Эволюция творчества. Отход от сюрреализма

В 1937 году художник посещает Италию и остаётся в восторге от произведений Ренессанса. В его собственных работах начинает доминировать правильность человеческих пропорций и другие черты академизма. Невзирая на отход от сюрреализма, его картины по-прежнему наполнены сюрреалистическими фантазиями. Позднее Дали (в лучших традициях своего самомнения и эпатажности) приписывает себе спасение искусства от модернистской деградации, с чем связывает своё собственное имя («Salvador» в переводе с испанского означает «Спаситель»).

В 1939 году Андре Бретон, насмехаясь над Дали и коммерческой составляющей его творчества (каковой, впрочем, Бретон и сам не был чужд), придумал ему прозвище-анаграмму: «Avida Dollars» (что по-латыни не совсем точно, но узнаваемо значит «алчный до долларов»).

ЕГО РАБОТЫ

Сон, вызванный полётом пчелы вокруг граната за секунду до пробуждения (1944)

Обнажённый Дали, созерцающий пять упорядоченных тел, превращающихся в корпускулы, из которых неожиданно сотворяется Леда Леонардо, оплодотворённая лицом Гала (1950)

Распятие или Гиперкубическое тело (1954)

Тайная вечеря (1955)

Конструктивизм.пуризм.ар-деко

Второго важнейшее течение архитектурного авангарда – конструктивизм – сформировалось несколькими годами позднее рационализма. Лидер конструктивистов А.Веснин так определял кредо возглавленного им течения:

«Я считаю, — писал он, — что художник… должен делать новые вещи… Безразлично, будет ли данная вещь целесообразна и утилитарна (инженерное строительство, вещи обихода) или только целесообразна (лабораторная работа с задачей разрешения проблемы новой современной формы), каждая данная вещь, созданная современным художником, должна войти в жизнь как активная сила, организующая сознание человека, действующая на него, психофизиологически, вызывая в нем подъем энергетической активности…».

Если А.Веснин (в содружестве с братьями) был творческим лидером архитектурного конструктивизма, то его ближайшим соратником и помощником по организационным вопросам стал М.Гинзбург, который принял на себя роль теоретика и пропагандиста конструктивного стиля.

К концу 1925 года вокруг Веснина также сложилась группа единомышленников. Их творческую организацию, учредителями которой выступили А.Веснин, М.Гинзбург, Я.Корнфельд, В.Владимиров, А.Буров, Г.Орлов, А.Капустина, А.Фуфаев и В.Красильников, назвали Объединением современных архитекторов (ОСА).

В отличие от рационалистов конструктивисты имели свой периодический печатный орган – журнал «Современная архитектура», который выходил на протяжение пяти лет (1926-1930) раз в два месяца.

Борьба конструктивистов за утверждение творческих принципов этого течения уже к середине 20-х годов привела к тому, что конструктивизм стал фактически наиболее влиятельным направлением в отечественной архитектуре того периода.

Внес свой вклад в популяризацию конструктивного стиля и И.Голосов. Голосов увлекается разработанными к середине 20-х годов конструктивистскими приемами и активно включается в их совершенствование, становясь к 1925 году звездой первой величины на небосклоне конструктивизма.

Любимого ученика А.Веснина И.Леонидова Ле Корбюзье назвал «поэтом и надеждой русского архитектурного конструктивизма», однако сам Леонидов стал одной из самых трагических фигур отечественной архитектуры. Будучи, без сомнения, одним из одареннейших художников своего времени, Леонидов не осуществил практически не одного из своих проектов (если не считать лестницы в парке санатория в Кисловодске, построенной в 30-е годы).

Одним из наиболее мощных генераторов творческих идей наряду с Леонидовым на этапе становления новой архитектуры был и талант К.Мельникова. Основной вклад Мельникова в расширение формообразующих возможностей архитектуры состоял в том, что художник пошел по пути органической «игры» пространства и простой объемной формы. Главное в своеобразии творчества Мельникова – это мышление в процессе проектирования одновременно пространством интерьера и объемной композицией. Мельников моделирует оригинальный внешний объем здания путем организации оригинального внутреннего пространства. Наиболее характерные примеры такого подхода – клубы им.Русакова, «Свобода», «Буревестник», памятник Колумбу, собственный дом архитектора в московском Кривоарбатском переулке, Дворец народов, где органично слиты воедино интерьер и внешний облик сооружения.

Архитектурный конструктивизм – это советский авангардистский стиль (1920-е – первая половина 1930-х годов).
Создатели конструктивизма ставили себе за цель решение нескольких важных задач, которые были созвучны советской идеологии. Эта идеология призывала архитектора обустроить окружающую среду так, чтобы сама архитектура задавала направление всем жизненным процессам трудящихся. Именно с помощью архитектуры трудящие должны были принять все непривычное и новое, в том числе передовые техники строительства из бетона, металла и стекла. Роскошность модерна конструктивисты фактически задавили строгостью и монолитностью зданий, подчеркнутым утилитаризмом форм.
Теорию архитектурного конструктивизма обосновали в своих выступлениях А.

Веснин и М. Гинзбург. На практике эти принципы реализовались в проекте Дворца труда для Москвы, созданного братьями Весниными в 1923 г. Практическое воплощение этого проекта поражало современников четкостью, рациональностью плана и выявленными во внешнем облике здания конструктивными основами из железобетонного каркаса.
После создания в 1924 году официальной творческой организации конструктивистов – Объединения Современных Архитекторов (ОСА), его представителями был разработан «функциональный» метод проектирования. Метод основывался на научном анализе особенностей функционирования архитектурных сооружений и градостроительных комплексов. Он должен был также отражать новые отношения между людьми, ведь советскому человеку, согласно идеологии, нечего было скрывать от государства. Поэтому архитекторы могли позволить себе революционные в то время огромные окна и прозрачные междукомнатные перегородки. Главные архитектурные объекты конструктивизма изображали быт рабочего класса: дворцы труда, фабрики-кухни, рабочие клубы, дома-коммуны.
Но уже в середине 1930-х годов авангардную архитектуру конструктивизма подвергли критике и объявили «формалистическим и буржуазным явлением». Конструктивизм со временем уступил место архитектурным течениям, ориентированным на традиционные стили.

ПУРИЗМ

Примитивизм в искусстве

Примитивизм служит для того, что с помощью определенных приемов (методов упрощения) сделать понятным и ясным впечатление от произведения. Наивное искусство может помочь зрителю прояснить изначальный замысел. Этот жанр позволил соединиться свежим художественным течениям и этническим традициям, а, также чистым детским рисункам. Примитивизм, особенно тот, что имеет сближение с детским рисунком, является ни чем иным, а стилистически законспирированным экспрессионизмом, недаром этот стиль является вариантом экспрессивного жанра живописи. Многие картины примитивизма, очень близки и в большей степени к символизму, так как большинство этнических рисунков, которые дали жизнь примитивизму, являются именно символическими картинками. Одним словом, примитивизм – это упрощенные, примитивные образы, лишенные подробностей и лишних деталей, созданные для более доступного понимания замысла художника.

Пуантилизм в живописи

Пуантилизм (от фр. pointiller - писать точками) - картина либо рисунок, выполненные отдельными мазками, точками, небольшими прямоугольниками и др. Частые мазки или точки наносятся на поверхность с учетом на их оптического смешения в глазу зрителя. В результате человек видит на картине не отдельные точки, а реальное изображение чего либо. Пуантилизм изобрел французский художник Ж.Сера, основываясь на научной доктрине о специфике работы глаза и цветовосприятии. Смешение трех независимых друг от друга цветов – красный, голубой, желтый или других, получают большую яркость и выразительность, чем смешение этих же красок на палитре перед рисованием. Дивизионизм - есть не что иное, а второе название пуантилизма.

Пуризм в искусстве

Пуризм (франц. purisme, от лат. purus - чистый). Течение во французском искусстве 1910–20-х годов. Пуристы стремились передать максимально упорядоченные, устойчивые и лаконичные формы, очищенные от лишних деталей, а также первичные элементы. Для этого жанра характерны плоскостность, плавные движения и легкие силуэты, различные контуры простых предметов – кувшины, тарелки и т.д. в наше время художественные принципы пуризма нашли отражение в архитектуре, в частности постройках Ле Корбюзье

В 1918 году появился манифест «пуризма» — книга художника Амеде Озанфгша (р. 1886) и швейцарца-архитектора Шарля Эдуарда Жаннере (Ле Корбюзье, р. 1887). Основное положение пуристов заключалось в требовании выражать «общее, статическое, неизменное», основываясь на геометрическом принципе кубизма. Пуризм использовал систему геометризации пластической формы для создания живописных произведений, тесно связанных с конструктивизмом в архитектуре, одним из главных представителей которого был тот же Корбюзье. Их приемы были предназначены, по существу, лишь для монументального искусства — панно, декоративных фризов — и нашли широкое применение именно в этой области. Лучшие результаты их поисков сказались, например, в гобеленах, вытканных по картонам Корбюзье и Жана Люрса (р. 1892).
Фернан Леже. Известным мастером, близким к пуризму, был Фернан Леже (1881—1955). В начале 20-х годов Леже отошел от кубизма и выработал собственную систему, сложившуюся после его поездки в Италию и изучения классической живописи Ренессанса. В его творчестве 1920-х и 1930-х годов выражены поиски устойчивых закономерностей в противовес кубофутуристическому разложению формы. Однако эти поиски основываются на идеалистическом представлении о господстве машинной эстетики над органическими формами в современной жизни, и образ человека приобретает в работах Леже механизированный, лишенный жизненной органичности характер. Леже подчеркивает объемность предметов, по применяет для этого условный прием, придающий изображению механический характер, как если бы человеческая фигура состояла из металлических труб и шаров. Он строго следит за сохранением ощущения плоскости стены или холста, не позволяя объемной форме нарушать или прорывать эту плоскость. Характерными работами Леже являются его «Женщина с вазой» (1927) или «Натюрморт с зонтом» (1932). Леже использует ясные, чистые пятна спектральных тонов, сочетая их со вспомогательными черными, серыми и белыми, столь же четкими пятнами. Особенно ясно его система сказывается в витражах и других монументально-декоративных работах.
Леже, принадлежавший к революционно настроенным кругам интеллигенции, активно выступал в защиту мира. Одна из его работ последнего периода — «Строители» (1950, Биот, Музей Леже) — показывает стремление художника вернуться к большой теме со сложным социальным содержанием. В 1945 году Леже вступил в Коммунистическую партию Франции.

АР-ДЕКО

р-деко́ ^[1], также арт-деко ^[2]^[3] (фр. art dé co, досл. «декоративное искусство», от названия парижской выставки 1925 года фр. Exposition Internationale des Arts Dé coratifs et Industriels Modernes, рус. Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств) — влиятельное течение в изобразительном и декоративном искусстве первой половины XX века, которое впервые появилось во Франции в 1920-х годах, а затем стало популярно в 1930—1940-е годы в международном масштабе, проявившееся в основном в архитектуре, моде, живописи, и переставшее быть актуальным в период после Второй мировой войны. Это эклектичный стиль, представляющий собой синтез модерна и неоклассицизма. Стиль ар-деко также имеет значительное влияние таких художественных направлений, как кубизм, конструктивизм и футуризм.

Отличительные черты — строгая закономерность, смелые геометрические формы, этнические геометрические узоры, богатство цветов, щедрые орнаменты, роскошь, шик, дорогие, современные материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа, алюминий, редкие породы дерева, серебро). В США, Нидерландах, Франции и некоторых других странах ар-деко постепенно эволюционировал в сторону функционализма.

Небоскрёб компании «Крайслер» в Нью-Йорке

Международная выставка, прошедшая в 1925 году в Париже и официально называвшаяся «Exposition Internationale des Arts Dé coratifs et Industriels Modernes», дала жизнь термину «ар-деко». На этой выставке миру были показаны предметы роскоши французского производства, доказавшие, что Париж остался интернациональным центром стиля и после Первой мировой войны.

Само направление ар-деко существовало и до открытия выставки в 1925 — это было заметное течение в европейском искусстве 1920-х гг. Американских берегов оно достигло только к 1928 году, где в 1930-х оно преобразовалось в Streamline Moderne^[en] — американизированное ответвление ар-деко, ставшее визитной карточкой этого десятилетия.

Париж оставался центром стиля ар-деко. В мебели его воплощал Жак-Эмиль Рульманн — самый известный из дизайнеров мебели той эпохи и, возможно, последний из классических парижских é bé niste (краснодеревщиков). Кроме того, характерны работы Жана-Жака Рато, продукция компании «Sü e et Mare», ширмы Айлин Грей^[en], изделия из кованного металла Эдгара Брандта, металла и эмали швейцарца еврейского происхождения Жана Дюнана, стекло великого Рене Лалика и Мориса Марино, а также часы и ювелирные изделия Cartier.

«Морской дом^[en]» на набережной Ванкувера

Символом ар-деко в декоративно-прикладном искусстве стала скульптура из бронзы и слоновой кости. Вдохновляясь «Русскими сезонами» Дягилева, искусством Египта и Востока, а также технологическими достижениями «века машин», французские и немецкие мастера создали уникальный стиль в малой пластике 1920-х — 1930-х гг., который поднял статус декоративной скульптуры до уровня «высокого искусства». Классическими представителями ар-деко в скульптуре считаются Дмитрий Чипарус, Клер Жан Робер Колине, Поль Филипп (Франция), Фердинанд Прайсс, Отто Поэрцель (Германия), Бруно Зак, Дж. Лоренцль (Австрия).

Хотя термин ар-деко возник в 1925 г., он не был часто употребляемым до смены отношения к этой эпохе в 1960-х. Мастера стиля ар-деко не входили в некое единое сообщество. Движение считалось эклектичным, находившимся под влиянием нескольких источников.

«Венский сецессион» раннего периода (Венские мастерские); функциональный индустриальный дизайн.
Примитивное искусство Африки, Египта и индейцев Центральной Америки.
Древнегреческое искусство (период архаика) — наименее натуралистичное из всех.
«Русские сезоны» Сергея Дягилева в Париже — эскизы костюмов и декораций работы Льва Бакста.
Гранёные, кристаллические, фацеточные формы кубизма и футуризма.
Колористическая палитра фовизма.
Строгие формы неоклассицизма: Буле и Карла Шинкеля.
Эпоха джаза^[en].
Растительные и животные мотивы и формы; тропическая растительность; зиккураты; кристаллы; колористическая чёрно-белая гамма клавиш рояля, мотив Солнца.
Гибкие и атлетичные формы женщин-спортсменок, которых стало очень много; острые углы коротких стрижек у представительниц клубной жизни — флэпперов.
Технологические достижения «века машин» — такие как радио и небоскрёбы.

Мастера ар-деко любили использовать такие материалы, как алюминий, нержавеющая сталь, эмаль, инкрустации по дереву, кожа акулы и зебры. Активно применяли зигзагообразные и ступенчатые формы, широкие и энергичные кривые линии (в отличие от мягких текучих кривых модерна), мотивов шеврона и клавиш фортепьяно. Некоторые из этих декоративных мотивов стали повсеместными, например, узор клавиш, который встречался в дизайне дамской обуви, батарей отопления, лекционных залов Радио-сити и шпиля небоскреба Крайслер билдинг. В этом стиле охотно оформлялись интерьеры кинотеатров и океанских лайнеров, таких как «Иль де Франс» и «Нормандия». Ар-деко был роскошен, и считается^{[источник не указан 530 дней]}, что это роскошество — психологическая реакция на аскетизм и ограничения в годы Первой мировой войны.

Стилевым направлением, которое развивалось параллельно с ар-деко и близко к нему примыкало, было «Streamline Moderne» (название от англ. streamline — «линия обтекания» — термина из области аэродинамики). В «стримлайн модерн» ощущается влияние промышленных штамповочных и аэродинамических технологий. В итоге в произведениях этого стиля появились очертания самолётов или револьверных пуль. Когда дизайн первого массового автомобиля фирмы Крайслер, «Chrysler Airflow^[en]», оказался популярным, обтекаемые формы стали использоваться даже для точилкок, зданий и холодильников.

Некоторые исследователи считают ар-деко вариантом или ранней формой модернизма^{[источник не указан 530 дней]}.

Ар-деко незаметно исчез после подъёма массового производства, когда к нему стали относиться как к кричащему, безвкусному и поддельно-роскошному. Окончательный конец этому стилю положили лишения Второй мировой войны. В колониальных странах, таких как Индия, ар-деко стал воротами к модернизму и не исчезал до 1960-х гг. Возрождение интереса к ар-деко в 1980-х гг. было связано с графическим дизайном, а ассоциации ар-деко с лентами в стиле «фильм нуар» (film noir) и очарованием 30-х гг. привели к тому, что его стали вновь использовать в ювелирном искусстве и моде.

Ар-деко и архитектура СССР

Ар-деко оказал заметное влияние на архитектуру 30-х годов, явившись, наряду с постконструктивизмом и неоклассицизмом, одним из источников сталинской архитектуры^{[источник не указан 530 дней]}. С сильным влиянием этого стиля был построен ряд станций Московского метрополитена: первая очередь (Сокольническая линия), несколько станций второй очереди (Замоскворецкая линия, например, станция «Аэропорт»).

Стоквартирный дом (Новосибирск, 1934–1937), архитектор А. Д. Крячков, В. С. Масленников

Станция метро «Аэропорт» (Москва, 1936–1938), архитекторы Б. С. Виленский, В. А. Ершов

Влияние

Ар-деко был столь популярен, что использовался в дизайне автомобилей, мебели, посуды, фарфора, текстиля, ювелирных изделий, часов, а также технических устройств — радио, телефонов и музыкальных автоматов. Сильное влияние ар-деко оказал на архитектуру, дизайн интерьера, промышленный дизайн, моду, графику и кинематограф. В 1930-е ар-деко широко использовался для проектирования вокзалов, океанских лайнеров и парков развлечений.

Предыдущая 1 2 3 4 5 6 78Следующая