Храм Покрова на Нерли (1165)

Заложен в память об удачном походе суздальских войск на волжских булгар. Посвящен празднику Покрова. Это типичный одноглавый четырехстолпный храм 12 века. В нем налицо показаны характерные черты владимирского зодчества:

· Щелевидные окна

· Перспективные порталы

· Аркатурный пояс по фасаду и карнизу апсид

Отличительные черты от Успенского Собора:

· Устремлен ввысь

· Преобладают вертикальные линии. Это подчеркнуто узкими пряслами, окнами и полуколоннами на апсидах, стены вверху несколько наклонены внутрь.

Три широких центральных прясла трех фасадов украшены фигурой Давида – псалмопевца. Часто встречается мотив женской маски.

Отмечается: гармония форм, легкость пропорций, поэтичность образа. Зодчий обладал огромной творческой фантазией и удивительным чувством целого. Чуть вытянутая вверх, что подчеркивается пилястрами, легким арочным фризом и полуколонками, украшающими абсиды, церковь пленяет своим изяществом. В ней нет и следа грузности и тяжеловесности, свойственных собору Спасо-Преображения в Переславле-Залесском. Стройный, вытянутый вверх барабан не только не давит на храм, но, напротив, подчеркивает его устремленность ввысь, придает ему еще большую воздушность. В сущности именно этим объясняются и сужение прясел южного и северного фасада, примыкающих к абсиде, и богато профилированные порталы, и маскировка узких щелевидных оконных проемов с помощью дробного профиля, и ажурный скульптурный декор, с большим тактом примененный в украшении фасадов. Необыкновенно легок и светел интерьер церкви.

Столбы здесь совсем не создают ощущение тесноты; своим взлетом они подчеркивают «открытый» характер внутреннего пространства.Необходимо указать на то, что декоративное оформление церкви Покрова подчинено определенным архитектурным мотивам. Так, вертикали белокаменных стен, четко выделяющихся на фоне голубого неба или зелени деревьев, много раз повторяются в вертикалях лопаток, колонок, вытянутых окон, а полукружие купола имеет соответствие в полукружиях закомар, порталов, оконных проемов и т. д. Хотя по своим стилистическим признакам церковь Покрова и Дмитриевский собор близки друг к другу, они обладают неповторимым своеобразием, которое объясняется не только тем, что первая из них является скромным поминальным храмом, а собор, включенный в городской ансамбль, рассчитан на соседство с величественным Успенским собором. Их различие — это различие определенных этапов владимиро-суздальского зодчества.

Дмитриевский Собор во Владимире (1194-1197)

Построен в честь патрона Всеволода-Дмитрия Солунского.

Характерные черты:

• Одноглавый

• Трехнефный

• Четырехстолпный

• Не устремлен ввысь

• Торжественно спокойно стоит на земле

Отличительной особенность является резьба.

Фасады делятся на две части по горизонтали, вся верхняя часть украшена резьбой.

В центре (как и в Храме Покрова на Нерли) изображен Давид, а на одном из прясел – Всеволод с младшим сыном Дмитрием и подходящими к нему с двух сторон старшими сыновьями.

Остальное пространство занято изображением зверей, птиц, растительным орнаментом, сказочными и бытовыми мотивами (охотник, дерущиеся люди, кентавр, русалка).

Расположение рельефов строчное (как в вышивке полотенец).

Дмитриевский собор кажется по сравнению с церковью Покрова более внушительным и монументальным. Правильный куб основного объема сообщает ему устойчивость. Боковые прясла фасадов равны по ширине, абсиды более решительно выступают из общего массива. Вертикальные членения здесь не подчеркнуты с такой силой, как в церкви Покрова. Горизонталь же аркатурного фриза с тесно стоящими колонками выступает отчетливее.

Торжественность и пышность внешнего облика Дмитриевского собора усиливаются богатейшим скульптурным убранством, которое благодаря сложной игре света и тени делает собор еще более массивным и внушительным.

55. Поп-арт (англ. pop-art, сокращение от popular art — отрывистый удар, хлопок) — направление в изобразительном искусстве 1950—1960-х годов, возникшее как реакция на абстрактный экспрессионизм, использующие образы продуктов потребления.

Общая характеристика стиля Поп-арт

Поп-арт создан, чтобы удивлять людей своим дизайном. В дизайне интерьера поп-арт выглядит необычно, экспрессивно, контрастно, ярко. Основные черты поп-арта: радужные цвета, броские формы, использование пластика, повторяющиеся элементы.

Поп-арт открыто оспаривал принципы “хорошего дизайна”, отрицал модерн и его ценности. Поп-арт возвел в ранг произведения искусства обычные бытовые предметы из окружающего нас повседневного мира и изображения людей. После чего смешал все это ярким колоритом или причудливой формой и использовал в качестве произведения искусства. Поп-арт показывает себя как эмоциональный и энергичный стиль, как взрыв эмоций.

Основные элементы стиля Поп-арт: игра с размером, цветоми количеством; фотографические, рисованные изображения больших размеров; картины, активно эксплуатирующие изображения банок кока-колы и супа Campbell, а также образы знаменитостей Мэрилин Монро, Элвиса Пресли, Мао Дзедуна;

· использование повторяющихся мотивов, как для акцента (постеры и картины), так и для фона (настенная плитка, ковры с растиражированным рисунком);

· основные материалы: синтетика, пластмасса, бумага, металл;

· для мебели свойственны абстрактный рисунок, кричащая расцветка, глянцевые поверхности и, конечно же, пластик;

· неонове краски, яркая расцветка, комиксы и множество интересных деталей, в выборе которых нет ограничений.

История стиля Поп-арт

Термин «поп-арт» впервые появился в прессе в статье английского критика Лоуренса Эллоуэя (1926—1990). В 1966 году Эллоуэй открыто признавался: «Тогда я не вкладывал в это понятие тот смысл, который оно содержит сегодня. Я использовал это слово наравне с термином «поп-культура», чтобы охарактеризовать продукты средств массовой информации, а не произведения искусства, для которых были использованы элементы этой «народной культуры». В любом случае понятие вошло в употребление где-то между зимой 1954/55 годов и 1957 годом». Первые «попартовские» работы создали три художника, учившиеся в лондонском Королевском художественном колледже — Питер Блек, Джо Тилсон и Ричард Смит. Но первой работой, получившей статус иконы поп-арта, был коллаж Ричарда Хамилтона «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? ».

Стиль поп-арт возник в середине 1950-х годов в Англии, как реакция на абстрактную живопись, которую сторонники поп-арта считали слишком сложной и элитарной, однако своего расцвета он достиг в 1960-х годах в США. Основной упор делался на изменения, разнообразие, веселье, бунтарство и недолговечные, одноразовые вещи, дешевизну и ставку на массовое потребление.

Дизайнеры занялись производством вещей, которые потребитель желал, а не тех, в которых он нуждался. Средства массовой информации и реклама были основными темами поп-арта, остроумно прославлявшими “общество потребления”. Объектами поп-арт стали образы массовой культуры, отражающие дух эпохи.

Наиболее известные произведения поп-арт стиля: коллажи Роберта Раушенберга – сочетание масляной краски и вырезок из газет и рекламных изданий; картинки комиксов больших размеров Роя Лихтенштейна; гигантские пирожные Класа Ольденбурга из окрашенного гипса, а также куски торта и гамбургеры размером с машину, сшитые из парусины и плюша, а также работы Джаспера Джонса, Джеймса Розенквиста и конечно Энди Уорхола. Энди Уорхол (англ. Andy Warhol; настоящее имя — Андрей Вархола; 6 августа 1928 — 22 февраля 1987) — американский художник, продюсер, дизайнер, писатель, коллекционер, издатель журналов и кинорежиссёр, культовая персона в истории поп-арт-движения и современного искусства в целом. В 1960-х годах был менеджером и продюсером первой альтернативной рок-группы «Velvet Underground». О жизни Уорхола снято несколько художественных и документальных фильмов.

Абстракционизм 2 волны

Абстракционизм - направление нефигуративного искусства, отказавшегося от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма — достижение «гармонизации», создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. Крайнее проявление модернизма.

С приходом к власти фашистов центры абстракционизма перемещаются в Америку. В 1937 году в Нью-Йорке создается музей беспредметной живописи, основанный семьей миллионера Гугенхейма, в 1939 году - Музей современного искусства, созданный на средства Рокфеллера. Во время Второй Мировой войны и после ее окончания в Америке собрались вообще все ультралевые силы художественного мира.

В послевоенный период новая волна абстракционизма была поддержана огромным размахом рекламы, организованным успехом. В произведения абстрактной живописи вкладывают капитал. Тенденция отрыва искусства от изображения реальной действительности получила логическое завершение в произведениях художников-абстракционистов. Их работы отличались полным отсутствием сюжета и композиции. Абстракционизм считается одним из самых сложных явлений современной культуры, поскольку полностью исключает идейное содержание и образную форму.
Новое направление в искусстве получило название от латинского слова abstractus, что означает «отвлеченный». Полотна, выполненные в абстрактном стиле, не пользовались популярностью у широких масс, поскольку картины, хаотично заполненные пятнами и линиями, довольно трудны для понимания.

В конце 30-х гг. начинается вторая мировая война. Многие художники эмигрируют в Америку, центр художественной жизни. Марк Шагал, Марк Эрнст, Пит Мондриан, Дали.

Причины: Выражение недовольства действительностью и своеобразный протест. Отрицание всяких традиций. Вторая волна связана с абстрактным экспрессионизмом (линии Кандинского) Испытывают влияние сюрреализма. Сказывается это отказом от реального сознательного творчества.

Ведущая фигура в американском искусстве 2-ой волны является: Джексон Поллок.

Поллок ввел термин дриппинг - разбрызгивание красок на холст без применения кисти. Иногда он расхаживал по холсту, держа в руке продырявленное ведро с краской, давая ей свободно просеиваться. Это называется также в Америке абстрактным экспрессионизмом, во Франции - ташизмом (от слова tache - пятно), в Англии - живописью действия, в Италии - ядерной живописью (pittura nucleare). Во Франции в первой половине 40-х годов наблюдается некоторое затишье в сфере абстрактного искусства. С конца 40-х годов абстракционисты вновь объединяются в «Салон новой реальности» и издают специальный журнал «Искусство и архитектура сегодня». Его теоретики - Леон Деган и Мишель Сейфор. В 50-е годы во Франции увлечение абстракционизмом повсеместно. Соперником американца Поллока выступает Жорж Матье, сопровождающий свои " сеансы творчества" в присутствии публики маскарадными переодеваниями и музыкой и называющий свои огромные творения вполне сюжетно, что не делает их, однако, менее абстрактными.

Джексон Поллок родился в Коди (Вайоминг) в семье овцевода. В 16 лет он записался в Высшую школу прикладных искусств, в Лос-Анджелесе, однако уже через год вынужден был уйти оттуда из-за " неудовлетворительного поведения". С 1930 Поллок учился у Томаса Харта Бентона, представителя, так называемого американского регионализма, выступающего против модернистов и отстаивающего реалистичную живопись. Поллок постепенно отходил от предметной живописи и приближался к европейскому авангарду: его интересовали работы Пауля Клее, Хоана Миро и Пабло Пикассо, а также Макса Эрнста, чья " капельная техника" (Эрнст наносил капли на бумагу) буквально очаровала его. Целью художника было " напрямую переносить творческий процесс на полотно". Примерно в 1947 он открыл для себя так называемый " капельный" метод, позволивший ему вплотную приблизиться к своей цели: полотно он клал на пол и покрывал его каплями краски, беспорядочно стекающей с кисти, из жестяной банки или продырявленного ведра. Иногда он с силой метал краски на поверхность, смешивая их друг с другом; либо предварительно смешивал краски с песком или стеклянной крошкой и затем наносил эту смесь на полотно толстым слоем. О своей манере работы Поллок отзывался так: " На полу я являюсь частью картины". При работе он целиком и полностью отдавался вдохновению, и появившиеся таким образом продукты " подсознательной" деятельности подвергал в дальнейшем " осознанной" обработке с помощью деревянных палочек, ножей, мастерков и т. п. Например «Осенний ритм». Особенность этих картин прерывистые переплетения цветных линий, которые за счет своей прозрачности дают возможность заглянуть в пространство заднего фона картины. Для своих работ Поллок выбирал большие форматы, так как, по его мнению, мольбертная живопись устарела. Будущее живописи он видел в настенных росписях.

В начале 50-х переживает тяжелый кризис и предался сильнейшим алкогольным возлияниям. Из его картин исчезли краски, сейчас он обходился одним лишь черным цветом. Многие работы нумеровал, оставляя без названий, " чтобы зритель видел в картине именно то, что она собой представляет «обнаженную живопись». Помимо картин, выполненных с применением «капельной»техники, Поллок создавал работы на основе энергичных, широких штрихов. При этом он часто обращался к фигурным мотивам (например, " Номер 29", 1952; " Белый свет", 1954). Погиб в автокатастрофе в 44 года.

Марк Ротко - американский художник, ведущий представитель абстрактного экспрессионизма, один из создателей живописи цветового поля (род абстрактной живописи, в основе которой лежит использование больших плоскостей однородных цветов, близких по тональности и не центрированных). Марко Ротко изображал квадраты и прямоугольники различных размеров и цветов.

Ротко не был согласен с тем, что его относили к художникам-абстракционистам, пишущим под влиянием " живописи цветового поля". Его единственным интересом было, по собственному признанию, " выражение древнейших человеческих понятий и эмоций - трагедии, экстаза, смерти". Посредством этого он хотел передать этапы религиозного развития человека. Чтобы подчеркнуть метафизичность своих работ, Ротко применял приглушенный свет на выставках, где демонстрировались картины, - цветовые блоки за счет этого казались повисшими в бесконечном пространстве. Это впечатление усиливалось отсутствием рамок у картин; цветовое поле шло до самой границы полотна таким образом, что оптически картина казалась растворенной в плоскости стены.

Виллем де Кунинг.

Кунинг часто использовал громадные холсты, сокращая количество цветов, формируя красноречивые мазки кистью, выполнял импровизации с потрясающей энергией. Многие из его работ рассматриваются как шедевры абстрактного экспрессионизма. Писал и чисто абстрактные лирические композиции, используя – в целях экономии краски – лишь черные и белые малярные лаки, позднее стал вводить импульсивные всплески цвета.

Марк Тоби.

На него большое влияние оказала дальневосточная культура, китайская каллиграфия. Дрожащий ритм паутинообразных переплетений - характерная особенность манеры Тоби. Марк Тоби сначала изображал привычные объекты реальности, а потом рисовал поверх них. В работах художника острые, тонкие как иглы линии рисунка, который проносятся через полотно и создают впечатление пространства, центр которого невозможно с точностью определить.

57. Художественное объединение «Мир искусства».ОХ.А. Бенуа (Версальская серия), К. Сомов (Дама в голубом, Арлекин и дама), Лев Бакст (Ужин, Античный ужас, театральные костюмы и декорации)

1898 – возникновение «Мира искусств» в Петербурге. Кружок объединил художественную элиту России тех лет.

Начало «Миру искусств» положили вечера в доме А. Бенуа, посвященные искусству, литературе и музыке. Людей, собравшихся там объединила любовь к прекрасному и уверенность, что его можно найти только в искусстве, так как действительность безобразна.

В первый состав «Мира искусств » входили: Бенуа, Сомов, Бакст, Е.Е. Лансере, Головин, Добужинский, Врубель, Серов, К. Коровин, Левитан, Нестеров, Остроумова-Лебедева, Билибин, сапунов, Судейкин, Рябушкин, Рерих, Петров-Водкин, Малявин, Ларионов, Гончарова.

1899-1904 – издается журнал «Мир искусства» под редакцией Дягилева.

Основная задача журнала – воспитание эстетических вкусов русского общества.

Всего было 5 выставок Мира искусства.

1903, март – закрылась последняя выставка.

1904, декабрь – вышел последний номер журнала «Мир искусства»

Мир искусства распался на:

· Художники ушли в «Союз художников»

· Литераторы – журнал «Новый путь»

· Символисты – журнал «Весы»

· Музыканты – «Вечера современной музыки»

· Дягилев ушел в балет и театр.

К 1910 году «Мир искусства» перестал существовать в первоначальном своем составе.

Формально они просуществовали до 1924 г, но это было только название и ничего общего с первым «Миром искусств» не имели.

Второе поколение «мирискусников» менее занято проблемами станковой живописи, его больше интересует книжная графика, театрально-декоративное искусство. Состав №2: Кустодиев, Судейкин, Серебрякова, Чехонин, Григорьев, Яковлев, Шухаев, Митрохин.

При характеристике «Мира искусств» речь в основном идет о первом этапе его существования и его ядре – Бенуа, Сомове Баксте.

Александр Николаевич Бенуа (1870-1960) – идейный вождь «Мира искусств». Живописец, график-станковист, иллюстратор, театральный художник, режиссер, автор балетных либретто, теоретик и историк искусства, музыкальный деятель. Происходил из высшего слоя петербургской художественной интеллигенции, учился на юридическом факультете Петербургского Университета.

Как у художника у него проявляются стилизаторские тенденции и пристрастие к прошлому, очень любил Версаль. В его версальских пейзажах слились историческая реконструкция 17 века и современные впечатления художника.

Характерно:

· Четкая композиция

· Ясная пространственность

· Величие и холодная строгость ритмов

1896-1898 – первая версальская серия «Последние прогулки Людовика 14»

1905-1906 – вторая версальская серия «Прогулка короля» (картон, гуашь, акварель, золото, серебро, перо)

Константин Андреевич Сомов (1869-1939) – ведущий художник «Мира искусств».

Сын главного хранителя Эрмитажа, окончил Академию Художеств.

1897-1900 – «Дама в голубом»

" Дама в голубом" (портрет художницы Е.М. Мартыновой) - художник переносит в мир прошлого, облекает ее в старинное платье, помещает модель на фоне условного декоративного парка. Это - стройный вымышленный мир природы (созданной человеком), мир музыки (музицирующие фигурки на скамье), мир вечернего покоя. Вечернее небо с легкими розовыми облаками, деревья старинного парка, темная гладь водоема - все это изысканно по цвету, но, как истинный " мирискусник", К. Сомов стилизует пейзаж. Например, пожухшая зелень листвы словно взята со старинных гобеленов или с пожелтевших картин старых мастеров.

Созданный К. Сомовым ретроспективный портрет стал новым явлением в русском искусстве. Художник был первым, кто поставил перед собой эту задачу и блестяще решил ее. Интерес к духовному миру человека связывает К. Сомова с традициями русской портретной живописи, и вместе с тем " Дама в голубом" намечает новую тенденцию. Художник отказался от всего случайного, бытового, он поднял созданный им образ над повседневностью, придав ему возвышенное очарование.

1903 – «Эхо прошедшего времени»

Натура художника – борьба между мощным реалистическим чутьем и болезненно-эмоциональным мироощущением.

Одевает свои модели в старинные костюмы, придает их облику черты тайного страдания, грусти и мечтательности, болезненной надломленности.

Создает ряд портретов своих современников – интеллектуальной элиты – во вневременной сфере. Раньше всех обращается к темам прошлого, к интерпретации 18 века.

Лев Самуилович Бакст (1866-1924) – театральный художник, первым в среде «Мир искусства»приобрел популярность в Европе, окончил Академию Художеств, исповедовал стиль модерн.

В его изображениях нет мотивов 18 века и усадебных тем. Он тяготеет к античности, греческой архаике, толкованной символически.

1908 – «Древний ужас». Страшное грозовое небо, молния, море, древний город – над ним загадочная мистическая улыбка.

Мировую славу принесли декорации и костюмы к балетам дягилевской антрепризы:

«Шахерезада» Римского-Корсакова

«Жар-птица» Стравинского

«Дафнис и Хлоя» Равеля

«Послеполуденный отдых фавна»

Предыдущая 6 7 8 9 10 11 12 13 14 151617 18 19 20 21 Следующая