Основные архитектурные тенденции конца ХХ - начала ХXI вв. Творчество Н. Фостера, С. Калатравы, Д. Либескинда, М. Ботта, З. Хадид.

Венский акционизм
Если классическое искусство могло пугать только статичными изображениями ужасающих событий и действий, то современные художники часто устраивают такого рода действия сами. Более всех в этом жанре преуспели так называемые венские акционисты — группа радикальных австрийских художников, появившаяся в 1965 году, в которую входили Герман Нитш, Курт Крен, Отмар Бауэр, Отто Мюль, Гюнтер Брюс, Рудольф Шварцкоглер и другие. На отечественных интернет-сайтах, торгующих DVD с редкими фильмами, сборник видеозаписей венских перформансов часто относят к жанру ужасов. Что вполне правомочно. Акции Германа Нитша, например, представляли собой своего рода " дионисийские мистерии", одним из постоянных элементов которых были настоящие кровь и внутренности забитых животных. А Гюнтер Брюс во время одного из перформансов резал бритвой собственное бедро, пил из стакана свою мочу и мастурбировал, распевая национальный гимн Австрии. Участников этой акции, состоявшейся в 1968 году, посадили в тюрьму за оскорбление национальных символов, а сам жанр перформанса в Австрии надолго был запрещен.

-А. Райнер.

Арнульф Райнер (Arnulf Rainer) - один из самых знаменитых и самобытных художников современной австрийской живописи. Хотя ярко выраженный индивидуализм его творческого пути вряд ли кто-то оспорит, работы Райнера могут быть интерпретированы в контексте эволюции австрийского модерна.

В то время, как другие молодые живописцы в Европе первой половины ХХ века ориентировались на Париж и кубизм, чей взгляд был обращен вовне, венские художники открыли внутреннее пространство человеческого духа, мощь инстинктов и подсознательного, для передачи которого на холсте Кокошка, Шиле, Герстл и др. нашли собственные изобразительные средства. Такие тенденции были характерны не только для визуального искусства, но также музыки и литературы. В этот же период Зигмунд Фрейд разработал свою революционную теорию, с помощью психоанализа подтверждавшую интуитивные искания артистов.

Основные архитектурные тенденции конца XX - начала XXI вв.

Творчество

-Н. Фостера,


Терминал аэропорта «Станстед», Великобритания, 1991	Факультет права, Кембриджский университет, Великобритания, 1995	Метро Бильбао, Страна Басков, 2004 (линия 2). Павильоны «fosterito»	Павильон «Клайд аудиториум», известный также как «Армадильо» Шотландского центра выставок и конференций, Глазго
Коммерцбанк во Франкфурте (самое высокое здание Европы в 1997-2004)	Международный аэропорт Гонконга, 1998	Станция «Canary wharf» лондонского метро, 1999	Купол Рейхстага в Берлине
Мост «Миллениум» в Лондоне, 1999-2002	Перекрытие-оболочка двора Британского музея (реконструкция), 2000	«Сити-холл», Лондон, 2002	Здание швейцарской страховой компании «Swiss Re», известное также как «Корнишон», в Лондоне.
Виадук Millau, Франция, 2004	Sage Gateshead, Гейтсхед, Великобритания, 2004	Hearst Tower в Нью-Йорке	Выставочный зал в Сингапуре

- С. Калатравы,

Сантьяго Калатрава Вальс (исп. Santiago Calatrava Valls, род. 28 июля 1951) — испанский архитектор и скульптор, автор многих футуристических построек в разных странах мира. Его эстетику иногда определяют как «био-тек».

Биография

Калатрава родился 28 июля 1951 г. в Валенсии. Занимался в Школе архитектуры и в Школе искусств и ремёсел в родном городе. Закончив образование в 1975 г., устроился на работу в Швейцарская высшая техническая школа Цюриха (известный также как ETH, или ETHZ) в Цюрихе, где получил диплом инженера.

В своем творчестве Калатрава испытал влияние ле Корбюзье. В 1981 году Калатрава открыл свою мастерскую в Цюрихе, причем работал и как архитектор, и как инженер. Его первым проектом стал ангар завода компании Jakem в швейцарском Мунхвиллене (1983-1985). В 1989 он открыл филиал своего бюро в Париже.

Творчество

Небоскрёб Turning Torso(" Скрученная фигура" ) в Мальмö. 54 этажа. Строился с 2001 по 2005 годы. Вид со стороны пролива Эресунн

Мост Субисури в Бильбао.

-Д. Либескинда,

Даниэль Либескинд (Daniel Libeskind; р. 12 мая 1946, Лодзь, Польша) — американский архитектор-деконструктивист еврейского происхождения. Американское гражданство получил в 1965 г.

Даниэль Либескинд изучал музыку в Израиле (по стипендии Американо-Израильского культурного фонда) и в Нью-Йорке, где проявил себя как виртуозного исполнителя. В дальнейшем музыка играла существенную роль в его архитектурном проектировании на стадии разработки концепции. Д. Либескинд получил архитектурное образование в Купер Юнион (Cooper Union) в Нью-Йорке (-1970), а также второе высшее архитектурное образование по специальности «история и теория архитектуры» в Школе Сравнительных Исследований в Эссекском университете, Англия в 1972 г.

В 1989 г. Д.Либескинд основал бюро Studio Daniel Libeskind^[1] в Берлине. После победы бюро в конкурсе на проект нового комплекса на месте бывшего Всемирного торгового центра в Нью-Йорке в 2003 году правление студии переехало в Нью-Йорк. Либескинд на сегодняшний день является одной из самых ярких фигур в мировой архитектуре. Для него характерен междисциплинарный подход, стремление критически переосмыслить архитектурную деятельность

На данный момент Даниэль Либескинд помимо проектной деятельности преподает и читает лекции во многих университетах по всему миру: университетах Торонто, Йеля, Пенсильвании, а также университете Дизайна в Карлсруэ (Германия) и имеет почетную докторскую степень в берлинском университете Гумбольдта (1997), колледже искусств и гуманитарных наук Эссекского университета (1999), университете Эдинбурга, чикагском университете DePaul (2002) и университете Торонто (2004). Возглавлял архитектурный факультет Крэнбрукской академии искусств (1978-85). В 1986-89 основал и возглавил архитектурное училище в Милане. Один из семи архитекторов, принимавших участие в выставке «Архитектура деконструктивизма» (1989). Известность приобрел преимущественно своими берлинскими проектами (в частности, Еврейский музей, 1999). Выиграл конкурс на генеральный план перестройки территории бывшего World Trade Center в Нью-Йорке.

Его творчество — не только архитектура, но и философия, и музыка, причем в этих областях он так же высоко профессионален, как и в архитектуре. Сложно назвать другого архитектора, для которого музыка была бы столь органичным элементом архитектоники сооружений. Музыка, геометрия, слово — источники вдохновения в творчестве Либескинда-архитектора. Он строит здания, пишет философские эссе, ставит оперу (в 2000 году в Лейпцигской опере Либескинд не только выступил в качестве постановщика, но и дирижировал оперой Оливье Мессиана).

Тексты Либескинда, даже по сравнению с текстами П.Айзенмана или Б.Чуми, очень сложны, полны смутных метафор (часто музыкальных и мифологических). В своих текстах он использует метод зачеркивания (у Деррида: употребления термина традиционной метафизики, например, опыт, может быть более менее корректно только при одновременном перечеркивании его, удаляющим из него традиционное значение). Либескинд деконструирует понятие поверхности, стены («Поверхность должна умереть. Доказательство»^[2] — в этой статье Либескинд словно теорему доказывает псевдоматематически свое утверждение, используя абстрактные символы). «Линия всегда перпендикулярна вибрации, испускаемой Богом, который впервые поцеловал треугольники, затем ставшие равносторонними /…/»^[3] — примерно в таком же духе написана вся статья. Кроме того, в своих текстах Либескинд одновременно говорит на множестве языков (и древних, и современных, и несуществующих в природе), переворачивая слова и буквы во всех направлениях, пуская их зигзагообразно, наискось, сталкивая друг с другом, вклинивая между буквами цифры, ^[4] превращая сам текст в некий шифр. И если его читать прямо, то ничего кроме бессмыслицы в нем найти не удастся. Дело в том, что Либескинд, как в текстах, так и в своих архитектурных проектах, использует метод чтения между линиями (как и Айзенман, который все же основные поиски направляет именно на архитектуру, а не на текст).

Очень важно для Либескинда понятие «Новый Модернизм», который связан с ощущением Конца. Ясно, что конец XX века не есть конец пути, хотя неизбежно апокалиптическое предчувствие грядущих изменений. В культурном сознании эта граница старого и нового уже перейдена, и появилось ощущение, что изменилась атмосфера существования, изменились желания и побуждения людей, а, следовательно, изменился и образ мышления. Либескинд полагает, что модернизм продолжался не десять, двадцать или сто лет, что это был период, длившийся около трех тысяч лет и только сейчас подходящий к концу. То есть, он имеет в виду, что период обогащения человеческого интеллекта, то великое, что привнесли в видение мира Сократ, его предшественники и последователи, заканчивается. Мир будет существовать еще тысячи лет, однако в духовном смысле эмпирическая реальность, точнее — конкретная концепция отношения к миру — приближается к абсолютному Концу. В некотором смысле Новый Модернизм есть Конец, эмблема Конца. В связи с этим, Либескинд как архитектор считает, что архитектура вступила в сферу, которая пока еще не очень ясна. Это не сфера доводов разума и не сфера ясно построенных категорий. Приближение к Концу, по мысли Либескинда, означает освоение всего опыта, накопленного к этому моменту. Свою теорию Либескинд попытался воплотить в проектах «Берлин по краям» (Berlin City Edge, 1987) и Еврейском Музее в Берлине (Jewish Museum, Berlin, 2000).

-М. Ботта,

Ботта спроектировал своё первое здание в шестнадцать лет, после этого учился в Милане и Венеции. Ещё тогда он познакомился с Ле Корбюзье и Луисом Каном, оказавшими на него значительное воздействие. После выхода из университета Ботта открыл архитектурное бюро, занимавшееся строительством вилл. Крупные заказы начали поступать в 1980-е. Тогда Ботта спроектировал здания медиатеки в Виллербане (1984-88) и кафедрального собора в Эври под Парижем. Незадолго до этого он пробует себя и в дизайне.

Расцвет творчества Ботты приходится на рубеж 20 и 21 веков. В это время он создаёт многие культовые и культурные сооружения, свободно смешивая традиции античной и средневековой архитектуры с находками современности, не забывая и о теоретических построениях — в это время он посещает с лекциями множество учебных заведений в Европе и Америке. Среди созданных по проектам Ботты зданий — музеи в Сан-Франциско (1990—1994), Базеле (1993-96) и Роверето (1988—2002), синагога в Тель-Авиве (1996-98), библиотека в Дортмунде (1995-99) и Бергамо (2004), церкви и часовни в Монте-Тамаро (1990-96) и Моньо (1986-98).

Собор в Эври

Музей в Роверето

Церковь Сан-Джованни в Моньо

Музей в Сан-Франциско

-3. Хадид.

Заха Хадид (араб. ز ه ا ح د ي د ‎ ‎ ; англ. Zaha Hadid; 31 октября 1950, Багдад, Ирак) — британский архитектор арабского происхождения, ученица Рэма Кулхаса, представительница деконструктивизма. В 2004 году стала первой в истории женщиной-архитектором, награждённой Притцкеровской премией.

Биография

Заха Хадид родилась в 1950 году в Багдаде (Ирак). С 1972 по 1977 год училась в Архитектурной ассоциации в Лондоне. Начав карьеру в бюро ОМА своего учителя, видного голландского архитектора и теоретика деконструктивизма Рема Колхаса, в 1980 Заха Хадид основывает собственную архитектурную фирму Zaha Hadid Architects.

Она предлагает варианты постройки обитаемого моста над Темзой (1966), перевёрнутого небоскрёба для английского города Лестера (1994) и клуба на вершине горы в Гонконге (1983). Проектирует здания оперы в Кардиффе (1994), Центров современного искусства в Огайо (1988) и Риме (1999)… Эти и другие проекты приносят ей победу в престижных архитектурных конкурсах (первый был выигран в 1983 в Гонконге), интерес, а затем и популярность среди профессионалов, но остаются на бумаге. Во многом — из-за неготовности заказчиков принять её нестандартный и оригинальный дизайн.

Постепенно к Захе Хадид приходит признание. Одной из первых осуществлённых разработок становится пожарная часть мебельной компании Vitra, напоминающая бомбардировщик «Стелс» (1993).

Творчество

По словам самой Хадид, всплеск интереса к её творчеству начался после того, как (в 1997 году) был построено здание музея Гуггенхейма в Бильбао по проекту Фрэнка Гери. А после участия в строительстве Центра современного искусства Розенталя в Цинциннати США, открывшегося в 1993 году, идеи Захи Хадид становятся по-настоящему востребованными.

Архитектор всегда пыталась разрушить общепринятые каноны и «растянуть» рамки привычного пространства, придав ему мощный динамический импульс. С этой же целью — усиления внутреннего движения и деформации — Заха Хадид, полностью отметая общепринятую геометрию, использует искаженную перспективу, выявляющую острые углы и кривые линии.

Кроме работы с крупными формами, Заха Хадид создаёт инсталляции, театральные декорации, выставочные и сценические пространства, интерьеры, обувь, картины и рисунки. Её работы есть во многих музейных коллекциях — таких, как MoMA, Немецком музее архитектуры во Франкфурте-на-Майне (DAM) и других. Также она читает лекции и устраивает мастер-классы по всему миру, каждый раз собирая полные аудитории.

Заха — автор нескольких коллекций мебели. Её наиболее известные работы в области мебельного дизайна — светильник Chandelier Vortexx, и кресло Cristal, выполненные для Sawaya & Moroni.

В 2005 году её избрали дизайнером года в рамках первой выставки дизайна Design Miami.

Заха Хадид в России

Заха Хадид неоднократно бывала в России. 31 мая 2004 года церемония вручения Прицкеровской премии Захе Хадид состоялась в здании Эрмитажного театра в Санкт-Петербурге. В 2004 Заха Хадид выступала с лекцией в московском ЦДА (Центральный дом архитектора). В 2005 году в рамках выставки АРХ-Москва Заха Хадид провела мастер-класс.

В 2005 году компания Капитал-Груп заявила о своём сотрудничестве с Захой Хадид при проектирования жилого комплекса «Живописная Тауэр» на Живописной улице в Москве.

Заха Хадид является членом Международного попечительского комитета по созданию в Москве музея Дома Мельникова^[1].

-Пожарная часть «Витра» (1994).

Изобразительное искусство на рубеже ХХ-ХХ1вв.

83. Изобразительное искусство на рубежеХХ-ХXI вв. Неопоп. «Новые британские художники». Развитие экспрессионистической традиции в скульптуре и живописи. Лейпцигская школа.

-Неопоп.

— направление, возникшие в 80-е годы ХХ столетия как реакция на концептуализм и минимализм.

Нео-поп не является принципиально новым художественным движением, а скорее представляет собой эволюцию поп-арта с его интересом к предметам массового потребления и знаменитостям мира популярной культуры, только уже с иконами и символами нового времени (Майкл Джексон, Мадонна, Бритни Спирс, Пэрис Хилтон и др.).

Прекрасными примерами нео-попа могут служить скульптуры Катарины Фрич «Rat-King» (1993) и Джеффа Кунса «Michael Jackson and Bubbles» (1988). Нео-поп в значительной степени зависит от средств массовой информации и как источника вдохновения, и как средства для продвижения (примером может служить творчество Дэниела Эдвардса с его неоднозначными скульптурами обнаженных знаменитостей).

В творчестве многих художников нео-попа помимо поп-арта можно обнаружить влияние минимализма, концептуального искусства и фотореализма.

- братья чемпинг-зиготик

Джефф Кунс

-Майкл Джексон и Бабблз, 1988

-заяц

-щенок

Дэмиен Хёрст

-расчленённая британия

-акула в формалине

-бриллиантовый череп

Трейси эмин

-моя кровать

-Выставка Ван Ду в Yerba Buena Art Center, Сан Франциско,

-«Новые британские художники».

- — название, которое дали группе современных художников из Великобритании, большинство из которых учились в Голдсмитском колледже в Лондоне.

Название «Молодые британские художники» закрепилось за ними после выставки в Галерее Саатчи в 1992 году, которая принесла им славу.

Наиболее известными художниками из этой группы является Дэмиен Херст и Трейси Эмин, а ключевыми работами — «The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living» (акула в формальдегиде Херста) и «Моя кровать» Трейси Эмин.

Точкой отсчета для Молодых британских художников стала выставка Freeze организованная в 1988 в Лондоне Дэмиеном Херстом, который в тот момент был еще студентом.

Одним из посетителей выставки Freeze был Чарльз Саатчи, крупный коллекционер современного искусства и один из основателей рекламного агентства Saatchi& Saatchi. Саатчи купил первую большую инсталляцию Херста с мертвыми животными — «A Thousand Years», состоящую из большого стеклянного контейнера с личинками, мухами и коровьей головой (эта инсталляция стала позднее заметным экспонатом выставки «Sensation»).

Саатчи стал не только главным коллекционером Херста, но и главным спонсором для других Молодых британских художников. Рынок современного искусства в Лондоне рухнул в середине 1990-х во время экономической рецессии, многие коммерческие галереи современного искусства ушли из бизнеса.

Коллекция Саатчи публично выставлялась на ряде шоу в большом здании бывшей фабрики в районе Сэнт-Джонс Вуд на севере Лондона. Предыдущие выставки Галереи Саатчи включали работы таких художников как Энди Уорхол, Филипп Гастон, Алекс Кац, Ричард Серра, Ансельм Кифер, Зигмар Польке, Герхард Рихтер. Теперь Саатчи обратил свое внимание на Молодых британских художников.

Саатчи создал бренд Молодых британских художников серией выставок, которые начались в 1992. Заметным экспонатом была акула Дэмиена Херста (The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living), которая стала символом британского искусства 1990-х. Также Саатчи обеспечил внимание средств массовой информации. Молодые британские художники вдохнули жизнь в новую генерацию британских коммерческих галерей, таких как Karsten Schubert, Sadie Coles, Victoria Miro, Maureen Paley’s Interim Art, Jay Jopling’s White Cube, и Antony Wilkinson Gallery.

[править] Sensation

Укрепление статуса YBA произошло в 1997 году, когда Королевская академия, которая имеет репутацию оплота консерватизма, устроила большую выставку работ Молодых британских художников — Sensation. Фактически это была демонстрация частной коллекции Чарльза Саатчи, которому принадлежало большее число произведений. Споры в средствах массовой информации о выставке, в частности, из-за работы Маркуса Харви «Myra», послужили для укрепления значения YBA. Когда шоу демонстрировалось в Нью-Йорке, возникла еще большая шумиха, вызванная работой Криса Офили.

-Развитие экспрессионистической традиции в скульптуре и живописи.

-Лейпцигская школа.

(New Leipzig School) или «Молодые немецкие художники» («YGAs», «Young German Artists») — термин относится к творчеству группы немецких художников, большая часть которых проживает и работает в Лейпциге. На вопрос о том, что представляет собой феномен «новой лейпцигской школы», Георг Базелиц ответил: «Просто ребята не знали, что живопись умерла. Им забыли сказать». Нео Раух — самый известный представитель «Новой лейпцигской школы». Для её стиля характерен новый реализм, который — будучи далек от идеологии — вышел из недр старой «лейпцигской школы» гэдээровского искусства.

[править] Особенности «Новой лейпцигской школы»

Предыдущая 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 2324Следующая