Книга мертвых» - важнейший источник изучения культуры и искусства Древнего Египта

Ббювал, Джилберт, Бадж, Матье, Павлов, Померанцева, Кинк.

Синтез искусств.

Ванслов «Эстетика ис-ва и искусствозн.»

3 гр. С-за ис-в:

С-з пластич. Ис-в на основе арх-ры.2. с-з синтетич. Ис-в(театр).3. с-з отдельных пар ис-в.С-з ис-в –органич. худож. целое, обладающ. новым качеством по отнош. к каждому входящ. в него.

Взаимодействие ис-в –это процесс контактного взаимовлияния структур эл-тов одной системы или различных систем в рез-те кот. происходит качест. и количест. изменения дан. эл-тов. Процесс взаим-я назыв. Интеграцией: 1. инт-я влияния одного на др. вид рез-том кот. явл. кач. и колич. измен. кажд. вида.2. объединение видов ис-в, в рез-те кот. образ. нов. вид ис-ва, несущий в себе некотор. черты старого так и нов. вида.

Виды и формы интегр. процессов: 1. инт-я техник, ср-в выразит-ти, стилей, жанров в пределах одного вида ис-в.2. с-з различ. видов ис-в с др. видами(фигур. кат., танцы)

Кандинский, жак делькроз(муз. хореография ж-сь), орф, захарина-утковская(цвет звук число)

Синтез искусств (Греч.- соединение) - соединение нескольких разных видов искусства в художественное целое. При этом имеется в виду не механическое соединение, а создание качественно нового художественного явления. Синтез искусств проявляется в разных областях художественной деятельности. К синтезу постоянно стремятся архитектура и монументальное искусство. В результате взаимодействия архитектуры, монументального и декоративно-прикладного искусства рождается художественно организованная бытовая среда. Примером такого синтеза являются знаменитые дворцовые ансамбли. Яркий пример многостороннего синтеза представляет собой религиозное искусство любой эпохи.

Еще древнегреческие храмы украшались скульптурными композициями. В неразрывном единстве выступают архитектура, скульптура, живопись и прикладное искусство в средневековых соборах. Синтетическим видом искусства является театр, объединяющий драматическое, музыкальное, изобразительное искусства. Соотношение между участвующими в синтезе искусствами может быть различным.

В истории искусства известны разнообразные формы синтеза. Архитектура и монументальное искусство постоянно тяготеют к объединению, создавая архитектурно-художественный синтез, в котором живопись и скульптура, выполняя собственные задачи, также расширяют и истолковывают архитектурный образ. В этом пространственно-пластическом синтезе обычно участвуют декоративно-прикладное искусство (средствами которого создаётся предметная среда, окружающая человека), а также нередко произведения станкового искусства.

Синтез временных искусств (поэзия, музыка) осуществляется во всех жанрах вокальной и вокально-театральной музыки (песня, романс, кантата, оратория, опера и др); Театр, кино и родственные им временно-пространственные искусства по своей природе синтетичны, они объединяют творчество драматурга (сценариста), актёра, режиссёра, художника, а в кино также оператора; в музыкальном театре драматическое искусство выступает в единстве с вокальной и инструментальной музыкой, хореографией и т. д. искусство режиссёра эстетически объединяет компоненты художественного театрального или кинематографического произведения в новое целое.

Синтез может осуществляться на разных уровнях: внутри вида искусства (например, использование методов документального кино — хроники, репортажа и т. д. — в игровом фильме) и между искусствами (например, введение кинематографического изображения в театральное действие).

Различным может быть соотношение между участвующими в синтезе искусствами. Один вид может полностью доминировать, подчиняя себе другие (например, древнеегипетская архитектура подчиняет себе скульптуру и живопись); всеобщее значение может приобрести качество, присущее одном у из искусств (например, " архитектоничность" пластических искусств в классицизме, " пластичность" в древнегреческом искусстве, " живописность" в барокко). Как в отдельные исторические эпохи, так и в соответствии с конкретным замыслом художника виды искусства могут тесно срастаться между собой (архитектура и скульптура готики), гармонично дополнять друг друга (в эпоху Возрождения) и находиться в контрастном сопоставлении (во многих сооружениях 20 в.).

Для эпохи первобытнообщинного строя характерен синкретизм — первоначальная нерасчленённость видов искусства, которые были непосредственно вплетены в деятельность человека и его ритуалы. В средневековых храмах внутреннее пространство насыщается одухотворённостью образов живописи становящейся неотъемлемой частью архитектуры: художественное и реальное пространство сливаются в одно символическое целое, дополняемое литургической поэзией и музыкой

В культуре поздней готики и особенно Возрождения, с усилением светских начал искусства и всё большей индивидуализацией творчества, происходит распад органической " соборной" универсальности средневекового С. и. Складываются новые нормы синтеза, основанные на осознании самостоятельной роли каждого из искусств. в 16—17 вв. были с особой полнотой разработаны общие принципы соединения искусств в едином ансамбле. В искусстве рококо и просветительского классицизма 18 в. важной целью С. и. становится создание художественной жилой среды, утверждающее высокое значение повседневного бытия.

В условиях буржуазного общества разрушаются многие формы С. и., прежде всего архитектурно-художественный синтез. Стиль " модерн" на рубеже 19—20 вв. предпринял попытки практического возрождения синтеза в быту на основе архитектуры. Развивая идеи синтетической культуры (У. Моррис, X. ван де Велде), рационалисты 1920-х гг. (представители конструктивизма, " Баухаузе" стремились к созданию целостной художественной среды, активно направляющей жизненные процессы; Значительные работы в области С. и. связаны в 20 в. с созданием крупных мемориальных сооружений, выставочных комплексов

Идеи С. и. в советской культуре возникли с первых её шагов: они содержались в ленинском плане монументальной пропаганды, нашли свое выражение в агитационном искусстве периода Октябрьской революции и Гражданской войны, в деятельности архитекторов и художников, создававших общественные здания новых типов.

Каталог художественной выставки: задачи, структура, значение

(список)- систематизированный свод, перечень, составленные в алфавитном порядке представления авторов или анонимных произведений; один из важнейших видов научной и просветительской работы музеев и выставочных организаций. Выставочные каталоги издаются с 18 в. В каталоге указываются автор произведения, годы его жизни, название произведения, его размеры, материал, техника, годы создания, инвентарный номер; часто указывается подпись, датировка, проставленная автором, надписи на произведении, владелец, представивший произведение. Бывают, особенно в новейших каталогах, и более подробные сведения об авторе. Обычно каталогу предшествует статья, характеризующая собрание музея или программу выставки. Каталоги, как правило, иллюстрируются. Во Вт п. 20 в. стали популярны очень подробные богато иллюстрированные каталоги с развернутыми проблемными статьями и богатейшим справочным и иллюстрационным материалом; зачастую такой каталог имеет значение, не меньшее чем сама выставка. В современных каталогах часто воспроизводятся все представленные произведения или их значительная часть.

Художественная форма

Вся история искусства свидетельствует о том, что художественная ценность и сила воздействия произведений искусства во многом зависят от выразительности художественной формы и от её соответствия содержанию произведения

Искусство – отображение жизни. Объект искусства – весь окружающий художника мир, существующий до, вне, не зависимо от человека. Предмет искусства – конкретно-целостное бытие личности, взятой в единстве самых разных ее сторон и качеств ( любой вид искусства отображает только то, что касается человека).

Содержание искусства – творчески отраженная художником действительность, увиденная и познанная с позиции его мировоззрения и жизненного опыта с одной стороны, и жанровых и видовых особенностей искусства с другой. Форма – внутренняя организация содержания; способ соединения различных элементов художественного языка, характерный для данного вида искусства. Делакруа говорил, нельзя противопоставить цвет форме и цвету содержание, так как художники должны мыслить цветовыми пятнами. Взаимопроникание формы и содержания начинается еще с замысла художника. Замысел – не фиксированное, изменчивое понятие. Замысел фиксируется в эскизах.

Составляющие содержания:

1. идея (выражается в общих понятиях: мужество, материнство).

2. тема (главная общая мысль произведения, выражает отношение автора к действительности)

Выразить идею полно в словесном виде принципиально невозможно. Идея носит синтетический характер, так как она включает в себя эмоции, философские, эстетические, политические, этические взгляды автора. Прогрессивность идеи определяется мировоззрением художника. Появляется понятие безыдейное и идейное произведение. Идеал самое динамичное, что есть в произведении.

Тема – жизненный материал, который воспроизводится автором в его творении. Значение темы в показе значительности материала произведения. Конфликт не отделим от понятия темы. Конфликт – воспроизведение в искусстве борьбы и столкновений человеческих характеров, идей, взглядов, поступков. Существуют вечные проблемы (гамлетовский, макбетовский, фаустовский). Конфликт бывает очевидный и скрытый – это универсальный компонент содержания. Очевидный – компонент завершенного художественного произведения. Скрытый – форма творческого мышления.

Форма:

1. композиция

2. сюжет

3. совокупность выразительных средств

Композиция

– может быть структурной или иметь вид потока (частный вариант построения).

- общее построение произведения и сочетание в нем всех элементов, позволяющее с наибольшей полнотой выразить художественный замысел.

Композиция:

1 Фаворский: стремление цельно воспринимать, видеть и изображать разно пространственное и разно временное (в основе приведение к цельности)

2 Юон: конструкция, распределение частей произведения и структура, которую они формируют

3 Успенский: произведение, в котором синтезировано множество точек зрения

4 Волков: замкнутая структура с фиксированными элементами, связанная единством смысла

Цель композиции: выявить в произведении главное, существенное, в его органических взаимосвязях с не существенным, и донести авторскую идею до зрителя. Чем сложнее мысль, тем более сложная композиция (не в количестве элементов, а сам процесс сложный)

сюжет – явл. формой эстетич. освоения х-ком окруж. его мира и ср-вом внутрен. организации жизнен. мат-ла.Основные направления:

1. Форма в одних случаях – то, что я воспринимаю (вижу, слышу); в других – характер того, что я воспринимаю.

2. Форма – выражение абстрактных закономерностей то мышления, то эмоциональных реакций.

3. Может быть, форма – нечто непознаваемое, допускающее только субъективные произвольные толкования.

Маца («Форма и ее теория») говорит: «Художественная форма – это приведенная к единству совокупность чувственно воспринимаемых средств и приемов, в которых реализуется художественный замысел и идейное содержание произведения.

Теоретические труды Дюрера.

В последние годы жизни Дюрер подготовил и издал свои теоретические труды: Руководство к измерению циркулем и линейкой (1525),

Наставление к укреплению городов, замков и крепостей (1527),

Четыре книги о пропорциях человека (1528).

Искусство Дюрера, сама его личность, его теоретические работы оказали огромное влияние на развитие немецкого искусства 1-й пол. XVI в., творческое становление всех крупнейших немецких мастеров этого времени. Творчество Дюрера привлекало и его итальянских современников. Гравюры Дюрера пользовались в Италии таким успехом, что даже выпускались их подделки. Прямое влияние гравюр Дюрера испытали многие художники Италии.

Перевод литературного наследия Дюрера на русский язык представляет значительные трудности. Живой и образный, местами приближающийся к разговорному, язык писем Дюрера или " Дневника путешествия в Нидерланды" нелегко поддается переводу. Обилие устаревших выражений, а в трактатах — отсутствие установившейся научной терминологии и разнообразное применение некоторых терминов и понятий еще более усложняют задачу.

Среди художников немецкого Возрождения Альбрехт Дюрер выделяется не только силой своего дарования, но и широтой интересов и разносторонностью знаний. Жажда знаний, стремление к широкому образованию — характернейшая черта Дюрера. Живописец и гравер, он пробовал свои силы и в архитектуре, занимался теорией фортификации, изучал математику, интересовался различными областями естественных наук.

Стремясь возвысить искусство Германии над ограниченностью и узостью средневекового ремесла и поднять его до высот разума и наук, Дюрер прибегал не только к резцу и кисти, но, как истинный представитель Возрождения, пытался воздействовать и силою слова. Первым из художников Германии он оставил помимо картин и гравюр богатый литературный архив.

Сюрреализм. Сальвадор Дали.

Сюрреали́ зм (фр. surrйalisme — сверхреализм) — направление в искусстве, философии и культуре, сформировавшееся к началу 1920-х во Франции. Отличается подчёркнуто концептуальным подходом к искусству, использованием аллюзий и парадоксальных сочетаний форм.

модернистское направление в литературе, изобразительном искусстве и кино, зародившееся во Франции в 1920-х гг. и оказавшее большое влияние на западную культуру.

Сюрреализм — последнее из крупных художественных направлений XX в. У его истоков литературные опыты А.Бретона и Ф.Супо, поддержанные авторитетом Луи Арагона. Это течение, вначале захватившее французскую литературу, очень скоро выходит за пределы.

Основателем и идеологом сюрреализма считается писатель и поэт Андре Бретон. Подзаголовком «сюрреалистическая драма» обозначил в 1917 году одну из своих пьес Гийом Аполлинер. Одними из величайших представителей сюрреализма в живописи стали Сальвадор Дали, Макс Эрнст и Рене Магритт. Наиболее яркими представителями сюрреализма в кинематографе считаются Луис Бунюэль, Жан Кокто, Ян Шванкмайер и Дэвид Линч. Сюрреализм в фотографии Филиппа Халсмана.

Основное понятие сюрреализма, сюрреальность — совмещение сна и реальности. Для этого сюрреалисты предлагали абсурдное, противоречивое сочетание натуралистических образов посредством коллажа и технологии «ready-made». Сюрреалисты были вдохновлены радикальной левой идеологией, однако революцию они предлагали начать со своего сознания. Искусство мыслилось ими основным инструментом освобождения.

Это направление сложилось под большим влиянием теории психоанализа Фрейда (правда, не все сюрреалисты увлекались психоанализом, например, Рене Магритт относился к нему весьма скептически). Первейшей целью сюрреалистов было духовное возвышение и отделение духа от материального. Одними из важнейших ценностей являлись свобода и иррациональность.

Сюрреализм коренился в символизме и первоначально был подвержен влиянию таких художников-символистов, как Гюстав Моро (фр. Gustave Moreau) и Одилон Редон.

Работы сюрреалистов были выполнены без оглядки на рациональную эстетику, используя фантасмагорические формы. Сюрреалисты работали с такими тематиками, как эротика, ирония, магия и подсознание.

Однако хаотичность образов порой уступала место их большей продуманности, и сюрреальность становилась не просто самоцелью, но обдуманным методом высказывания идей, стремящихся разорвать обыденные представления (пример тому — зрелые работы классика сюрреализма Рене Магритта). Такая ситуация хорошо видна в кинематографе, продолжившем традиции сюрреализма, потерявшие со временем свежесть в живописи и литературе. Примеры — картины Луиса Бунюэля, Дэвида Линча.

Хотя центром сюрреализма был Париж, с 1920 по 60-е года он распространился по всей Европе, Северной и Южной Америке.

Сальвадор Дали (1904-1989 Фигерос Каталония ). Сальвадор Дали очень рано проявил себя как человек необычайного живого ума. Получил образование в мадридской Академии художеста и сначала писал в духе академизма, серьезно увлекался " метафизической живописью". Первая выставка работ Сальвадора Дали прошла в ноября 1925г. в Барселоне.В это время он пишет композиции, в которых изображает морские пейзажи - " Женщина перед скалами", 1926. Сальвадор Дали знакомится с Пикассо и Бpeтоном присоеденяясь к группе сюрреалистов, и в 1929 полностью внедряется в неё. Тогда же он знакомится с Галой Элюар, которая вскоре становится его женой и вдохновительницей. Сальвадор Дали создал сюрреализму блестящую рекламу.Он увлечён изображением на холсте образов, вызванных свободными ассоциациями. Отсюда картины Сальвадора Дали, на которых под видимостью тонкой оптической иллюзии предметы растягиваются (мягкие часы) растворяются. Искусство Сальвадора Дали вырастает именно из сюрреалистической эстетики в которой он нашел близкие ему мотивы: чувство потерянности человека в огромном мире. Сюжеты, переходящие из одной картины Сальвадора Дали в другую, открывают вселенную его личных переживаний. Все эти мотивы нашли отражение и в поэмах и фильмах, снятых в сотрудничестве с Бюнюэлем (" Андалузский пес", 1928, " Золотой век", 1930). В 1936 Сальвадор Дали совершает неожиданный и подчеркнутый поворот к итальянскому классицизму. В 1940-48 он живет в США. По возвращении в Испанию он живет в Порт-Лигат в Каталонии. В своем творчестве Сальвадор Дали обращается к самым разным источникам - нидерландскому реализму, итальянскому барокко, абстракционизму, попарту. С 1970-х Сальвадор Дали нередко прибегает к методам, позволяющим как можно реальнее передать рельефность (наподобие голографии или стереоскопиии). Жизнь и творчество Сальвадора Дали причудливо сплелись в единое мистическое целое, как ещё одно произведение художника.

Понимание места Сальвадора Дали в истории современного искусства сходно с восприятием его картин - ощутимые и четкие образы оказываются одновременно полными неопределенности и двусмысленности. Судя по тому, что известно о его ранней юности, им двигало желание отличаться от своих современников, и в то же время ему хотелосьбыть признанным ими главенствующей личностью со своими всегда правильными взглядами.

Психологическое объяснение - самому Дали оно очень нравилось - могло бы быть таковым, что он ясно осознавал свою собственную неполноценность, которую ему нужно было как-то компенсировать. Но если все обстояло таким образом, откуда взялись эти чувства и как они развились? Его жизнь в небольшом каталонском городке Фигерас на севере Испании, казалось, была счастливой и типичной для выходца из провинциальной семьи среднего достатка.

Венецианская школа живописи

Колпинский, Белоусова «Джорджони», Ефремова «Тициан», Антонова Андреева «Веронезе». Вступление. Возрождение-время величайшей культуры, переломное для истории Европы между средневековьем и Новым временем, заложившее основы европейской культуры и искусства. В центре- реальный мир и человек. Гуманистические идеи- подражание природе. Новая изобразительная система, изучение натуры, перспективы. Мифологическая тематика, портрет, элементы пейзажа, бытового, исторического жанра. Италия-центр культуры. Термин «Возрождение» ввел в 16 в. Джорджо Вазари. Это время возрождения интереса к античности. Искусство светское, интерес к наукам. В Венеции долго сохраняется республиканский строй, в результате торговли – богатство. Искусство развивается позднее, чем в других городах, Возрождение утверждается во в.п.15 в. В живописи византийские и готические традиции. Своеобразие: стремление к повышенной праздничности колорита и композиции, больший интерес к пейзажному фону и окружающей человека среде. Художники: Карло Кривели (Мадонна с младенцем), Антонелло да Мессина (Портрет старика, Мария Антуанетта), Джентиле Беллини (Портрет Моххамеда II), Витторе Карпаччо (Эпизоды из жизни Св.Урсулы для скуоло ди Сан Орсола). Высокое Возрождение: взлет искусства. Географические открытия, торговля, вражеские завоевания, интерес к античности, идеалы гуманизма, проблема гражданского долга, подвига, подражание природе, синтез искусств. Джованни Беллини – его искусство опровергает мнение о декоративном характере венецианской школы. Его занимают проблемы богатства внутреннего мира человека, и это станет занимать важное место в деятельности мастеров венецианской школы. Для него характерна детализация, некоторая обобщенность, естественность (Озерная мадонна; Моление о чаше; Мадонна с деревцами; Портрет дожаЛеонардо Лоредано). Джорджоне: новатор в живописи, пишет обнаженное тело (Спящая Венера с Купидоном; Юдифь; Мадонна Кастельфранко). Тициан: помощник Джорджоне: постепенный переход от мягкой моделировки форм и мягкого сдержанного, холодного сияния красок Джорджоне к мощным, залитым светом колористическим решениям. У Тициана свое понимание красоты, которое он вносит в эмоционально-образный строй языка венецианской живописи. Герои его менее утончены, чем герои Джорджоне, менее загадочны, более активны, проникнуты человеческим началом (Цыганская мадонна; Дама за туалетом; Соломея; Флора; Любовь земная и небесная; Лежащая Венера Урбинская; Венера перед зеркалом, алтарные картины, портреты). Цель Тициана: передать определенное душевное состояние. Образы свободны от физиологизма, они прекрасны и физически, и духовно. Им присуще единство чувства, мысли и образа. Веронезе: его образы скорее праздничны, чем героичны. Но их жизнерадостность, декоративность, тончайшее богатство живописной формы необычайны. Его интересует лишь праздничная сторона быта (Брак в Канне). Красочные композиции правдивы в целом. Зрелый период отличается постепенным изменением живописной системы. Композиции становятся многолюдными. Толпа – как некое единое целое. Сложные краски, звучность.

Заключение. Венецианское искусство эпохи Возрождения является частью итальянского искусства и тесно связано с очагами художественной культуры Возрождения в Италии, общность исторических и культурных судеб. Возрождение в Венеции сложилось позже, чем в других центрах. Венеция была одним из наиболее развитых центров. Культура связана с величием, пышностью имперской культуры, утонченностью культуры арабского мира, искусство утверждало богатство и мощь. Лишь в 15 в происходит переход искусства на светские позиции художественной культуры Возрождения. Своеобразие: стремление к повышенной праздничности колорита и композиции, интерес к пейзажному фону. Вклад венецианской школы в искусство Итальянского Возрождения не только носит несколько иной характер, чем вклад любой другой школы, в этом искусстве представлен особый вариант развития принципов Возрождения.

Российская Академия Художеств в XVIII в.

Учреждена решением Сената в 1757 по инициативе Ломоносова и Шувалова. В качестве профессоров приглашены иностранцы (Дидро, Менцель, Роден). До революции президентами АХ были члены императорской фамилии, а почетных академических званий удостаивались представители дворянства. Задачи: 1) развитие ХО, 2) развитие искусства и архитектуры. В АХ принимали и крестьян, была очень демократична. С 1761 директор – Кокоринов, преподавали многие художники. В 1765 заложено главное здание. Идея воспитания патриотизма в художнике, профессионализм. Разрабатываются методические пособия. В очень короткие срок АХ удалось воспитать художников и архитекторов, поднявших русское искусство до уровня высших достижений мирового искусства. Преподаватели и члены АХ проектировали здания (дворцовые комплексы в Царском селе, в Петергофе итд). Баженов- профессор Римской АХ Св Луки итд. Роль – просвещение российского общества (выставки, открытые для критики, библиотека, музей).

1802 – новый этап. В устав внесены статьи, установившие приоритет высшего образования и всех сфер общественной жизни. Обязанность – проекты украшения столиц, крупных городов, апробирование крупных монументов, проведение конкурсов, оговаривалась политика предпочтения русских мастеров при распределении заказов. Участие в международных художественных выставках. В АХ принимали студентов разных национальностей. Роль в становлении начального художественного образования. АХ курировала деятельность своих выпускников. Выставки- поднятие уровня преподавания в художественных школах. АХ вырабатывала принципы – гражданственность и патриотизм – в обучении, соблюдение тщательного изучения рисунка и композиции.

71. Развитие русской скульптуры в XVIII в.

Расцвет скульптуры стал знаменателен для русского искусства небывалым развитием ваяния, появлением нового западноевропейского типа скульптуры, которое было связано с процессами, происходившими внутри русского искусства 18 в., и благодаря культурным контактам России с передовыми западноевропейскими странами. Основной перелом произошел в развитии русской пластики в Петровскую эпоху. Если первая половина 18 в. отмечена сравнительно не столь широким развитием русской скульптуры, то вторая половина этого столетия — время подъема искусства ваяния. Не случайно вторую половину 18 в. и первую треть 19 в. называют «золотым веком» русской скульптуры. Блестящая плеяда мастеров в лице Шубина, Козловского, Мартоса и других выдвигается в ряд крупнейших представителей мировой скульптуры. Особенно выдающиеся успехи были достигнуты в области скульптурного портрета, монументальной и монументально-декоративной пластики. Появляется интерес к осязаемой трехмерности предметного мира. Поднимается спрос на пластику, который удовлетворялся русскими и иностранными мастерами, работавшими в России. Статуарная скульптура стала закупаться за границей. Коллекциями скульптуры владели русские монархи и аристократы Шереметьевы, Юсуповы, Строгановы, Голицины. Предметы ваяния концентрировались в столичных и губернских центрах России, в дворянских усадьбах. Была распространена и культовая деревянная скульптура, резьба. Иностранные скульпторы стали учителями русских мастеров (К.Растрелли, К. Оснер, Н.Жилле). Флорентийский мастер К. Растрелли в своих произведениях наиболее полно выразил эпоху барокко, ее эстетические идеалы, двойственность, стремление к идеализации, конкретное ощущение натуры. Андреас Шлютер: создал в России серию рельефов для летней резиденции Петра I в Петергофе, пробудил интерес к барочной пластике у русского заказчика. Щедрин: Скульптура Адмиралтейства в Петербурге: Кариатиды- 2 обрамляющие главные ворота группы из женских фигур, поддерживающих сферу- Геспериды, дочери Атланта- тема героического труда на пользу человечества, утверждение военно-морской мощи России. Щедрин сыграл большую роль в практическом решении синтеза архитектуры и скульптуры. Ярким явлением русского искусства стал скульптурный портрет, возникновение которого было связано с новым представлением о человеке- деятельном, предприимчивом, обладающим незаурядными умственными способностями, стремлением к знанию. Карл Растрелли: Портретная статуя императрицы Анны Иоанновны с арап.В этом произведении поражает, с одной стороны, непредвзятая правдивость портретиста, с другой — пышная парадность решения и монументализация образа.Бронзовый бюст Петра I; Бронзовый бюст Меньшикова. Большинство бюстов были выполнены в бронзе, иногда использовали чугун, воск. Во Вт.п. 18 в. в скульптуре развивается классицизм, связанный с эпохой Просвещения. Скульптура связана с архитектурой в виде рельефа. Классицизм использует в скульптуре античные, мифологические образы. В последней трети 18 в. развивается мемориальная скульптура, представленная в виде надгробий, монументов. Фальконе: Медный всадник- Свежесть и оригинальность замысла памятника, выразительность и содержательность образа, крепкая органическая связь конной фигуры и постамента, учет видимости и прекрасное понимание пространственной постановки памятника на обширной площади — все эти достоинства делают создание Фальконе подлинным шедевром монументальной скульптуры. Козловский: Памятник Суворову на Марсовом поле в Петербургетремясь полнее характеризовать полководца, Козловский придал его фигуре одновременно собранность и динамичность; размеренная сила поступи героя сочетается со смелостью и решительностью взмаха правой руки, держащей меч. Фигура полководца вместе с тем не лишена свойственной скульптуре 18 в. грациозности и легкости движений.. А. Иванов: Крещение Ольги- надгробие; Надгробие Голициной; Надгробие Собакиной; Царские врата Преображенского собора в Перми.

Российская Академия художеств во второй половине XIX – начале ХХ вв.

Ученики: Репин, Суриков, Ге, Крамской, Куинджи, Шишкин и мн.др. художники и скульпторы- огромная заслуга АХ в развитии отечественного искусства: заложены основы их творчества, профессионализм, принципы работы с натуры. В.п. 19в. в истории АХ- время между реформами: с к.50-х- введение нового Устава, способствовавшего улучшению образовательной подготовки учащихся, до 1893- коренная реформа всей системы специального образования. Еще в начале века, когда АХ попала в ведение Министерства Императорского двора, обозначились признаки кризиса внутри АХ, но все еще сохраняется обучение в соответствии с прежними правилами. С к. 40-х противоречия отразились в открытом противостоянии официального искусства искусству реальному. К с.19 в. официальное искусство утрачивает высокий пафос государственности и гражданственности, идут поиски идеала. В.п. 19 в. силы, от которых зависела судьба академической школы- профессора и чиновники. 60-е гг.- глубочайший кризис царизма и пробуждение общественной активности демократических и революционных сил, распространение идей просветительства. особенность академической школы: строгая последовательность процесса обучения, постепенное овладение более сложными задачами, копирование образцов классического наследия. основа классицистического метода обучения- изучение классики и работа с натуры. Новые задачи- объективно и правдиво передать видимое. Ученики: Шишкин, Перов, Якоби, Чистяков, Мясоедов и др. С к.50-х- жанровая живопись, сцены из современности, актуальные сюжеты. Критический реализм не был ведущим направлением в искусстве. В 19 в. забота о художественном образовании России лежала на АХ. Структура АХ: состав- профессора живописи, скульптуры, архитектуры. Все решения совета контролировались царем или высшей властью. 1863- из академии выходит 14 учеников, меняется структура, новый устав становится более демократичным. Противоречие политики совета АХ: профессора поощряют традиционные классические программы, а с другой стороны- противоположные по направлению и образному строю, либеральные идеи. Атмосфера терпимости к творческим исканиям молодежи в к.50-н.60-х. 70-80-е- контрреформы, борьба революционного народничества, разгром и кризис народничества. В АХ поощряется русская тематика. Слияние академических и передвижных выставок- начало открытой конфронтации, борьба направлений в искусстве. Возникает специализация. Выставочная деятельность, новая форма- международные и всемирные выставки. АХ- организатор художественных отделов на всех всемирных выставках. 1872- созданы «Бесплатные классы рисования для народа». 1879- организованы «Педагогические курсы». Дело изучения и охраны памятников искусства: 60-е- проект надзора за художественными произведениями, 70-80-е- экспедиции в другие русские города. Издательская деятельность: с н.60-х публикация материалов по истории АХ, те по истории русского искусства, начиная с 18 в. АХ- высшая художественная школа, ведущая в России. Но устарела вся система специального обучения. Кризис АХ- не самые лучшие преподаватели, упадок уровня на выставках, коррупция, раскол с передвижниками.1893- новая реформация АХ, новый устав, в котором выделялось академическое собрание, реорганизованы мастерские; профессора- Шишкин, Маковский, Бенуа и др. Обучение велось не в классах, а в мастерских. Качество обучения улучшается. Ослабился контроль над процессом обучения. Реализм и демократизм. Ленин упростил Совет АХ. Когда произошла революция, все исследования были приостановлены и деятельность АХ тоже. Появились новые формы искусства (плакат, декорационное искусство приобретает более широкие черты итд). АХ была консервативным заведением, поэтому в ней сохранились старые формы. Студенты охотно принимали нововведения и участвовали в конкурсах. После революции 1917 Ленин подписал декрет, объявляющий АХ государственным заведением и она была упразднена. Высшее художественное училище (Свободные художественные мастерские) было сохранено, преподавательский состав сохранился. Исследования в это время не ведутся. С 1934 деятельность АХ входит в спокойное русло, преподаватели- Иогансон, Юон, Матвеев и др. ВОВ наносит АХ огромный урон, но она продолжила свое существование и не прерывала занятий. Заслуга АХ- развитие искусствоведения в России. В процессе исторического развития прогрессивное значение деятельности АХ то усиливалось, то ослаблялось, со временем она стала оплотом консерватизма. В 1863 группа ее выпускников во главе с Крамским покинула АХ и создала Артель художников- приверженцев демократического реализма и современных сюжетов.

Искусствоведческая работа

Помимо создания картин важную роль в жизни художника занимает исследовательская и просветительская работа. Грабарь много писал об искусстве в журналах — в «Мире искусства», «Весах», «Старых годах», «Аполлоне», «Ниве» и др. Его перу принадлежит текст в издании «Картины современных художников в красках», редактором которого он также состоял; он же является редактором и крупнейшим сотрудником предпринятого И. Н. Кнебелем издания «История русского искусства», а также серии монографий «Русс

12 3 4 5 6 7 8 9 10 Следующая ⇒