STOP 1: Между книжным и сувенирным магазином

МЕТОДИЧЕСКОЕ ПОСОБИЕ

Начало. Холл 1 этажа

Добро пожаловать в крупнейший музей современного искусства Эрарта. Расшифровку названия Эрарта можно обнаружить уже при входе в здание – ведь первое, что видит посетитель - это скульптурная группа «Эра и Арта» петербургского скульптора Дмитрия Жукова – две монументальные фигуры, выполненные в сюрреалистической пластике и отдаленно напоминающие статуи античных богинь, символизируют Время (Эра) и Искусство (Арта). Название «Эрарта» - производное от этих двух слов.

Что же такое Эрарта? Эрарта – это масштабный проект в области современной культуры, состоящий из нескольких частей, главные из которых – музей современного искусства в Санкт-Петербурге и международная сеть галерей в Лондоне, Нью-Йорке, Цюрихе и Санкт-Петербурге. Всего в проекте четыре составляющие – помимо Музея и галерей, неотъемлемыми частями проекта являются: собственная мастерская, изготавливающая копии работ из электронной коллекции Эрарты в виде принтов и жикле и работающая над оформлением интерьеров, а также наши многопрофильные программы, направленные на популяризацию современного искусства и ежедневно идущие на территории Эрарты.

Миссия Эрарты – максимальное расширение аудитории, заинтересованной в современном искусстве. Эрарта верит в то, что искусство может стать частью жизни каждого человека, сделать ее более интересной и счастливой. Эрарта ставит своей целью не только демонстрировать произведения искусства, но и заинтересовать им всех посетителей, включая тех, кому оно пока кажется далеким, помочь научиться любить и понимать его, видеть в нем что-то свое. Поэтому Эрарта – экспериментальный институт, постоянно работающий над поиском и внедрением новых форм, проектов и программ, направленных на популяризацию современного искусства. Во время экскурсии я буду обращать ваше внимание на эти специальные авторские проекты Эрарты. Эрарта старается быть открытой и дружественной ко всем нашим посетителям: это отражается, например, в удобных часах работы (музей работает с 10-ти утра до 10-ти вечера), отсутствии смотрителей в выставочных залах, комфортных зонах отдыха, расположенных на территории Музея (уютное кафе с бесплатной зоной Wi- fi, ресторан «Искусство есть…», сувенирный и книжный магазины, принт-шоп, где можно приобрести копии работ из электронной коллекции Эрарты).

Здание, в котором мы находимся, историческое, было построено в 1961-м году, изначально предназначалось для райкома коммунистической партии и являет собой образец зрелого сталинского стиля, обратившегося к строгим классическим формам, созвучным петербургской архитектуре. Долгое время в здании находился знаменитый научно-исследовательский институт синтетического каучука им. Лебедева.

С 2008-го по 2010-й год по проекту петербургской архитектурной мастерской была произведена масштабная реконструкция интерьера здания, полностью переоборудовавшая внутреннее пространство под экспонирование современного искусства. 30 сентября 2010-го года музей открыл свои двери для посетителей. Общая площадь здания 8000 кв.м. На данный момент ведутся строительные работы по постройке нового корпуса, который расширит площадь Эрарты до 10000 кв.м.

Цель Эрарты – не извлечение прибыли: все доходы направляются на дальнейшее развитие проекта и продвижение российского современного искусства в нашей стране и за рубежом. ( Специально для этих целей создан некоммерческий фонд поддержки современного искусства Эрарта и любая покупка в Эрарте, сувенир, книга, принт и даже выпечка в кафе является прямым вкладом в поддержку современного Российского искусства).

Пройдемте дальше, и я вам расскажу про самую важную часть проекта – музей современного искусства Эрарта.

STOP 1: Между книжным и сувенирным магазином

Музей Эрарта – самый крупный негосударственный музей современного искусства в России, насчитывающий в своей коллекции свыше 2000 работ и более 150 художников из разных регионов нашей страны. Однако, музей Эрарта масштабен не только по площади, но и по уникальности и репрезентативности коллекции с точки зрения периода и территории проживания авторов. Основу коллекции составляет ленинградско-петербургское современное искусство. Однако, мы ищем таланты по всей России, и в нашей коллекции представлены художники, живущие не только в Петербурге, но и в Новосибирске и Краснодаре, Уфе и Нижнем Новгороде, Вологде и Брянске, Туле и Ставрополе... (Один из главных выставочных проектов «Россия в Эрарте» специально направлен на показ современного искусства регионов). Эти художники представляют разные поколения и самые разные направления в современном искусстве.

Музей Эрарта дает посетителям возможность увидеть как работы признанных мастеров, так еще и не известных, но вполне соответствующих мировому уровню авторов, обладающих самобытным талантом и оригинальным стилем. Эрарта уделяет особое внимание работе с молодыми художниками, поиску и открытию новых имен. Многие из них со временем найдут международное признание, но в Эрарте их творчество можно открыть уже сейчас.

В Эрарте есть много того, чего нет в других музеях. Помимо того, что мы показываем нашу коллекцию и устраиваем временные выставки, мы периодически издаем каталоги, в которых произведения искусства сопровождают тексты, написанные в свободной форме — изолитература. Все желающие могут стать авторами этих текстов, и возможно, мы их опубликуем в наших изданиях. В нашем музее вы увидите изоанимацию — ролики, созданные по мотивам работ из коллекции, в которых эти работы оживают. Вы сможете посетить u-space — особые комнаты-инсталляции, в которых можно остаться наедине с собой и погрузиться в атмосферу, созданную художниками. Это и многое другое ждет вас в Эрарте.

Ый этаж. Аванзал.

Вступление.

Основная миссия нашего музея может быть сформулирована просто: приумножать число людей, любящих современное искусство и заинтересованных в его поддержке. Мы адресуем свою деятельность самой широкой аудитории и верим в то, что каждый человек может найти в современном искусстве что-то интересное для себя и, как следствие, больше узнать о себе самом.

Переживание искусства – глубоко личный, индивидуальный опыт, и только сам человек может захотеть и позволить себе приобрести его. Роль музея – создать для этого условия, показать нечто стоящее, способное вызвать у зрителя желание разобраться в себе, определить свое место в мире, увидеть и принять жизнь. Как правило, если зритель говорит, что не понимает искусства, это означает лишь то, что он никак себя с ним не соотносит.

Наша задача – сделать все для того, чтобы человек, придя к нам, увидел, что современное искусство – о нем и для него, что мир велик и никто в нем не лишний. В нашей экспозиции вы найдете работы, затрагивающие вечно актуальные философские темы: кто мы и зачем мы, откуда приходят и что дают нам счастье и страдание; какой мир нас окружает: враждебный, дружественный или безразличный; одиночество – это мучение или возможность; и так далее, и так далее. Мы надеемся, что глубина этих тем позволит вам погрузиться в произведения искусства и обратиться к своему собственному внутреннему опыту. Именно в этот момент искусство будет выполнять свое основное предназначение – возбуждать в человеке разум и чувства и приобщать его к интеллектуальному и духовному капиталу человечества.

Мы надеемся, что Эрарта станет для вас местом, где будет активизироваться ваш внутренний потенциал, где смелость авторов в открытом выражении своего видения мира поможет и вам не бояться быть самим собой, забыть о суете и условностях и признать важным только ваше внутреннее богатство. В каждом из нас живет художник, и он непременно проявится в любом, кто этого захочет.

Желаем вам счастливых открытий самого себя!

Ый этаж.

Аванзал. КЛАССИЧЕСКИЙ СЮЖЕТ

Ый этаж.

Каждый человек является носителем множества миров, бесконечности и безграничности внутреннего космоса, отраженного в его сознании. Каждый человек - микрокосмос, отдельная Планета, в которой не меньше тайн и загадок, чем в объективно существующей Вселенной.

Художественный взгляд Барского напрямую связан с осознанием того, что человек живет на планете, которая вращается в космосе, и окружена безграничным непознанным пространством. Но живописец обладает столь мощной фантазией, что может представить себе всю галактику. Поэтому Барский стремится не копировать природу, а изображать ее так, как она предстает перед мысленным взглядом человека.

Современные люди являются носителями научной картины мира. Под космосом мы понимаем бесконечное физическое пространство, в котором действуют определенные законы, но которое лишено той упорядоченности, которая позволила бы нам его представить и понять до конца. Как справедливо сказал великий французский ученый Блез Паскаль (1623 – 1662): «у бесконечности нет центра, ее центр – везде».

Поэтому наше представление о космосе лучше всего визуализируется в виде абстракции.

Евгений Барский ближе всего подошел к научному описанию космоса. В абстрактном триптихе «Звездная материя» художник фиксирует бесконечность космоса, его хаотичность и немыслимый энергетический потенциал. Создается впечатление, что художник пытался изобразить «материю саму по себе», но встретился с невозможностью это сделать. Материи как таковой не существует, она – абстрактное понятие.

Евгений Барский родился в Ленинграде в 1950 году , в семье инженера-строителя. Он рано бросает школу и уходит в ПТУ, затем поступает в рисовальные классы при Академии Художеств, где по-настоящему увлекается рисованием, пишет маслом с натуры. Поступает в Ленинградское художественное училище имени Серова. Там его любимым преподавателем становится Борис Гринин, который начинает развивать в студенте творческий потенциал.

После училища художник много путешествует, чтобы понять себя, испытать новые ощущения. Со второго раза поступает в институт имени Репина, учится в мастерской Андрея Мыльникова, но, почувствовав, что не является монументалистом, уходит в мастерскую станковой живописи Евсея Моисеенко. Заканчивает институт огромной дипломной работой «Утро БАМа». Художник пожил на БАМе и писал его с натуры, сделав героями картины обретенных там друзей.

Во время написания диплома художника увлекает новая тема, он хочет передать в красках красоту извергающихся вулканов. Он уезжает на Камчатку, где пишет огромный холст посвященный извержению. В Ленинграде работу выставляют на Молодежной выставке в «Манеже».

Эта тема до сих пор волнует художника, которому довелось наблюдать начало извержения вулкана Безымянный на Камчатке. Он побывал на Сицилии, где жил на Этне, а в Неаполе был заворожен монументальным видом Везувия.

После института художник много выставляется. Увлекшись вулканической темой, он быстро отходит от академической манеры, считая, что писать подобным образом в конце двадцатого века недопустимо.

5. Феликс Волосенков. ЯВЛЕНИЕ БОГА ВОЛОСА.

Неизменным персонажем абстрактных, выполненных в смешанной технике работ Волосенкова является бог Волос. Древнеславянское языческое божество (покровитель домашнего скота и поэтов, сказителей) однако, больше воспринимается как персонаж собственной, авторской мифологии художника. Большинство работ Волосенкова трактуется как явление бога Волоса через пейзаж, натюрморт, различные сцены и сюжеты. Работы художника фактурны: в них используется ткань, поролон, левкас, акриловые краски. Для усиления эффекта, производимого работами, автор использует свой талант художника-постановщика и превращает пространство холста в театральное действие. Ирония и гротеск, безудержная энергия и трогательность — все это в равной степени присуще работам Волосенкова, созданных словно на одном дыхании и никого не оставляющих равнодушным.

Феликс Волосенков родился в городе Красноармейске Донецкой области в 1944 году. В юности Феликс мечтал стать художником-монументалистом. Он оканчивает Художественное училище в Баку. Но затем «из-за боязни несвободы» он поступает не в Академию художеств и не в Мухинское училище, а в Ленинградский Государственный институт музыки, театра и кинематографии по специальности художник-постановщик. Впоследствие учеба в театральном институте сильно повлияет на художника: свою творческую историю он будет выстраивать как театральную пьесу с собственными персонажами и интригой. С 1977 года Волосенков работает в театре, где оформляет около пятидесяти проектов, параллельно ведя преподавательскую деятельность в изостудии ДК имени Цурюпы.

С 1984 года Волосенков выставляется вместе с Валерием Луккой и Вячеславом Михайловым, вместе они начинают «ниспровергать каноны живописи». Петербургская околохудожественная общественность нашла работы Волосенкова и Лукки скандальными, а самих художников крайне радикальными в их стратегиях творчества. Дружба «трех богатырей», Волосенкова, Лукки и Михайлова, задолго предвосхитила создание Волосенковым Санкт-Петербургской Академии современного искусства бессмертных. Она была основана в 1994 году с целью поддержки и развития новых направлений в современном искусстве.

6. Юрий Татьянин. Гений Земли Липецкой.

Й этаж. Зал с окнами

Название экспозиции: ИСКУССТВО +

На сегодняшний день. «science-art» – наиболее передовое, актуальное направление современного искусства, в котором стал возможным не только диалог искусства и науки, но и попытка художника разговаривать на языке науки.

Science art – искусство будущего, междисциплинарная область, находящаяся на грани науки и искусства.
Англоязычный термин довольно трудно перевести на русский. Это не «наукообразное искусство», не «научно-популярное искусство». По мнению кураторов этого направления, это и не реклама достижений науки и технологии, так как задачи, стоящие перед сайнс-артистами, отличаются от тех, которые ставят перед собой ученые.

Дмитрий Каварга. Биоморфный радикал.

Объектом исследования Дмитрия Каварги является доступная настройке внимания область – собственное сознание, восприятие, мыслетворение, а так же психофизиологическое устройство других существ, в том числе неодушевленных.

Наиболее значительные работы Дмитрия Каварги трёх последних лет основаны на синтезе науки и искусства и созданы в сотрудничестве с учёными и музыкантами.
Это интерактивные объекты и инсталляции, предполагающие биообратный контакт со зрителем - они испускают разночастотные аудиошумы, вибрируют, вздрагивают, ворочаются и пульсируют, реагируют на прикосновение, ритм кровотока человека, его голос, дыхание, психическое состояние и т.д. Работы словно оплодотворяются каждым контактом, накапливая в себе информацию от тел зрителей - их мыслями, ритмами, энергией.

Работы Каварги пребывают в постоянном переплавлении тех смыслов, которые вкладывает в них автор. Причем сплавляет Дмитрий свои образы в самом прямом смысле: на железном остове биоморфные и конструктивные элементы вплетаются в единую композицию и впоследствии заливаются несколькими слоями двукомпонентных пластиков. Техника работы с расплавленными и текучими полимерами дает необычайно широкий простор для творческих исканий, экспрессивных и непредсказуемых.

Ой этаж.

Название экспозиции: ЕСТЕСТВЕННОСТЬ ЖИВОПИСИ

Живопись жива

На протяжении первых десятилетий ХХ века живопись начинает подвергаться глобальным трансформациям, которые, с одной стороны, наполняют ее совершенно новым содержанием и смыслом, а с другой — дают повод начаться разговорам о ее вырождении, исчезновении и смерти.

Вопреки всем заявлениям о смерти живописи, сделанным в двадцатом веке, она не умирает и продолжает развиваться по своим собственным, внутренним законам в веке двадцать первом.

Этому феномену живучести можно найти несколько объяснений, некоторые из которых связаны с особенностями нашей эпохи, например, с постоянным вопрошанием о возможных связях современности с традицией. Есть, однако, и мнение, согласно которому популярность живописи носит вневременной характер и связана с самой природой человеческого восприятия.

Елена Фигурина

Естественная живопись Елены Фигуриной.

Свои исследование природы естественного человека Фигурина проводит в пространстве чистой живописи. Художница очищает живописное пространство от всего лишнего, наносного, освобождая его от всех ненужных подробностей, используя простые яркие цвета и примитивные формы детского рисунка. Такая простота и естественность живописи дает возможность автору сосредоточиться на главном – глубинном познании мира через природу человеческого, через выведение на пустую сцену театра мира модель человечества, обнаруживающего себя разными способами действия.

Владимир Ельчанинов – художник, приглашающий зрителя к разговору о незримом, о самом важном, сущностном, проявленном в символических образах, исполненных в импрессионистической манере письма. Вне зависимости от выбранного сюжета и жанра его живопись погружает смотрящего в покой и тишину надмирности, обладает способностью растворять видящего в магически призрачной образности картин, обнаруживающих присутствие.

Владимир Ельчанинов родился в 1932 году на Смоленщине в городе Гжатске (ныне Гагарин). После занятий рисованием в Доме пионеров, он поступает в Московское художественно-графическое училище, а затем — на художественно-графический факультет Московского государственного педагогического института. Время учебы в институте совпало с началом «хрущевской оттепели». Студенты организовали на своем факультете клуб искусств, устраивали выставки, обсуждения. До сих пор своим главным наставником и близким по духу художником Владимир Ельчанинов считает своего институтского преподавателя, известного художника Бориса Неменского.

После окончания учебы, художник переезжает в Смоленск и становится преподавателем педагогического института, где совместно с коллегами организует художественно-графический факультет. В 1962 году вступает в Союз художников, несколько лет проводит в Москве, учится в аспирантуре.

С самого начала творческого пути Ельчанинов пишет большие сюжетные картины. И делает это успешно, получая заслуженные медали, грамоты и звания. Однако, получив признание в советское временя, Ельчанинов не превратился в официозного соцреалиста.

В постсоветский период художник старается уйти от реализма, найти свой собственный путь. И это получается, в своей сегодняшней манере художник находит нечто совершенно иное. В формате картины Владимир Ельчанинов соединяет этюдную манеру письма, почти монохромный колорит и символический сюжет. Различные художественные традиции удивительно просто и гармонично сочетаются в его работах.

Владимир Ельчанинов пишет много этюдов с натуры. В его этюдах ощущается приверженность художника русскому импрессионизму; его любимыми художниками остаются Аркадий Пластов и Леонард Туржанский.

Владимир Ельчанинов — Народный художник России, его работы находятся в многочисленных музейных и частных собраниях в России и за рубежом.

Момент соприкосновения краски с холстом для Пестерева – особый миг, фиксирующий мгновение, в котором еще возможно рождение искусства, понимаемое художником как свет и энергия, вызывающие особые вибрацию в душе. Кажется, что Александру Пестереву близка тишина и неторопливость жизни в небольшом городе. Но сам художник утверждает, что место проживания, по сути, не влияет на творчество. Для него процесс творчества близок ритуалу. Работы Пестерева — это философское погружение в наносимые на холст нюансы тона и цвета. Александр Пестерев часто пишет и рисует пейзажи Тотьмы: стареющие деревянные дома, церкви и монастыри. Художник сосредотачивается и растворяется в том, что изображает. Исчезают подробности, возникает образ.

Ангелы-охранители

Картины, как и люди, обладают своим характером: бывают картины-отрицанияили картины-утверждения, пессимисты и оптимисты, милосердные и жестокие. Бывает, что картина говорит о жизни, а случается — витает в облаках. Но что бы ни писал художник, поэт, писатель — автор, — он всегда ведет речь о себе, а произведение отражает его душевный склад. Для Гели Писаревой мир неспокоен, но гармоничен, в нем нет восточной медитативности, зато читается какой-то извечный славянский пантеизм, вера в духов природы, в «правильность» всего происходящего. В этом мире деревенские бабы, как и столетия назад, уверенно и безмятежно сушат, ворочают, сгребают, стогуют сено. Травы оплетают их стопы, путаются в подолах платьев, а вселенная в это время кружится в невообразимом желто-фиолетовом хаосе.

Конечно же, добрые женщины-богини защитят, укроют, вступятся и помогут каждому, потому что такова их природа. Безымянные охранительницы миропорядка по-другому не могут, их путь предрешен: от рождения и до смерти нести свое бремя —тяжелые и материальные крылья цвета скошенных полей, крылья, которые не могут унести от действительности.

Элина Николаева

Евгений Саврасов.

Евгений Саврасов, запечатлевший советскую эпоху языком запрещенного в ней искусства, всегда оставался и остается свободным художником, отстаивающим свое индивидуальное право изображать окружающий мир согласно своему собственному видению.

Работа Павла Бабенко «Первое блюдо», написанная языком эмоциональной, экспрессионистской живописи, также является ярким свидетельством эпохи, запечатлевшим время через предмет в жанре натюрморта. Ровный ряд алюминиевых плошек на скудном столе эпохи коммунистической уравниловки в монументальном натюрморте Бабенко, становятся яркими символами эпохи советской жизни, включенными в поток коллективной памяти.

+ Изолитература

Арифметика общепита

[…] Есть воспоминания, которые остаются с нами навсегда, закрепляясь почти на генетическом уровне. Таковы позывные теле- и радиопередач родом из детства и культовые для поколения игрушки. Алюминиевые кастрюли с алыми лаковыми надписями родом из того же края, которому налет ностальгии мешает стать несимпатичным и неуютным — даже если именно таким он и был. Чаще всего эти кастрюли попадались в школьных и заводских столовых, летних лагерях и больницах. Большие и неповоротливые, они были наполнены пловом, макаронами по-флотски или жиденьким супом, который усиленно притворялся мясным. Мощные руки поварихи с ногтями, выкрашенными тем самым красным лаком, уверенно реяли над мисками. Поварешка, ныряя в кастрюлю за очередной порцией, задевала иногда стенки или дно, издавая сердитый лязг: проходите быстрее, товарищи, не задерживайте очередь.

[…]Проникновенная, почти болезненная личность воспоминаний, присущая картине Павла Бабенко, одновременно тяготеет к всеобщности, вскрывая не изжитый нами до конца архетип коллективной жизни: все рядом, на виду, в очереди, получают одинаковые миски. Этот образ грозит повернуться страшной стороной, где за одинаковыми тарелками следуют одинаковые койки или нары; но он же навевает и светлые воспоминания о мире, где на пляже «Артека» светит солнце, и еще далеко до отбоя, и общность жизни кажется не наказанием, а возможностью сплоченности и дружбы.

Алиса Загрядская

«ПАША» — так подписывает все свои работы большими печатными буквами в углу картины художник из Краснодара Павел Бабенко, смело и иронично называющий себя королем русского натюрморта

Художник родился в 1946 году в Краснодарском крае, окончил художественно-графический факультет Кубанского государственного университета и не поддавшись соблазну писать заграничные красоты, нашел свои темы на родной Кубани.

Работы Бабенко монументальны по своим размерам, отчего незатейливый набор изображенных предметов – бутылки, кухонная утварь, пучки лука и прочее – приобретают какую-то особенную значимость и размах. Широкая, выразительная живописная манера мастера словно оживляет скромные натюрморты, заставляя забыть о том, что перед нами мертвая натура. Бабенко удивительно тонко передает фактуру того или иного объекта, будь то гладкая поверхность стеклянной бутылки, матовый блеск алюминиевой кастрюли или грубая текстура деревянных ящиков, на которых располагает свои натюрморты автор.

Живопись Павла Бабенко экспрессивна и эмоциональна. Художник предельно откровенен со зрителем, как будто тот сидит напротив него за импровизированным столом, и между ними происходит разговор по душам. Бабенко часто обращается к ностальгической теме — теме советской столовой, советского застолья, советского быта

Савелий Лапицкий (р.1924) — график и плакатист, автор пронзительных работ, обличающих политический террор. Лапицкому выпало пройти через сталинский ГУЛАГ. Творчество этого художника остро-социально, чего и следует ожидать от профессионального плакатиста, являющегося свидетелем большей части драматических событий истории России XX века. «Нары» — одна из самых сильных и жестких работ Лапицкого, ставящая знак равенства между советским и нацистским режимами

Савелий Яковлевич Лапицкий родился в 1924 году в г. Ленинграде. Отец – медик, мать – ретушер в известном фотоателье.

В 1938 г. Сава Лапицкий становится победителем городского творческого конкурса. Занимается в Доме художественного воспитания школьников. Жизненный путь почти определен, но война вносит свои коррективы.

Савелия, ослабленного дистрофией, вывозят из блокады через Ладожское озеро и направляют в школу авиационных механиков в г. Миассе. Со штурмовым авиационным полком он кочевал по фронтовым дорогам Польши, Германии, Чехословакии и Прикарпатья. Участвовал в боях, способствовавших освобождению жертв Холокоста из фашистских лагерей.

В 1947 г. Лапицкий становится студентом заочного отделения журналистики филологического факультета Ленинградского университета, но получить образование в университете ему не дали. Его арестовали во Львове в конце 1948 г. В мае 1949 г. – в годовщину дня Победы – фронтовика, удостоенного боевых наград, приговорили к 10 годам лагерей и пяти годам поражения в правах.

13 этапов, 4 тюрьмы, 5 лет лагерей за Полярным кругом. В лагерный период жизни попало и строительство железной дороги Салехард-Игарка, получившей позже название «Мертвая дорога». В лагере рисовал портреты заключенных, но цензор запретил это из-за большого сходства с оригиналами. 18 ноября 1954 года С.Я. Лапицкому был вынесен оправдательный приговор, а в 1959 г. он полностью реабилитирован.

Савелий Яковлевич продолжает рисовать. Природное дарование, острый глаз, темперамент, умение чувствовать суть явления, помноженные на удивительную работоспособность, помогли ему подняться до подлинного мастера-графика широкого профиля. В 1967 году он стал членом Союза художников СССР. Особенностью творческого мышления художника являются циклы работ, связанные тематически и образно. Самый крупный цикл посвящен ГУЛАГу.

Более ста работ Савелия Лапицкого приобретены российскими музеями, парижским Домом инвалидов, польским Музеем бумаги, 39-м президентом США Джимом Картером, Российской национальной библиотекой.

В 1998 г. Савелию Яковлевичу присвоено почетное звание «Заслуженный художник Российской Федерации». В 1999 г. Законодательное собрание Санкт-Петербурга наградило художника Почетным дипломом.

Основным жанром работ Лапицкого является политический и рекламный плакат, выполненные в технике фотоколлажа.

Евгений Ухналев (СПб), 1931 г.р.

Евгений Ухналев – народный художник, человек неординарной судьбы, чей жизненный путь начинался с лагерных застенок. Вынужденная несвобода в юном возрасте дала художнику творческий импульс на всю последующую жизнь, а документальные факты личной биографии трансформировались в поэтику эстетических образов, документально точно передающих состояния обрушения и умирания.

Евгений Ухналев. Мой алтарь.1979
Евгений Ухналев. Дорога в никуда.1978

Две исключительно ценные работы Евгения Ухналёва (р. 1931), созданные художником в конце 1970-х — начале 1980-х годов. В эти годы Ухналёв является активным участником движения ленинградских художников-нонконформистов и выставляется вместе с ними в домах культуры имени Орджоникидзе, в Ленинградском дворце молодежи и на других площадках. Ему, как и многим его современникам, социальная действительность тех лет, «эпоха застоя», кажется тусклой и безысходной, а жизнь в ней — «дорогой в никуда». В то же время на фоне безысходности еще более очевидной становится необходимость артикуляции собственных, личностных идеалов и ценностей. Многие в то время видели спасительный выход в религии. Ухналёв как художник-индивидуалист, и как человек, через многое прошедший, строит и воспевает свой собственный «алтарь»

Уже в лагерных рисунках художника появляются характерные особенности техники и композиции, которые потом переходят в живопись и графические листы. Характерная манера штриха и достоверная правдивость зарисовок, со временем превратились в небольшие немного нервные мазки и особую фантастическую документальность его работ.
В самых ранних работах семидесятых годов появляются сюжеты, в которых прошлое, настоящее и будущее соединяются. Классическая петербургская архитектура зарастает корнями неведомых растений, заметается снегом, дома погружаются во мрак и размышление.
Художник не делает зарисовок на натуре, иногда используя фотографии для создания работ. И, кажется, характерность его работ напрямую связана со свойством памяти, в которой воспоминания хранятся в мельчайших деталях. Наподобие тому, как Евгений Ухналев до сих пор в подробностях помнит первый день войны, или то, что на окнах их лагерного барака не снимались новогодние снежинки вырезанные из бумаги, потому что лето было очень коротким.

Евгений Ухналев родился в Ленинграде в сентябре 1931 года. Вместе с родителями пережил первую блокадную зиму, после чего семью эвакуировали на Урал. Обратно в Ленинград Ухналевы возвращаются сразу после блокады. Евгений начинает заниматься в Средней художественной школе при Академии художеств. Но по настоянию отца он уходит из СХШ в судостроительный техникум. Вскоре после того как художнику исполнилось 17 лет, его арестовали по 58-й статье Уголовного кодекса. Его обвинили в подкопе под мавзолей и покушении на Сталина и приговорили к смертной казни, но позже заменили казнь на двадцать пять лет лагерей. Почти год он провел в тюрьме «Кресты», потом — в воркутинском лагере работал в «шарашке» (так именовали лагерные научно-технические бюро), сначала копировщиком, потом архитектором. Художник находил возможность зарисовывать на кусочках бумаги, размером чуть больше почтовой марки, пером и тушью лагерные пейзажи, состоящие из выходов угольных шахт и бараков. Он много рисовал портретов тех, с кем общался, раздаривая их на память. Из лагеря Евгений Ухналев вышел после смерти Сталина в 1954 году. Через пять лет последовала реабилитация.

Евгений Ухналев вернулся в Ленинград, где начал работать сначала техником, потом архитектором в различных проектных институтах. Больше он нигде не учился: опыта в шарашке хватило, чтобы стать специалистом.

Восемь лет, начиная с 1967 года, Евгений Ухналев работал главным архитектором Эрмитажа, где занимался реставрацией фасадов и интерьеров, оформлением выставок. После ухода из Эрмитажа, много работал дома, иллюстрируя книжные издания. С этого времени он начал много заниматься живописью и графикой.

В восьмидесятых Евгений Ухналев участвует в выставках неофициальных художников Ленинграда.

Ухналев — автор проекта памятника жертвам Сталинских репрессий в Санкт-Петербурге. В 1997 году ему присвоено звание Народного художника России.

Ринат Волигамси. Снег и дым. 2008
Ринат Волигамси. Большая медведица. 2008

Уфимский художник Ринат Волигамси выбирает для своего способа познания советской реальности метод фотореализма, но идет гораздо дальше его первой исторической формации, возникшей в 60-е годы в творчестве американских гиперреалистов.

Изображение реальности фотографически точным путем на основе документалистики с максимальным достижением эффекта драматического отчуждения предметов фиксировало кризис модернизма и начало эпохи, провозгласившей «смерть автора». Волигамси заимствует лишь метод, но делает все возможное, чтобы воскресить художника. Он намеренно использует приемы, невозможные для классического фотореалиста. Художник не просто не отстраняет себя от изображенного, а, напротив, вторгается в ткань художественно-документальной реальности, намеренно обнаруживая свое присутствие различными эффектами. Волигамси явно не желает оставлять мир таким же суровым и беспристрастным, каким он запечатлен в фотодокументалистике военных времен. Художественная реальность дает автору субъективное право вмешиваться в прошлое, обнаруживая его глазами художника, меняя суровый облик времени на более совершенный мир, в котором есть место не только войне и холодному документу, но и фантазии, мечте, желанию преобразить действительность, в которой возможен внезапно падающий снег, льющийся поток света и вечно горящие звезды.

+Изолитература

Большая медведица, 2008

Документально точно воспроизведенный художником, словно по линейке расчерченный городской пейзаж, своей архитектурной строгостью, графичностью, лаконичностью и ясностью выразительных средств создает эффект пустого пространства, единственным персонажем которого является царь, восседающий на коне. Одиночество царя в городе, созданного волей прадеда, документируется художником как факт исторической иронии.

8. Валерий Вальран. Стол.

История о стольности

[…]

На этой картине реалистичный и, казалось бы, вполне узнаваемый стол, укрытый скатертью, отчего-то больше похож на полотна Мондриана, чем на своих мебельно-текстильных собратьев из обыденной жизни.

Расчерченные таким образом пространства часто появляются на картинах Валерия Вальрана. Можно сказать, что игра с пространством и изучение пространства – одна из основных тем его живописного исследования. […]

12 3 4 5 6 7 8 9 10 Следующая ⇒