культуры нашли свое воплощение в различных сферах деятельности людей: в науке, философии, политике, искусстве, праве и т. д. Они во многом и сегодня определяют уровень интеллектуального, нравственного, политического, эстетического, правового развития общества. Духовная культура предполагает деятельность, направленную на духовное развитие человека и общества, а также представляет итоги этой деятельности.
Таким образом, содержанием культуры становится вся человеческая деятельность. Человеческое общество и выделилось из природы благодаря такой специфической форме взаимодействия с окружающим миром, как человеческая деятельность.

6. Ис-во древнего востока. Худож. Доминанты егип. Ис-ва.особ. ис-ва др. египта. Виды и жанры древнеегип. Ис-ва.

Искусство стран Юго-Восточной Азии поражает великолепием и неисчисляемым богатством форм. За многие века сложился неповторимо самобытный художественный облик Индии, Китая и Японии.
Три великие религии, исповедуемые в Индии, дали миру замечательные памятники архитектуры и скульптуры: буддийские пещерные храмы с фресковыми росписями, индуистские храмы, украшенные скульптурами, и памятники исламской архитектуры.
Священная книга ислама – Коран – не содержит большого количества рекомендаций по поводу взаимоотношений религии и искусства. По мере распространения ислама в разных странах – от Испании до Индии, его искусство вбирало местные традиции этих стран.
Бескрайний Китай – одна из самых древних и самых блистательных цивилизаций мира. Первый источник китайской культуры – природа, представленная в живописи и оформлении керамики.
Искусство Японии располагает рядом очень сложных и трудоёмких техник. Долгие века, и особенно около 1000 года в придворных кругах Японии было модно подражание всему китайскому; этого требовали и от художников. Неудивительно, что очень долго придворное искусство Японии оставалось лишь слабым отголоском китайского. Но решающее влияние на становление национальной японской культуры в конечном счёте оказал не Китай, а древняя культура эпохи Дзёмон, когда была изобретена керамика и роспись по ней.

Индия. Индийское искусство изначально носило религиозный характер, отражая мировоззрения индуизма, джайнизма и буддизма. Индусы издревле отличались обострённым восприятием окружающего мира, и главное место в их искусстве по праву занимала архитектура.
В древних скульптурах, вышедших из-под резца представителей аскетического буддизма, ещё нет и следа бьющего через край жизнелюбия. Одно время было даже запрещено создавать портретные изображения Будды. Однако после отмены запрета в северо-восточной провинции Гандхара начали появляться изваяния Будды в образе человека, созданные в эллиническом «греко-буддийском» стиле, оказавшем заметное влияние на искусство всего региона. В любом из произведений индийского искусства – буддийском или индуистском – изначально заложена в закодированном виде религиозно-философская информация. Так, чрезвычайно важна поза, в которой изображён Будда: медитация или поучения. Существуют канонические особенности облика Будды: удлинённые мочки ушей, деформированные украшениями, которые он носил в молодости, когда был принцем; волосы, собранные в спиралевидные пучки на голове, и т.д. Такие детали дают зрителю ключ, помогающий определить идею и, соответственно, необходимый для общения с божеством ритуал. Индуистское искусство также в значительной мере закодировано. Здесь важна любая, даже мелкая, деталь – поворот головы божества, положение и количество рук, система украшений. Знаменитая статуэтка танцующего бога Шивы – целая энциклопедия индуизма. Каждым прыжком своего танца он создаёт или разрушает Миры; четыре руки означают бесконечное могущество; дуга с язычками пламени – символ космической энергии; маленькая женская фигурка в волосах – богиня реки Ганг и т.д. Зашифрованность смысла свойственна искусству ряда стран Юго-Восточной Азии, входящих в ареал индуистской культуры.

Китай. Китайская цивилизация единственная из всех сохранила многовековую преемственность культурных традиций. Некоторые типично китайские черты – пристрастие к игре полутонов и шелковистой фактуре нефрита – уходят корнями ещё в доисторические времена. Великое китайское искусство зародилось примерно за 1500 лет до н.э., в эпоху династии Шан-Инь, с возникновением иероглифического письма и приобретением верховным правителем божественного статуса «сына неба».

3. ИСКУССТВО ЯПОНИИ
Из века в век Япония развивалась обособленно от всех цивилизаций, за исключением Китая. Рост китайского влияния начался в V-VI вв., когда вместе с новой системой государственного правления в Японию с континента пришли письменность, буддизм и различные искусства. Японцы всегда умели впитывать иноземные новшества, придавая им национальные черты. К примеру, японская скульптура придавала куда большее значение портретному сходству, нежели китайская.
Развитию японской живописи способствовали контакты с континентом, откуда в начале VII века было позаимствовано искусство изготовления красок, бумаги и туши.
Большое значение для судеб японской живописи, равно как и скульптуры, имело распространение в стране буддизма, поскольку потребности буддийской культовой практики создавали определённый спрос на произведения этих видов искусства. Так, с Х века с целью распространения среди верующих знаний о событиях буддийской священной истории в массовом порядке создавались так называемые эмакимоно (длинные горизонтальные свитки), на которых изображались сцены из буддийской священной истории или из связанных с нею притч.
Японская живопись в VII веке была весьма ещё проста и безыскусна. Представления о ней дают росписи на ковчеге Тамамуси из храма Хорюдзи, отображавшие те же сцены, которые воспроизводились на эмакимоно. Росписи выполнены красной, зелёной и жёлтой краской на чёрном фоне. Некоторые росписи на стенах храмов, относящиеся к VII веку, имеют много общего с аналогичными росписями в Индии.
С VII века в Японии начинается развитие жанровой и пейзажной живописи. До наших дней дошла ширма под условным названием «Женщина с птичьими перьями». На ширме изображена женщина, стоящая под деревом, волосы и кимоно её украшены перьями. Рисунок исполнен лёгкими, струящимися линиями.
Первоначально японские художники, от части в связи с характером тематики, над которой они работали (буддийская живопись), находились под сильным китайским влиянием: писали в китайском стиле, или стиле кара-э. Но со временем в противовес картинам в китайском стиле кара-э стали появляться светские по тематике картины в японском силе, или стиле ямато-э (живопись Ямато). В X-XII веках стиль ямато-э стал господствующим в живописи, хотя произведения сугубо религиозного характера всё ещё писались в китайском стиле. В этот период получила распространение техника нанесения контуров рисунка мельчайшей золотой фольгой.
Одним из образцов исторической живописи эпохи Камакура является знаменитый свиток XIII века «Хэйдзи-моногатари», на котором запечатлено восстание, поднятое в 1159 г. главой крупного самурайского клана Ёсимото Минамото. Как и миниатюры в древнерусских летописях, свитки, подобные «Хэйдзи-моногатари», являются не только выдающимися памятниками искусства, но и историческими свидетельствами. Соединяя текст и изображение, они воспроизводили по горячим следам бурные события княжеских усобиц второй половины XII века, воспевали военные подвиги и высокие моральные качества вышедшего на арену истории нового военно-дворянского сословия – самураев.

7. Зачатки храмовой архитектуры. Этапы истории архитектуры др. егип.

Храмы относились к культовым сооружениям. Основной план храма состоял из следующих частей: святилище, наос и обширный двор.

Святилище — наиболее удаленная часть храма, предназначенная для пребывания божества. Вход в эту часть храма был запрещен. Вокруг святилища располагались служебные помещения. Оно почти всегда имело прямоугольную форму и было украшено только рельефами или надписями. Святилище иногда оставалось совершенно пустым, но обычно в нем находился какой-нибудь предмет или символ — ковчег, священная ладья или жертвенный стол. Встречались святилища, высеченные из цельного гранита.

Перед святилищем располагался наос — зал для людей знати. В создании этого гипостильного (т.е. многоколонного) зала раскрывалось творчество и мастерство архитектора. Трудность заключалась в освещении зала. В стенах этого огромного помещения никогда не пробивали окон. Два центральных ряда колонн были выше остальных, и благодаря этому свет проникал между колоннами. Отдушины в стенах давали дополнительный свет. Но эти отверстия служили не столько для освещения, сколько для вентиляции.

Ограждение между гипостильным залом и двором представляло собой стену с единственной дверью, через которую можно было видеть внутреннее помещение храма. Позднее такая стена стала заменяться колоннадой. Храм бога Амона в Карнаке

Гизе. Мемфисский некрополь

Пирамида Хеопса — самая ранняя и самая грандиозная из пирамид Гизе. Ее высота равняется 146, 59 метра, длина сторон основания — 233 метра (рис1).

Во время ежегодных разливов Нила 100 тысяч феллахов, свободных от сельскохозяйственных работ, в течение трех месяцев непрерывно работали над сооружением пирамиды. Известен и зодчий этой пирамиды — Хемиун. По словам древнегреческого историка Геродота, строительство пирамиды длилось 20 лет.

Вход в пирамиду находился на северной стороне; от входа длинный коридор вел к погребальной камере, которая имела размеры 5x5x10 метров. Погребальная камера была расположена в центре пирамиды и облицована гранитом. Внутри камеры стоял большой, строгий и простой по форме саркофаг, в котором покоилось тело Хеопса (рис 3).

Юверирное искусство

Этруски в совершенстве овладели приемами обработки драгоценных металлов и научились изготовлять удивительные по красоте и виртуозной тонкости работы ювелирные изделия. Они знали технику зерни, делали ожерелья из янтаря, покрывали миниатюрные серьги мельчайшими крупинками золота, украшали золотые браслеты ажурной филигранью - тончайшими золотыми проволочками, узоры из которых напоминают кружева.

Произведения этрусских ювелиров высоко ценили даже в Афинах. Прекрасный образец высокого мастерства - нагрудное украшение женщины, найденное в Пренесте в гробнице конца VII века до н. э. На небольшой золотой пластинке художник искусно припаял сто тридцать семь золотых фигурок, изображающих сфинксов, птиц с девичьей головой - гарпий, львов и коней. Каждая из них исполнена из двух тисненых половинок и обильно украшена зернью. Ряды зверей и чудищ, чередуясь, заполняют поверхность пластинки. Богатство образов и игра светотени создают яркое декоративное впечатление.

Химера

Высокого совершенства достигла и техника бронзового литья. Изображения зверей и фантастических животных особенно увлекали этрусских скульпторов. Около 480 года до н. э. неизвестный мастер создал статую химеры. Ее представляли в виде козы с львиной головой и змеиным хвостом. С необычайной убедительностью воплощен в бронзе облик чудовища. Вытянув передние лапы и изогнув спину, химера злобно оскалила свою пасть. Кажется, что из нее несется грозный рев. Из спины животного вырастает голова козы, в рог которой вонзились зубы дракона. В исполнении деталей чувствуется рука скульптора, владеющего всеми тайнами своего искусства. Он остро подмечает характерные признаки различных животных и умеет правдиво их передать. Образ огнедышащей химеры, одного из созданий греческой мифологии, воплощал в сознании этрусков страшную стихию подземного мира.

Храм Фортуны

При сооружении храмов римляне заимствовали богатый опыт греческой и этрусской архитектуры. На набережной реки Тибр сохранился храм, посвященный богине судьбы - Фортуне Вирилис. Он был построен в I веке до н. э. на так называемом Бычьем Форуме, площади, где в древности торговали скотом. Здание, которое отличается простыми и строгими пропорциями, стоит на высоком подиуме, широкая лестница и портик с шестью колоннами придают особую величавость его фасаду. Главная ось здания подчеркнута глубоким портиком и лестницей, ведущей к нему. Такой прием характерен для этрусских храмов. Стены здания сложены из туфа, а колонны вытесаны из твердого травертина. Им же облицован подиум. Разница в материале была искусно скрыта тонким слоем штукатурки, которая покрывала здание.

Римляне широко использовали для украшения зданий греческую ордерную систему. В храме Фортуны стройные ионические колонны поддерживают перекрытия портика, а полуколонны расчленяют стену здания. Спокойный ритм колоннады создает единство архитектурного образа.

Рядом с храмом Фортуны находится круглый храм, который долгое время считали посвященным богине домашнего очага Весте. Сейчас ученые полагают, что это храм Геркулеса-победителя. Он построен из лучшего греческого мрамора, привезенного с острова Парос. Его композиция отличается удивительной простотой и совершенством. Десятиметровой высоты колонны с коринфскими капителями придают небольшому зданию красоту и изящество. Первоначальное перекрытие храма утрачено, и сейчас он покрыт конусообразной крышей, которая лежит непосредственно на капителях колонн. Коринфский ордер, использованный в этом храме, в дальнейшем стал излюбленным в римском зодчестве.

Римский Форум

Центром деловой и общественной жизни Древнего Рима был форум, площадь, расположенная в низине между холмами Капитолием и Палатином. На ней происходили народные собрания, где решались важнейшие вопросы управления государством, войны и мира: здесь на протяжении столетий кипела напряженная политическая жизнь города. На форуме находились здание государственного архива, храмы, трибуна, с которой выступали ораторы, две базилики, где заключались торговые сделки и заседали суды, там же стояли многочисленные статуи прославленных римлян, а в дальнейшем и триумфальные памятники римских императоров.

От форума начинались важнейшие дороги Италии, к нему сходились основные улицы города. Центральная площадь республиканского Рима имела неправильную форму, так как застраивалась в разное время. В I веке до н. э. ее размеры составляли 160 м в длину и от 50 до 80 м в ширину. Вокруг нее располагались общественные здания и портики, облик которых неоднократно изменялся. Раскопки в конце XIX - XX веке открыли развалины зданий, окружавших форум. Среди них возвышаются восемь гранитных колонн храма Сатурна, где хранилась государственная казна, руины базилики Юлия, построенной Цезарем в I веке до н. э., круглый храм богини Весты и три мраморные колонны храма сыновей Юпитера - Кастора и Поллукса.

Развитие теории архитектуры

Расцвет архитектуры Рима в эпоху Республики и творческое использование достижений греческого зодчества способствовали развитию теории архитектуры. В I веке до н. э. инженер и архитектор Витрувий создал трактат " Десять книг об архитектуре", который был подлинной энциклопедией строительной практики его эпохи. Витрувий сформулировал основные требования, которые применимы к архитектурному сооружению любого времени: оно должно сочетать в себе пользу, прочность и красоту. От зодчего Древнего Рима требовалось всеобъемлющее образование, включающее знание климата, почвоведения, минералогии, акустики, гигиены, прикладной астрономии, математики, истории, философии, а также архитектурной эстетики. Труд Витрувия пользовался большой популярностью в римское время и достиг настоящей славы в эпоху итальянского Возрождения, он послужил образцом для сочинений по теории зодчества во всех странах Европы.

Наряду с архитектурой в эпоху Римской республики развивается реалистический скульптурный портрет, занимающий особое место в античном искусстве. Его своеобразие особенно ярко выступает при сравнении с портретами эпохи эллинизма. Изображая великих писателей, полководцев, политических деятелей, греческие скульпторы эпохи классики стремились к созданию образа идеально прекрасного и нармонично развитого человека, который был образцом для всех граждан города-государства. В произведениях греческих мастеров III-I веков до н. э. сохраняется типическая обобщенность образов, но появляется большая индивидуализация в сочетании с эмоциональной выразительностью портретов.

В это же время на италийской почве, главным образом в Этрурии, в портретном искусстве складывается другое направление с подчеркнутым интересом к индивидуальному облику человека. Традиции этого искусства сыграли решающую роль в формировании стиля римского портрета.

Самые ранние римские портреты выполнены этрусскими мастерами. Подлинном шедевром скульптуры является бронзовый бюст, созданный в первой половине III века до н. э. В нем запечатлен человек с крупной красивой формой головы и правильным овалом лица. Пропорции лица свидетельствуют о стремлении к благородному идеалу греческого искусства, но типично римский орлиный профиль и чуть заметная асимметрия черт придают ему неповторимое своеобразие. Прекрасно гравированы волосы и борода. Инкрустированные глаза создают ощущение проницательного взгляда. Внутренняя сила и сосредоточненность сообщают образу нравственное величие. В нем чувствуется ум, жизненный опыт, цельность характера.

Умение обобщенно передать черты лица и сознательная типизация сближают работу этрусского мастера с портретными скульптурами ораторов и политических деятелей Греции IV-III веков до н. э. Долгое время этот бюст считался изображением прославленного римлянина Юния Брута, одного из инициаторов восстания в конце VI века до н. э., в результате которого был изгнан последний римский царь Тарквиний Гордый и установлена республика. В сознании римлян и в их легендах это был человек большого мужества, беспредельно любящий свободу, образец доблестного гражданина. Не удивительно, что бронзовый бюст ассоциировался с образом легендарного римлянина.

В первые века существования Республики римляне заимствовали культ почитания предков, широко распространенный в Этрурии. В приемных богатых домов стояли портретные изображения предков хозяина дома, которые были предметом фамильной гордости аристократов. Писатели древности сообщают, что такие портреты часто отливали из воска и несли в погребальной процессии за гробом умершего знатного римлянина. Эти портреты отличались большой достоверностью в передаче черт лица, и многие из них, по существу, еще не были произведениями искусства, сохраняя культово-семейное значение.

Однако создание таких портретов способствовали развитию у скульпторов навыков точного изображения человеческого лица со всеми его неповторимыми индивидуальными чертами. Говорить о художественном значении этих портретных изображений не приходится - сами римляне предпочитали им прекрасные греческие статуи.

I-IV века нашей эры

Конец эпохи Римской республики ознаменовался изнурительными гражданскими войнами, причинами которых были войны за власть. Официально период Римской империи начинается c 30/27 до нашей эры после окончательного подчинения первым императором Октавианом Августом племен Северо-Западной Испании.

С установлением на территории Средиземноморья Римской империи изменилась соцмальная роль искусства, перед которым теперь встала задача поддержки культа императорской личности, приравненной к божеству. Идеологию того периода прекрасно выразил римский поэт Вергилий: " Вот твое, римлянин, будет искусство. Помни, что ты должен народами правитъ, им устанавливать мир, слабых щадить и укрощать горделивых" .

Для искусства Римской империи характерно, прежде всего, создание изображений императора - статуй и портретных работ. Зачастую образцом для подражания служили статуи эпохи Греческой классики. Вообще, влияние греческого искусства приобретает небывалую силу, особенно в конце I века до нашей эры. В греческой скульптуре римские мастера нашли тот пластический язык и те приемы героизации, которые наиболее отвечали требованиям эпохи начала Империи.

Высеченная из мрамора статуя Октавиана Августа прославляет его как полководца и правителя государства. Гордая, величавая поза и выразительный жест руки придают статуе монументальный характер.

Стремясь завоевать популярность римской толпы, которая требовала " хлеба и зрелищ", императоры строили громадные амфитеатры для гладиаторских боев. Самый большой из них был сооружен в Риме в 75-80 годах и в середине века получил название Колизей от латинского слова " колоссеум" (колоссальный). В плане он представлял гигантский овал (188 х 156 м). Стена Колизея высотой в 50 м сложена из крупных блоков травертина. Три яруса сводчатых арок опираются на скрытые в стене мощные столбы. Воспринимаемые с разных точек зрения, они создают богатую светотеневую игру, оживляющую фасад.

Суровый ритм бесконечно повторяющихся аркад придает зданию величественность и монументальность. Столбы, которые служат опорой арок, украшены полуколоннами, утратившими свое конструктивное значение и сохранившими характер архитектурной декорации. В первом ярусе к столбам приставлены полуколонны дорического ордера, во втором - ионического, в третьем - коринфского, гладкую стену четвертого яруса расчленяют коринфские палестры. Между пилястрами выступают по три кронштейна, опоры для мачт, на которых был натянут огромный составной тент для защиты зрителей от солнца. Полуколонны, несущие антаблемент, отделяют один ярус от другого и подчеркивают высоту стен. Ордерная аркада, использованная в Колизее, стала важнейшей композиционной формой римской архитектуры.

Своеобразным украшением Колизея были статуи, стоявшие в арках второго и третьего ярусов. Амфитеатр сильно пострадал от пожаров и землетрясений. На протяжении многих столетий средневековья он служил каменоломней, где выламывали блоки для строительства дворцов и церквей.

Культура приобретает утонченный характер, что связано с возрождением интереса к греческой цивилизации. Обращение к греческому искусству во многом объясняется и личными вкусами императоров этой эпохи. В искусстве портрета правда характера сменяется стремлением передать эмоциональное состояние человека. Появляются и новые приемы в скульптурной технике: пластическое бозначение зрачка, который ранее отмечали краской, полировка поверхности мрамора и обильное использование бурава.

В прекрасном портрете юноши, исполненном в середине II века, скульптор запечатлел его правильные черты, близкие греческому идеалу красоты.

Утверждение жизненных черт в портрете сопровождается новыми художественными приемами, использованием пластичной живописной манеры обработки мрамора. Эту манеру римляне заимствовали у эллинистических скульпторов.

В одном из портретов перед нами пристает знатная римлянка. Гордый поворот головы и высокая модная прическа придают портрету парадное великолепие. Эффектная игра светотени в завитых локонах оттеняет спокойствие лица, чувственные губы и холодное безразличие взгляда. Угождая вкусу заказчицы, скульптор тем не менее остается предельно правдивым в трактовке характера. В облике дамы угадывается чувство превосходства, гордое сознание своей привлекательности и постоянная привычка повелевать.

Первые базилики

Предыдущая12 3 4 5 6 7 8 9 Следующая